「大魚的肚子裡，有座美麗島嶼。台灣是她的心，我們就住在她的心裡面。」

坐落在台南南安平港旁公園空地，有如從童話故事書中躍出的裝置藝術景點《大魚的祝福》，用生動又浪漫的姿態悄悄亮相小漁港旁，而這隻乘載台灣之心的藍色大魚，是由曾入圍金馬獎最佳短片的導演，同時也是剪紙藝術家的楊士毅（阿貴）所打造，他期許藉由這項大型藝術裝置，人們能走進其身體內，探尋那顆明亮璀璨的台灣之心，在紛擾的社會中，重新拾回並感受溫柔包容的力量！

「台灣像一尾隱形的鯨魚，在海洋中守護著我們，而我們就住在她的心裡面」電話另一頭的楊士毅老師說道，正忙著為作品進行收尾工程的他，談起最初以魚作為創作形象，除了呼應台南自古以來鯤鯓地名外，也恰巧地用其意象來比喻寶島台灣，那麼靈感是突然顯現嗎？他說：「當我看著台灣古地圖，一幅橫躺著的台灣地圖，那形體就像一條魚般，而台灣過去也曾被稱作『鯤島』，鯤是大魚的意思，而台南安平過去也被稱作鯤鯓，因此《大魚的祝福》降臨在安平港，可說是再適合不過了！」。

長久以來心中構想的童話故事，實際地在真實世界完美誕生了，長23公尺、寬10公尺、高8公尺的《大魚的祝福》，就這麼矗立在漁港旁甚是搶眼，但除了吸睛外，阿貴也希望作品能傳遞另一個重要理念，一個關於愛與包容的信念，「過去在構思這個靈感時，主要是有感於社會有太多爭吵紛擾，大家都同樣生活在同片土地上，然而卻不時在創造對立。當時看到台灣古地圖，覺得這條大魚默默在此守護，任由人們開拓闢土，乘載著島嶼上每一個人的心願，即使有愛恨情仇，但他依舊無私的包容，讓我們在大海擁有立足之地。」。

他接著說：「因此我開始思考，她如此無私，如果換成我們，是否也能像她一樣，容納不同的聲音、情緒，懂得包容多為對方著想。」，而這正是大魚所想述說的祝福之愿，他盼望《大魚的祝福》能夠讓大家有一點點反思，至少給人正面的想像。

擅於剪紙創作的阿貴，對他而言《大魚的祝福》就像是最立體的剪紙作品，以鯨魚為造型，上半部使用3714支不鏽鋼管焊接，沒有用一根螺絲固定，保有線條的洗鍊純粹，內部台灣之心圖案則以634支不鏽鋼管焊接構成，並鑲嵌448片釉燒玻璃，形成一個象徵因包容而豐富多采的島嶼。之所以選擇用鏤空手法來表現，除了有剪紙藝術意象外，更因為安平夕照聞名，不同角度、不同時間來觀賞，那自然光影間的巧妙變化，各有各自的繽紛曼妙；而虛形網狀的結構，則是要表現她像是一隻隱形的大魚，默默守護著我們。至於台灣之心，樓上樓下觀賞的感受也各自不同，有尊重也有感謝。

除了上半身鏤空線條外，作品下半部則巧妙以鯨魚腹部線條當整個作品重量的支撐，形成不落柱結構，觀賞者屆時可以進入「魚肚內」觀海景，而面對的安平港，不僅能看見美麗夕照景致，更讓這幅作品與海景融為一體，受到大魚的祝福外，也深受大海簇擁。《大魚的祝福》裝置藝術將在2019農曆年前正式完工，之後也將成為固定景點，下次有機會走訪府城，不如來安平港感受最繽紛又具包容的藝術作品！

Text：Ian Liu

圖片提供：楊士毅

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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