台灣紙紮工藝《極樂天堂》躍上法國凱布朗利博物館！窺探新興糊紙文化、SKEA天堂紙紮神祕「死亡美學」

誰不曾嚮往往生之後仍繼續享受在人間擁有的樂趣？台灣祭儀糊紙祭品──俗稱紙紮──功能即在於此，透過火化傳遞給死者，確保他們在陰間仍擁有舒適的物質享受。這些真實而曇花一現的複製品，隨著火焰消逝，呈現了深植於台灣文明裡生者與祖先彼此依附的思維

今夏巴黎必看展覽

這股傳統台味藝術文化，近日也登上巴黎的法國國家凱布朗利河岸博物館(Musée du Quai Branly）殿堂展出，館方特別與文化部駐法國台灣文化中心、高雄市立美術館合作，舉辦名為《PALACE PARADIS》（極樂天堂－台灣祭儀糊紙文化）展覽，從這些紙紮祭品的製作技術，乃至主要材質──紙張──的象徵意義，探討了這項傳統的根源及其在當代的轉變，向這些神秘而詩意的作品致敬。儘管規模與預算皆不大，然而這項看見傳統工藝的展覽，則被巴黎最高點閱率藝文指南Sortir à Paris選為今夏巴黎十大必看展覽！

說起紙紮文化，早在中華文明初期出土的文物裡，即有喪葬祭品的蹤跡。陶土燒製之日常用品替代品隨著死者一同埋葬的習俗，被證實已存在超過三千年。在青銅器時代，占卜用的貴重禮器，使人們得以與祖先溝通，被認為是人與神之間的媒介。後來，從西元五世紀起，儒教則將孝道置於其學說的核心，視之為社會秩序的根本。

在台灣，喪葬紙紮用品與這段悠久的歷史脫離不了關係，並成為一原創且在地的藝術。《極樂天堂》正是向台灣「新興糊紙文化」與「Skea天堂紙紮」兩個團隊的創作致敬。參觀路線從靈厝、居家用品與紙紮食物開始，這些都是最早期的喪葬祭品。展覽第二部分名為「購物天堂」，著眼於奢侈品與新科技產品，展出名牌複製品及呼應最新潮流的科技產品，像是安裝有專屬「天堂」之應用程式的智慧型手機。

而在展覽最後一部分，則圍繞著祖先祭祀、以及免於受「餓鬼」騷擾的必行儀式。每一年，餓鬼節（中元節）就是為了安撫那些無人祭拜的孤魂野鬼；此一節日同時讓我們想起祭祀與追思祖先的重要性。除此之外，展場亦設有多媒體裝置，呈現喪葬紙紮祭品的製作過程與火化儀式，讓參觀者更能深入體會喪葬紙紮習俗的深遠意義。

本次凱布朗利博物館特別安排該館極為活耀的年輕策展人朱利安盧梭（Julien Rousseau）擔任展覽策展人，朱利安2018年於該館策畫了｢藝術裡的亞洲鬼怪展｣，受到各界矚目與歡迎，朱利安主修人類學，亦是法國文化部核定的國家級策展人，此次為策畫｢極樂天堂｣，在美術館協助下朱利安特別來到台灣訪視了傳統和當代紙紮的藝匠和設計師，朱利安表示，台灣的紙紮工藝，有著深遠的文化底蘊，亦充滿了人情妙趣，更有豐富的藝術創意，他以歐洲人的視野，探索此一領域，期望為法國觀眾帶來不一樣的文化內涵。

法國國家凱布朗利博物館

緊鄰巴黎艾菲爾鐵塔的法國國家凱布朗利博物館，和羅浮宮、奧塞美術館、龐畢度中心並列為法國四大國立博物館，是(Jacques Chirac總統任內最重要的文化建設，也落實了這位精英總統在1995年上任之初面向21世紀的宏大文化願景—結束對歐洲以外人民和文化的長期漠視，給予這些長期以來不受重視或陌生的文明和藝術一個公平的位置。

布朗利博物館推介研究亞、非、美洲和大洋洲文明，致力保存、研究及介紹人類文明，彰顯文化多樣化的同時也有助於不同文化間交流對話和相互瞭解。該館建築物造型獨特，其核心主體乃是採用法國建築師Jean Nouvel的設計，為了呼應這座致力於非歐洲文明的博物館，其構想不從西方建築的視角出發。凱布朗利博物館以人類博物館(Musée de l’Homme)和國立非洲和大洋洲藝術博物館(Musée National des Arts d’Afrique et d’Océanie)舊有的收藏為基礎，典藏品數量超過30萬件。除了常設展，每年以該館獨到的觀點策劃數檔主題特展。

《PALACE PARADIS》（極樂天堂－台灣祭儀糊紙文化）

展出創作：新興糊紙文化（張徐沛、張陳阿欵、張宛瑩、張徐展、詹昱筑）、SKEA天堂紙紮

展覽日期：2019年6月18日至10月27日

展覽地點：法國國家凱布朗利博物館 瑪汀歐柏雷展館（Atelier Martine Aublet)

via 高美館

由土耳其裔新媒體藝術家Refik Anadol與文化研究者Efsun Erkılıç共同創立的DATALAND，2026年6月於洛杉磯The Grand LA正式開幕。該美術館不僅展示AI創作，更希望打造一座持續生成並與觀眾互動的文化場域，重新思考人類、科技與藝術之間的關係。

一座結合資料、藝術與科學的智慧文化平台

不同於傳統美術館以展示歷史和典藏作品為核心，DATALAND將「資料（Data）」視為新的藝術媒材。館方提出「活的美術館（Living Museum）」概念，試圖重新定義數位時代的藝術表達方式。

以創作資料藝術的新媒體藝術家Refik Anadol成長於伊斯坦堡，受《銀翼殺手》啟發，長期探索科技、記憶與空間的關係。創立跨領域工作室後，他在2016年獲選為Google的AI駐村藝術家，並透過作品《Archive Dreaming》運用AI將龐大資料轉化為沉浸式藝術，持續探索機器學習、記憶與現實的邊界。今年開幕的DATALAND是工作室成立十年的里程碑，希望打造一充滿動感與變幻的互動空間。

延伸閱讀：專訪土耳其藝術家Refik Anadol：MoMA典藏作品到全球首座AI博物館，如何以數據美學掀起當代文藝復興？

而DATALAND除了舉辦展覽，其願景不止於藝術館本身。未來將建立一涵蓋各類AI藝術作品的綜合館藏，鼓勵藝術家駐村，並提供教育計畫與研究平台，串聯藝術家、科學家、研究機構及科技產業等各界人士，期望成為探索AI藝術與文化的重要據點。

值得一提的是，館方特別強調所有AI模型皆建立於合法授權與公開合作的資料來源，並將透明的資料治理與環境保護視為重要發展方向，希望回應生成式AI在版權、資料使用、創作倫理與二氧化碳排放上的討論。

首檔展覽《Machine Dreams: Rainforest》帶你走進沉浸式熱帶雨林

開館首展《機器夢想：雨林（Machine Dreams: Rainforest）》橫跨五個展區，透過人工智慧、即時運算和可穿戴裝置，結合光影、聲音、氣味與互動感測，打造沈浸式的多感官體驗。每一次演算都可能因時間、環境和觀眾互動而產生不同畫面，植物、光影、色彩與森林景觀皆隨著AI運作不斷變化，讓觀眾不只是觀看作品，更是走進一座由資料生成的12億像素數位雨林實境，添加展覽的趣味和多樣性。

光影、聲音、氣味交織，打造多重感官體驗

DATALAND強調身體與空間的互動。挑高展廳以360度投影，搭配雨林環境錄製的自然聲景、低頻音場與森林氣味，營造出宛如置身熱帶雨林的沉浸式體驗。

展覽亦設置「Data Tunnel」，以可視化資料與互動展示，揭示AI如何從龐大的資料中學習和分析，再生成眼前的影像。觀眾除了欣賞作品，也能理解資料如何一步步轉化為藝術，進而思考科技與自然之間的全新關係。

此主題延續Refik Anadol近年持續關注的自然議題。團隊以自行開發的AI模型 「Large Nature Model（LNM）」為基礎，運用Smithsonian、Cornell Lab of Ornithology、iNaturalist與倫敦自然史博物館等機構授權的自然資料，以及實地走訪全球熱帶雨林後蒐集的環境資訊，讓AI學習森林的紋理、聲音、生態與氣候，生成介於真實與想像之間的自然景觀。

重新定義未來美術館

近年來，Refik Anadol持續關注人工智慧是否能成為新的創作語言。在 DATALAND，觀眾得以進入作品之中，影響畫面的呈現，也能彷彿身臨其中地感受作品營造的環境，同時享受視覺、嗅覺、聽覺與觸覺結合的盛會。藝術的邊界正持續被改寫，或許在今日的數位時代，我們都將參與這場人類、自然與科技共同創作和碰撞的感官饗宴。

《Machine Dreams: Rainforest》

時間：即日起至2027年1月31日

地點：DATALAND（The Grand LA）

地址：100 S Grand Ave, Los Angeles, CA 90012, USA

網站資訊請點此

資料來源｜DATALAND、Related Companies

美國當代藝術家James Turrell的常設作品《As Seen Below – The Dome》，於2026年6月19日在丹麥ARoS美術館正式登場。這件高16公尺、直徑40公尺的《As Seen Below》，更是James Turrell第100件的「Skyspace」系列作品，別具意義。

探索光、空間與人類感知

1943年出生於洛杉磯的James Turrell，在年輕時取得飛行員的執照，長時間的飛行經驗，讓他深受天空、光線與感知變化吸引。他曾將飛行形容為一種近似冥想的經驗：置身於天空的遼闊之中，感受光線與色彩隨著高度、時間與天氣不斷流動。而這些經驗深刻形塑了他對「空間」與「光」的理解，同時成為他創作的靈感來源，也得以打造出挑戰人類現實感知的作品。

“Flying taught me to value the horizon as an important boundary between earth and sky. It’s this line I try to work with in many of my pieces.”（飛行教會我重視地平線，因為它是大地與天空之間一條重要的分界線。在我的許多作品中，正是圍繞著這條線進行創作。）

觀看這個行為本身就是藝術品

而James Turrell最具代表性的「Skyspace」系列裝置作品，是在空間頂部設置大型圓形開口，以框住開放的天空。這些經過精密設計的建築空間，營造出靜謐的氛圍，邀請觀者感受自然光線不斷變化的色彩與質地。如今，他的Skyspace系列作品遍布世界各地，持續引領人們放慢腳步、以全新的方式感知世界。他說，「建築將天空拉近，於是你意識到，『觀看』這個行為本身就是藝術品。」（The architecture brings the sky close, so you realise that the very act of seeing is the artwork itself.）

最大規模Skyspace作品登場

這件位於丹麥ARoS美術館的《As Seen Below – The Dome》，高16公尺、直徑40 公尺，也由於其規模、完成度與獨特表現形式，James Turrell將其形容為他至今最具企圖心的Skyspace作品。觀者可先經由地下通道進入作品，接著步入壯觀的室內穹頂空間；James Turrell標誌性的光線設計將覆蓋整個空間，同時透過上方的巨大開口，將天空收納進視野之中。

如何體驗《As Seen Below》？

而《As Seen Below》主要有3種觀看模式：在「Open Sky」模式下，巨大的穹頂空間顯得無邊無際，展現出開闊的天空視野；上方的圓形開口將把天空轉化為一幅不斷變化的生動畫布。「Colour Shift」將封閉天空的開口，使觀看的重點從天空轉向光與色彩本身；在這裡，光不只是照明工具，而是既塑造空間，也滲透於空間之中的具體存在。

在晝夜交替時分登場的「Twilight」模式中，穹頂開口將敞向天空，空間內的光線則隨著日出與日落緩緩轉換色彩，與自然光的變化相呼應。James Turrell透過空間中流動的色調來重塑人們的觀看情境，使天空的顏色彷彿也隨之流轉、時刻變幻。也正如他所說：「我可以把天空變成任何你想要的顏色。」

資料來源｜ARoS