全新2019桃園地景藝術節登場！多年來以桃園自然景觀及人文資產為基礎，透過豐富多元的藝術展演活動，得以用嶄新角度看待土地及環境。今年展區轉進八德區，以閒置多時，如今重新規劃為森林公園的「保一總隊大湳舊營區」為核心展區，並向外擴延至週邊綠地與陂塘生態區。整合陂塘田野的養護特質，以及昔日軍警營區兼具守備和戰略意義的積極性格！

本屆桃園地景藝術節以「新風景線」為命題，以「守護所在，進擊未來」為基礎概念，並從品藝術、看地景、談地景、看表演四大主軸出發。策展團隊邀請台灣、日本、美國、澳洲和中國等海內外，來自繪畫、雕塑、建築、設計和新媒體等不同領域的藝術家，在大湳森林公園，瞄準都會中即將轉型的閒置空間，號召國內外藝術家開展「現地創作」，共同思考此地歷經發展演化、長期累積而來的人文脈絡與深層紋理。在桃園市兒童美術館，取材童話異想，創造「糖果地景」，結合沉浸式參觀體驗，擘劃親子同遊共享的都會空間，24件以「新風景線」為想像與創建的裝置創作應運而生。

而在溪濱公園和中大公園，則為景澤創意有限公司的執行長吳思儒策劃的「藝遊八塊厝」展區，呈現藝術家與鄰里居民、社區學校或在地農會等合作的10組創作，總計多達34件藝術作品，再加上5場論壇講座、40場光雕展演、155場工作坊及國際藝術交流會等活動，呈現地景藝術多元樣貌。

地景藝術（Land Art）發源於美國，原指戰後1960、70年代間，一種強調作品與自然環境結合的藝術表現形式，創作過程使用大量自然有機物當作素材，呈現與自然融為一體的特殊風貌。發展逾半甲子後，步入當代的地景藝術，不但是在表現材料上大大擴展範圍，更已成為文化節慶不可或缺的亮點，一舉翻轉了地景藝術創發之初，作品和作者有意識隔離於社會之外的脈絡。另方面，在時空有別的台灣，「文化治理」於解嚴前後大幅度引入公共政策，在社造運動累積的基礎下，地景藝術還彰顯了與社區結合的積極性格。一如歷屆桃園地景藝術節，不僅有效喚起對腳下土地的集體關注，也展現了一座城市多元的發展與活力。

2019桃園地景藝術節作品亮點

中國MAD 自然舞衣

攤開本屆參展藝術家名單，曾參與2017越後妻有大地藝術祭，由中國建築設計師暨藝術家馬岩松所領軍的MAD建築事務所，將在大湳主展區內建造一座會發光的山丘「自然舞衣」。

MAD讓原先為軍用的三層高建築，利用樹脂膜手法，彷彿為塔樓披上一層輕盈「舞衣」，而被波光粼粼山形薄膜溫柔包覆的半戶外花園，遊客將可走進去體驗虛實交錯的空間。

林育正 漫遊小憩所

由台灣藝術家林育正所設計，由彩色線條層層堆疊，畫出一彎彎恍若彩虹的弧度，成為在大湳營區裡與世隔絕的小憩處。

韓國藝術家梁秀印 大湳轉綠林

由韓國建築師兼公共藝術家梁秀印Yang Soo-In設計的綠林空間「大湳轉綠林］，由一顆顆旋轉樹聚集而成，成為一座限時都會公園。旋轉樹是一個簡單的機械裝置，運用單一馬達與8片大型塑膠網製成樹葉組裝而成，讓旋轉數達到穩定又有彈性的平衡狀態，並儘靠馬達產生離心力讓旋轉樹開支展葉，當馬達關閉時，樹葉則會因重力而下垂。但也不用擔心裝置的危險，因為旋轉樹頂端配有一個測風器，弱勢風力過強時會讓裝置保持收束狀態，而且真樹木扎根夠深可以保持穩固。

工作室Comruesto  片刻之間

由台灣設計工作室Comruesto打造的「片刻之間」，要你好好「take a break」，作品透過物件、區域、顏色、與狀態之間，與我們的身體碰撞映射出了許多的時序軌跡，在不同物質、時空、狀態之間互相疊加與削減，而我們又通過這樣物件狀態去填滿或作為彼此間的連結，最終在不同身份的交疊以及空間的填空下，從中呼應著對於未來可能的發展與契機，將其重新迴盪於場域空間之中。

胡縉祥 動態陣列

台灣藝術家胡縉祥所創作的動力裝置作品「動態陣列」，外觀上是排列整齊的群聚型結構，象徵軍隊的紀律以及團結，由每一件可「旋轉」的動力裝置所構成，喻表軍人的敏捷與高機動性。平時有如儀隊，表演著整齊畫一的節目。時而全紅，時而紅白相間，表現滿地紅的博愛與自由意象。同時觀眾可以在作品周圍走動，與作品互動。作品定時也會喊口號，與作品動態相互呼應。

德國藝術家 克勞德船

德國藝術家松亞芙得麥雅（Sonja Vordermaier）所創作的「克勞德船」，將飄盪池面的小船固定上數十面大小不一，有如地面安全鏡的鏡子，經過的人們只需要定睛觀看，錯視的效果，有如能看見花花世界。

越南藝術家譚滕籟  風彩

越南藝術家譚滕籟（ĐÀM Đăng Lại） 作品「風彩」，解析桃園在地風景色系，透過盛開的植物造型裝置作品，展現多色彩、充滿視覺擴散的感覺，呼應主展區許許多多擁有旺盛生命力的自然生態。

法國藝術家Joan Pomero 共用循環

法國藝術家Joan Pomero所帶來虛無縹緲的「共用循環」創作，讓廣場化身為遺世獨立的空間，大樹及葉梢邊瀰漫闊散的霧水，與地面上的多重圓圈圖騰互相呼應。引導觀者感受平衡與不平衡、自然與人之間互相依賴共存的生命新視角。

VR裝置創作 沙中房間

「沙中房間」由美國傳奇音樂家蘿瑞安德森（Laurie Anderson），及台灣新媒體藝術家黃心健共同創作，為一虛擬實境互動作品，並榮獲第74屆威尼斯影展虛擬實境最佳體驗大獎。

作品由八個獨特的房間所構成，觀者置身於由象徵「記憶」的黑板所構成的虛擬世界中，任意遨翔，探索文字、圖像、符號、聲音與記憶的各種線索。戴上頭戴式顯示器後，你的視野裡只剩下影像化的手持裝置，看不到坐著的椅子、更看不到自己的身體。隨著VR裡傳來的指示，將雙手往前，你會突然發覺自己懸在半空中，往上看是灰黑色的天空、俯視則是如無底洞的深淵。

陳偉立 歡聲笑語

新加坡藝術家陳偉立創作，由一系列漂浮的雨雲組成的「歡聲笑語」，在湖面上空盤旋，雨水繚繞，與桃園地景藝術節的寧靜背景並列。由於全球有6.63億人無法輕鬆獲得清潔用水，「雲朵」的出現提醒了人類面對大自然所給予的恩惠，與全球暖化自然變遷後的災難。

就像電影電視上每每出現的卡通雲一樣，雲朵是一種幽默又荒謬的重建自然的嘗試。漂浮在湖面上的雨雲創造了一個奇觀，激發人們深思全球關注「供水」議題，及永續發展的背後意涵。

澳洲藝術家Pip & Pop  日月奇遇記

可以說是本屆桃園地景藝術節最繽紛的創作，由澳洲藝術家Pip & Pop 坦雅舒爾姿（Tanya Schultz）創作的「日月奇遇記」，將各式勞作材料轉化為色彩濃郁之沉浸式作品，以細膩手法呈現多采多姿的烏托邦夢境與短暫歡愉，更流露出藝術家對神話、傳說與古地圖的著迷。

大湳森之光光雕表演

由藝術家陳怡潔率領跨界多媒體製作團隊設計的光雕表演，將透過音樂、燈光、投影、AR互動影像所共織出的全長200公尺的森林光雕環境劇場，內容以全台族群數量不到200隻的黃鸝鳥為主角，敘述牠在尋覓居處的旅途中來到大湳森林公園，與許多動植物朋友一起合鳴共舞的奇遇記。

開幕將由「娃娃」魏如萱獻聲導聆揭開展演序幕，邀請民眾一起聆聽森林的聲音，隨著動植物的蹤跡感受大自然生命的奧秘與能量，展現出當地獨特的人文地貌與特色生態體驗，透過聲光色俱全的科技藝術饗宴，攜手珍視大湳森林公園中寶貴的自然生態，共生共創八德區的新風景。 

光雕表演時間：

9/6（五）-9/21（六）

週一到週四19：00、19：30

週五到週日19：00、19：30、20：00

演出地點：大湳展區綠蔭步道

除了邀集國內外藝術家於各展區駐地創作、設置作品或與社區民眾媒合共創之外，2019桃園地景藝術節規劃了一系列與在地文化、歷史記憶以及生活環境相關的藝術體驗和參與活動，串連桃園的自然、人文甚至情感脈絡，開展既探索地方過去也思考共同未來的地景藝術節。

2019桃園地景藝術節

主展區：桃園大湳森林公園

副展區：桃園市兒童美術館、西坡埤塘生態公園、溪濱公園、中大公園

時間：9月6日－9月22日

編輯整理：Ian Liu

圖片提供：桃園市立美術館

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？