用火焰探索純粹!台灣柴燒陶塑藝術家吳水沂的工藝美學

用火焰探索純粹!台灣柴燒陶塑藝術家吳水沂的工藝美學_01

蟲鳥聲環圍的工作室外,吳水沂指著長時間準備的柴薪說:「製作柴燒循環中,最重要的一件事,就是利用原本就要棄用的果樹、殘枝,取材於自然、最終還於天地。」看著老師眼尾的笑紋裡夾藏著灑脫,似乎,漸漸懂了,柴燒成型的力量,不只是胎土入窯焰焙而已。

兼融中日生活哲學

柴燒,指的並不是像古代因技術條件限制不得已,「木材為燃料燒製而成的陶藝品」,而是偏向日本自十六世紀始有傳世、受禪宗影響,以精神為依歸主體而製作出的陶藝品。

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投柴燒窯就像是以肉身,對抗猛烈的火勢。

日本陶瓷工藝雖是傳承自中國的唐宋時代,但受唐代顯學禪宗影響更深,加上陶瓷文化與茶道、花道、香道等追求自我心靈救贖的生活藝術融合,由此發展出迥異於中國儒家思維影響、型制端正嚴謹的陶瓷器。這種另生的美感,便是以安靜素簡為審美重點、外觀樸拙自然的無釉柴燒陶藝。

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柴燒是土與火的藝術,其色澤與表面紋理,都是創作者意志的集結。

不被認識的小眾

自國中便開始接受美術教育的吳水沂,在藝術專科學校就學時期受臺灣陶藝領航者林葆家等人啟蒙,根植燒窯技術及釉藥理論基礎。而開啟吳水沂柴燒之路的「漢寶窯」,為日本人與臺灣人在苗栗縣西湖鄉設立,是以外銷日本花器、生活陶為主的登窯,在今日早已不復見。1970、80 年代時值臺灣陶藝蓬勃發展;當時追求的,幾乎都是釉彩技術躍進與變革,柴燒可說是眾人認知相當貧乏的小眾陶藝。

吳水沂想在自己作品土胎中加入自然「應該會有」的元素,打破傳統認知上器物土胎該是「乾乾淨淨」的固有思維。「世界之大,我何必止步於此,何不虛心接受自然的力量、承受那份如撞擊感動,依附自然,讓作品的存在昇華於器物本質之上。」

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柴燒鮮明的色彩與造形,讓作品呈現出一股堅韌的生命力。

靜謐的生命力

對吳水沂來說,柴燒的靜,是種走過火焰翻騰的新生,而從成形到排窯的每一個階段,都能賦予作品戲劇化的影響,而其中千翻百轉的可變性,就是柴燒之所以深深吸引吳水沂的地方。

吳水沂在燒造時使用橫越式的穴窯,燒製的過程中,火焰可直接於窯內流竄貫通。因為火勢猛烈,窯爐內便可達到無氧的還原燒狀態,搭配含鐵量的土,長時間的燒製,逼出土壤中的鐵質,讓作品沾染著滄泊的繡紅色。因落灰而層次更替的柴燒作品,吸納的正是一般以釉料為主的陶作品視為汙染的焰痕、落灰。這動態的靜,也是柴燒創作過程中的迷人之處。

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吳水沂使用的是穴窯,窯的前段是柴火燃燒處,所以排窯時放在前端的作品受火最為猛烈。
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柴燒時火焰串流的情景。

他也極愛在作品中,運用刮、切、戳、壓等手法,直接在材質上反映衝撞、邊傷,甚至憤怒的視覺感受。簡單、強烈,卻又不張牙舞爪的風格,是他企圖透過作品傳達的靜謐。

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吳水沂喜歡在坯體加入不同的刮刻效果。

回想起最初推廣柴燒的時候,擔心柴燒是沒人喜歡的陶藝形態,得孤寂地走下去,到今天百花齊放,參與柴燒創作者日眾,這讓一路以個人生命投注柴燒藝術領域的他備感欣喜。柴燒絕不僅是將陶胎放到窯裡面,然後丟柴點火那麼簡單。而是一門以最純粹原始媒材,皆順應大自然的節奏,讓土質、落灰、火痕、空氣、燃燒、時間,以及「我」的思維密合為一體,的獨特作品。

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木柴燃燒的灰燼, 在窯中會隨著熱氣流飄落在作品上, 這就是所謂的「落灰」。

文字/ 紀廷儒

攝影/ PJ Wang

更多與生活、材料、工藝、文學有關的美感,都在La Vie與臺灣工藝研究發展中心所出版的《觸之美:從手到心的美感體會

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【DANCE TALK】編舞家董怡芬:從舞蹈人的永續思考,想像舞蹈的各式可能性

【DANCE TALK】編舞家董怡芬:從舞蹈人的永續思考,想像舞蹈的各式可能性

延續2023 Camping Asia未來藝術學苑的精神,2024年,香奈兒攜手臺北藝術中心、衛武營國家藝術文化中心,共同策劃舞蹈座談;首場台北Dance Talk也邀請到何曉玫、布拉瑞揚、董怡芬3位台灣舞蹈家,與年輕世代分享舞蹈創作旅程。而La Vie也將透過文字,帶你回顧這場講座內容,一同看見舞蹈的各式可能性。

現任軟硬倍事聯合藝術總監,同時擔任國立臺灣大學、國立清華大學、國立臺北藝術大學、國立臺灣藝術大學等多校兼任講師的董怡芬,以舞者、編舞家與舞蹈教育者的視角,與下一個世代分享創作歷程與舞蹈的可能性。

➱ 以舞蹈共同編織未來世代的靈光!「2023 Camping Asia」給下一個世代的未來藝術學苑

編舞家董怡芬與年輕世代分享舞蹈創作旅程,並剖析舞蹈的未來。(圖片提供:香奈兒)
首場臺北場Dance Talk邀請代表三個世代的舞蹈圈頂尖創作者,分享他們如何從無到有開創與眾不同的創作人生。(圖片提供:香奈兒)

董怡芬說,創作,是一個很好認識自己的過程,比如她2011年的《我沒有說》、2013年《我不在這》、2015年《我不是我》的自「我」否定系列。「這3個作品都是『從我出發』,很明顯地,我在那幾年一定很混亂,才需要去理清自己。慢慢地,我開始大量去做戶外的參與式表演,因為我覺得在黑盒子裡,我有一種不滿足。」

編舞家董怡芬與年輕世代分享舞蹈創作旅程,並剖析舞蹈的未來。(圖片提供:香奈兒)
編舞家董怡芬與年輕世代分享舞蹈創作旅程,並剖析舞蹈的未來。(圖片提供:香奈兒)

而2015年,董怡芬與編舞家謝杰樺共創的《日常編舞》,對她來說是一個很大的轉捩點。這個在北美館的作品,運用垂直展板圍繞出一個展演空間,人們可以自由拿起掛在上頭的耳機、隨著聽到的指令動作。「在展期間,我的臉書收到好多陌生訊息,很多人告訴我,『謝謝妳讓我知道原來這個也是舞蹈』,這對我來說,好像又找到了一點點力量,讓我了解舞蹈不是只有一種可能,原來透過大眾參與的方式,也能讓更多人理解到,舞蹈有這麼多可能性。」

董怡芬也提到,「創作好像可以無所不在,我沒有覺得一定要做個創作,然後發表在黑盒子裡面。我發現我好像更喜歡用創作這個途徑,來跟大家溝通。」這幾年,她也做了許多舞蹈平台,比如2021年她與舞者林立川、沈怡彣成立的「身體聚會所」,透過串連自由舞者、編舞者,打造一個讓舞蹈人交流分享的空間;今年還會有的「舞蹈馬拉松」,除讓舞者在10分鐘的時間內,在舞台上發表自己的舞蹈主張,同時也能與不同背景的舞蹈創作者對話交流,一同思考舞蹈更多的想像與可能性。

而在這條舞蹈路上,除了創作、表演,董怡芬有更多的時間都在教學。她發現,許多學生到了大學,就開始覺得不想跳舞,細問原因後,他們的回答都是「我沒有那麼想在舞台上」。董怡芬說,「我們從小接受訓練,好像滿多時候被鼓勵的是在台上的那一刻,彷彿那就是一個完美的終點,但是,我們慢慢也發現,舞蹈的能量可以帶給這個社會的貢獻,其實遠超過這些。」

首場臺北場Dance Talk邀請代表三個世代的舞蹈圈頂尖創作者,分享他們如何從無到有開創與眾不同的創作人生。(圖片提供:香奈兒)
首場臺北場Dance Talk邀請代表三個世代的舞蹈圈頂尖創作者,分享他們如何從無到有開創與眾不同的創作人生。(圖片提供:香奈兒)

她也以期刊上讀到的舞蹈教育理念舉例,「『當舞蹈視為全人類共同經驗、舞蹈教育成為建構世界觀的途徑』也就是說,舞蹈有很大的優勢,它不是以語言為主要的訴求;跳舞,其實是全人類的共通經驗。當然因為城鄉或是不同文化背景,會有略微的差異,可是,身體它有非常多的共通性是超越語言的。」再者,「『當舞蹈課程進行藝術統合、舞蹈教育是搭建未來的渠道,能打開一切的可能』在舞蹈課程裡面,我們不只是學習舞蹈,我們好像也能學到人生道理,學習不同領域他們如何在思考社會、思考整個全球的事情。舞蹈,其實應該是一個整合的可能,我們在這個教學的過程中,是不是可以讓大家覺得,我其實可以做的事情更多。」

董怡芬也鼓勵現場的年輕創作者,「不斷創造價值、不斷產生新的經驗,儘管看似相同的事物上,仍舊會有新的體悟。我們可以聽許多別人的故事,但那終究是別人的經驗,重要的是,持續自己去經驗。」

台北Dance Talk現場(圖片提供:香奈兒)
台北Dance Talk現場(圖片提供:香奈兒)

同場加映!台北場Dance Talk Q&A

Q:會建議年輕創作者先做自己、創作想做的作品,或是調整方向讓更多人認識你?
A:我舉大家比較熟悉的NDT(荷蘭舞蹈劇場)當例子,我們好像有時候都會覺得好想變成NDT這個大品牌的位置,可是也必須想像,他們背後有非常多錯綜複雜的某些考量,反過來說,其實我們在剛出社會的那個時刻好寶貴,因為就是做爛了,好,那就再重做。如果是這樣思考的話,好像就覺得沒有什麼悲慘的;我們講「做自己」,其實就是先調整我的「定位」,我今天確定我的受眾大概是這樣、我的作品可能是很小眾的議題,那我就要開始想方法、再來想我的策略是什麼。我2006年在巴黎駐村的那段期間,看到什麼樣的演出都有、沒有一個是不滿場的,我也很期待未來台灣可以成熟到有這麼多不同面向的觀眾族群。

Q:您曾參與過「Camping Asia」計畫,有沒有什麼觀察或想分享的?
A:我先分享我之前在巴黎駐村的例子,那個地方有300多個藝術家住在一起,記得在餐會的時候,大家第一句問的不是你叫什麼名字、而是你從哪裡來。所以我都會鼓勵同學參加的時候,要知道自己的根是什麼,不然怎麼跟人家對話。去年Camping Asia時,我是北市大的帶隊老師,而我覺得很重要的是,我們要很清楚自己是誰、跟別人對話時要獲得什麼,因為不知道為什麼台灣人就是特別沒有自信,但這幾年有好一點了;我覺得對大學生來說,有Camping Asia這個計畫很棒,可以讓同年齡的人有跨文化的交會,這件事情是非常有幫助的。

Camping Asia透過為期兩週的工作坊,讓學生、專業與業餘藝文愛好者能夠跨越文化 與國籍進行密集的交流,圖為2019年Camping Asia。(圖片提供:臺北表演藝術中心)
Camping Asia透過為期兩週的工作坊,讓學生、專業與業餘藝文愛好者能夠跨越文化 與國籍進行密集的交流,圖為2019年Camping Asia。(圖片提供:臺北表演藝術中心)

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面無表情背後,是翻騰的內心小劇場!揭開日本藝術家「中村桃子」筆下美麗面容的秘密

中村桃子《Eye Closed》展覽現場。(圖片提供:奇想會)

日本藝術家中村桃子(Momoko Nakamura)筆下,總是一張張面無表情的女性臉龐,她們梳著古典髮型、面容精緻、打扮講究,身邊繽紛的花草蟲鳥與臉上的平靜形成對比。究竟,她們在隱藏些什麼?不妨走進藝術家正於奇想會Whimsy Works舉辦的個展《Eye Closed》,窺探美麗面容下潛藏的情感。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈確かな存在 Sure Thing〉、〈swarm〉。

以「無」凸顯「有」,麻木面容下蘊藏豐沛情感

步入《Eye Closed》展間,不難發現「無表情女性」和「植物」是中村桃子畫中常見的主角。女子們看似心無波瀾,但我們所見,就真是她們所想嗎?中村桃子特意以「面無表情」凸顯女子們隱藏的心緒,用花草蔓延、多彩的畫面呼應潛藏於她們心中的豐富情感。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
中村桃子《Eye Closed》展覽現場。(圖片提供:奇想會)

仔細觀察,不只能從與女子依偎的植物的色彩、型態,推敲女子所想,還能感受中村桃子作畫時的氛圍、溫度和心境。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈わたしのツボ My vase (My switch)〉、〈crowd〉。

從生活找靈感,畫出內斂之人的內心世界

中村桃子的畫,像是內斂人們面向世界的縮影——看似平淡無感,實則內心情感洶湧。而中村桃子正是這樣的內斂之人,平時不擅長用言語傳達自身對記憶、情感的感知,於是畫畫成了她與世界建立聯繫的方法。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
中村桃子《Eye Closed》展覽現場。(圖片提供:奇想會)

創作時,中村桃子從平時與人的交流及當下所感、旅行中的刺激記憶……各種日常片段汲取靈感,她分享:「我會回想日常與朋友們對話的片段,思考與他們的話題、情感等,以及在那些時刻裡,我自己覺得重要的事。」接著將記憶裡的情緒與感知,封存進一張張面無表情的女性面龐之中。這麼做,既是隱藏,也是再現。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈telepathy〉。
奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈会話 Talk〉、〈思い出せなくていいよ Don_t need to remember.〉。

因為一則社群貼文,展開藝術家之路

中村桃子的藝術養成自然而然,小時候常看著母親在家作畫,耳濡目染下開啟對美的探索,求學時期也順利考進日本東京知名設計學府——桑澤設計研究所,打下厚實的創作基礎。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈sweet memories〉、〈sister〉。

至於為何以藝術家而非設計師為業?過程中有些誤打誤撞的成份在。從設計學校畢業後,中村桃子像所有社會新鮮人一樣忙著找工作,只不過她同時買了畫筆、畫布,朋友也剛好送來一組顏料,於是她閒暇時作了幅畫分享到社群媒體,正好被經營畫廊的朋友看見,「因此辦了個展,從那時就一直以藝術家的身份直到現在。」

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈coexistence〉、〈あの日のこと That Day〉。
奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
Momoko Nakamura〈new life〉、〈dream〉。

藝術工作的心動時刻

從事藝術工作至今,中村桃子仍能從過程中體會到「內心被觸動」的瞬間,那就是當畫作離開工作室進到不同的場域展示時,她總能獲得欣賞自身作品的全新視角。就是這些或許對創作者本人才有意義的平凡時刻,讓她得以感受到自身畫作嶄新的魅力,以及隨之而來的情感動盪,進而化為創作養分,替日後畫中的女性面容注入風采。

奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
中村桃子《Eye Closed》展覽現場。(圖片提供:奇想會)
奇想會中村桃子《Eye Closed》展覽
中村桃子《Eye Closed》展覽現場。(圖片提供:奇想會)

中村桃子 個展《Eye Closed

展覽期間|2024.05.1106.02

時間|13:0020:00(週二公休)

地點|奇想會(台北市大安區安和路一段217號)

門票|入場費為低消飲品一杯