甫結束台灣首展的石田真澄，鏡頭下的迷人光影與日常瞬間，是她標誌性的攝影風格。從日本女演員夏帆、八木莉可子的寫真集，到傑尼斯偶像 Sexy Zone 的年曆，都可窺見其自然又純粹的面貌，而究竟是攝影的魔法還是被攝者本身的魔力？La Vie 專訪到石田真澄，帶你走進這位新銳攝影師的感知世界。

不到25歲的年紀，便活躍於日本雜誌與廣告界的石田真澄，接觸攝影的契機很單純。她說，「國中時有折疊式手機可以拍照，那時覺得能用這麼小的東西記錄影像好有趣，後來請爸媽買了一台單眼數位相機給我。一直到高中時，剛好要去兩個禮拜的海外研修，選擇帶了比較輕巧的即可拍，也是從那時開始，我逐漸感受到用底片拍照的魅力。」於是，底片相機成了石田真澄愛用的攝影器材，比如幾乎隨身攜帶的CONTAX G2與旅行用的Nikon F3，讓她繼續按下快門、抓住片刻永恆。

用快門抓住當下開心的瞬間

對石田真澄而言，「拍照」就是想要紀念開心的當下與回憶。由此誕生的第一本作品集《light years -光 年-》，便是這樣的存在；她透過鏡頭捕捉下高中校園時光，將青春永遠留存，正如同她所說的，「每次底片洗出來，好像就能回到當初快樂的瞬間。」隔年出版的第二本作品集《everything will flow》，則記錄下她跟朋友至冰島與瑞士旅遊的影像，「我不是為了出書而去刻意拍照，只是反射性地想要留下一些什麼。這趟旅程結束後，我跟編輯聊到最近拍的照片，我們發現裡頭沒有很多雪山或很冰島風景的畫面，我起初很困惑這樣是不是不好？擔心以後不能做拍攝旅遊雜誌的工作。但我也才察覺到，原來，我都在追尋光線這東西啊。之後編輯告訴我，身為創作者都在追求一樣的軸心很好，也讓我稍微改變了想法。」

漂亮的光影與自然清透的氣息，是多數人對於石田真澄攝影作品的形容。而她認為，自己的作品並不是那種會讓人留下深刻印象的創作，「我喜歡拍美麗的瞬間，但我的照片沒有那麼強烈的主張、不是太過特別，不過當好幾張作品排在一起時，可以感受到它是活著的。也可能因為我都在拍日常生活風景，意外地，好多人跟我說曾經在哪看過相片裡的景象。我想，這樣也沒什麼不好。」

照片傳遞真實日常氛圍

而走出日常，要如何在個人創作與商業攝影之間找到平衡？石田真澄說，會委託她拍照的客戶，通常是看到她社群平台上的作品或攝影書，因此她也在工作照片中傳遞日常氛圍，算是創造出一種雙贏效果。回想起初次拍攝藝人的經驗，石田真澄笑說，真的非常緊張，「因為底片相機無法馬上確認照片，讓我會特別在意他們的心情。有時和拍攝對象是第一次見面，我會觀察他們做妝髮時的狀態，再去調整如何互動、拉近彼此距離。」

相較於短時間的雜誌攝影，長達2、3 年的寫真書拍攝，更是截然不同的體驗。近期在日劇《silent》有精湛表現的演員夏帆，以及在《First Love初戀》飾演高中時期女主角的新生代女星八木莉可子，在石田真澄的鏡頭之下，也更加通透無比。「我跟夏帆只有因為工作見過一次面，後來她主動邀請我擔任攝影師，為她記錄下30歲之前的自己；她不希望是那種去某個地方玩兩天一夜的拍攝，而是長久地捕捉日常。」有趣的是，這本寫真集的名稱取自石田真澄幼時的自創詞彙「おとととい」，有著「前天的昨天」之意，細膩展現出時間積累的魅力。

大約同時間拍攝的八木莉可子寫真集， 則濃縮了3年的時光回憶。石田真澄說，她先前在日本雜誌《GINZA》有個企劃，可以自己選擇拍攝對象，當時她留意到參與寶礦力水得廣告演出的八木莉可子，於是主動提出要在雜誌拍攝她，希望能將這位新銳演員更多不同的面貌呈現給大家。拍著拍著，私底下兩人也熟絡起來，並在八木莉可子經紀人的邀請之下，共同催生出這本承載17～20歲喜怒哀樂瞬間的《Pitter- Patter》。

從他人之眼發現作品新視角

而在平面攝影之外，石田真澄今年也第一次嘗試動態影像——2023年的寶礦力水得廣告幕後花絮。她坦言，這件工作相當有挑戰性，「果然不太熟悉的事情，有點抓不到怎麼做比較好。」除了因為影像經驗不多，讓她覺得困難，加上要如何運用這些素材，編輯成一支真正完整的影片這件事並沒有「正解」。「但這次跟負責廣告正片與平面拍攝的前輩瀧本幹也一起工作，看到他身為一個攝影師，統籌那麼大的製作團隊，也從他身上學習到很多。」

那麼，未來想挑戰不一樣的攝影工作嗎？石田真澄回答，「拍廣告很有趣好玩，有機會也想再嘗試。我仍非常喜歡拍雜誌，雖然時間比較短、預算相較沒那麼高，但比起所謂的挑戰，我還是想要持續去拍照。」事實上，學生時期，她曾應徵雜誌社的打工，也參加過廣告公司實習生的面試，若沒有當攝影師，現在可能從事雜誌、廣告相關的行業。「我能做到的就是拍照，編輯順序、設計編排、在紙本上的呈現方式等，經由第三方人員客觀調整後，能帶我發現照片新的視角，這也是我每次看到作品出現在雜誌上很開心的原因。」

石田真澄鼓勵想走上攝影之路的人，可以透過展覽、Zine（小誌）或攝影書來發表作品，並嘗試跟編輯、會做設計的朋友合作，使這些照片擁有更多面向。她自己也是在高中畢業後舉辦首次個展、隔年推出首本攝影集後，逐漸獲得為雜誌、廣告案拍照的邀約。

回到照片本身，好照片的定義又是什麼呢？她給了一個真誠的回答，「我喜歡作品拍出來有它的個性，引領我發現或去思考，原來這個人是用這樣的視角拍照啊。」而愈貼近日常愈是要透澈觀察，或許正因如此，平凡不過的生活風景，在石田真澄的雙眼裡，全都成了閃閃發亮的瞬間。

石田真澄（Masumi Ishida）

1998年出生。2017年，舉辦首次個人攝影展《GINGER ALE》。2018年，由TISSUE PAPERS出版首本攝影作品集《light years -光年-》。 隔年，第二本攝影作品集《everything will flow》由同出版社發行。以攝影師身分持續活躍於日本雜誌與廣告業界。IG：8msmsm8

更多精彩內容請見 La Vie 2023/5月號《直擊海外創意現場》

從台北Restaurant A到倫敦Restaurant Gordon Ramsay等米其林星級餐廳，都可見到陶瓷藝術家劉子瑜的食器作品，它們低調襯托料理、也細緻為餐桌增色。可劉子瑜的創作不僅止於功能性，更延伸出獨樹一幟的藝術性，她將兼容並蓄、有機而和諧的美學，貫穿於嚴謹的創作實踐之中，展現出陶瓷創作、原始的自然力量與自我意志之間的深刻連結。

睽違三年，TAO ART推出劉子瑜個展《漸變》

即日起至2025年4月19日，台北藝術空間TAO ART推出劉子瑜最新個展《漸變 Gradations》，集結藝術家過去7年來累積的作品及創作靈光。展名「漸變」一方面點出了釉燒過程中所經歷的質變，與物質本身的可變性；另一方面則隱喻藝術家多年來的探索與創作軌跡，及作品逐漸長出的豐富樣貌。

談及創作時的心境，劉子瑜說：「在我的作品中，我最享受的是去實驗色彩的漸層變化、各種色調之間過渡的微妙差異。」上述特質也能見於《漸變》個展之中，以下精選幾件亮點作品帶看。

用陶瓷凝結自然美景

近展場入口處的細長圓柱造型陶瓷作品，是劉子瑜從2020年延續至今之作。她藉由流釉質感和高低排列組合，敏銳捕捉不同光線、不同時間之下的感性經驗：〈春寒料峭〉色彩細緻、富漸層變化，令人聯想台灣山林間的濕潤綠意，襯著藍天與雲霧繚繞的遠景；〈秋老虎〉的瑰麗釉色混合了草葉綠、橄欖綠、冷杉綠和芥黃，宛若秋陽斜落於山林、穿越樹葉間隙，瞬息萬變的景色。

對劉子瑜而言，暫時放下對器皿實用性的思考，追求自由表達，是一種嶄新的發現；這次她也首次展出全新水彩紙本創作，呼應陶瓷作品對自然意象的捕捉。

最大展間中呈現寧靜的暖色家居氛圍，以劉子瑜最為人熟知的「餘」系列為主角，並展出精彩的大幅作品〈春夏秋冬〉。其中的亮眼新作還有「池塘深處」系列，她運用礦物塗料創造具流動感、空間感的背景，並在閃爍溫潤光澤、富動態感的魚群之間覆上一層金葉，重現一幅池塘落葉的場景，將瞬間凝結為永恆，寧靜而雋永，蘊含藝術家對生命與自然的深刻感受。

融有趣想像，轉譯古典器物

這次個展中，劉子瑜也再度挑戰由傳統形制的器物發想，融入有趣和想像性的當代元素。她讓南宋青釉龍虎尊上經典的靈獸形象，變身為既像龍又像蟲的龍蝦；器蓋上，在中國傳統中象徵朱雀的鳥被巧妙地換成小螃蟹。而傳統形制的鳳耳紙槌瓶上，則棲息著優雅的蒼鷺，以她特別喜歡的灰藍色調與漸層釉色效果表現。

自在遊走於功能性、藝術性陶瓷創作間

劉子瑜與陶瓷藝術的相遇，是美好的偶然。她出生於美國加州，大學修讀商業經濟學和法語，畢業後曾想赴法國烹飪學校進修，但在啟程前邂逅並愛上陶瓷藝術，因此決定攻讀陶瓷碩士學位，以結合自己對陶土和美食的熱情。如今，劉子瑜的陶瓷作品散見於全球多間米其林星級餐廳，儘管她的創作著重於功能性，但並不受其限制，她以功能性的形式作為設計的起點，最終成品遠不止於實用的餐盤或碗具，而是蘊含深刻意義、質樸與奢華並存的獨特作品。

劉子瑜個展《漸變》

展期｜即日起至2025年4月19日

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓） 

坐落台東金樽的「江賢二藝術園區」，將於2025年3月15日正式開幕。園區建築依著海岸山脈低調棲於坡地，與太平洋相望；現已開放的5座場館包含展覽廳、藝術家駐村空間、「靜池」觀景台、德布西咖啡廳等場域，未來將持續發掘花東在地的藝術能量，同時積極與國際藝術界交流，實踐將花東打造為國際藝術聚落的想望。

源於美國東岸的夢想，在台灣東岸落地

「江賢二藝術園區」的構想，在1980年代就隱隱埋下伏筆。當時，江賢二在紐約長島東漢普敦（East Hampton）擁有一間小畫室與一塊五英畝的地，便起心動念，構想著每年夏天開放畫室給民眾參觀，讓人們有機會和自己一樣被大自然的美所啟發，這對常說著「藝術家對社會沒什麼貢獻」的他來說，是作為藝術家所能為社會做的小小回饋。

這份40年前因美國東岸而生的構想，如今在世界另一端的台灣東岸成真——園區在深耕花東多年的公益平台文化基金會董事長嚴長壽協助下逐漸成型；由江賢二與林友寒建築師一同構思園區樣貌，並在臺灣清水建築工坊、臺東在地的黃文榮建築師協助下落成。

融於自然環境的藝術園區

規劃園區之初，江賢二便向林友寒提出自己的想法：「希望園區能充分發揮大自然的美，將整體環境融入設計，而不只是展示藝術品的空間。」因此，園區規劃首重自然地景，園內5棟建築皆依海岸山脈的坡度融入環境的紋理，建材與工法以低調的清水模混凝土為主，每一棟都引進自然天光。

林友寒表示：「江老師的作品本身就具有空間性，他並不需要別人的美學意見來設計『代表他的建築』。我們建築師的角色應該『隱形』，思考如何在台東自然生態環境中，用江老師的作品精神建構一文化公共藝術平台。」

雕塑作品化為建築，框景設計讓太平洋成畫

入園首先看到的「恭源接待中心」和「承翰館」（第三展覽廳），以江賢二雕塑作品〈13.5坪〉為原型打造，兩棟建築的屋頂採用他偏愛的耐候鋼，隨著時間的鏽蝕，將呈現深邃的紅棕色；量體稜角分明的輪廓，如落於山坡上的巨大岩石，成為迎賓最亮眼的主視覺。

步入造型與氛圍都似教堂的「承翰館」，瞬間便能感受到類宗教建築予人的神性，整座場館幾乎不見任何直角，燈光幽暗，僅有江賢二親自創作的大型燈飾〈天使的簽名〉、自天窗流瀉的台東陽光微微點亮室內，呼應著藝術家作品中的天光、蠟燭、《百年廟》系列裡的廟宇香火……各種形式、無所不在的「光」，也引導人們在此靜思。

〈13.5坪〉從雕塑正式化為建築之前，還有段有趣的故事——十多年前江賢二剛移居台東，就有以〈13.5坪〉為原型打造自宅的想法，但因建造難度高，久久找不到願意承接的建築團隊；多年後，林友寒為發想園區設計前往江賢二工作室參觀，看見角落的〈13.5坪〉便主動提出：「或許我們可以把它變成建築！」繞了個彎實現藝術家心中的願望。

位於兩座展覽廳——「信義館」與「勤誠館」——之間的「靜池」，透過水景與天色相映，牆面則特意融入框景設計，巧妙襯托出與園區相望的太平洋海景。江賢二特別在此規劃一張長椅，邀訪客在此面向大海，感受啟發其創作的光線、空氣、大海和植物；轉向另一面，則能靜賞《銀湖》系列畫作感受其中靜謐。

若「靜池」象徵啟發江賢二創作的外在環境，那位於勤誠館內的「冥想空間」則代表內在世界，這裡展出一系列貼近江賢二內心的小尺幅作品，邀人們走入藝術家如苦行般的創作世界。

從暗沈到多彩，回望藝術家不同生命階段的心境流轉

園區開幕大展《光、美與淨化》由現任日本森美術館特別顧問的藝評家南條史生，及曾策劃臺東美術館《江賢二2022個展》的藝術家紀嘉華合作，從江賢二創作裡最重要的元素──光——展開敘事，劃分出三大切面：「追尋自由」、「音樂與自然」、「精神性與希望」，體現藝術家在不同生命階段的心境流轉。

談及江賢二藝術園區歷經十幾年籌備、終於對大眾開放的心路歷程，江賢二表示：「我一直認為完成作品後就是藝術家『退場』的時候，作品交由觀眾、評論家、策展人……去解釋和討論。」而這座藝術園區即是濃縮江賢二藝術生涯的重磅之作，凝練了他從封窗到開了片露台日日面海的過程，乍看是一位藝術家超越半世紀的創作生涯，卻也是一個人探尋生命的無盡旅程。

深入參與園區建設的林友寒建築師則說，江賢二藝術園區是極其獨特的作品，「園區離它『生命的源頭』很近，藝術家仍健康在世、他的生活就面向這個場域，所有建築都和藝術家的作品有所呼應。」擔綱開幕策展、同時也是園區榮譽館長之一的南條史生也有同樣感想：「園區開啟了一個『歷史的起點』，這個場域有十幾年來江賢二創作與生活的軌跡，從今而後，訪客的參與將與園區共同寫下新的歷史篇章。」

江賢二藝術園區

地址｜台東縣東河鄉台11線73號

開幕日期｜2025.03.15