從小在海邊長大的葡萄牙編織藝術家Vanessa Barragão，與海洋的連結成為她源源不絕的創作來源，柔嫩的海草、瑰麗的珊瑚礁，一幅幅的豐饒海洋風景，正是Vanessa編織藝術的最佳代表作品。幸運的是，先前我們只能透過國內外報導來認識這位可愛的女孩，這次終於有機會坐下來與Vanessa好好聊聊，究竟是什麼帶領著她走向環保編織藝術領域？

初次見到Vanessa Barragão，她就像一道陽光，給人熱情、奔放又溫暖的感覺，迎面而來的笑容更是融化了我們些微緊張的心情。訪談的一開始，Vanessa娓娓道來她的編織創作之路，Vanessa說，其實最初是因祖母的關係才開始接觸編織手工藝，但若要真正去描述最關鍵的轉折點，是在大學修習時尚設計後，更加認識到整個時尚及紡織產業，也才意識到存在於產業中的一些現況，即「快時尚」所帶來的環境問題。

Vanessa：快時尚不是我要走的路！

「快時尚」，大多人對這套關鍵詞並不陌生，走過台北繁華街區的櫥窗，每幾個禮拜就會看到截然不同的服飾風景，這些都是為人們對時尚便宜又快速的需求而生，卻成為壓得地球生態喘不過氣的幫兇之一。Vanessa坦言，自己一直對時尚產業缺乏共鳴與連結，尤其是「快時尚」的部分，這也讓她重新開始思考自己該透過怎樣的方式創作出更有溫度且不傷害環境的作品。

有鑑於此，Vanessa開始自己生產原料、自己牧羊製作創作時所需要的毛線，逐漸發展出整個創作過程以及自己作品更環保的想法。因此，要說是哪個點觸發了Vanessa對環保領域的關注其實並沒有答案，因為對Vanessa而言，所有過程就像一片片拼圖，從小時候生長環境的海洋、祖母的編織手工藝，到在學期間對時尚產業的心境轉變，缺一不可的完整了Vanessa的創作理念。

然而，走上一條與一般人不同的路，背後的辛苦與煎熬肯定不在話下，Vanessa告訴我們，她在創作的過程中其實遭遇過不少困難，紗線的篩選就是最大的難題，「因為工廠廢棄的紗線品質很參差不齊，所以創作時所用的紗線都要先經過篩選和洗滌，這是一個較費時的工程。」

此外，一路走來始終是一人團隊的Vanessa，因為作品更受關注的關係，有了更多合作邀約、作品規模也越來越大，使她找了許多夥伴，如家人、助理來幫助他，雖然整個創作過程中省力不少，但她也說，「因為作品中融合了許多細節與技術的關係，需要很多的溝通，才能確保作品真正傳達我所要表達的意象。」當然，不斷創作對Vanessa身體確實是個負擔，「但因為是自己真正喜愛的事物，反而對我在心裡上擁有另外一種舒壓的感覺。」

首次來台展出 馬祖藍眼淚入畫

事實上，這是Vanessa的作品首次在台灣展出，更是不少粉絲引頸期盼的一件事情；而展出的地點會選在初衣食午，我們認為是最完美的搭配。從初踏入「初衣食午」的剎那便被整個挑高明亮又寬敞的空間給吸引，陽光在玻璃屋中恣意流動，灑落於Vanessa展演的海洋編織作品上，讓它們顯得格外美麗動人。

首先映入眼簾的作品活珊瑚（Living Coral），便是Vanessa特別為了台灣的展出而設計的，其中還融入了初衣食午的店內風格以及植栽，因此可以看到該作品的用色有別於其他作品較剛硬強烈或灰階的顏色，而是使用許多粉嫩的顏色以及大量的綠色，完美呼應了店內通透且綠意盎然的生命感。

值得一提的是，在這幅編織掛毯作品中，我們可以看見流動的美麗藍色星河，這正是台灣的特色景緻之一：馬祖藍眼淚。Vanessa告訴我們，她在創作這幅作品的同時也對台灣進行了研究，發現馬祖附近的植物性浮游生物使得清澈湛藍的海洋綻放光芒，從空拍照片所呈現的景象來看，就如同她的創作「活珊瑚」一般，浮遊生物隨著洋流呈現亮藍色，讓Vanessa決定透過紗線及環保素材將大自然以及台灣的美景幻化在美麗的編織作品上。

創作不止步，世界與我們一直在變！

即使Vanessa的作品目前已被多數大眾所熟知，但「成名」並不是Vanessa創作的終途，就如同在初衣食午二樓展間中的New World新世界所要傳達的「變化」概念一樣，Vanessa不會讓自己的創作中止不前，創作的期間她仍然會到各個國家旅行，而每一次的旅行都像汲取一次的養分，給予Vanessa創作上不同的靈感。

有趣的是，New World目前還是個「待完成」的作品，Vanessa說，隨著時間的推進，自己將會學習到不同的技藝，觀賞者也將會作品中看到她在技法的演進，同時呼應到世界一直都在變的概念，因此才將該作品命名為New World，呈現的就是世界版圖的樣貌。訪談過程中，我們也向Vanessa詢問下一塊拼圖將會是哪個國家？Vanessa笑著說，「可能就是印尼了！當初在印尼旅行時看到許多珊瑚礁，是近期我相當震撼的一段記憶，因此下一個特別想進行的區塊就是印尼了！」

滿月與潮汐：我們彼此連結並相互影響

如果仔細觀察Vanessa的作品，你會發現所有作品中皆有海洋生物的元素在內，但當天在展區我們卻看見了一幅有別於其他作品的「滿月」。事實上，這幅作品並非與「海洋」完全八竿子打不著，Vanessa向我們解釋該幅作品的創作理念，「月亮的週期深深影響著潮汐，對我而言自己心裡的創作想法會因為週期而有所改變」，Vanessa還說，「雖然不確定這樣的想法是有意還無意的，但我認為自己在滿月時會特別的有創造力。」

當然，該幅作品牽涉到的不只是Vanessa自己的創作靈感週期，Vanessa更向我們坦言，其意味著大自然對人類的影響力相當大，也說明我們不該如此耗盡自然資源、恣意的破壞大自然；即使整個訪談過程並不長，Vanessa對環境的善良、善心，卻一直能在話語以及眼神當中感受到她的真心真意，而很顯然的，她將這份心意投注在自己無數的海洋編織作品當中。

環保：人們應該更清楚自己需要的是什麼！

近幾年吹起環保概念風潮，不少人跟風買起環保袋、環保吸管，但實際上在生活細節方面卻仍然過著浪費的形式。Vanessa真誠的表示，在生活中人們擁有選擇權可以去做自己喜歡的事情，但我們卻不能選擇我們要待在什麼樣的世界中，因為我們的一舉一動、一屏一息都深深影響著自然環境，一旦自然環境超載了，那麼終將把後果還給人類，因此我們應該要與自然和諧共處。

訪談最後，我們請Vanessa向La Vie的讀者們傳遞她的環保想法。起初她歪著頭思考了不少時間，並告訴我們「這真的很難用一句總結」， 但我們告訴她，我們相信讀者們會仔細地聆聽她的想法，即使再長也沒關係，屆時她才一字一句的吐露出內心真正想要傳達的意念。

Vanessa說，「人們應該更加清楚自己真正需要的是什麼，不該只是因為喜歡而去肆意的購買，透過自己的價值觀去判斷，我相信是非常重要的事情；或許大多時候我們會說自己相當環保、對環境很友善，但同時間卻可能追求快時尚，這對我來說，就是不正確的價值觀。」

雖然創作大型作品讓Vanessa在身體上感到相當疲憊，我們也問到Vanessa有沒有曾經考慮藉由機器來減輕她的負擔，但Vanessa卻是身體力行的從源頭開始做起環保，除了私下參加過不少環保活動外，她還告訴我們，自己並不喜歡機器創作，因為對她來說，機器就是最大的汙染來源，有能耗問題，「或許我們沒有看到機器產生任何廢棄物，就以為不會造成汙染，但如同電一般，其實這也是一個污染來源，這就是我堅持透過手工創作的原因。」

Text：Stephanie Hung

All Images by 初衣食午、Stephanie Hung

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group