炙熱陽光永遠是國境之南最好的歡迎賀禮，台一線海天交錯的蔚藍畫面映入眼前，即便從北到南一路上風塵僕僕，然而眼前這片天然景致，倒成了讓人忘卻喧擾煩憂，具療癒效果的催化劑。正值落山風季，恆春半島隨時颳起的風力不容小覷，對外地者來說，這是冬日造訪時的意外驚喜，然而這個居民為生存與之對抗的自然現象，卻讓在地人又愛又恨。

從與風對抗到與風對話

多數人走訪恆春半島的目標，是直奔擁有陽光、沙灘與湛藍海水的墾丁，然而在半島的門戶入口處，其實有片曾懷抱藍色夢想，卻始終被遺忘的小漁港「海口」坐落於此。隸屬於車城鄉的海口，十多年前為了發展海路觀光，曾大動作在港口興建候船室以及漁市場，然而落成後卻因為觀光成效不彰，幾年下來成了全台有名的「蚊子館」。

一度懷抱的藍色海洋夢，卻如那一望無際的深藍海洋，蒙上憂鬱色彩氛圍。如今這片閒置渡船的接泊老港口，搖身一變成了能體驗也能欣賞的藝術場域，曾打造台南藍晒圖、安平樹屋的幕後推手劉國滄，利用當地落山風特性，將劣勢轉化成優勢，引領多位藝術家與團隊，在港口沙灘區打造進30組涵蓋環境、聲音、表演與生活設計的裝置藝術，讓海口從與風對抗，進階成與風對話的「落山風藝術季」新生藝術基地。

讓沉寂多年小漁村新生 30組藝術作品齊亮相

為什麼挑中海口？出任落山風藝術季策展人的劉國滄表示，因為這裡是恆春半島的入口、古瑯橋灣文化起點，曾獨立與美國簽署合約的自由之地，歷史底蘊深厚；加上山、海、港口、沙灘與社區齊備的條件，地理景觀同樣引人入勝，長久以來卻蒙受墾丁旅客過而不入的委屈。她希望藉著「落山風藝術季」舉辦料將重新喚起社區活力，將往昔精彩揉入當代藝術體驗、激發非旺季旅遊能量，徹底實踐地方創生精神。「海口這邊一向不太熱鬧，所以很期待藝術季帶來的活力，」海口村村長王春葉說：「更希望未來每年都有不同的藝術品進駐到海口！」。

落山風藝術季邀請包括四位參加過威尼斯雙年展的台灣青壯輩藝術家們共襄盛舉，作品陳列於海口村、港邊堤防、沙灘與草原等地，讓民眾得以在最自然開闊的環境中進行視覺、感覺與聽覺的多重體驗，穿梭於海口處處是驚喜。

海口戶外裝置－港口

如同大船入港的海口候船室，大面玻璃窗反射著波光粼粼的海面，當陽光照耀時，宛若港灣上的一枚鑽石，極為亮眼。在這裡，可看見攝影師陳伯義走訪海口當地的「瑯嶠顯影」，重拾與修復瑯嶠灣（恆春古名）的歷史影像。昔日與現今的場景交疊，不僅讓人見識到過往美好，也看見並省思瑯嶠灣的演進變化。

「留白的翅膀」透過排灣族百步蛇與鷹的神話圖騰，再現熊鷹飛羽的故事，也訴說早期恆春半島多元族群迭代的瑯嶠灣。古時瑯橋的發展，南排灣族是最關鍵角色。百步蛇與鷹是排灣族重要的圖騰，有其特殊的意涵。團隊創作了一個留白的形象，將邀請恆春地區的南排灣族原住民創作者在藝術季期間，完成屬於其文化圖騰。

正對著候船室的「海口碳航線」，透過舊船與木炭的結合，象徵過去美好的「海口炭」時代，也藉此希望此歷史文化與價值被更多人記住。

海口戶外裝置－沙灘

走出候船室往一旁的白沙灣走去，無人秘境沙灘頓時成了藝術家發揮創作的殿堂，藝術家王瑞亨的作品「記事本」利用風的力量在沙灘上繪圖，彷彿書寫無法預料的時間痕跡。

藝術家游文富「迎風竹浪」運用8萬根長竹籤，通過如海洋般的漸層色澤，配合落山風的節奏，與作品合奏一首天然交響詩曲。

隨風搖擺起伏的「記憶的沙丘」，由藝術家羅宗慶打造，仿沙吹動的流動感有如海波浪般。

台南人劇團團長李維睦所打造的「走那飛魚」，將風、魚加上擬人化的腳，以略帶幽默的方式呈現有趣畫面，並乘著落山風動力來轉動風車，白天與夜晚時感受更不同，隨風搖擺的裝置如寶石處處閃爍，有如躍出海面拍打著銀色水花的飛魚。

藝術家陳宗寶的作品「幸福長虹塔」，在白天帶來希望、迎接遠處歸來的漁民，到了夜晚，在暮色中發散的七彩霓虹則是如此溫暖幸福，守護著到此一遊的民眾。

有如大型頭痛藥的裝置「順風耳的困境」，由藝術家梁任宏打造，藥丸外觀樣式搭配笑臉與苦臉不同表情，像是在訴說落山風吹得人頭疼，卻又是不可忽略的在地特色，討喜紅白膠囊造型，也彷彿現代媽祖佇足於此。

在港口另一岸河堤，藝術家鄭乘騏、梁賴昌共同創作的「落山風－魚仔」，以釣竿模擬海口港常見的甩竿動作，50支釣竿順隨著風的節奏甩竿，成為詩一般的畫面。而若走累了，也不妨躺在忘憂吊床上，享受融入海天一色的風景。

除了上述作品外，落山風藝術季此次也集結台灣四所大學建築、空間設計系學生，齊在海口港灣周邊發揮創意巧思，打造出與自然、人文、地理與歷史對話的藝術裝置。除了有藝術季能看外，為期四個月的落山風藝術季，還將邀請居民與參訪民眾來趟生態旅遊、手作體驗等運用當地資源物產的各式工作坊，未來並有露營、市集、藝術家李維睦帶領「台南人劇團」與在地居民合作的海口社區劇場等系列活動。想體驗全台最會動的藝術季？今年冬天到恆春半島吹「落山風」，感受不一樣的南國風情！

屏東落山風藝術季 地理風流

時間：2018/10/26(五)—2019/03/03(日)

地點：車城鄉海口港、恆春鎮龍磐公園

https://www.lsfaf.com/

Text、Photo： Ian Liu

via 落山風藝術季

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}