悠揚的手風琴樂聲，宛若從幽靜森林傳出的天籟音符，巧妙地串連著時下流行的電音旋律，其所碰撞出的音樂火花，光是用文字實在無法詳實描繪出那奇妙的瞬間感動，更別說用憑空想像了！來自芬蘭的當代手風琴演奏家提莫奇魯曼(Timo Kinnunen)，數十年來致力於將傳統樂器與當代音樂作出完美結合，近來更首度受邀來台參加《冬令實驗 當代音樂演奏會》，與多位傑出表演者，共同交織出一場別具實驗性卻又多元豐富的音樂會。

16 歲獲得世界手風琴比賽冠軍的提莫奇魯曼除深耕獨奏領域，同時在世界各地參與室內音樂演奏，一年舉辦數場音樂會，推廣當代、古典、即興音樂。

談起牽起自己與手風琴的不解之緣，出生自芬蘭中部小鎮Viitasaari的提莫先生，表示在自己還小的時候，有天一位演奏家帶著手風琴到村裡演出，當時的他完全被手風琴優美的樂聲所深深吸引。他形容琴聲彷彿為森林深處的灰暗帶來一束光亮，從那刻起他便為手風琴癡癡著迷，每天花上12個小時練習，更在因緣際會下參加了國際大賽並且贏得世界冠軍，開啟了他的音樂職業生涯。

勇於嘗試與發掘音樂上多變實驗性及創意性發展的他，1982年選在家鄉創立Time of Music Festival，他說從來沒有人預期會在這樣的小農村會出現這樣具創新新類型的音樂活動，更不用說至今已經成為當今世上非常重要的當代音樂盛會之一。

趁著大師此次難得來台演出，La Vie也有幸與他近距離對談交流，請他分享在音樂創作路上的堅持理想及曾遇見的趣事。

Q：提莫老師曾與已逝美國當代作曲大師John Cage合作，能否談談那次的合作印象？

A：1983年，我們策劃了許久，邀請John Cage參加Time of Music Festival。他利用了周遭的環境例如森林、飯店桌子、教堂大門等能夠發出聲響的東西，去詮釋他的演奏，帶來了前所未有的音樂型態。那是他第一次也是最後一次到芬蘭，對我來說，John Cage不只是一位音樂家，更是一位哲學家。

Q：在那次合作後，John Cage有否影響你對音樂的看法或是表演的詮釋方法？

A：John Cage對我的影響甚遠直到今日。讓我去思考音樂的本質，不一定要拘泥過去既有的型態。也讓周遭的人開始去思考，還有什麼能成為音樂？深受東方文化影響的John Cage，對我來說是位沉默大師，而我也透過他學習到沉默在東方文化是件很重要的事情。

Q：現代音樂與古典音樂的詮釋不再背道而馳，有時反而是相輔相成。請問您的看法是？

A：確實當代音樂與古典音樂是互相影響與學習。音樂的發展在每個時代都有專屬的風格，那就是當時的當代音樂。例如巴哈當時在創作時也曾遭到不合時宜的批判。同樣地，音樂發展一路到今天，就像大海一樣匯聚大大小小的支流。不論是樂手或音樂家，皆是利用這些元素去重新排列組合成新的音樂。

回頭再看這一路與這麼多不同類型的音樂家、作曲家合作，已經沒有辦法去定義我自己。有一次在瑞典演奏完，隔天報上的評論寫道「恭喜你已經沒有根源可言。」。乍看之下，也許你會覺得是種詆毀，對我來說卻是一個追求許久的自我突破。音樂本就不該有邊界，這就是我人生的夢想！

音樂很有意思，它並無具體的形體而是抽象帶有許多可能性。演奏音樂這件事就如同人生般，是個值得探索的課題。

Q：老師除了演奏當代音樂外，也十分擅長即興演出，在過程中靈感多是從何而來？

A：所謂的即興演出需要的是絕對的專注力，它是音樂的開始也是音樂的結束。

像在歐洲有種專門作即興演出的樂團，完全無事先採排。在未來，即興演出在音樂教育中將是很重要的一環，原因在於它沒有任何的標準或限制。在我的課堂中，來上課的學生們並不一定具備音樂背景。反倒是這些沒有音樂背景的學生們能創造出令人出其不意的效果。拋開那些技巧，我認為勇氣和嘗試的精神才是最重要的元素。

Q：有沒有遇過因為理念、風格大不同而無法合作的對象呢？

A：有時候會跟前輩、有時候與年輕世代的作曲家合作。並不是每一次表演的曲目或是合作對象都是雙方自願的。這種情況下，全面性溝通是非常重要的。

像是這次其中一首樂曲來自一位德國作曲家的作品，而這位作曲家鮮少在世人露面，但在合作過程中卻意外的輕鬆自在。我也曾經與探戈大師皮亞索拉合作過，當我在彈奏給他聽時心裡相當緊張，不確定是否有達到大師的期待。沒想到皮亞索拉老師反而鼓勵我再表達自己多一點。也許樂手與作曲家之間的理念是相反的，但有時候是可以激盪出不同的火花。

Q：首度來台演出，除了電音還有影像表演的曲目   這次的合作將促成甚麼樣的火花？

A：這次的演出就像大海容納百川一樣，因為這些表演者來自不同背景。各自獨樹一格然後將匯聚在這次音樂會當中。我覺得將會是非常豐富及有趣的體驗。

Q：這次的演出曲目中有6首將會是世界首演，有沒有哪一首的詮釋是最困難的？

A：其中一首是在講述北極光的景致。因為要在短時間內表現出巨大的能量與情緒，相對來說是較有挑戰性的。

Q：在長達半世紀的演奏生涯裡，什麼時候開始接觸東方的音樂？

A：我接觸過中國、印度、越南等地區的音樂，今年10月底我將會與一位印地安的小提琴手合作，以印地安風格結合當代樂的演出方式。希望在未來能有更多像這樣的結合演出機會。也不排斥能直接跟亞洲地區的樂團合作演出。

2017冬令實驗當代音樂演奏會，身為觀眾的你也許對「當代」這兩個字抱著許多想像及期待，或許你也可以不抱著任何想法前來。對立的情緒將交會參雜其中，提莫先生認為這將會是非常有趣的現象。當然，最重要的當代精神即是跳脫既有的框架及規範所展現的創意詮釋。不妨拋開對音樂的既有印象，讓我們一起沉醉在當代音樂的洗禮吧！

冬令實驗 當代音樂演奏會

時間：2017/6/3 （六） 19:30

地點：文水藝文中心 （北市南京東路二段124號 9F

購票連結 http://experimentalwinter.com/tickets/

撰文編輯 / Eva Hung

責任編輯/ Ian Liu

照片/ Eva Hung

從台北Restaurant A到倫敦Restaurant Gordon Ramsay等米其林星級餐廳，都可見到陶瓷藝術家劉子瑜的食器作品，它們低調襯托料理、也細緻為餐桌增色。可劉子瑜的創作不僅止於功能性，更延伸出獨樹一幟的藝術性，她將兼容並蓄、有機而和諧的美學，貫穿於嚴謹的創作實踐之中，展現出陶瓷創作、原始的自然力量與自我意志之間的深刻連結。

睽違三年，TAO ART推出劉子瑜個展《漸變》

即日起至2025年4月19日，台北藝術空間TAO ART推出劉子瑜最新個展《漸變 Gradations》，集結藝術家過去7年來累積的作品及創作靈光。展名「漸變」一方面點出了釉燒過程中所經歷的質變，與物質本身的可變性；另一方面則隱喻藝術家多年來的探索與創作軌跡，及作品逐漸長出的豐富樣貌。

談及創作時的心境，劉子瑜說：「在我的作品中，我最享受的是去實驗色彩的漸層變化、各種色調之間過渡的微妙差異。」上述特質也能見於《漸變》個展之中，以下精選幾件亮點作品帶看。

用陶瓷凝結自然美景

近展場入口處的細長圓柱造型陶瓷作品，是劉子瑜從2020年延續至今之作。她藉由流釉質感和高低排列組合，敏銳捕捉不同光線、不同時間之下的感性經驗：〈春寒料峭〉色彩細緻、富漸層變化，令人聯想台灣山林間的濕潤綠意，襯著藍天與雲霧繚繞的遠景；〈秋老虎〉的瑰麗釉色混合了草葉綠、橄欖綠、冷杉綠和芥黃，宛若秋陽斜落於山林、穿越樹葉間隙，瞬息萬變的景色。

對劉子瑜而言，暫時放下對器皿實用性的思考，追求自由表達，是一種嶄新的發現；這次她也首次展出全新水彩紙本創作，呼應陶瓷作品對自然意象的捕捉。

最大展間中呈現寧靜的暖色家居氛圍，以劉子瑜最為人熟知的「餘」系列為主角，並展出精彩的大幅作品〈春夏秋冬〉。其中的亮眼新作還有「池塘深處」系列，她運用礦物塗料創造具流動感、空間感的背景，並在閃爍溫潤光澤、富動態感的魚群之間覆上一層金葉，重現一幅池塘落葉的場景，將瞬間凝結為永恆，寧靜而雋永，蘊含藝術家對生命與自然的深刻感受。

融有趣想像，轉譯古典器物

這次個展中，劉子瑜也再度挑戰由傳統形制的器物發想，融入有趣和想像性的當代元素。她讓南宋青釉龍虎尊上經典的靈獸形象，變身為既像龍又像蟲的龍蝦；器蓋上，在中國傳統中象徵朱雀的鳥被巧妙地換成小螃蟹。而傳統形制的鳳耳紙槌瓶上，則棲息著優雅的蒼鷺，以她特別喜歡的灰藍色調與漸層釉色效果表現。

自在遊走於功能性、藝術性陶瓷創作間

劉子瑜與陶瓷藝術的相遇，是美好的偶然。她出生於美國加州，大學修讀商業經濟學和法語，畢業後曾想赴法國烹飪學校進修，但在啟程前邂逅並愛上陶瓷藝術，因此決定攻讀陶瓷碩士學位，以結合自己對陶土和美食的熱情。如今，劉子瑜的陶瓷作品散見於全球多間米其林星級餐廳，儘管她的創作著重於功能性，但並不受其限制，她以功能性的形式作為設計的起點，最終成品遠不止於實用的餐盤或碗具，而是蘊含深刻意義、質樸與奢華並存的獨特作品。

劉子瑜個展《漸變》

展期｜即日起至2025年4月19日

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓） 

坐落台東金樽的「江賢二藝術園區」，將於2025年3月15日正式開幕。園區建築依著海岸山脈低調棲於坡地，與太平洋相望；現已開放的5座場館包含展覽廳、藝術家駐村空間、「靜池」觀景台、德布西咖啡廳等場域，未來將持續發掘花東在地的藝術能量，同時積極與國際藝術界交流，實踐將花東打造為國際藝術聚落的想望。

源於美國東岸的夢想，在台灣東岸落地

「江賢二藝術園區」的構想，在1980年代就隱隱埋下伏筆。當時，江賢二在紐約長島東漢普敦（East Hampton）擁有一間小畫室與一塊五英畝的地，便起心動念，構想著每年夏天開放畫室給民眾參觀，讓人們有機會和自己一樣被大自然的美所啟發，這對常說著「藝術家對社會沒什麼貢獻」的他來說，是作為藝術家所能為社會做的小小回饋。

這份40年前因美國東岸而生的構想，如今在世界另一端的台灣東岸成真——園區在深耕花東多年的公益平台文化基金會董事長嚴長壽協助下逐漸成型；由江賢二與林友寒建築師一同構思園區樣貌，並在臺灣清水建築工坊、臺東在地的黃文榮建築師協助下落成。

融於自然環境的藝術園區

規劃園區之初，江賢二便向林友寒提出自己的想法：「希望園區能充分發揮大自然的美，將整體環境融入設計，而不只是展示藝術品的空間。」因此，園區規劃首重自然地景，園內5棟建築皆依海岸山脈的坡度融入環境的紋理，建材與工法以低調的清水模混凝土為主，每一棟都引進自然天光。

林友寒表示：「江老師的作品本身就具有空間性，他並不需要別人的美學意見來設計『代表他的建築』。我們建築師的角色應該『隱形』，思考如何在台東自然生態環境中，用江老師的作品精神建構一文化公共藝術平台。」

雕塑作品化為建築，框景設計讓太平洋成畫

入園首先看到的「恭源接待中心」和「承翰館」（第三展覽廳），以江賢二雕塑作品〈13.5坪〉為原型打造，兩棟建築的屋頂採用他偏愛的耐候鋼，隨著時間的鏽蝕，將呈現深邃的紅棕色；量體稜角分明的輪廓，如落於山坡上的巨大岩石，成為迎賓最亮眼的主視覺。

步入造型與氛圍都似教堂的「承翰館」，瞬間便能感受到類宗教建築予人的神性，整座場館幾乎不見任何直角，燈光幽暗，僅有江賢二親自創作的大型燈飾〈天使的簽名〉、自天窗流瀉的台東陽光微微點亮室內，呼應著藝術家作品中的天光、蠟燭、《百年廟》系列裡的廟宇香火……各種形式、無所不在的「光」，也引導人們在此靜思。

〈13.5坪〉從雕塑正式化為建築之前，還有段有趣的故事——十多年前江賢二剛移居台東，就有以〈13.5坪〉為原型打造自宅的想法，但因建造難度高，久久找不到願意承接的建築團隊；多年後，林友寒為發想園區設計前往江賢二工作室參觀，看見角落的〈13.5坪〉便主動提出：「或許我們可以把它變成建築！」繞了個彎實現藝術家心中的願望。

位於兩座展覽廳——「信義館」與「勤誠館」——之間的「靜池」，透過水景與天色相映，牆面則特意融入框景設計，巧妙襯托出與園區相望的太平洋海景。江賢二特別在此規劃一張長椅，邀訪客在此面向大海，感受啟發其創作的光線、空氣、大海和植物；轉向另一面，則能靜賞《銀湖》系列畫作感受其中靜謐。

若「靜池」象徵啟發江賢二創作的外在環境，那位於勤誠館內的「冥想空間」則代表內在世界，這裡展出一系列貼近江賢二內心的小尺幅作品，邀人們走入藝術家如苦行般的創作世界。

從暗沈到多彩，回望藝術家不同生命階段的心境流轉

園區開幕大展《光、美與淨化》由現任日本森美術館特別顧問的藝評家南條史生，及曾策劃臺東美術館《江賢二2022個展》的藝術家紀嘉華合作，從江賢二創作裡最重要的元素──光——展開敘事，劃分出三大切面：「追尋自由」、「音樂與自然」、「精神性與希望」，體現藝術家在不同生命階段的心境流轉。

談及江賢二藝術園區歷經十幾年籌備、終於對大眾開放的心路歷程，江賢二表示：「我一直認為完成作品後就是藝術家『退場』的時候，作品交由觀眾、評論家、策展人……去解釋和討論。」而這座藝術園區即是濃縮江賢二藝術生涯的重磅之作，凝練了他從封窗到開了片露台日日面海的過程，乍看是一位藝術家超越半世紀的創作生涯，卻也是一個人探尋生命的無盡旅程。

深入參與園區建設的林友寒建築師則說，江賢二藝術園區是極其獨特的作品，「園區離它『生命的源頭』很近，藝術家仍健康在世、他的生活就面向這個場域，所有建築都和藝術家的作品有所呼應。」擔綱開幕策展、同時也是園區榮譽館長之一的南條史生也有同樣感想：「園區開啟了一個『歷史的起點』，這個場域有十幾年來江賢二創作與生活的軌跡，從今而後，訪客的參與將與園區共同寫下新的歷史篇章。」

江賢二藝術園區

地址｜台東縣東河鄉台11線73號

開幕日期｜2025.03.15