整本都用插畫取代時尚攝影！義大利《VOGUE Italia》響應永續 邀7位藝術家用拼貼、插畫詮釋時尚

對編輯和讀者來說，每個月的月初都像是學生時代評圖般令人興奮又緊張，編輯迫不及待地想向讀者公開精心製作的全新封面，而讀者同樣滿懷期待想見識編輯又會帶來哪些驚喜創意。不過要發行、出版一本時尚雜誌，究竟要花費多少資源呢？為了在每一期帶給讀者嶄新視覺與想像，從訂定封面主題、企劃方向，到執行拍攝，舉凡從道具場景準備、商借衣物，到前往戶外拍攝取景等，過程中可說是分分秒秒在產生二氧化碳與無可避免的資源浪費。

然而這樣司空見慣的情形該怎麼解決？義大利《VOGUE Italia》主編Emanuele Farneti則在今年開月號做出些許改變，封面不再是穿著華服擺著時尚姿勢的模特兒或影星，取而待之的是由7位藝術家所創作的精美插畫，包括David Salle、義大利多媒體藝術家Vanessa Beecroft、莫三比克裔美國畫家Cassi A. Namoda、義大利藝術家Milo Manara、法國畫家Delphine Desane、義大利攝影師Paolo Ventura和日本畫師天野喜孝（Yoshitaka Amano），從拼貼畫、文藝復興到日本奇幻風格應有盡有，並在精美插畫旁搭配印有「本期雜誌不含任何攝影作品」（No photo shoot production was required in the making of this issue.）字樣。

對於向來不吝挑戰社會禁忌議題的義大利版，這樣做法或許不會讓人感到太意外，但仍不免好奇背後思量，為此，Emanuele Farneti以時尚刊物最為重要的9月號為例，簡述製作過程有多少不必要的浪費：「以每次拍攝有150人參與其中，含括20趟飛機航班和12趟火車，再加上40輛汽車待命與60件國際快遞。拍攝時燈光無間斷至少10小時，工作團隊的食物餐點、包裝衣物所使用的塑膠袋，加上為手機、相機充電的電力等，每期封面林林種種的浪費非同小可。」；在意識到所衍生而出的污染後，Emanuele Farneti決定做出不同舉動，加上與其他等全球26個《VOGUE》國際版編輯共同宣誓，要為了下一代保護地球，尊重環境，而他也率先採取實際行動，用帶點復古風情的做法重新詮釋時尚封面。

整本雜誌呼應Emanuele Farneti所言「想要展示衣服，不一定只能透過照片」，因此本次邀來藝術家合作，除了打破想像框架外，更希望傳遞可持續發展概念，並證明相機並非唯一能展示美麗衣裳的工具。當然，也許有人認為這樣的行動宣示只是噱頭，對此Emanuele Farneti則表示與其坐以待斃，不如直接面對甚至承認問題所在才是最要緊之事，儘管下一期刊物將再次恢復拍攝工作，然而本期所訴求的理念勢必成為改變的起始關鍵，他同時也盼望在2020年內，義大利版能成為Condé Nast集團第一批採用100%可堆肥塑膠包裝的紙本雜誌；至於本期所省下的拍攝費用，則將捐贈給受洪水淹沒而受損的威尼斯文化中心暨圖書館Fondazione Querini Stampalia作重建基金。

義大利多媒體藝術家Vanessa Beecroft操刀的封面，模特兒形成一個極不自然的彎腰身軀，彷彿試圖扭曲自己身體以適應封面範圍大小。

 

 

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Vogue Italia（@vogueitalia）分享的貼文 於 PST 2020 年 1月 月 2 日 上午 6:30 張貼

莫三比克裔美國畫家Cassi A. Namoda創作封面，他以模特兒Ambar Cristal Zarzuela作為描繪主角，其正坐在紅色椅子上落淚，而頭部附近則有著一隻滴著血的蚊子，用來象徵全球暖化議題。


 

 

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Vogue Italia（@vogueitalia）分享的貼文 於 PST 2020 年 1月 月 2 日 上午 8:29 張貼

義大利情色漫畫藝術家Milo Manara的作品，則是描繪穿著性感內衣的模特兒Olivia Vinten，她戴著紅色乳膠手套，揮舞著黑色皮鞭，在夢幻般的粉色雲朵背景前擺出撩人姿態。Emanuele Farneti表示，在這個賦予女性權力的時代，對於「將情色風格意象帶回女性雜誌封面」是否合適仍極具爭議，但這幅作品實際上是表達但女性擁有掌控一切的自主力量，而其形像是受米開朗基羅（Michelangelo）的經典雕塑大衛像所啟發。

 

 

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Vogue Italia（@vogueitalia）分享的貼文 於 PST 2020 年 1月 月 2 日 上午 10:27 張貼

《太空戰士》（Final Fantasy）御用畫師天野喜孝的創作則以模特兒Lindsey Wixson為畫像主角，儘管畫中人物並非穿著具未來科幻感的服飾，然而仍維持其一貫將時空穿刺，呈現現實與幻象世界想像的畫風，迷幻讓人醉心。

 

 

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Vogue Italia（@vogueitalia）分享的貼文 於 PST 2020 年 1月 月 2 日 上午 9:29 張貼

via VOGUE Italia

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。