專訪日本新生代攝影師石田真澄！捕捉日常一瞬的追光者

甫結束台灣首展的石田真澄，鏡頭下的迷人光影與日常瞬間，是她標誌性的攝影風格。從日本女演員夏帆、八木莉可子的寫真集，到傑尼斯偶像 Sexy Zone 的年曆，都可窺見其自然又純粹的面貌，而究竟是攝影的魔法還是被攝者本身的魔力？La Vie 專訪到石田真澄，帶你走進這位新銳攝影師的感知世界。

不到25歲的年紀，便活躍於日本雜誌與廣告界的石田真澄，接觸攝影的契機很單純。她說，「國中時有折疊式手機可以拍照，那時覺得能用這麼小的東西記錄影像好有趣，後來請爸媽買了一台單眼數位相機給我。一直到高中時，剛好要去兩個禮拜的海外研修，選擇帶了比較輕巧的即可拍，也是從那時開始，我逐漸感受到用底片拍照的魅力。」於是，底片相機成了石田真澄愛用的攝影器材，比如幾乎隨身攜帶的CONTAX G2與旅行用的Nikon F3，讓她繼續按下快門、抓住片刻永恆。

用快門抓住當下開心的瞬間

對石田真澄而言，「拍照」就是想要紀念開心的當下與回憶。由此誕生的第一本作品集《light years -光 年-》，便是這樣的存在；她透過鏡頭捕捉下高中校園時光，將青春永遠留存，正如同她所說的，「每次底片洗出來，好像就能回到當初快樂的瞬間。」隔年出版的第二本作品集《everything will flow》，則記錄下她跟朋友至冰島與瑞士旅遊的影像，「我不是為了出書而去刻意拍照，只是反射性地想要留下一些什麼。這趟旅程結束後，我跟編輯聊到最近拍的照片，我們發現裡頭沒有很多雪山或很冰島風景的畫面，我起初很困惑這樣是不是不好？擔心以後不能做拍攝旅遊雜誌的工作。但我也才察覺到，原來，我都在追尋光線這東西啊。之後編輯告訴我，身為創作者都在追求一樣的軸心很好，也讓我稍微改變了想法。」

漂亮的光影與自然清透的氣息，是多數人對於石田真澄攝影作品的形容。而她認為，自己的作品並不是那種會讓人留下深刻印象的創作，「我喜歡拍美麗的瞬間，但我的照片沒有那麼強烈的主張、不是太過特別，不過當好幾張作品排在一起時，可以感受到它是活著的。也可能因為我都在拍日常生活風景，意外地，好多人跟我說曾經在哪看過相片裡的景象。我想，這樣也沒什麼不好。」

照片傳遞真實日常氛圍

而走出日常，要如何在個人創作與商業攝影之間找到平衡？石田真澄說，會委託她拍照的客戶，通常是看到她社群平台上的作品或攝影書，因此她也在工作照片中傳遞日常氛圍，算是創造出一種雙贏效果。回想起初次拍攝藝人的經驗，石田真澄笑說，真的非常緊張，「因為底片相機無法馬上確認照片，讓我會特別在意他們的心情。有時和拍攝對象是第一次見面，我會觀察他們做妝髮時的狀態，再去調整如何互動、拉近彼此距離。」

相較於短時間的雜誌攝影，長達2、3 年的寫真書拍攝，更是截然不同的體驗。近期在日劇《silent》有精湛表現的演員夏帆，以及在《First Love初戀》飾演高中時期女主角的新生代女星八木莉可子，在石田真澄的鏡頭之下，也更加通透無比。「我跟夏帆只有因為工作見過一次面，後來她主動邀請我擔任攝影師，為她記錄下30歲之前的自己；她不希望是那種去某個地方玩兩天一夜的拍攝，而是長久地捕捉日常。」有趣的是，這本寫真集的名稱取自石田真澄幼時的自創詞彙「おとととい」，有著「前天的昨天」之意，細膩展現出時間積累的魅力。

大約同時間拍攝的八木莉可子寫真集， 則濃縮了3年的時光回憶。石田真澄說，她先前在日本雜誌《GINZA》有個企劃，可以自己選擇拍攝對象，當時她留意到參與寶礦力水得廣告演出的八木莉可子，於是主動提出要在雜誌拍攝她，希望能將這位新銳演員更多不同的面貌呈現給大家。拍著拍著，私底下兩人也熟絡起來，並在八木莉可子經紀人的邀請之下，共同催生出這本承載17～20歲喜怒哀樂瞬間的《Pitter- Patter》。

從他人之眼發現作品新視角

而在平面攝影之外，石田真澄今年也第一次嘗試動態影像——2023年的寶礦力水得廣告幕後花絮。她坦言，這件工作相當有挑戰性，「果然不太熟悉的事情，有點抓不到怎麼做比較好。」除了因為影像經驗不多，讓她覺得困難，加上要如何運用這些素材，編輯成一支真正完整的影片這件事並沒有「正解」。「但這次跟負責廣告正片與平面拍攝的前輩瀧本幹也一起工作，看到他身為一個攝影師，統籌那麼大的製作團隊，也從他身上學習到很多。」

那麼，未來想挑戰不一樣的攝影工作嗎？石田真澄回答，「拍廣告很有趣好玩，有機會也想再嘗試。我仍非常喜歡拍雜誌，雖然時間比較短、預算相較沒那麼高，但比起所謂的挑戰，我還是想要持續去拍照。」事實上，學生時期，她曾應徵雜誌社的打工，也參加過廣告公司實習生的面試，若沒有當攝影師，現在可能從事雜誌、廣告相關的行業。「我能做到的就是拍照，編輯順序、設計編排、在紙本上的呈現方式等，經由第三方人員客觀調整後，能帶我發現照片新的視角，這也是我每次看到作品出現在雜誌上很開心的原因。」

石田真澄鼓勵想走上攝影之路的人，可以透過展覽、Zine（小誌）或攝影書來發表作品，並嘗試跟編輯、會做設計的朋友合作，使這些照片擁有更多面向。她自己也是在高中畢業後舉辦首次個展、隔年推出首本攝影集後，逐漸獲得為雜誌、廣告案拍照的邀約。

回到照片本身，好照片的定義又是什麼呢？她給了一個真誠的回答，「我喜歡作品拍出來有它的個性，引領我發現或去思考，原來這個人是用這樣的視角拍照啊。」而愈貼近日常愈是要透澈觀察，或許正因如此，平凡不過的生活風景，在石田真澄的雙眼裡，全都成了閃閃發亮的瞬間。

石田真澄（Masumi Ishida）

1998年出生。2017年，舉辦首次個人攝影展《GINGER ALE》。2018年，由TISSUE PAPERS出版首本攝影作品集《light years -光年-》。 隔年，第二本攝影作品集《everything will flow》由同出版社發行。以攝影師身分持續活躍於日本雜誌與廣告業界。IG：8msmsm8

更多精彩內容請見 La Vie 2023/5月號《直擊海外創意現場》

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23