日本知名平面設計中村至男再度來台，昨日親自於松山文創園區 2 號倉庫為《中村至男自選展》揭開序幕，台灣知名設計師方序中也特地前來站台，送上自身策劃的展覽禮品，以台灣獨有的設計和音樂作品進行文化交流。本次展覽創下了中村至男 20 多年設計生涯裡的眾多新紀錄，除了有「最大規模」、「最完整」的作品展示之外，更挑戰「最高規格」與「最巨幅」的作品輸出，以及「最多品項」的周邊商品區；另外也挑戰了許多「第一次」，包含經典繪本《方塊動物園》的「首度實體化」、兩件全新作品「首度曝光」，其中《方塊動物園》展前更是榮獲國際肯定，以極簡而前衛的視覺風格與概念，由德國圖書藝術基金會 Stiftung Buchkunst 選為「2019 年全世界最美的書籍」之一，最有趣的是，因應台灣減塑新政策上路，中村至男為了測試自身設計的環保玻璃吸管，更「首度嘗試」近期在日本蔚為風潮的珍珠奶茶，感受最在地的台味風情。

自活動公布後即備受注目的《中村至男自選展》終於要在 7 月 5 日起至 9 月 1 日進行為期近兩個月的展出，在開幕記者會上，邀請台灣頂尖且具代表性的設計師方序中作為地主代表送上祝福，帶來自身策辦的《小花計畫展》的專輯、糖果罐以及手提袋，藉此將台灣的藝術文化作品與大師分享，並推薦：「其實越簡單的作品越困難，中村至男的創作即便是單純的圖像或是顏色，實際上在表述更深層的內涵和中村奇幻世界 ; 而《 7 : 14》系列作品，彷彿置身在作品裡的空間，令人印象深刻。」

中村至男曾合作長達 20 年的「夥伴兼超級好友」明和電機，也將在 8 月來台於展區內舉辦小型演出和對談，正好也是《小花計畫展》的參展創作者之一。在這樣的雙重緣分下，方序中更允諾將在展期間舉辦專屬導覽場，用自己的設計觀點，帶領台灣民眾更深入的體會《中村至男自選展》作品裡的精彩看點。另外，主辦單位也送上兼具傳統與創新的紅龜粿蛋糕以及金魚造型茶包，以紅龜粿「食粿，才會偆傢伙」代表事事順遂、財運亨通，象徵《中村至男自選展》票房長紅。中村至男最後也在記者會上宣布，將於開展首日 (7/5) 現身展場，為民眾說明其作品獨特的視角、隱藏其中的連結與小巧思，親自解析神秘又饒富趣味的中村宇宙。

由中村至男與「KKLIVE」、「JUSTLIVE 就是現場」團隊耗時一年共同打造的《中村至男自選展》，作為設計生涯最完整的作品展示與海外首展，中村至男展現出對民眾觀展體驗的重視，除了提前來台參與佈展，為求平面作品的顏色飽和不失真，更使用典藏藝術品等級的數位微噴（giclée print）與鋁板裱褙，製作單位透露：「《中村至男自選展》指定的輸出與展示規格大概是這幾年大型展覽中開的最高的，完全不顧成本，很少遇到這麼願意把品質做到最好的展覽了。」喜歡中村至男的粉絲們，勢必要把握這次機會，用「最高規格」看到經典的《單位展》系列作品、世界級嘉賓米飛兔 (Miffy) 的超萌聯名，還有從未曝光過的全「心」作品，用愛為出發，呼應即將到來的七夕情人節；除了多幅大型平面作品之外，現場也將展示數個以平面設計延伸完成的互動式影像、深具巧思的趣味裝置，更首度將知名繪本《方塊動物園》實體化，以跨越展場牆面的巨型裝置打造適合親子同樂的遊憩空間。

在感受過驚喜不斷的觀展歷程後，中村至男亦將自身的設計創意貫穿至商店區，除了從日本帶來的「FROG」ZINE 等限量刊物、托特包外，更親自參與企劃，將其最愛的青蛙元素融合進「台灣限定」的周邊設計，完成一系列包括 明信片套組、貼紙、L 型資料夾、玻璃吸管、啤酒杯組等只在展場獨賣的「台灣限定」精美周邊，並將1995年創作的《Close-up of Japan Sao Paulo》作品概念，融合青蛙元素再次賦予在周邊商品裡，最值得一提的是，與台灣本土品牌合作推出的聯名啤酒以及方塊酥限定版包裝，絕對可以成為今夏串門子最吸睛的伴手禮！

中村至男  20 多年來創作橫跨廣告、童書、書籍、電玩、展覽等領域，以簡約圖像與溫暖色澤，將生活中諸多平凡的事物，透過其獨有的視角重新詮釋，並榮獲龜倉雄策賞、每日設計賞兩大日本指標性榮耀，堪稱日本當代最具代表性的平面設計師。【更多《中村至男自選展》展覽及詳細活動資訊，請持續鎖定 Facebook 專頁：www.facebook.com/norio2019】

【 中村至男自選展 Norio Nakamura Taipei Exhibition 2019 】活動資訊

 日期：2019/7/5 (五) - 2019/9/01 (日)

時間：每日 10:00- 18:00 ( 17:30 停止售票入場）

場地：松山文創園區二號倉庫（台北市信義區光復南路 133 號）

via JUST LIVE

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）