專訪／廢棄紗線成瑰麗海洋世界、馬祖藍眼淚！葡萄牙編織藝術家Vanessa Barragão巧手喚醒生態環保意識

從小在海邊長大的葡萄牙編織藝術家Vanessa Barragão，與海洋的連結成為她源源不絕的創作來源，柔嫩的海草、瑰麗的珊瑚礁，一幅幅的豐饒海洋風景，正是Vanessa編織藝術的最佳代表作品。幸運的是，先前我們只能透過國內外報導來認識這位可愛的女孩，這次終於有機會坐下來與Vanessa好好聊聊，究竟是什麼帶領著她走向環保編織藝術領域？

初次見到Vanessa Barragão，她就像一道陽光，給人熱情、奔放又溫暖的感覺，迎面而來的笑容更是融化了我們些微緊張的心情。訪談的一開始，Vanessa娓娓道來她的編織創作之路，Vanessa說，其實最初是因祖母的關係才開始接觸編織手工藝，但若要真正去描述最關鍵的轉折點，是在大學修習時尚設計後，更加認識到整個時尚及紡織產業，也才意識到存在於產業中的一些現況，即「快時尚」所帶來的環境問題。

Vanessa：快時尚不是我要走的路！

「快時尚」，大多人對這套關鍵詞並不陌生，走過台北繁華街區的櫥窗，每幾個禮拜就會看到截然不同的服飾風景，這些都是為人們對時尚便宜又快速的需求而生，卻成為壓得地球生態喘不過氣的幫兇之一。Vanessa坦言，自己一直對時尚產業缺乏共鳴與連結，尤其是「快時尚」的部分，這也讓她重新開始思考自己該透過怎樣的方式創作出更有溫度且不傷害環境的作品。

有鑑於此，Vanessa開始自己生產原料、自己牧羊製作創作時所需要的毛線，逐漸發展出整個創作過程以及自己作品更環保的想法。因此，要說是哪個點觸發了Vanessa對環保領域的關注其實並沒有答案，因為對Vanessa而言，所有過程就像一片片拼圖，從小時候生長環境的海洋、祖母的編織手工藝，到在學期間對時尚產業的心境轉變，缺一不可的完整了Vanessa的創作理念。

然而，走上一條與一般人不同的路，背後的辛苦與煎熬肯定不在話下，Vanessa告訴我們，她在創作的過程中其實遭遇過不少困難，紗線的篩選就是最大的難題，「因為工廠廢棄的紗線品質很參差不齊，所以創作時所用的紗線都要先經過篩選和洗滌，這是一個較費時的工程。」

此外，一路走來始終是一人團隊的Vanessa，因為作品更受關注的關係，有了更多合作邀約、作品規模也越來越大，使她找了許多夥伴，如家人、助理來幫助他，雖然整個創作過程中省力不少，但她也說，「因為作品中融合了許多細節與技術的關係，需要很多的溝通，才能確保作品真正傳達我所要表達的意象。」當然，不斷創作對Vanessa身體確實是個負擔，「但因為是自己真正喜愛的事物，反而對我在心裡上擁有另外一種舒壓的感覺。」

首次來台展出 馬祖藍眼淚入畫

事實上，這是Vanessa的作品首次在台灣展出，更是不少粉絲引頸期盼的一件事情；而展出的地點會選在初衣食午，我們認為是最完美的搭配。從初踏入「初衣食午」的剎那便被整個挑高明亮又寬敞的空間給吸引，陽光在玻璃屋中恣意流動，灑落於Vanessa展演的海洋編織作品上，讓它們顯得格外美麗動人。

首先映入眼簾的作品活珊瑚（Living Coral），便是Vanessa特別為了台灣的展出而設計的，其中還融入了初衣食午的店內風格以及植栽，因此可以看到該作品的用色有別於其他作品較剛硬強烈或灰階的顏色，而是使用許多粉嫩的顏色以及大量的綠色，完美呼應了店內通透且綠意盎然的生命感。

值得一提的是，在這幅編織掛毯作品中，我們可以看見流動的美麗藍色星河，這正是台灣的特色景緻之一：馬祖藍眼淚。Vanessa告訴我們，她在創作這幅作品的同時也對台灣進行了研究，發現馬祖附近的植物性浮游生物使得清澈湛藍的海洋綻放光芒，從空拍照片所呈現的景象來看，就如同她的創作「活珊瑚」一般，浮遊生物隨著洋流呈現亮藍色，讓Vanessa決定透過紗線及環保素材將大自然以及台灣的美景幻化在美麗的編織作品上。

創作不止步，世界與我們一直在變！

即使Vanessa的作品目前已被多數大眾所熟知，但「成名」並不是Vanessa創作的終途，就如同在初衣食午二樓展間中的New World新世界所要傳達的「變化」概念一樣，Vanessa不會讓自己的創作中止不前，創作的期間她仍然會到各個國家旅行，而每一次的旅行都像汲取一次的養分，給予Vanessa創作上不同的靈感。

有趣的是，New World目前還是個「待完成」的作品，Vanessa說，隨著時間的推進，自己將會學習到不同的技藝，觀賞者也將會作品中看到她在技法的演進，同時呼應到世界一直都在變的概念，因此才將該作品命名為New World，呈現的就是世界版圖的樣貌。訪談過程中，我們也向Vanessa詢問下一塊拼圖將會是哪個國家？Vanessa笑著說，「可能就是印尼了！當初在印尼旅行時看到許多珊瑚礁，是近期我相當震撼的一段記憶，因此下一個特別想進行的區塊就是印尼了！」

滿月與潮汐：我們彼此連結並相互影響

如果仔細觀察Vanessa的作品，你會發現所有作品中皆有海洋生物的元素在內，但當天在展區我們卻看見了一幅有別於其他作品的「滿月」。事實上，這幅作品並非與「海洋」完全八竿子打不著，Vanessa向我們解釋該幅作品的創作理念，「月亮的週期深深影響著潮汐，對我而言自己心裡的創作想法會因為週期而有所改變」，Vanessa還說，「雖然不確定這樣的想法是有意還無意的，但我認為自己在滿月時會特別的有創造力。」

當然，該幅作品牽涉到的不只是Vanessa自己的創作靈感週期，Vanessa更向我們坦言，其意味著大自然對人類的影響力相當大，也說明我們不該如此耗盡自然資源、恣意的破壞大自然；即使整個訪談過程並不長，Vanessa對環境的善良、善心，卻一直能在話語以及眼神當中感受到她的真心真意，而很顯然的，她將這份心意投注在自己無數的海洋編織作品當中。

環保：人們應該更清楚自己需要的是什麼！

近幾年吹起環保概念風潮，不少人跟風買起環保袋、環保吸管，但實際上在生活細節方面卻仍然過著浪費的形式。Vanessa真誠的表示，在生活中人們擁有選擇權可以去做自己喜歡的事情，但我們卻不能選擇我們要待在什麼樣的世界中，因為我們的一舉一動、一屏一息都深深影響著自然環境，一旦自然環境超載了，那麼終將把後果還給人類，因此我們應該要與自然和諧共處。

訪談最後，我們請Vanessa向La Vie的讀者們傳遞她的環保想法。起初她歪著頭思考了不少時間，並告訴我們「這真的很難用一句總結」， 但我們告訴她，我們相信讀者們會仔細地聆聽她的想法，即使再長也沒關係，屆時她才一字一句的吐露出內心真正想要傳達的意念。

Vanessa說，「人們應該更加清楚自己真正需要的是什麼，不該只是因為喜歡而去肆意的購買，透過自己的價值觀去判斷，我相信是非常重要的事情；或許大多時候我們會說自己相當環保、對環境很友善，但同時間卻可能追求快時尚，這對我來說，就是不正確的價值觀。」

雖然創作大型作品讓Vanessa在身體上感到相當疲憊，我們也問到Vanessa有沒有曾經考慮藉由機器來減輕她的負擔，但Vanessa卻是身體力行的從源頭開始做起環保，除了私下參加過不少環保活動外，她還告訴我們，自己並不喜歡機器創作，因為對她來說，機器就是最大的汙染來源，有能耗問題，「或許我們沒有看到機器產生任何廢棄物，就以為不會造成汙染，但如同電一般，其實這也是一個污染來源，這就是我堅持透過手工創作的原因。」

Text：Stephanie Hung

All Images by 初衣食午、Stephanie Hung

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23