日本有一種稱做影繪師的表演藝術者，類似我們了解的皮影戲，但細節又不盡相同。川村亘平斎是日本目前最厲害的影繪表演藝術家，因為全世界只有他，可以獨立完成整套皮影故事搭配印尼打擊樂的音樂表演，甚至能在表演當下和觀影者互動，好玩得不得了。幾年前他的老師鼓勵他，這種結合皮影戲和打擊樂器兩種傳統元素前所未見，非常值得參加比賽，讓更多人認識這種表演，還真的讓他在2016年，獲得第27屆五島紀念文化賞美術新人獎，這幾年更是日本各大美術館、博物館和戶外活動，力邀的重要表演者。 

1980年生的川村，原本就是學打擊樂的音樂家，20歲時到印尼峇里島，花了兩年時間，學會當地的皮影戲和甘美朗（Gamelan）打擊樂器，當他把東南亞傳統藝術帶回日本後，再加以改良成符合日本文化的藝術形態，比如他的戶外表演中，有猴子和青蛙兩個有趣的角色，並不是從什麼典故發展而來，而是在印尼傳統影繪中，通常會用小丑，也就是搞笑角色來講故事，他則把小丑用猴子和青蛙取代，反而個性更鮮明活現，而且沒有文化隔閡，同一套表演無論在何處演出，都能讓觀影者快速融入劇情，被兩個角色逗得哈哈大笑。 

在表演中，他以頭戴猴子頭套搭配青蛙皮影，同時扮演兩個角色，還要一邊播放音樂，並調整光線，讓皮影做出忽大忽小的戲劇效果，能做到這樣已經很厲害了，他還可以讓原本僵硬的猴子和青蛙皮影，透過肢體和擺動的方式變得活靈活現，一點都不會感覺生硬，再加上有趣的故事而讓大家哈哈大笑，川村說：「雖然我用日文表演，但即使聽不懂，也一定能看得懂，並感受故事裡的趣味性。」除了主要的故事線，還有和現場觀眾互動的機會，才是影繪表演最有意思的部分。

無論到藝術學校、美術館、戶外音樂祭或露營，他都會在表演前帶著大家，一起用紙片剪出各自設計的角色，正式表演時，所有人都能帶著作品上台和主角互動，厲害的是他可以馬上想出符合現場角色的新故事，和新的音樂段子即興演出，最後主角猴子，會和現場所有的大人和小孩「真的」握手後結束表演。

別小看這個握手橋段，對他來說，影繪最困難的是掌握影子忽大忽小的技巧，遠離螢幕影子會變大，靠近螢幕影子會變小，如何運用這個原理，並精準的做到每個情節的動作，以及最後和觀眾握手的橋段，是影子表演最需要技巧的部分，別忘了，影子握手，可不是「真的」握手，他必須依照大人和小孩的不同比例，不斷移動自己的位置，才能做好每個動作。 

「大家都很習慣看到實體，而不是影子，當故事用皮影戲的方法表現時，因為影子可以隨意的忽大忽小，創造出奇特的魔幻感，觀眾會覺得不可思議，對故事的印象也就會更深刻，這個傳統藝術實在太有趣了，我一直在做的，就是想辦法把傳統藝術，轉換成現代的方式再重新介紹給大家。」

 

 

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川村亘平斎（@kawamura_koheysai）分享的貼文 於 PDT 2019 年 9月 月 7 日 下午 6:38 張貼

 Info│日本繪影師 

川村亘平斎

1980年出生於東京，是影繪師也是音樂家，表演都是一個人獨立完成，同時也是印尼傳統打擊樂甘美朗（Gamelan）「滯空時間」樂團的負責人。

文 詹筱苹

圖片提供：川村亘平斎

（完整內容請見《LaVie》2019年9月號）

回望20世紀至今，哪些經典設計改變了世界？今年於紐約現代藝術博物館（MoMA）舉辦的展覽《Pirouette: Turning Points in Design》，網羅20世紀至今的全球經典設計，以超過100件家具、電子產品、符號圖標等作品，向觀眾展現設計作為推動社會變遷的重要力量。

20世紀至今的全球作品集

《Pirouette》由MoMA館內策展人Paola Antonelli與Maya Ellerkmann策劃。針對這場展覽，Paola Antonelli表示：「每一件物品都有自己的故事，而有些物品甚至改寫了歷史。設計能幫助我們意識到並修正負面行為，設計還能發明新的行為模式，承載嶄新的意義，如永續性與公平正義。這些都將於展覽中呈現。」

正如策展人所說，許多設計作品改變了人們的行為模式，它們打破既有分類與刻板印象，在材料、形式與功能上展現創新精神。有些設計對傳統問題提出非常規的解決方案，有些設計則提出了值得深化研究的建設性問題。《Pirouette》像是一本大型的全人類作品集，透過這些物件告訴觀眾，設計是如何不斷地推動社會進步與文化演變。

這些經典設計，改變了我們的生活

在《Pirouette》登場的作品，有些是全球廣為人知的經典，也有些僅受到領域專家關注，卻仍帶來深遠影響。你一定看過的像是Milton Glaser設計的《I ♥ NY》標誌（1976年）、Art Fry與Spencer Silver發明的Post-it便利貼（1977年）、Sony隨身聽（1979年）、Apple麥金塔128K機型（1983年）等，其中許多設計從革命性的實驗精神出發，如今大大改變了我們的生活。

除此之外，本展也包含一些從未進入商業化階段的概念性作品，如Tejo Remy的《You Can't Lay Down Your Memory》（1991年）、Don Pettit為太空人設計的咖啡杯（2008年）、以及Sabine Marcelis的《Candy Cube》（2014年）。它們展現了設計師如何運用想像力、嚴謹的研究參雜著遊戲精神，進而重新定義人類的行為與體驗。

展場中還能看到一些十分近期的作品，是策展團隊認為未來有望對社會產生同等影響力的潛力之作，例如氣候學家Ed Hawkins創作的全球氣溫螺旋圖（2016年），將複雜資料可視化，並以動態展示數十年來全球月平均溫度異常的上升趨勢；以及Gabriel Fontana的《Multiform》運動服（2019年），透過設計推廣包容與嶄新的團隊精神等。

《Pirouette: Turning Points in Design》展期至2025年10月18日。

歷經多年整修，位於曼哈頓第五大道的弗里克收藏館（The Frick Collection）於2025年4月17日重新亮相。翻新後的館舍不僅擁有更寬敞的展間，更首度對外開放過往弗里克家族的私人生活空間。

弗里克收藏館前身為紐約市最後一批黃金時代豪宅，自1935年起改為對外開放的美術館，展出弗里克家族的私人藝術收藏，包含眾多歐洲繪畫、雕塑，與裝飾品。與此同時，弗里克藝術研究圖書館也在此成立，多年來已成為全球重要的藝術史研究中心。

The Frick Collection重新開幕亮點

➊ 新與舊的融合

這是自弗里克於1935年創館以來最全面的一次整修工程，由建築事務所Selldorf Architects與Beyer Blinder Belle共同負責，除了重新配置既有空間、小規模擴建場館外，這次也規劃了完善的無障礙設施，更精心修復了外牆的雕刻與五金細節等。Selldorf Architects創辦人Annabelle Selldorf表示：「這項工程的目標，是在歷史建築語彙中融入當代細節，讓觀眾感到更自在地走入這裡。」面向中央公園一側的花園，也在本次整修中還原成1977年英國景觀設計師Russell Page打造的模樣。此外，還翻新了圖書館與閱覽空間，在本次開幕中一同亮相。

弗里克收藏館的一系列開幕展覽，由副館長暨首席策展人Xavier F. Salomon領導策劃，並與策展人Aimee Ng、Giulio Dalvit及Marie-Laure Buku Pongo協力製作，展場設計則由Stephen Saitas負責。

➋ 二樓首度對外開放

本次整修令人最期待的，就是首度開放的弗里克收藏館二樓。該層樓原為弗里克家族的私人起居空間，在1935年開館後改為辦公區域，如今則成為展廳，保留原始壁畫、大理石壁爐與木雕裝飾，空間用於展出較小型的藝術品與新進館藏，讓觀眾有更多機會近距離欣賞作品。

其中，二樓有許多展品體現了弗里克家族成員的個人品味，例如創辦人Henry Clay Frick臥房裡展出其喜愛的肖像畫、女兒Helen Clay Frick的房間則多為文藝復興時期畫作等。至於新進館藏部分，則包含了法國陶器、維也納Du Paquier瓷器、古董鐘錶收藏等。

➌ 一樓新展間啟用

另外，弗里克收藏館一樓也迎接了一座全新的小型展間，展出館藏中罕見的紙上作品，像是竇加、哥雅、安格爾、魯本斯、惠斯勒等人的素描與手稿都在其中。

➍ 令人期待的特展登場

隨著空間重新開幕，弗里克收藏館也計畫帶來一系列精彩的展覽，像是首先登場的雕塑家Vladimir Kanevsky特展，以其擅長創作的陶瓷花卉為靈感，重現1935年弗里克剛開館時的花藝陳設；而將於6月中揭幕的維梅爾特展，將集結《女主人與女僕》、《情書》、《寫信的女人與女傭》等作品，讓觀眾一睹這位荷蘭畫家的精彩之作。