因為拍照手機的普及，坊間有越來越多手機攝影課，透過淺顯易懂的教學模式，傳授簡易的拍照構圖法，讓拍照這件事變得輕鬆方便，隨時都能用手機紀錄生活。說到「紀錄生活」就不能不提及這位「美味拍手」Stella。

 

 

 

 

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美味拍手（@stella_5727）分享的貼文 於 PST 2018 年 12月 月 28 日 下午 11:37 張貼

社群上分享的生活點滴就是真實的生活側寫

點開Stella的 instagram，上頭紀錄的不僅有餐桌上的食物照片，還有許多關於營造居家感的生活氛圍照，再搭配幽默豪邁、不嬌柔造作的文字，逗得2萬5千名粉絲毎天鎖定關注。她的配圖文字有多好笑？從「跨年夜打死不出門」的餐桌營造、「在陽台吃早午餐還可以看電視真爽欸～」的早餐搭配，到「一早上花市買花，美哭我這個小王八蛋」的生活隨記，若要論記錄生活這件事誰做得最透徹，名單裡絕對不能沒有她！

 

 

 

 

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美味拍手（@stella_5727）分享的貼文 於 PST 2019 年 1月 月 29 日 上午 4:01 張貼

即使是一杯咖啡、一罐啤酒，她都可以透過「現在進行式」的動作讓畫面變得生動，而不是死板板地單純擺拍桌面上的食物，甚至可以看到許多拍到手入鏡的畫面，這不是穿幫，而是故意被拍下的。「我不會刻意為拍而拍，都是先享受餐點再拍下用餐時光」，不同於如今大家習慣會在「吃飯前拍張照」，Stella不刻意營造的風格反而讓人更能從照片中感受生活的溫度，流露出滿滿的「家味」。

 

 

 

 

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美味拍手（@stella_5727）分享的貼文 於 PST 2018 年 12月 月 27 日 下午 5:11 張貼

家味營造不藏私！器皿選擇切忌蓋過食材鋒芒

張張精彩到「味」的餐食照片，不禁想讓人大膽詢問她是怎麼拍？怎麼搭配？有特地買盤子回家嗎？雖然「怎麼拍」這題涉及她日後開班授課的課程內容不方便介紹，但Stella針對搭配這點，還是大方地告訴我們「找低色彩的盤子不會錯」。她說：「通常我的盤子都不會有鮮豔的顏色，因為食物才是主角，盤子只是襯托食物的配角。」不過她還是會依據食物的屬性選擇合適的盤子，比如中式或日式餐點會選擇使用日本職人手作盤，西式餐點則會以北歐極簡風餐盤為主要搭配。但Stella最後特別指出餐具的搭配還是建議可以依據個人喜好選擇，「每個人的餐桌都應該是獨一無二的，而且選擇自己喜歡的餐具在用餐時才能感受到愉悅感。」Stella道。

家味養成來自經營餐飲的爸媽，再加上一點自己的想法

採訪時，Stella曾說過一句話，她表示：「即使是家中長輩傳成的老餐具一樣能傳達出『家的味道』。」關於「家的味道」其實有兩種，一是小時候的記憶、二是長大後自己創造的風格，恰巧這兩種都是造就如今「美味拍手」的必要因素。從小跟在經營餐廳的爸媽身邊，漸漸地養成美食習慣，再慢慢的加上自己的喜好和四處嚐鮮的興趣，自然而然演變成一種習慣，「透過自己的力量去創造自己覺得舒服的生活環境，就會很享受在家的每一個片刻。」

對於Stella來說，「生活態度」的營造，莫過於是把家裡整理得「乾淨整齊又有美感」，當家裡環境兼具乾淨與美觀，那麼自然會覺得待在家裡很舒服，也就會喜歡賴在家裡，漸漸的就會樂於收納和整理，久而久之就會養成維持美好狀態的習慣。於是，你會從她新廚房與新臥室的系列分享文中看出，熱愛黑白色系風格的她，透過簡單色系的搭配將空間搭配的即有生活感，常用的餐具、器皿有規則的依序排列，精心琢磨的細節除了講究還是講究，「我們有很長一段時間睡在『資源回收區』，不過自己才有自己的想法，也才能創造自己覺得最舒適的小窩。」。

text / Zoe Chen

圖片授權提供 / 美味拍手Stella

※未經許可嚴禁轉載

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）