寶礦力水得廣告到掌鏡《海街日記》是枝裕和三部電影!專訪日本攝影師瀧本幹也,跨平面到動態捕捉空氣感

寶礦力水得廣告到掌鏡《海街日記》是枝裕和三部電影!專訪日本攝影師瀧本幹也,跨平面到動態捕捉空氣感

翻開瀧本幹也的生涯,是少見的橫跨平面與動態攝影,可以註記上寶礦力水得、SAPPORO黑標生啤酒、Mr.Children等關鍵字,也曾為日本作曲家坂本龍一、建築師隈研吾拍攝。他更和導演是枝裕和搭擋,擔任電影攝影師的處女作《我的意外爸爸》一舉奪下2013年坎城影展評審團獎。他的每一個快門、運鏡的背後,藏匿什麼細節與布局?又是如何看待自己的攝影?

一切得回溯至童年時期,如同其他男孩們熱愛棒球、汽車模型一般,年幼的瀧本幹也每晚守候在望遠鏡前,深深著迷於天文觀測。在比起「熱愛拍照」,更像是為了「留下觀察紀錄」的過程中,他漸漸對透過鏡頭窺看世界產生興趣,甚至在小學的畢業紀念冊寫下「未來想成為一個有名的攝影師。」他抱著一顆反骨的心,質疑當時泡沫經濟下人們一味競逐高學歷、高收入的價值觀,在高二時毅然遞出退學申請,隻身前往東京。輾轉待過數個攝影工作室,直到某天看見一張廣告海報——攝影師藤井保的JR東日本廣告「邁向日本的下一步。」(その先の日本へ。)。

1990年代日本廣告業界追求氣派與華麗,不惜砸重金搭景、強調聲光效果,藤井保的海報中既沒有家喻戶曉的明星,背景也只見樸素自然景緻,傳遞出的溫情與感性卻打動人心。瀧本幹也決心師事藤井保,形容擔任助手的4年是「非常珍貴的時光」,學到的不只有技巧,更多是作為一名攝影師的態度。「攝影師肩負企業的形象,必須抱著良知進行攝影,更得誠懇待人,不可在創作中造假,這些價值觀直到現在仍深深地影響著我。」

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
瀧本幹也在是枝裕和最新電影《怪物》擔綱劇照師,苦思至拍攝前一天,想到以旋轉相機拍攝模糊效果的手法,最終將兩名少年圍繞其中,成功營造不安定的神祕感。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

不斷追求突破的商業攝影歷程

藤井保的照片帶有獨特的「濕度」,乍看簡約的構圖卻蘊藏強而有力的訊息。瀧本幹也坦承在23歲獨立創設個人事務所之後,曾長時間苦惱於發展自我風格。「我曾有一段時間刻意不去思考藤井老師的拍攝手法,從自己喜愛的攝影風格別開目光,很是痛苦。」他漸漸地找回童年觀察世界的方式,從自身五感中摸索、不再外求他人,繼承了藤井保影像的「空氣感」,同時有了自己冷冽捕捉瞬間的眼光。他開始活躍於平面和動態領域,SUNTORY天然水、運動飲料寶礦力水得、營養口糧Calorie Mate等等著名廣告皆出自他手。

瀧本幹也提到拍攝廣告時總會碰到難題,首先是如何在同樣的品牌形象之下,做出不落窠臼的視覺效果;其次是突破商品的刻板印象,拿出不同的創意傳達廣告訊息。以飲料廣告為例,「手拿飲品」或「喝下飲料後發出讚嘆」的畫面固然是安全牌,但他總會進一步思考該如何跳脫安逸的呈現方式。如同在2022年寶礦力水得平面廣告中,瀧本幹也和團隊經反覆測試,以棉花、乾冰和噴霧器打造出以假亂真的巨大雲朵,呈現出揮汗奔馳後漫步雲端的躍動感。而在2023年他則掌鏡動態廣告,分別在澳洲與日本兩地完成攝影,描繪高中生閃耀動人的青春模樣。其中在涉谷十字路口上替兩位主角打上聚光燈的場景,特別出動戲劇搭景用的大型照明,以營造出動畫一般的繽紛世界觀。

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
2023年為寶礦力水得動態廣告拍攝時正值COVID-19期間,學生生活受到限制,因此透過廣告傳達明亮、充滿生命力的感覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

和無聲等待完美光線、構圖的平面攝影截然不同,充滿動態能量的廣告拍攝現場,讓他體會到和團隊共同「料理」一幀幀畫面的成就感。與平面設計師服部一成、森本千繪及藝術總監佐野研二郎等人合作廣告的經驗,培養起他對畫面的想像力與追求完美一瞬的堅持。對於當今廣告業界平面、動態專業的分化現象,他認為是為效率完成拍攝的必然結果,分工讓人能依循過往經驗。但當不同專業的人齊聚一堂時:

「每一個看似不起眼的判斷,背後或許都隱藏能讓作品更臻完美的祕密。各自業界裡的常識,有時在第三者的眼中其實很不合理,所以也有必要適時地拋出質疑。」

「沒想到執鏡的第一部電影就是是枝裕和的作品」

瀧本幹也亦跨足影視製作領域,不僅執鏡《篤姬》、《龍馬傳》、《真田丸》及《直衝青天》等NHK大河劇主視覺,最為人所知是他擔任導演是枝裕和電影攝影師的3部電影作品——《我的意外爸爸》、《海街日記》和《第三次殺人》。兩人緣分始於他作為藤井保第二助理時的電影《幻之光》,其後在《空氣人形》迎來首次的合作,那時他擔綱劇照師,但只要有空檔就特地前往現場見學。「那時我毫無顧忌在電影攝影師李屏賓身邊觀察他的掌鏡,據說這讓導演留下深刻的印象。」日後,是枝裕和真邀請他擔任《我的意外爸爸》攝影指導,他雖有預感總有一天會參與電影拍攝,但沒想到處女作就是是枝裕和的作品。

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《我的意外爸爸》海報視覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

「因為我喜歡挑戰未知領域,所以馬上答應了。」

這成為影響瀧本幹也最深刻的創作經驗。他透露過程中,一直苦思要如何捕捉演員們細膩的演技。直到坎城影展首映,途中不時聽到觀眾的笑聲和啜泣聲,甚至播畢後人們起身鼓掌超過10分鐘,他終於鬆了口氣,淚水奪眶而出。他開始相信影像有跨越語言的能量,「從事平面、電視廣告工作時,很難直接收到觀眾的回饋,但透過這次經驗,讓我更確信自己有說故事的能力。」長年來的廣告拍攝經驗對構思電影畫面有很大幫助,「每一部電影的世界觀都有所不同,包含畫面的色調、取景的方式,必須透過鏡頭營造出強弱變化。在實際開拍前,得事先整理好布局,畢竟畫面會直接影響電影呈現的印象,必須非常謹慎地規劃。」

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
瀧本幹也拍攝電影時的側拍。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

瀧本幹也分享,在拍攝《我的意外爸爸》時,他試圖以光影對比強調兩個家庭的社會地位差異。整部作品盡可能採用自然光,維持在勉強能看清楚演員表情的亮度。其中雙方孩子接受基因檢查那幕,長廊甚至幾乎只以黑影呈現。掌鏡《海街日記》的過程中,先以電影負片拍攝後再轉錄拷貝在柔性色調的投影正片上,帶出電影溫暖卻又清新的氛圍,「我想像在和煦穿落樹木縫隙的陽光(木漏れ日)中,柔和包圍4個姐妹的世界。」而《第三次殺人》貫穿全篇、共出現7次的同一個看守所會客室布景,在密閉、單調的空間中他切換取景角度和照明,賦予各畫面不同印象。演員福山雅治、役所廣司兩人隔著壓克力板對峙時,他巧妙運用透射鏡面重疊兩人身影,完成象徵性的一幕。

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《海街日記》是瀧本幹也二度擔綱電影攝影師的作品,掌握節奏之餘還進一步同時拍攝寫真集,其中一幕在鎌倉傳統木造建築緣側前安排煙花場景,彷彿透過取景器窺探夢幻世界。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《第三次殺人》劇照。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

從宏觀宇宙看向微觀的寺院與花

直至今日,瀧本幹也多數時候仍以底片拍攝。他提到,底片與數位乍看差異不大,但底片成像仍較為自然,「就算一直盯著看也不會累,很順地就進入了腦海中,也更容易打動人心。而數位相機雖然方便,但拍出來就是有種說不上的單薄感。」他解釋,像是使用操作繁複緩慢的大畫幅底片相機拍照時,是以肉眼觀看拍攝對象邊按下快門。這既有一種直接與被攝體對峙的緊張感,想到光線正在穿越身旁的鏡頭,總會升起敬畏之心。「這些情緒都會一一投射在照片之上。」

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
瀧本幹也樂於詮釋建築作品,其2005年的早期作品《BAUHAUS DESSAU》將德國德紹包浩斯校舍以獨特視角進行剪裁和再現。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《SIGHTSEEING》計畫始於2000年,隨後2003年日本六本木之丘開業引起「Hills族」熱潮,這類社會縮影也存在於旅遊勝地,於是他以帶有諷刺的視角拍攝。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

「我的攝影主題總是與社會密切相關,並以適當的距離觀察著我們所關心的時代。」他帶著大畫幅相機旅行, 2007年《SIGHTSEEING》在16國定點捕捉下群聚觀光名勝前的遊客,些許嘲諷地記錄下這消費社會。他的 鏡頭也更多面向摯愛的自然地景,畫面往往屏除主觀情緒,帶給觀眾一種靜止、非現實的觀感。像是2009年 《GRAIN OF LIGHT》拍攝海浪波光翻騰的韻律,2013年《LAND SPACE》則聚焦於航太工業與純粹地景,以宏觀角度記錄下土地與太空的原始模樣。

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《LAND SPACE》。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《LAND SPACE》將佛羅里達東海岸甘迺迪太空中心拍攝的影像,與冰島、土耳其大地和夏威夷火山等世界各地自然地景交織。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

「我多半是以天空的視角,而不是人的視角拍攝,將地球視為一顆行星。例如,想像從宇宙俯瞰地球會是什麼樣子的景象,或是在光從太陽表面到達地球8分20秒長的時間,將快門打開,捕捉海洋的動態,讓宇宙的時間流曝光在底片上。」

繼2018年《CROSSOVER》一書精選生涯作品,至今瀧本幹也邁入職業25年,在今年2月又一次編輯厚達600多頁的《Mikiya Takimoto Works 1998-2023》。問及近年創作上是否有心態上的變化?「疫情期間我好幾次逃離密閉的房間,走到無人的河邊專注地拍油菜花田。只是這次不是由空中往下俯瞰,而是躺在地面上仰望天空,近距離地感受地球的脈動。」2020年在京都妙滿寺的展覽成為契機,寧靜的寺院中,他領悟到一花一世 界、萬物背後皆有各自存在卻也彼此相繫的宇宙。一直以來宏觀記錄大地的他,開始以寺院與花的微觀主題進 行創作,系列預計於今夏集結出版。

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
「寺院與花」系列緣起於在COVID-19疫情下的寧靜寺院中,瀧本幹也意識到在枯山水的小小世界也能聯繫到宇宙中各處。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

對瀧本幹也來說「常態」是不存在的。而不變的是,他對待攝影如一的真誠態度。商業廣告與個人創作對他並無二異,兩者最終都歸結到「如何全力地享受拍照」。客戶需要的是什麼?又有什麼是攝影師才發想得出的提案?該如何事先準備?拍攝現場的流程又是如何?他觀察到過去5年廣告日趨數位、網路化,短影音、更具淺顯說明性的影像需求高漲,可這也會是攝影純粹表現力道更加突出的時代。「在這個AI逐漸取代人類的年代,重要的是該如何創作出只屬於自己的作品、表現方式。我相信唯有那些絞盡腦汁摸索出最佳解答的拍攝現場,才能誕生出撼動人心的作品。」

(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)

瀧本幹也

平面、影像攝影師。1974年出生於日本愛知縣。以平面廣告為首,活躍於商業攝影、作品集製作、電視廣告和電影拍攝等各式影像領域。今年預計發表新作品於聯展《丹下健三和隈研吾》(巴黎日本文化會 館)、《WONDER - Mt. Fuji》(東京都寫真美術館)。IGmikiya_takimoto

企劃|吳哲夫 文|廖怡鈞

圖片提供|瀧本幹也攝影事務所

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專訪新銳攝影師蔡定邦《本是同根生》、《水噹噹的金雲阿姨》:從越南新二代到國際得獎的非典型攝影路

專訪新銳攝影師蔡定邦《本是同根生》、《水噹噹的金雲阿姨》:從越南新二代到國際得獎的非典型攝影路

要如何感受攝影?攝影書或許是個理想的入口,特別這兩年台灣創作能量正迸發,新銳攝影師蔡定邦以《本是同根生》在新加坡攝影節與2024 Paris Photo斬獲「光圈攝影書獎」(Aperture Foundation Photobook Awards);今年新作《水噹噹的金雲阿姨》又奪得哈蘇基金會年度國際攝影書出版贊助獎金。撕開「越南新二代」、「自學」、「國小學歷」這些標籤,他為我們攤開了他的非典型創作路。

蔡定邦的首本攝影書《本是同根生》,始於哥哥阿賢一通突然的電話。面對強勢的母親,阿賢選擇了決裂與逃離, 獨自從越南來台從事粗工謀生,幾乎斷了音訊。直到一天,蔡定邦得知阿賢出車禍住院了,需要幫忙拿藥。踏進哥哥狹窄租屋的那一刻,眼前的雜亂與滿屋藥袋令他震驚,意會到哥哥已陷入精神疾患的困境。「那一刻,我的內心有股強烈的衝動,覺得必須要記錄下來。」

翻開《本是同根生》,首頁便是母親與兩兄弟的合照,採用雙開頁裝幀設計,兄弟分立左右,如同僅只相差一歲、熱愛電影與藝術的他們,各自岔離而又重新交會的生命軌跡。從2023年開始,他用了將近一年的時間進行拍攝,讓攝影成為兄弟重新對話的橋梁,也成為縫補家庭關係的契機。

《本是同根生》。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》。(圖片提供:蔡定邦)

從家族中尋找自己的語言

26歲便收穫關注,蔡定邦感到意外、欣喜、同時惶恐, 他太明白自己一路並不安穩。越南新二代的他小時父母離異,父親又在他12歲時早逝,才跟著媽媽回到越南。他的童年在父母家族、台越之間來回奔波,甚至只有讀完小學。15歲,他隨媽媽再度赴台謀生,後來家人先回去了, 但他懷揣著電影夢留了下來,在各大學旁聽學習。19歲的他曾拍攝短片想拿獎,現在回顧起來,只苦笑說:「那時我太過自溺了,完全不在乎觀眾,只顧宣洩感受。」

他挫折地燒掉了存款,2019年當完兵後,決定暫回越南母親家。回去前,在Lightbox攝影圖書室的活動中,他接觸到沈昭良《STAGE》、李岳凌《Raw Soul》、張乾琦《鍊》3本攝影書,「我很驚訝,原來影像與一本書可以做出這樣的節奏跟敘事。」而且攝影書的製作成本相對可控,他想:不如試試看攝影? 

《日花》系列。(圖片提供:蔡定邦)
《日花》系列。(圖片提供:蔡定邦)

靠著網路自學,蔡定邦一開始學街拍攝影師那樣狂按快門,但始終覺得不對勁。他轉而將鏡頭對向日常周遭,拍攝越南女性傳統碎花服飾集結成《日花》系列;同時,他也開始記錄起媽媽與繼父。「我逐漸意識到,我的家庭其實是深受時代牽引而不斷遷徙的渺小個體。」他的媽媽嫁到台灣成為被歧視的「越南新娘」,失婚、又一次經歷感情挫敗,因而武裝起自己、專注營生賺錢;她鬱鬱回鄉, 卻意外地搭上經濟發展順風車成功投資房地產,如今反倒是台灣繼父在照顧家庭,成為「女主外、男主內」的有趣反轉。「她的生命一路頑強地走到現在,我想要記錄下這些事情。」

2022年末,他帶著這組《母親父親》系列又一次來台追夢,首獲PHOTO GO攝影獎的肯認。他也逐漸找到自己的創作語言:「我喜歡也最熟悉的方式,就是這種很私人的攝影,那種很私密的情感關係。」而他的身邊,就有各色的靈感等待他去發掘。

2022年末蔡定邦以《母親父親》系列獲該年PHOTO GO攝影獎,2025年他進一步發展為攝影書《絨邦》,更深入挖掘母親的生命史。(圖片提供:蔡定邦)
2022年末蔡定邦以《母親父親》系列獲該年PHOTO GO攝影獎,2025年他進一步發展為攝影書《絨邦》,更深入挖掘母親的生命史。(圖片提供:蔡定邦)
《絨邦》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《絨邦》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)

創作是很自私的一件事

為了支持創作夢,蔡定邦至今都在咖啡廳工作。他認識了洗碗工金雲阿姨,70多歲的她仍充滿活力,經常帶著一大疊年輕時的性感照與同事們分享。然而,蔡定邦訝異地發現竟沒人放在心上。那不是一般的家庭照、旅遊照或唯美外拍,她沒有大眾期待的纖瘦身材,也不擺嫵媚姿態,其中一張請鄰居拍的照片甚至就自信地展露腋下。他驚呼這太前衛,「這些是阿姨自己界定、創造的美感。」

他邀請金雲阿姨再次記錄下自己。雖然他質疑既定的主流審美,但也坦言要拋去審美習慣並不容易,也拍過不少失敗的影像。「這是一個過程,讓我去學習如何真正去除自己的框架。」《水噹噹的金雲阿姨》將在2026年正式出版,書封設計彷彿衣袖,揭開書本的動作也像是將袖中的腋下攤開,新照中交織著拉頁設計,展開後則是阿姨相應的舊照。翻書過程帶來強烈的私密揭露感,他希望能復現初見阿姨照片時的那種驚奇。

《水噹噹的金雲阿姨》為哈蘇基金會國際攝影書出版贊助獎金今年度二人之一的獲得者,此為Dummy Book,正式版將在2026年出版。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》為哈蘇基金會國際攝影書出版贊助獎金今年度二人之一的獲得者,此為Dummy Book,正式版將在2026年出版。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)

不過,深掘身旁人們私密的生命故事,會不會太消費他人?他坦承即便他的作品有共創成分,「創作本身是自私的一件事情。」《本是同根生》初版的雙開對照更直觀、強烈,但同時殘酷暴力。後來,阿賢回到越南山間平靜生活,他持續拍攝,更多照片與合影也被融入了新版,而阿賢也真如創作者精準回饋編排建議。「我更佩服他了。」他也發現哥哥在Facebook上有些很帥的照片,「我開始真正去理解他,放進一些他可能真正想被看見的模樣。」他前後改版不下10次,敘事也隨著對話延展越加溫柔。

《本是同根生》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《本是同根生》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)

而拍攝金雲阿姨時,她也主動提議讓自己年老的媽媽穿著她的衣服一起留影。「30歲的阿姨到現在的變化,還有看見小時候的我和哥哥長大變成這樣,時間堆疊出的落差跟生命的變化,對我來說很迷人。」強烈的直覺與感受驅使著他攝影,而他也折服於這兩個人的生命能量,認為阿賢和金雲阿姨也都在創造自己的藝術。「我希望自己的作品是真誠的,會想要盡量真誠對待自己與被拍的人。」

《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《水噹噹的金雲阿姨》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)

說出故事的慾望

透過攝影書的爬梳,蔡定邦得以與自己創作的渴求對話,也與家庭的傷痕尋求和解。《本是同根生》映照出母親的武裝與母子兄弟3人的關係張力,而現在,他想更深入挖掘母親的生命經歷,以此為題、與「哲攝」共同編輯的《絨邦》才剛完成募資。「母親帶著我奔波的童年,讓我看見不同的生命狀態,一直影響到我觀看的方式,也激發我想要講出身邊故事的慾望。」

今(2025)年甫成功募資的《絨邦》。(圖片提供:蔡定邦)
今(2025)年甫成功募資的《絨邦》。(圖片提供:蔡定邦)
《絨邦》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)
《絨邦》內頁照片。(圖片提供:蔡定邦)

相較於動態影像創作者對敘事節奏的掌控,他觀察到攝影書的閱讀更加私密與自由。「每個讀者都能以自己的節奏觀看這本書,翻閱過程中的任何停留,都創造出更大的想像空間。」或許有一天他還是會回去拍電影,但現在他專注在紙上編織想說的故事,尋找與自己、與被拍的人、與讀者之間的交會。 

蔡定邦。(圖片提供:蔡定邦)
蔡定邦。(圖片提供:蔡定邦)

蔡定邦

1999年出生於桃園,台越混血,現主要以攝影為創作媒介,圍繞家庭、關係、身分等探索。以《本是同根生》獲得Paris Photo光圈攝影書獎(Aperture PhotoBook Awards)及新加坡攝影節攝影書獎、入圍2023年亞爾國際攝影節攝影書獎;《水噹噹的金雲阿姨》獲選2025年哈蘇基金會攝影書出版贊助計畫。 

文|吳哲夫 圖片提供|蔡定邦

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打造首屆TIPF台灣國際攝影節:專訪創辦人曹良賓與Steidl出版社傳奇創辦人Gerhard Steidl

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攝影是民主的媒材,它讓記錄生活、觀點表達甚至創作都更加容易且普及。而民主,正是從每個個人的實踐開始。第1屆「TIPF 台灣國際攝影節」從美國經典攝影家Robert Frank的攝影製書祕辛、民主的3種切面,以及15位攝影新銳「New Waves」的視角,帶你探索攝影與民主的方方面面。

2022年,國家文化藝術基金會啟動「藝術未來行動計畫」,成為刺激Lightbox攝影圖書室思考下一步的契機。「我們不是學院,也不是公立機構,一個社群組織可以做什麼?」Lightbox的答案是讓「藝術民主化」。創辦人曹良賓分享,他們因團隊小,最初野心不大,只想為攝影新人創造舞台並舉辦國際論壇。2024年創設首屆「New Wave 攝影創作獎」後,他們希望以展覽延續新銳們的創作能量,同時也察覺若邀國外講者來台,僅辦論壇的交流效益有限,才有了擴大舉辦攝影節的構想。

延續思維,他們為首屆台灣國際攝影節定下核心主題:「民主」。曹良賓強調,民主看似日常,但回顧台灣400年歷史,民主從來不是常態。他強調:「創作表達的前提必須要有言論或創作自由;當你沒有時,就得去努力打開這個空間。」而攝影恰好是弔詭的媒材,因技術門檻低,看似人人可學的「民主」,卻是易學難精,應用更廣博延伸至各領域。將「攝影」與「民主」兩個曖昧又複雜的命題並置,正希望激起對話。

國際論壇第一天「當代攝影與公共對話:美術館裡的攝影展」講者宋修庭(Sujong Song)、吳詩瀅( Sze Ying Goh)、小林紗由里(Sayuri Kobayashi)與主持黃舒屏。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
國際論壇第一天「當代攝影與公共對話:美術館裡的攝影展」講者宋修庭(Sujong Song)、吳詩瀅( Sze Ying Goh)、小林紗由里(Sayuri Kobayashi)與主持黃舒屏。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

Robert Frank攝影書的生命力

3大主題展區中,《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》為這次重頭戲。曹良賓很早就想將Robert Frank的展覽引入台灣,2017年曹良賓第3次拜訪已90多歲的他,他說 他太老了,要曹良賓去問問與其合作數十年的Steidl出版社創辦人Gerhard Steidl。曹良賓解釋,自1960年代起,Gerhard Steidl早有意識地透過出版令藝術民主化。藝術如同攝影可大量複製、流通,他以高標準的工藝精神製書,卻又不限版壓低書本價格, 藝術不再只是美術館或私人的收藏。而移民身分的Robert Frank,在其經典攝影著作《The Americans》(1958)中開創了一種更主觀、甚至不那麼正面的觀看方式來描繪美國。「民主社會最重要的一個特色,就是保有自我修正的空間。」他認為創作者勇於揭露情感,會帶來開放性的討論與共情。

美國攝影大師Robert Frank在德國著名藝術書出版社Steidl討論製書細節。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
美國攝影大師Robert Frank在德國著名藝術書出版社Steidl討論製書細節。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

美援大樓展演空間1樓正陳列了《The Americans》的製書過程。策展人Gerhard Steidl進一步說明,相比他的影像輸出作品,書可能才是Frank真正的創作核心。「他從不在乎金錢,對藝術世界深感懷疑,而書籍提供一種繞過整個藝術體系的方式。」如今重新審視這部經典時,貧富差距、不平等、種族等問題依然困擾著我們。2樓則展出《Visual Diaries》系列等他晚期、不那麼「經典」的作品,更多映照他的內心世界。Gerhard Steidl分享,相對於《The Americans》版面設計左頁圖說、右頁照片的一致結構,《Visual Diaries》編排更加靈動、抒情,將黑白影像、彩色拍立得、生活私照與剪貼、隨筆等等相互交織。「這些日記不僅呈現出過去如何影響Robert,更展現了製書如何塑造他的人生。」

《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

他的攝影實踐或許回應了攝影節的主軸,「攝影中的民主精神完全因攝影師而異。」Gerhard Steidl舉例:它可能是William Eggleston在平凡中發現美麗;或如Jackie Nickerson的肖像作品捕捉人的共通性;也可能像Juergen Teller混合不同影像類型;甚至是Dayanita Singh將書本設計如袖珍美術館,讓讀者策劃自己的展覽。「我不會告訴任何人該如何閱讀一本書,讀者要自己去發現,而書的魅力正在於此。」他相信,「書籍是活的,而且會一直活下去。」

《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《史泰德與法蘭克—攝影書與藝術民主化》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

當民主的多元關懷走入日常場景

最早確認展出的是《在我們得獎之後—New Wave台灣新銳攝影創作展》,去年15位獲獎者的鏡頭正映現出當代台灣的多元面貌,關懷從移民身分認同、殖民記憶到邊緣族群紀錄還有自我凝視的覺察等,廣泛的視野正是曹良賓所樂見的。他談到,當初5位評審都特別邀請策展人擔任,就是要借鏡他們審視藝術的廣度,跳脫攝影圈內分類的既有框架。

《在我們得獎之後—New Wave台灣新銳攝影創作展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《在我們得獎之後—New Wave台灣新銳攝影創作展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

《親愛的台灣,戶外影像展》則將影像帶出了室內白盒子。其中策劃3組創作者與公民團體的跨域合作,從創新、防衛、轉型3大角度切入台灣民主景況。曹良賓說明,這次邀請的g0v台灣零時政府、台灣資訊環境研究中心IORG、台灣共生青年協會平常都處理很硬的議題,協作藝術家卓杜信、林暐倫、劉千鈺,不約而同將視角拉回台灣人熟悉的日常場景。「我們希望透過藝術將議題軟化一些,讓大家感受到這些事其實很有意思。」展覽將在3公尺高的鷹架上懸掛大型帆布輸出,呼應台灣工地常見景象,也對應臺灣當代文化實驗場(C-LAB)正在改建中的施工狀態。「這也是民主形塑中的感覺,很多事情同時在發生。」

《親愛的台灣,戶外影像展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《親愛的台灣,戶外影像展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《親愛的台灣,戶外影像展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
《親愛的台灣,戶外影像展》展場一景。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

第1個以台灣為名的攝影節

這次論壇與講座以藝術家、攝影策展人的交流為目標,未來,曹良賓期待邀請更多攝影節總監參與,聯繫上國際社群。他坦言第1屆還在摸索模式,「我們會做出許多設定上的調整,讓攝影節更制度化地持續,籌備才不會如此漫長又辛苦,並能看到更多元、製作良好的作品進來台灣。」一年辦攝影節、一年攝影獎的交替進行,是他們認為適合的節奏。他們也不排除仿照其他攝影節公開徵件,但會先從小規模開始,留給本土創作者一些時間累積作品,再延展到國際。

國際論壇大合照。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
國際論壇大合照。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

台灣過去也有過不少攝影節、攝影獎IP,但都因補助、資金斷炊等因素停辦了。對此,曹良賓表示,「我們在考慮贊助模式,接下來會嘗試與業界合作。這次也因此連結到過去沒有接觸過的單位,正在學習如何協作。」其實,他很意外至今還沒出現冠以「台灣」的攝影節。他深知2字的重量,「我們明確想要讓所有人知道,活動的文化主體就是台灣,但它是開放、並非排外。而這島上多元的文化是我們的養分,而且尚待我們去了解。」

曹良賓。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
曹良賓。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

曹良賓

2016年創辦Lightbox攝影圖書室,致力保存、研究、推廣台灣攝影。台灣新竹出生,美國紐約普拉特藝術學院藝術創作碩士。影像創作之外,亦從事組織營運、公共服務,並關注開放文化。2015年,出版首本攝影專輯《中途》;2024年,舉辦第一屆「New Wave攝影創作獎」;2025年,創立首屆TIPF台灣國際攝影節。

Gerhard Steidl。(圖片提供:Steidl)
Gerhard Steidl。(圖片提供:Steidl)

Gerhard Steidl

Steidl出版社創辦人。1950年出生於德國哥廷根,1968年在家鄉創辦印刷公司,1994年啟動 國際攝影書計畫,如今擁有全球規模最大的當代攝影書出版計畫,並出版一系列的德國文學作 品精選。親自監督每本書籍的紙張選擇與製作工序,對書籍製作的極致追求令出版社享譽國際,合作對象包括Robert Frank、Karl Lagerfeld、 Joseph Beuys等著名藝術家。

5位值得關注的New Waves


卓杜信《拉央的風箏已遠去》

家鄉的輪廓在工業發展中逐漸模糊,童年記憶裡的火車站與街景已被挖土機的轟鳴聲取代。旅居台灣的卓杜信,用鏡頭追溯馬來西亞故土拉央的身世變遷。他在城市化進程的縫隙中穿梭,捕捉那些即將消失的日常片段。當具體的地標不復存在,攝影成為他重新詮釋故鄉意義的方式,也是對流逝時光的深情挽留。

卓杜信《拉央的風箏已遠去》。(攝影:卓杜信)
卓杜信《拉央的風箏已遠去》。(攝影:卓杜信)
卓杜信《拉央的風箏已遠去》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
卓杜信《拉央的風箏已遠去》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

鐘苡綾《荒誕與荒謬的灰色地帶》

身兼攝影師、美術企劃、模特兒、演員等多重身分,鐘苡綾似乎拒絕被單一標籤定義,創作軌跡最初關注自我慾望的內在挖掘,逐漸延伸至女性與社會議題的外在觀照。他擅長在平凡日常中植入超現實想像,讓歡愉與憂傷、真實與荒謬等那些矛盾情緒,在同一畫面中共存,映照出生活中那些模糊難辨的曖昧時刻。

鐘苡綾《荒誕與荒謬的灰色地帶》。(攝影:鐘苡綾)
鐘苡綾《荒誕與荒謬的灰色地帶》。(攝影:鐘苡綾)
鐘苡綾《荒誕與荒謬的灰色地帶》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
鐘苡綾《荒誕與荒謬的灰色地帶》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

謝明澄《落果》

鏡頭或能審視青春歲月的迷惘與蛻變,謝明澄的作品混融編導式自拍與街拍手法,捕捉生命中那些關於離別、孤獨與成長的複雜情緒。這位生於2000年後的創作者,敏銳察覺到攝影創作時間性的矛盾。當我們試圖留住某個瞬間時,卻已經錯過了真正的當下。這系列既是個人的青春備忘錄,也是對生命無常的凝視。

謝明澄《落果》。(攝影:謝明澄)
謝明澄《落果》。(攝影:謝明澄)
謝明澄《落果》。(攝影:謝明澄)
謝明澄《落果》。(攝影:謝明澄)

唐佐欣《還是要面對明天的太陽》

將鏡頭對準大漢溪畔的都市原住民聚落,這位年輕的攝影記者記錄下阿美族人離鄉後重建家園的生活樣貌。唐佐欣不僅以影像紀實,更邀請族人透過口述、繪畫、書寫共同參與創作,讓不同世代在協作中交流生命經驗。這個跨越3年的計畫,是對邊緣群體集體記憶、認同的溫柔重構。

唐佐欣《還是要面對明天的太陽》。(攝影:唐佐欣)
唐佐欣《還是要面對明天的太陽》。(攝影:唐佐欣)
唐佐欣《還是要面對明天的太陽》。(攝影:唐佐欣)
唐佐欣《還是要面對明天的太陽》。(攝影:唐佐欣)

郭哲希《殖民地之杉》

一種樹木,兩段殖民歷史的見證者。郭哲希兼具軟體工程師與攝影師身分,以冷靜的紀實手法,追蹤這些外來的南洋杉在台灣土地上的身世,在歷史政權更迭中如何流轉、重新被詮釋。它們既是帝國擴張的綠色標記,也是威權統治的空間符碼,看似平凡的人文地景攝影背後,潛藏複雜的殖民記憶與認同政治。

郭哲希《殖民地之杉》。(攝影:郭哲希)
郭哲希《殖民地之杉》。(攝影:郭哲希)
郭哲希《殖民地之杉》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)
郭哲希《殖民地之杉》。(圖片提供:TIPF臺灣國際攝影節)

TIPF 臺灣國際攝影節

展期|2025年9月6日至2025年10月6日
地點|臺灣當代文化實驗場 C-LAB
售票連結|tipf.oen.tw
其他活動相關資訊,請見TIPF 臺灣國際攝影節FacebookInstgram官方網站

文|吳哲夫 攝影|卓杜信、鐘苡綾、謝明澄、唐佐欣、郭哲希 圖片提供|TIPF臺灣國際攝影節

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

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