用火焰探索純粹!台灣柴燒陶塑藝術家吳水沂的工藝美學

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蟲鳥聲環圍的工作室外,吳水沂指著長時間準備的柴薪說:「製作柴燒循環中,最重要的一件事,就是利用原本就要棄用的果樹、殘枝,取材於自然、最終還於天地。」看著老師眼尾的笑紋裡夾藏著灑脫,似乎,漸漸懂了,柴燒成型的力量,不只是胎土入窯焰焙而已。

兼融中日生活哲學

柴燒,指的並不是像古代因技術條件限制不得已,「木材為燃料燒製而成的陶藝品」,而是偏向日本自十六世紀始有傳世、受禪宗影響,以精神為依歸主體而製作出的陶藝品。

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投柴燒窯就像是以肉身,對抗猛烈的火勢。

日本陶瓷工藝雖是傳承自中國的唐宋時代,但受唐代顯學禪宗影響更深,加上陶瓷文化與茶道、花道、香道等追求自我心靈救贖的生活藝術融合,由此發展出迥異於中國儒家思維影響、型制端正嚴謹的陶瓷器。這種另生的美感,便是以安靜素簡為審美重點、外觀樸拙自然的無釉柴燒陶藝。

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柴燒是土與火的藝術,其色澤與表面紋理,都是創作者意志的集結。

不被認識的小眾

自國中便開始接受美術教育的吳水沂,在藝術專科學校就學時期受臺灣陶藝領航者林葆家等人啟蒙,根植燒窯技術及釉藥理論基礎。而開啟吳水沂柴燒之路的「漢寶窯」,為日本人與臺灣人在苗栗縣西湖鄉設立,是以外銷日本花器、生活陶為主的登窯,在今日早已不復見。1970、80 年代時值臺灣陶藝蓬勃發展;當時追求的,幾乎都是釉彩技術躍進與變革,柴燒可說是眾人認知相當貧乏的小眾陶藝。

吳水沂想在自己作品土胎中加入自然「應該會有」的元素,打破傳統認知上器物土胎該是「乾乾淨淨」的固有思維。「世界之大,我何必止步於此,何不虛心接受自然的力量、承受那份如撞擊感動,依附自然,讓作品的存在昇華於器物本質之上。」

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柴燒鮮明的色彩與造形,讓作品呈現出一股堅韌的生命力。

靜謐的生命力

對吳水沂來說,柴燒的靜,是種走過火焰翻騰的新生,而從成形到排窯的每一個階段,都能賦予作品戲劇化的影響,而其中千翻百轉的可變性,就是柴燒之所以深深吸引吳水沂的地方。

吳水沂在燒造時使用橫越式的穴窯,燒製的過程中,火焰可直接於窯內流竄貫通。因為火勢猛烈,窯爐內便可達到無氧的還原燒狀態,搭配含鐵量的土,長時間的燒製,逼出土壤中的鐵質,讓作品沾染著滄泊的繡紅色。因落灰而層次更替的柴燒作品,吸納的正是一般以釉料為主的陶作品視為汙染的焰痕、落灰。這動態的靜,也是柴燒創作過程中的迷人之處。

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吳水沂使用的是穴窯,窯的前段是柴火燃燒處,所以排窯時放在前端的作品受火最為猛烈。
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柴燒時火焰串流的情景。

他也極愛在作品中,運用刮、切、戳、壓等手法,直接在材質上反映衝撞、邊傷,甚至憤怒的視覺感受。簡單、強烈,卻又不張牙舞爪的風格,是他企圖透過作品傳達的靜謐。

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吳水沂喜歡在坯體加入不同的刮刻效果。

回想起最初推廣柴燒的時候,擔心柴燒是沒人喜歡的陶藝形態,得孤寂地走下去,到今天百花齊放,參與柴燒創作者日眾,這讓一路以個人生命投注柴燒藝術領域的他備感欣喜。柴燒絕不僅是將陶胎放到窯裡面,然後丟柴點火那麼簡單。而是一門以最純粹原始媒材,皆順應大自然的節奏,讓土質、落灰、火痕、空氣、燃燒、時間,以及「我」的思維密合為一體,的獨特作品。

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木柴燃燒的灰燼, 在窯中會隨著熱氣流飄落在作品上, 這就是所謂的「落灰」。

文字/ 紀廷儒

攝影/ PJ Wang

更多與生活、材料、工藝、文學有關的美感,都在La Vie與臺灣工藝研究發展中心所出版的《觸之美:從手到心的美感體會

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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(圖片提供:TAO ART)

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)