來去台南漁光島放空一下！2017年底登場的首屆台南漁光島藝術節，為期短短一個月的展覽，即吸引不少人走進台南美麗海上後花園，感受愜意風情與藝術薰陶。如今睽違一年多時光，第二屆2019漁光島藝術節將在3月30日再度登場，並從「樂園回憶」出發，以「海島新樂園」為主軸，試圖結合「兒時回憶」與「自然地景」及「樂園想像」來討論漁光島的過去、現在及未來！

擁有迷人海景、無敵夕陽，位於府城安平港南側的漁光島，多年來僅藉著漁光橋與府城相連，對外地人來說，它像是藏著美好能量，充滿神祕韻味的淨土，然而這片擁有特殊人文地景的海邊秘境，其實在歲月之間存載著許多四、五年級生歡樂的兒時回憶，秋茂園內的八仙、西遊記、十二生肖、母子像、牧童騎牛等雕像，都曾是紅極一時的熱門拍攝景點，儘管時光流逝，回憶卻不滅。

為了重現這股海島新樂園熱情，在台南都市藝術工作室規劃下，廣邀七組台灣藝術家、團隊，包含在第一屆漁光島藝術節打造出高人氣作品「迷霧森林」的創作者游文富，及曾經參與威尼斯建築雙年展的建築繁殖場團隊主要成員鄭乘騏，所帶領的南藝大建築所 場域．結構．行動組外，還有梁賴昌、參與阿姆斯特丹藝術燈節的UxU有用主張、新銳設計團隊彡苗空間實驗，以及與當地居民、國小生共同為漁光島創作等11組台灣藝術作品。

 充滿天馬行空想像力的創作，搭配上當代藝術家們的視野，團隊盼望漁光島藝術節能開展屬於每個人與島對話的獨特方式，以此路徑讓觀眾重新理解漁光島人文、生態豐富多元的面向，並與當地學校、社區、產業合作，在藝術節期間每個週末安排各類演出及工作坊、島上小旅行等，期使漁光島成為臺南有特色之離島藝術文化秘密景點，再次成為一個能不斷共創美好生命經驗的新世代樂園！

2019漁光島藝術節作品

1、游文富《奇幻島》

媒材/ 竹籤上彩(由黃漸層至白) 

在首屆打造出迷霧森林的藝術家游文富，這回將帶來大片竹籤裝置藝術。他表示自己曾在國小五年級造訪漁光島秋茂園，當時在斑馬上的照片更是令他印象深刻。《奇幻島》作品無疑是他對40年後的漁光島秋茂園心中的呼喚，在月牙灣的沙灘上，一個迷離又招喚不回時光的狀態，一隻白馬，配上如雪般的大量竹籤，是夢亦幻真，亦可能在網路上留下不少的足跡，相對於那時代小五的自己，是奇幻。

2、民眾照片徵集+都市藝術工作室《回憶成山》

媒材 / 木材邊框、鐵件、鏡面 

出來玩的當下人們最常做的就是拍照合影，從前到現在無一不是，此件作品由大大小小的相框象徵回憶組成一座山形，有些框出漁光島美景及正在島上嬉戲的人們，有些則為鏡面貼上老照片輸出，同時反映著正在島上玩耍的人們及舊時秋茂園老照片裡的元素及內容：例如奇異的神仙雕塑、牧童騎在水牛身上等。

本件作品為策展團隊都市藝術工作室與民眾參與活動，於前製期辦理「徵選老照片」活動，最後集結選出7張最具代表性與秋茂園經典的合影，將這些老相片中的元素整合濃縮，重新輸出進大大小小的框中鏡面上，而兩面不同的效果，也使島上遊憩的人們與秋茂園風光時代的風貌同時合影，讓曾經的歡樂出現於現在，將現在的合影留在未來。

3、彡苗空間實驗《海風Disco》

媒材 / 金屬鐵件、彩色壓克力、彩透門簾等

陽光、海風、餘暉，在每個造訪的人心中留下被溫柔色彩包覆與海風輕拂的美好記憶，串聯起從前與現在，是漁光島難忘而愉悅的身體經驗。跟著逐漸攀升的風車，《海風DISCO》像是個小小漩渦，把人們吸進這色彩交疊的萬花筒，隨著太陽緩緩移動到海平面，風車帶動光線的位移與顏色自由變化舞動，將沙灘的美好時光，轉化成風和光交織韻律的場所，在漁光島的海濱落印下斑斕的漁光。

4、UxU 有用主張《虹樹林》

媒材 / 烤漆彎管、五金、尼龍繩吊床

漁光島擁有濕地生態，過去也是漁民捕魚避風、臨時棲息之所，海域周邊有許多定置漁網及養殖棚架，可以想像漁民走進海裡打木樁及捕魚的鮮明畫面。

作品《虹樹林》就像一支支打在海裡的木樁，也像潮間帶上的虹樹林棲息在海陸之間，以一百多隻的金屬彎管，構築出仿若林間的空間感，並特別以彩虹色調營造作品的總體感，創造出繽紛的虹之林，讓人體驗驚喜夢幻的潮間場域。作品內部也設置四張吊床，讓民眾可以更悠閒的姿態在漁光島享受樂園般的追憶氣息。

5、梁賴昌《彩色泡泡》

歡樂的回憶時總是在出遊中發生，小時候跟著長輩出門玩，才有機會擁有一顆彩色的糖果，含在口中慢慢融化時伴隨著甜蜜的滋味跟許多泡泡的感覺。那些甜蜜的回憶，總在來漁光島時被勾起，彩色球體是回憶與彩色糖果味道的印象結合，透過球體內的彩色畫面，收納現在漁光島的歡樂風景，一點一點圓形窗景，格放出泡泡的畫面。

6、南藝大建築所 場域．結構．行動組《鯤》

媒材 / 木材、鐵件、網材等

漁光島的原地名為三鯤鯓，「鯤」原意為古代傳說中的大魚，而沙洲遠觀就像是大魚隆起的背部，所以「鯤身」延伸為沙洲之意。物換星移，黃秋茂先生於民國67年於漁光島興建海邊秋茂園，好幾代人因此有了童年在台南海邊遊玩的回憶。

此次團隊以鯤(大魚)作為概念發想，透過平台浮起於沙灘上，讓人坐臥於其空間感受裝置動態及風與浪潮的起伏，體驗漁光島最單純的人文風情，而你可以選擇走上平台，或是坐在舞台下方，各自享受不一樣的海灘樂趣。

7、UxU 有用主張《秘鏡》

媒材 / 鏡面不鏽鋼、金屬結構、鋼纜、五金

《秘鏡》一作品，在防風林之間利用矩陣排列的鏡面裝置圍塑出一個圓形空間體，整件作品因鏡面裝置反射週邊的景象，並使風景交疊在一起，形成奇幻的視境；鏡面裝置也使得作品本身彷彿融化在環境裡消失了一般，以一種最低的存在感去反映並且突顯環境的存在。

當靠進作品時，會看見自己的影像反射在被分割的鏡面裝置裡面，呈現出的不完整的形體，在存在與不存在之間，體現與自然不可分割的關係。 

8、漁光島居民+李提+都市藝術工作室《海中絮語》

媒材 / 蚵仔殼、麻繩等 

將漁光島的蚵殼編織成海浪設置於入島後第一個端景，暗示蚵仔養殖產業對於漁光島的重要性，此件作品為民眾參與作品，工作室將與島上居民運用島內推砌成山的蚵仔殼編織成一條大魚，吊掛於防風林樹中。

風從中吹過將這片片蚵簾拍打使其發出聲響，編織動作如同蚵仔漁民利用採收後牡蠣的空殼，以堅韌的繩子綁成一串，然後不斷垂掛在海水中，使蚵苗自然附著在空殼上稱為採苗的過程。藉由此作品展現片段的島上居民生活風貌。

9. 億載國小漁光分校 集體創作《虹橋》

安裝位置 / 漁光大橋

本屆漁光島藝術節也邀請漁光國小小朋友一起完成此件作品，運用透光壓克力板作為畫板，將關於樂園的想像塗鴉佈滿於漁光大橋上，陽光照射透過壓克力板將進島的步行路徑渲染成彩色，開啟人們對於樂園的想像。

10. 陳麗如&陳思涵《回憶拼圖》

媒材 / 金屬結構、壓克力、卡點西德、五金

為進入島內出入口的意象，《回憶拼圖》以過去漁光島秋茂園內的水牛與牧童為創作靈感，使用層層堆疊的壓克力色塊，組成抽象且色彩繽紛的水牛與牧童畫面，作品以相近於原物件的尺寸呈現，讓民眾有機會再次體驗當初水牛雕塑的巨大尺度。早年黃秋茂先生製造水牛與牧童的塑像，是希望勸勉世人勤讀精進，這次展覽藉由不同的手法詮釋水牛與牧童，除了緬懷過去的精神，也期許能夠為漁光島揭開更美好的未來。 

11. 徐婷&陳瑜辰《想摸海平面上的雲》

與虹橋相伴，漂浮在橋上方的《想摸海平面上的雲》，隨風優雅飄盪，作品由2019台南新藝術獎得主徐廷與陳瑜辰共同打造。如同寄居於漁光島的浮游生物，漂浮在海與天空之間，遊蕩在城市與自然的交界處。

呼應本次主視覺的漸層色彩，在陽光充足與日落時各自有特色，當人們踏上漁光大橋時，它像是熱情地與每一個人招手，而日落黃昏時，則以心滿意足的姿態做出道別手勢。  

2019漁光島藝術節周邊活動

為期23天的2019漁光島藝術節，除有11座融合地景的藝術創作，另外還有16件來自波蘭、荷蘭、巴西、澳洲於2018年與台南市政府文化局、台北教育大學與桑德基金會合作的「Ar/t/chitecture環境藝術創作展」作品。

展期間也將舉辦多場週末活動與工作坊，盼讓遊客在充滿藝術的氛圍中創作，在小島上感受不一樣的生活體驗。

「隨漁飄揚 」手繪風箏工作坊，適合親子同樂，可讓孩子選擇喜愛的色彩，在空白風箏上描繪夢想；「藍晒映像」則是採集漁光島當地植物，將腦海中建構的想像畫面，藉由藍曬氰版工藝顯影，紀錄當地之美。「漁光。海：漁網再生工作坊」使用回收的舊漁網，製作獨一無二的網編吊燈。

漁光島藝術節期間週末皆舉辦「漁光小旅行」導覽活動，帶領大家一同拜訪青蚵嫂，參訪地方宗祠、廟宇，透過地方耆老了解當地的故事，重新探索漁光島之美；最後伴隨海潮聲、漫步在木麻黃防風林裡，遇見美麗的月牙灣，細細品味漁光島上擺放的藝術作品。

2019 漁光島藝術節

展期：2019年03月30日(六) - 04月21日(日)

開幕活動 ：3/30（六）

時間：16:00

開幕演唱會：徐佳瑩 

地點：漁光島月牙灣

https://www.facebook.com/yuguangartfestival/

文字整理：Ian Liu

via 漁光島藝術節

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？