竹棚、滴滴聲成靈感！香港實驗舞台劇《建築城市》用搖滾、古典樂表達對城市的衝擊想像

「沒有對城市生存狀態的研究，成就不了建築。」義大利建築學家阿道羅西（Aldo Rossi）

當演員舉著「本節目音量很大」牌子緩緩走向舞台正前方，看似令人會心一笑的舉動，卻也是讓你措手不及的甜蜜警告。「忘記一座城市，跟忘記一個人，有什麼不同。」這是香港文化團體進念‧二十面體再全新劇場作品《建築城市》所拋出的議題。建築是構成城市不可或缺的元素，但不斷講求標新立異，華美造型的建築體，是否也正破壞消弭了大家對於城市的印象？

城市是人們的集體回憶，像回憶般連繫物件和地方情感，「城市不停在變化，沒有城市是永遠不變的，永遠不變的就是永遠在變的城市。」台上三名演員輪流用國語、台語、粵語以及英語四種語言貫穿，述說著同句台詞，儘管整齣戲台詞不多又具重複性，卻也擁有著如魔力般的效果，以一種漸進的方式進入觀眾腦海中，進而在內心與台上演員產生一段心靈對話，搭配著香港特有的急促滴滴聲，快與慢之間的漣漪，也不禁讓人想起心中那座城市的美麗與哀愁。

取材自阿道羅西的同名著作《建築城市》，充滿無數異想的香港跨媒體導演胡恩威，此次再度運用其擅長的多媒體科技，投射出香港經典街道影像，以及那矗立於舞台上，可謂香港象徵的竹棚搭景，之所以選擇用竹棚當作此次舞台劇不可或缺的元素，胡恩威表示：「走在香港街頭，你會發現我們許多建築物外都會有竹棚現身，我想這是最能代表香港的一種意象。」，因此當初他在構思劇本時，即想用最為傳統的技術搭載新穎科技項目，描繪一段新舊並存的詩意城市故事。

音樂是流動的建築，建築是凝固的音樂

當然有了具故事性的舞台還不夠，胡恩威也邀來鋼琴家KJ黃家正、何超與海膽仔樂團，用古典與搖滾樂碰撞出不同火花，更不用說還要結合香港城市中常聽著的打樁聲、紅綠燈聲甚至手扶梯聲響。對於跨界演出，向來給人百變印象的何超儀，這回用搖滾樂唱出香港城市生活態度，她表示自己過去就曾參與舞台劇演出，對於此番跨界新嘗試，興奮之情大於緊張，反而將自己當做是在一場城市建築裡的夢境中，用音樂盡情衝撞導演想傳達的靈感拼貼，「城市聲音其實類似噪音，屬於一些OFF BEAT的不規律聲音，噪音是無目的，亦無故事可言，但這就是生活的聲音。」。

然而要如何將自身的歌曲去搭配導演想要的風格，以及與古典鋼琴的對比，何超儀表示歌曲主要是由吉他手Don參與選曲，之後在一起和音樂總監于逸堯討論後重新編曲，而這些音樂同樣都帶著濃厚都市味道的搖滾與激情，能完美呼應本次舞台劇名稱。導演胡恩威補充之所以選擇使用搖滾和古典樂這看似衝突的兩種音樂類型，是希冀透過各式藝術元素拼貼轉化，表達城市的衝擊與多元風貌，而後半段層層堆疊而起的《Bolero》旋律，更像是建築物般一層一層串起人們與城市，也串起昇華了整場劇的氣氛。

除了音樂、舞台背景可看性外，演員們身上所穿戴的服飾也頗為吸睛，一身以回收物料重製的特色造型，是由香港知名時裝設計師盧聲前操刀，而何超儀那結合中國風花雕與獅頭的造型元素，搭配象徵香港建築特色的竹搭棚架結構旁靈活且自在的釋放演出，更讓表演添加狂野之情；不過太過投入的她，也笑說導演反而提醒她可以適時地稍微內斂一些。接下來，《建築城市》預計下一站將赴上海演出，導演表示或許之後也會加入不同語言元素，體現不同城市風情。

Josie & The Uni Boys 何超與海膽仔樂團

"The Classic Purple Psycho Experience" 音樂會

時間：6 Apr 2019 (Sat) 8:15   11:15 PM

地點：匯星STAR HALL（九龍灣國際展貿中心 3F ）

共同參演樂團：

LMF 大懶堂

24HERBS 廿四味

JAN LO（秋紅樂團主唱）

DH（地獄貓樂團主唱）

激膚樂團（台灣樂團）

怕胖團（台灣樂團）

Info|進念．二十面體

進念．二十面體是香港專業表演實驗藝術團體，透過光、影、聲、空間等科技詮釋多媒體創作與劇場演出的互動關係，由跨媒體舞台表演空間，到跨界別政治民生空間，到跨地域國際文化交流空間，從流行普及到社會禁忌，由傳統到當代，成立至今共創作200多部劇場作品，曾受邀前往歐洲、亞洲、美洲等八十多個城市演出和文化交流。

Text：Ian Liu

via  進念．二十面體

有種遠距離的浪漫，是感受到遠在千里之外人們，也與自己共同在場。邁入第4屆的「聲波薩滿」音樂祭，2026年攜手瑞士「Out in the Loop」藝術祭，將台灣台北、瑞士琉森2座相隔近萬里的城市，藉科技零時差連線，打造24小時不斷的跨海共演音樂祭。舞蹈、電音、打擊樂、實驗搖滾、行為藝術都將在此發生，11月14日至15日週末前去大直河濱，或許你將體驗今年末台北最酷的派對現場。

聲波薩滿：是音樂祭也是藝術祭

誕生於2022年的聲波薩滿，由以台北公館為基地的當代藝術推廣團隊「立方計劃空間」發起。這場音樂祭從策展思維出發，羅織獨立音樂、實驗聲響、電子音樂、講述式表演、行為藝術、視覺創作，將不同形式的藝術帶入同一個現場。2024年第2屆進一步結合空間設計與跨國共製，逐步建立「音樂祭作為一種藝術形式」的策展方法。

2026年1月，聲波薩滿受新加坡美術館（Singapore Art Museum）邀請，於新加坡藝術週推出3日音樂祭「無界」，匯集台灣、新加坡及亞洲各地的聲音、表演與跨領域創作者，獲觀眾及藝文媒體正面迴響，成為聲波薩滿從台北出發、進入國際藝術節與美術館合作網絡的重要一步。

台灣與瑞士跨國共演，24+6小時派對不間斷

從新加坡回到台北，第4屆聲波薩滿與瑞士Out in the Loop藝術祭展開聯名合作，串聯台灣台北和瑞士琉森，運用蘇黎世藝術大學的Telematic遠距表演系統零時差連線，透過螢幕將相距9,500公里的2座城市的舞台接成同一現場，展開連續24小時的跨國共演。連線結束後，台北現場特別開放6小時的「咖啡銳舞場」，邀樂迷與咖啡香和日光相伴，健康享受電音舞池。

隔海相映的派對現場各有特色

台北場選在大直「忠泰RS289」舉辦，這座由日本建築師青木淳設計的紅磚建築，十分講求材質的本質之美，陶磚外牆、金屬拱形格柵、清水模各有姿態；且場地正面松山機場，背臨河濱公園，兩種不一樣的城市風景隔著此地相映成趣。

琉森場則將在「Neubad」發生，這是一座由廢棄室內游泳池活化而成的場域，不僅用來舉辦音樂、文學、科學、表演等文化活動，也是許多跨域創作者的工作空間，以「共融」為核心精神讓曾經沒落之地煥然新生。

在「相信」變得困難的時代，試驗對頻的可能

此次聲波薩滿 × Out in the Loop音樂祭主題定為「電傳異托邦：我們如何（不）再相信這個世界？」，回應著網路與社交媒體滲入日常生活之後，數位影像、假新聞與AI生成內容持續改變人們理解現實的方式，「相信」逐漸變得複雜的當代處境。策展團隊由此提問：藝術是否仍能提供一種方法，讓人重新練習感知世界、理解他人，並與他者共同存在？音樂祭試圖透過兩地同步發生的聲音、身體與表演，重新思考距離、相信與共同在場的可能。

亮點演出盤點！無聲派對、DJ遠端連結即時混音

表演陣容涵蓋逾30組藝術家、音樂家、DJ，他們各來自台灣、泰國、新加坡、瑞士等地，表演形式橫跨舞蹈、電音、行為、打擊樂、實驗搖滾等。以下盤點幾檔亮點演出：台灣編舞家蘇文琪將與瑞士聲響藝術家Piero Scherer跨地共演，讓身體在台北、聲響在琉森即時回應，構成一支由距離編寫的作品。

由袁志偉策劃構思的《靜默封鎖》是一場回應「無聲派對（silent-disco）」聲音技術所構成的音樂演出，演出者與觀眾皆僅能透過耳機聆聽作品。當音樂祭現場抽離音響輸出的聲音，現場的氛圍將交由人們的身體擺動與感知定義。

打擊樂手許立忠與Arthur Hnatek將跨國即時合奏，表演保留並放大兩座城市連線時毫秒級落差的延遲，讓錯位成為一種「錯誤美學（glitch art）」，使技術的不完美成為作品肌理。

台灣電音教父DJ @llen與瑞士DJ Yunus Findus、CRI則會進行高難度的遠端即時混音，把帶有兩地特色的音樂與歐洲電子節拍，在延遲與同步的縫隙間交織成「跨洲舞場」。

2026聲波薩滿 × Out in the Loop音樂祭

日期｜2026.11.14（六）－11.15（日）

地點｜台北忠泰 RS289 × 瑞士琉森 Neubad 文化空間

形式｜24小時零時差跨國連線共演，連線結束後台北續演6小時

你大概也曾在社群短影音裡看過這個畫面：一名穿著西裝的男子，順著懸空的樓梯不斷向下墜落，卻又在觸碰彈簧床的瞬息，優雅而無縫地被反彈回原來的階梯上。這個在社群網路上獲得驚人讚數、被瘋狂分享的片段，來自法國舞蹈及雜技藝術家約恩．布爾熱瓦（Yoann Bourgeois）的代表作《賦格／彈簧床》（Fugue / Trampoline），也是他創作中最具標誌性的「奇觀」景象。

社群時代極度渴求奇觀。然而，布爾熱瓦能一路破圈，為 Harry Styles、Coldplay 的 MV 編舞，甚至操刀 Louis Vuitton 的時尚秀，絕非僅靠吸引眼球的特技。他的作品將日常生活與身體的關係，延伸出挑動視覺與感官的表演動力，同時也蘊含飽滿、精煉的哲理隱喻。

我們不僅看見奇觀，也看見自己與世界的關係。今年受中國信託新舞臺藝術節邀請來台演出的《誰會跌倒》（He Who Falls），正是布爾熱瓦將內在自我與外在社會的矛盾衝突，精準轉化至舞台上的經典之作。

裝置即文本：當空間成為主導性的非人角色

《誰會跌倒》的舞台中央懸掛著一座面積 36 平方公尺的巨型木製平台。演出中，它隨時在變速旋轉、傾斜、擺盪與升降。在布爾熱瓦的調度裡，舞台空間不是佈景，它本身就是一種「文本」，能為表演者與觀眾開啟無窮的想像力及敘事。在這齣作品裡，這塊平台更是整場演出最核心的「主導性非人角色」。

布爾熱瓦將無形的重力、離心力與慣性具象化。有趣的是，台上的六位表演者「從不主動發起動作（Never initiate）」。

在戲劇中，表演本質上是一種「回應」，而非主動去製造強烈動機。而在《誰會跌倒》，我們也可以看到相似的表演性：在隨時會傾覆的平台上，表演者成了力的「載體」，他們的疾走、跳躍、甚至是絆倒與踮腳，都是被迫對環境施加的外力做出回應。當個體在隨時會墜落的危險中尋求動態平衡，我們讀到的不僅是極致的肢體控制，更是直觀而詩意的人性符號。觀眾會自然地為表演者產生同理心，因為他們一直處在危險與衝突之中，而我們清楚知道，換作自己，未必能處理得更好。

諷刺與荒謬的聲響：在動盪中尋找「動態平衡」

布爾熱瓦在視覺感官之外，他也細膩且大膽地調度作品的聲響聽覺。舞台上不時傳來木板受力擺盪的嘎吱聲、機械運轉聲與表演者的喘息，強烈地提醒著觀眾危險的真實性。

配樂更形成了一種絕妙的荒謬感：當平台瘋狂旋轉、表演者們奔跑求生時，背景卻響起了法蘭克．辛納屈（Frank Sinatra）的名曲《My Way》。當音樂唱著「我用我的方式活過」，台上的個體卻正與龐大的物理外力抗衡共舞。視聽覺彼此間的對話張力，直指人類面對不可抗力命運下的渺小無助。

《誰會跌倒》揭示了當代人因害怕未知而渴望穩定，但真正的生命狀態是「平衡」（Dynamic Equilibrium）——在不斷變動的危機中保持敏感並彈性回應。

走出螢幕：重回現場體驗「絕對當下」

在這個時代，我們每天都在手機螢幕裡被演算法推送的奇觀經驗所「驚豔」。既然如此，為什麼還需要走進劇場，坐在黑盒子裡盯著這座巨大的旋轉平台？

布爾熱瓦在《誰會跌倒》給出的回應是：唯有劇場的現場，才能傳遞真正的「脆弱感」。

在流逝的時間之外，存在著一種「絕對當下」。當表演者在拋物線的頂點、墜落前的那一瞬停頓，那是重力被暫時廢除的「懸止點」。在現場，你能聽到木板承受重壓的嘎吱響聲，能感受到表演者隨時可能摔落的呼吸與恐懼。而你坐在黑暗的觀眾席裡，舞台上真實的感受依然蔓延到你身上，為之震動，並且將自我與舞台的一切疊合。

《誰會跌倒》的奇觀和哲理、張力與詩意，是在充滿變動的時代裡，需要你走出社群媒體、走進劇場，親自用身體去經歷的「絕對當下」。

2026中國信託新舞臺藝術節—約恩．布爾熱瓦舞團《誰會跌倒》

演出場次：11/20 (五) 19:30、11/21 (六) 14:30、11/22 (日) 14:30

演出地點：臺北表演藝術中心 球劇場

演出長度：約60分鐘 (無中場休息)

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_{資料提供｜2026中國信託新舞臺藝術節}