全新2019桃園地景藝術節登場！多年來以桃園自然景觀及人文資產為基礎，透過豐富多元的藝術展演活動，得以用嶄新角度看待土地及環境。今年展區轉進八德區，以閒置多時，如今重新規劃為森林公園的「保一總隊大湳舊營區」為核心展區，並向外擴延至週邊綠地與陂塘生態區。整合陂塘田野的養護特質，以及昔日軍警營區兼具守備和戰略意義的積極性格！

本屆桃園地景藝術節以「新風景線」為命題，以「守護所在，進擊未來」為基礎概念，並從品藝術、看地景、談地景、看表演四大主軸出發。策展團隊邀請台灣、日本、美國、澳洲和中國等海內外，來自繪畫、雕塑、建築、設計和新媒體等不同領域的藝術家，在大湳森林公園，瞄準都會中即將轉型的閒置空間，號召國內外藝術家開展「現地創作」，共同思考此地歷經發展演化、長期累積而來的人文脈絡與深層紋理。在桃園市兒童美術館，取材童話異想，創造「糖果地景」，結合沉浸式參觀體驗，擘劃親子同遊共享的都會空間，24件以「新風景線」為想像與創建的裝置創作應運而生。

而在溪濱公園和中大公園，則為景澤創意有限公司的執行長吳思儒策劃的「藝遊八塊厝」展區，呈現藝術家與鄰里居民、社區學校或在地農會等合作的10組創作，總計多達34件藝術作品，再加上5場論壇講座、40場光雕展演、155場工作坊及國際藝術交流會等活動，呈現地景藝術多元樣貌。

地景藝術（Land Art）發源於美國，原指戰後1960、70年代間，一種強調作品與自然環境結合的藝術表現形式，創作過程使用大量自然有機物當作素材，呈現與自然融為一體的特殊風貌。發展逾半甲子後，步入當代的地景藝術，不但是在表現材料上大大擴展範圍，更已成為文化節慶不可或缺的亮點，一舉翻轉了地景藝術創發之初，作品和作者有意識隔離於社會之外的脈絡。另方面，在時空有別的台灣，「文化治理」於解嚴前後大幅度引入公共政策，在社造運動累積的基礎下，地景藝術還彰顯了與社區結合的積極性格。一如歷屆桃園地景藝術節，不僅有效喚起對腳下土地的集體關注，也展現了一座城市多元的發展與活力。

2019桃園地景藝術節作品亮點

中國MAD 自然舞衣

攤開本屆參展藝術家名單，曾參與2017越後妻有大地藝術祭，由中國建築設計師暨藝術家馬岩松所領軍的MAD建築事務所，將在大湳主展區內建造一座會發光的山丘「自然舞衣」。

MAD讓原先為軍用的三層高建築，利用樹脂膜手法，彷彿為塔樓披上一層輕盈「舞衣」，而被波光粼粼山形薄膜溫柔包覆的半戶外花園，遊客將可走進去體驗虛實交錯的空間。

林育正 漫遊小憩所

由台灣藝術家林育正所設計，由彩色線條層層堆疊，畫出一彎彎恍若彩虹的弧度，成為在大湳營區裡與世隔絕的小憩處。

韓國藝術家梁秀印 大湳轉綠林

由韓國建築師兼公共藝術家梁秀印Yang Soo-In設計的綠林空間「大湳轉綠林］，由一顆顆旋轉樹聚集而成，成為一座限時都會公園。旋轉樹是一個簡單的機械裝置，運用單一馬達與8片大型塑膠網製成樹葉組裝而成，讓旋轉數達到穩定又有彈性的平衡狀態，並儘靠馬達產生離心力讓旋轉樹開支展葉，當馬達關閉時，樹葉則會因重力而下垂。但也不用擔心裝置的危險，因為旋轉樹頂端配有一個測風器，弱勢風力過強時會讓裝置保持收束狀態，而且真樹木扎根夠深可以保持穩固。

工作室Comruesto  片刻之間

由台灣設計工作室Comruesto打造的「片刻之間」，要你好好「take a break」，作品透過物件、區域、顏色、與狀態之間，與我們的身體碰撞映射出了許多的時序軌跡，在不同物質、時空、狀態之間互相疊加與削減，而我們又通過這樣物件狀態去填滿或作為彼此間的連結，最終在不同身份的交疊以及空間的填空下，從中呼應著對於未來可能的發展與契機，將其重新迴盪於場域空間之中。

胡縉祥 動態陣列

台灣藝術家胡縉祥所創作的動力裝置作品「動態陣列」，外觀上是排列整齊的群聚型結構，象徵軍隊的紀律以及團結，由每一件可「旋轉」的動力裝置所構成，喻表軍人的敏捷與高機動性。平時有如儀隊，表演著整齊畫一的節目。時而全紅，時而紅白相間，表現滿地紅的博愛與自由意象。同時觀眾可以在作品周圍走動，與作品互動。作品定時也會喊口號，與作品動態相互呼應。

德國藝術家 克勞德船

德國藝術家松亞芙得麥雅（Sonja Vordermaier）所創作的「克勞德船」，將飄盪池面的小船固定上數十面大小不一，有如地面安全鏡的鏡子，經過的人們只需要定睛觀看，錯視的效果，有如能看見花花世界。

越南藝術家譚滕籟  風彩

越南藝術家譚滕籟（ĐÀM Đăng Lại） 作品「風彩」，解析桃園在地風景色系，透過盛開的植物造型裝置作品，展現多色彩、充滿視覺擴散的感覺，呼應主展區許許多多擁有旺盛生命力的自然生態。

法國藝術家Joan Pomero 共用循環

法國藝術家Joan Pomero所帶來虛無縹緲的「共用循環」創作，讓廣場化身為遺世獨立的空間，大樹及葉梢邊瀰漫闊散的霧水，與地面上的多重圓圈圖騰互相呼應。引導觀者感受平衡與不平衡、自然與人之間互相依賴共存的生命新視角。

VR裝置創作 沙中房間

「沙中房間」由美國傳奇音樂家蘿瑞安德森（Laurie Anderson），及台灣新媒體藝術家黃心健共同創作，為一虛擬實境互動作品，並榮獲第74屆威尼斯影展虛擬實境最佳體驗大獎。

作品由八個獨特的房間所構成，觀者置身於由象徵「記憶」的黑板所構成的虛擬世界中，任意遨翔，探索文字、圖像、符號、聲音與記憶的各種線索。戴上頭戴式顯示器後，你的視野裡只剩下影像化的手持裝置，看不到坐著的椅子、更看不到自己的身體。隨著VR裡傳來的指示，將雙手往前，你會突然發覺自己懸在半空中，往上看是灰黑色的天空、俯視則是如無底洞的深淵。

陳偉立 歡聲笑語

新加坡藝術家陳偉立創作，由一系列漂浮的雨雲組成的「歡聲笑語」，在湖面上空盤旋，雨水繚繞，與桃園地景藝術節的寧靜背景並列。由於全球有6.63億人無法輕鬆獲得清潔用水，「雲朵」的出現提醒了人類面對大自然所給予的恩惠，與全球暖化自然變遷後的災難。

就像電影電視上每每出現的卡通雲一樣，雲朵是一種幽默又荒謬的重建自然的嘗試。漂浮在湖面上的雨雲創造了一個奇觀，激發人們深思全球關注「供水」議題，及永續發展的背後意涵。

澳洲藝術家Pip & Pop  日月奇遇記

可以說是本屆桃園地景藝術節最繽紛的創作，由澳洲藝術家Pip & Pop 坦雅舒爾姿（Tanya Schultz）創作的「日月奇遇記」，將各式勞作材料轉化為色彩濃郁之沉浸式作品，以細膩手法呈現多采多姿的烏托邦夢境與短暫歡愉，更流露出藝術家對神話、傳說與古地圖的著迷。

大湳森之光光雕表演

由藝術家陳怡潔率領跨界多媒體製作團隊設計的光雕表演，將透過音樂、燈光、投影、AR互動影像所共織出的全長200公尺的森林光雕環境劇場，內容以全台族群數量不到200隻的黃鸝鳥為主角，敘述牠在尋覓居處的旅途中來到大湳森林公園，與許多動植物朋友一起合鳴共舞的奇遇記。

開幕將由「娃娃」魏如萱獻聲導聆揭開展演序幕，邀請民眾一起聆聽森林的聲音，隨著動植物的蹤跡感受大自然生命的奧秘與能量，展現出當地獨特的人文地貌與特色生態體驗，透過聲光色俱全的科技藝術饗宴，攜手珍視大湳森林公園中寶貴的自然生態，共生共創八德區的新風景。 

光雕表演時間：

9/6（五）-9/21（六）

週一到週四19：00、19：30

週五到週日19：00、19：30、20：00

演出地點：大湳展區綠蔭步道

除了邀集國內外藝術家於各展區駐地創作、設置作品或與社區民眾媒合共創之外，2019桃園地景藝術節規劃了一系列與在地文化、歷史記憶以及生活環境相關的藝術體驗和參與活動，串連桃園的自然、人文甚至情感脈絡，開展既探索地方過去也思考共同未來的地景藝術節。

2019桃園地景藝術節

主展區：桃園大湳森林公園

副展區：桃園市兒童美術館、西坡埤塘生態公園、溪濱公園、中大公園

時間：9月6日－9月22日

編輯整理：Ian Liu

圖片提供：桃園市立美術館

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX