跟Steven Meisel、Mario Testino比起來，旅英挪威攝影師Sølve Sundsbø真的是低調許多，不過他的作品產量，以及手下客戶的知名度，可都不輸給前面兩位攝影巨擘。日前Sølve Sundsbø難得接受專訪，分享自己踏上攝影之路的歷程，以及擔任Nick Knight助理的時光，他不覺得自己事業成功，因為他只是懂得把握機會而已。

攤開他的個人作品，會發現非常夢幻，上面全是每個想成為時尚攝影師的人都想要有的履歷：義大利版Vogue、Love、W、紐約時報，還有Alexander McQueen、Chanel、Gucci、Yves Saint Laurent、Dolce & Gabbana、Louis Vuitton、Givenchy和Hermès等頂級品牌客戶的形象廣告。資歷豐富的他曾經辦過個展，2010年為紐約時報拍攝的紀錄片《14 Actors Acting》還獲得艾美獎肯定，但儘管如此，他卻不認為自己很厲害：「你也不會那樣看待你自己，對吧。我是個機會主義者，我很擅長抓住機會。」

30多年後，當時那個小男孩，在倫敦Hoxton Square擁有了自己的攝影工作室，裡面有屬於自己的攝影團隊。Sølve回想自己的青少年時期，熱愛音樂的他，總會帶著相機去看演唱會或滑雪：「我在一間唱片行工作6年，期間看了很多演唱會跟演出，無論是朋友的表演，還是Nirvana，或是Miles Davis。」對那時的他而言，音樂的重要性勝過很多事情，包括他沒想過的時尚領域。

直到20歲，他才下定決心要以攝影維生：「我很喜歡攝影，而且我也發現人們很欣賞我的作品。我覺得自己有潛力。我的第一份攝影工作是幫學生報紙拍照，他們很開放，報社有一個暗房，在那裏我認識了一些讓我與倫敦結緣的人，也是我日後得以與Craig McDean、Nick Knight認識的契機。我在挪威的時候就很欽佩他們。」

在Craig McDean的鼓勵之下，Sølve在1990年代初期搬到了倫敦，幾個月之後，Craig McDean在一個攝影課程中，安排了Nick Knight*的助理工作給他，他們就這樣一起工作了4年：「我們幫美國版Vogue拍照、跟Nick還有John Galliano一起拍Dior的形象廣告。當Nick的助理是一份很辛苦的工作，我沒有太多自己的時間可以出去，我從24歲開始在那邊工作一直到28歲都是如此。當然，我還是有出門，也有自己的朋友，但真的沒有很多。但是這個經驗對我來說不可或缺，這是我學攝影的機會，畢竟我不是出身藝術世家，我沒有畫家老爸或設計師老媽，我是學術背景出身的人，當我剛到倫敦的時候，McDean跟Nick為影像創作開闢了另一扇窗。Nick告訴我應該要有理想、要勇敢、要大膽挑戰極限：『這不是一份工作，而是志業。』」

＊Nick Knight：英國時尚攝影師，以黑白攝影聞名，2000年創立時尚影音平台網SHOWstudio

Sølve Sundsbø雖然低調，但他曾說過的某一句話卻非常有名：「如果我的作品有風格的話，那就是沒有風格。」有一位像Nick Knight風格這麼強烈的師傅，作品風格很難不被影響，對他來說，找到自己的攝影語彙是一個挑戰：「如果你跟Nick或是Bruce Weber一起工作，你就會耳濡目染，所以需要一點時間脫離，找到自己的風格。我記得我找到自己的風格，不是因為某一個單件作品。而是每拍一件作品就會問自己：『這是不是我的風格』，拍了很多之後，回頭看才發現自己特定的軌跡。」1999年他去參加法國Hyères時尚藝術節，獲選為最佳新銳攝影師，之後他把自己的6件作品掛在牆上，人們告訴他這6件作品的風格全部都不同，他只記得那時自己心裡想著：「這些作品都是我，我不是只有某一種樣子。」

他的作品很多元，涉及服裝、彩妝和影片，風格從夢幻、唯美到前衛、科技，通通包辦，無論哪種風格，大多都與真實生活無關，其中許多作品，看似運用高科技輔助完成，但其實都是靠很傳統的打燈技巧完成的。Sølve Sundsbø說自己一直試著在作品中將幻想實現：「我過著很真實的生活，我有老婆孩子，所以我不覺得我需要在我自己的作品裡放廚房的水槽，雖然我很欣賞別人這樣做，但那不是我。」他又補充：「最近幫FKA Twigs拍《V》雜誌裡的照片，用的是超級過時的技巧，我們沒用什麼高難度的技術，只把燈移來移去而已。」

在Sølve Sundsbø眼中，攝影最重要的是攝影師本人的想法，器材、技術、拍攝對象是誰都不是重點：「相信我，我當然有用電腦後製，但看起來好看絕對是最重要的。大多數人不理解攝影，你必須讓被拍的人看起來漂亮或有趣，最好是既漂亮又有趣。如果你不能做到這一點，你就不適合這份工作，這跟你拍的對象是模特兒，還是一個素人，都沒有關係，概念是一樣的。」他說2012年向傳奇攝影師Erwin Blumenfeld致敬的Chanel彩妝廣告就只有操縱光線，並沒有用太多高科技。

Sølve Sundsbø現在幾乎是同時執行商業廣告跟雜誌創作，他不諱言地表示如果只接著重創意性的雜誌拍攝，自己絕對會破產：「商業廣告會有很多人告訴你該怎麼拍，他們有自己想要的髮型、配色跟背景。商業廣告限制很多，雜誌創作的限制則在於預算，現在的攝影師經常被要求要在同樣的時間跟金錢底下，額外拍攝微電影。你可以半年拍雜誌，半年拍廣告。但通常這些工作都是一起來的，各有各的挑戰。」

從事時尚攝影工作20多年，Sølve Sundsbø認為拍攝微電影是年輕的影像創作者必備的技能：「試著去拍電影，因為業界需求很多，卻沒有足夠的人滿足這些需求，如果你知道如何剪輯跟配樂，甚至是動畫，你可以為自己感到開心。你不必花10年學剪影片，學著用軟體就好。」

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「攝影」，作為工具時，常被用於記錄具體事物；作為藝術媒介時，多引動著觀者的情感記憶。然問及阿部大輔對於「攝影意義」的答案，卻兩者皆非。他並不以它記錄既有真實，而是拿來追求未見之美；他亦明言自己的作品沒有情感，希望觀者也能抽離感知、純做視覺鑑賞。如此獨樹一幟的創作風格，將如何帶領我們探索時間與存在的微妙關係？跟La Vie走進徠卡之家，綜覽《The Present shapes the Past》特展便知一二。

「當下」是一切起點

日本攝影師阿部大輔（Daisuke Abe）與徠卡（Leica）攜手策劃攝影展《The Present shapes the Past》，即日起至2026年3月23日於徠卡台北畫廊帶來《shape》和《vague》兩大系列，邀觀者一同穿梭虛實之間，探索兩英文單詞分別對應的形、光，以及時間與存在的微妙關係。首先推敲阿部大輔核心創作概念「過去不再、未來未至」可得世界觀：想像未來或回憶過去的，歸根究柢只有現在的自己，而過去之所以成為過去，事實上也因我們在此刻賦予它意義。換言之，過去與未來都不存在，僅僅現在是真實的——「此刻」於是成為其作品最重要的主題。

兩大系列取向相通，有何異同？

就拍攝視角而言，比起《shape》的具象構圖，《vague》更抽象化擷取事物一隅；就拍攝目的而言，《shape》將眼睛所見形狀落實到影像裡，《vague》則由影像尋找眼睛看不明白的形狀。總的來說，兩系列表現性具相似之處，根本上亦無太大差異，皆超越既有認知與物件分類，尋求新的影像價值。唯後者意在「生成難以判別被攝體究竟為何的影像」這點尤甚前者。若定義《shape》是解構、切割現實的形狀，那麼《vague》可被當作一種重構、扭曲現實的嘗試。以下詳述各自創作概念。

▍《shape》系列

此系列攝影師試圖藉由一種無法以具體名稱標註「這是什麼」的抽象程度，對真實形體加以捕捉。「它是什麼、在哪裡都不重要，美麗的形態才是我想一睹為快的影像。」阿部大輔並非將攝影視為記錄具體事物的工具，而是從自身觀點出發，利用鏡頭追求從未見過的影像。作品刻意模糊物件的可辨識度，單純呈現那些不易被定義的形態，所攝內容也主要基於是否具備視覺美感進行選擇，而不著重「這是某某人/物件/景致」的記錄性判定。

不賦予脈絡或故事，也不去貼近任何人的心情，只是作為形狀的影像陳列，就那樣存在著。——阿部大輔《shape》創作概念

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▍《vague》系列

此系列全無明確的拍攝主體，畫面模糊卻充滿能量，冥冥之中喚起觀者對未知的想像。「拍攝前我無法預測影像會長什麼樣子。是按下快門的那一刻，影像才真正誕生。」阿部大輔認為「美」必然存在於任何事物中，更沒有一種觀看方式與另一種相同，故攝影應當去發掘難以透過肉眼取得的視角。

一切事物皆具同等價值，且都擁有各自的美。——阿部大輔《vague》創作概念

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排除情緒拍攝，也願觀者抽離感知

無論《shape》或《vague》系列，阿部大輔都排除了情緒的介入。「影像確實可以傳達喜悅或悲傷，但我的作品沒有情感。我希望觀者能抽離感知、不受情緒影響，純粹欣賞視覺之美。」他相信人類認知事與物多半來自經驗與記憶，可真正的創作卻該超脫過往理解，直擊前所未見。

在台完成《shape》，深受「光」和「城市呼吸」啟發

光線創造影子，能提高色彩鮮明度並強化被攝主體，在《shape》系列扮演關鍵角色。阿部大輔分享來台拍攝《shape》過程所感，「台灣和日本距離不遠，但城市的建構方式與氣候讓『光』與『色彩』截然不同。」台灣的潮濕高溫使光線在大氣中擴散出獨特的層次效果，「讓我更深刻地思考了『形』的意義，而《shape》系列作品正是這個思考的反向。」對此他特別表示自己非常幸運，「拍攝期間幾乎天天晴朗，若是陰雨天，我應該就無法拍出如此強烈的影像。」更坦言來台完成攝影企劃及舉辦展覽為他開啟嶄新創作方向，「這次與徠卡台灣的合作，促成在台灣進行的拍攝契機與經驗，也給我新系列創作的啟發。」

同場加映：作品背後一剛一柔的SL3、M10

作為攝影師，徠卡之於阿部大輔不僅是一台相機，更是一種觀看世界的方式。「在《shape》的創作中，我特別依賴Leica SL3的高解析度與色彩再現能力。它能精準地表現建築線條與光影層次感，讓畫面更具張力。」同時提及SL系列相機可搭配100-400mm焦段鏡頭的優勢，「許多《shape》作品，都是使用這顆鏡頭所拍攝的。那種遠距離凝視的視角，讓我能捕捉到人眼無法專注的細節。」另一頭，阿部大輔選用M系列相機著手《vague》的創作，「Leica M10的畫面則帶有不完美的溫度，讓我能更自在地探索抽象邊界。」SL系列彰顯卓越畫質和豐富細節、M系列保留底片柔和質感，兩者一剛一柔，體現阿部大輔作品截然不同的思考面向。

阿部大輔攝影特展《The Present shapes the Past》

• 時間：即日起至2026年3月23日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。

Red Velvet、TWICE、BTS、New Jeans（現NJZ）等眾多 K-POP 偶像，都曾出現在 Siyoung Song 的觀景窗中，他也同樣遊走於時尚、影視、品牌與藝術等各領域之間，捕捉一幕幕精準而鮮明的影像。La Vie與他聊聊近期重要作品的拍攝幕後，以及對於攝影的核心思考。

如同許多對鏡頭有嚮往的人，Siyoung Song最初也懷抱著想拍電影的心，遠赴紐約視覺藝術學院學習。但從青少年時期便享受拍照的他，偶然開始在一間商業攝影工作室工作，環節中需與各方團隊緊密協作的過程，以及相較電影製作更加緊湊的節奏尤其吸引了他，也讓他從此投身其中。

翻閱Siyoung Song的Instagram頁面，一幀幀畫面的調性跨度廣泛，從人物肖像、純風景到品牌概念形象，都是他的鏡頭刻畫的對象，且畫面時清透時濃郁、時沉鬱時明亮，難以單一風格概括描述。

他也自認沒有固定的「風格」，「但有些事情是我總會放在心上的，其中之一是創造帶有『電影感』、能喚起懷舊氛圍的場景。」如同他總是被日常的靈感來源——畫作、電影、音樂中的某些微小瞬間打動，他也希望自己的作品多少能帶給觀者這樣的情緒湧動。

為畫面染一層神秘與陌生

在日本寶礦力水得2024年的廣告視覺中，Siyoung Song便成功定格出隔著螢幕也能感受到的、強大且流動的青春能量。

本身已具有相當品牌知名度的寶礦力水得，近年來陸續與瀧本幹也、奧山由之等攝影師合作，透過影像建立起鮮明的視覺辨識度。Siyoung Song回顧當時的目標，是要創造一個既忠實於品牌關鍵字——青春、純粹、夏天，又能融入新鮮視角，意即「韓國風格」的視覺，「這是對畫面平衡感的巨大考驗。」

為了傳遞「潛力就在你的身體之中」這一主要訊息，團隊及2位正值高中年齡的少女主角池端杏慈和椿，移動許多不同地點取景，最後主要選用了在黃昏校園中拍攝的畫面，「我使用了機頂閃光燈，加上演員微妙又帶點神祕的表情，營造出略帶陌生感的氛圍，和品牌以往的調性有些不同。」

今年7月在首爾舉辦的展覽《景福宮的思索》（暫譯，Contemplation of Gyeongbokgung Palace），把這座已矗立630年的朝鮮王朝宮殿，轉化為一段以5條路徑和聲音構成的旅程，帶領參觀者在走動、觀看、聆聽的過程中，真正進入這個傳統場域的內在時空。

呼應這分敘事性，Siyoung Song也不以常規記錄文化遺產的方式按下快門，而是試圖創造能引導人深入觀看的影像。於是，景福宮內的6處景點——永濟橋、勤政殿、慶會樓、香遠亭、交泰殿、生果房在原本的莊嚴之上，也多了一絲他一貫追求的「陌生感」，「希望讓人略微不安，卻又想一探究竟。」

商案 v.s. 自我

至於精準捕捉一個人或品牌特質的關鍵是什麼呢？或許呼應自己曾一度熱衷的「紀實攝影」，Siyoung Song分享，「我努力不去失掉的，是真實感。不論在什麼樣的拍攝中，都會牢牢堅持這一點。」

他固然清楚這往往和商業攝影的本質衝突，「很多時候根本沒有足夠時間和拍攝對象真正建立連結，有時在現場第一次見面，說上幾句話，就要馬上開工。」然而，即便每次拍攝知名人物前他都會事先蒐集資料，但實際見面相處的感覺往往截然不同。「到最後真正重要的，是我帶著什麼態度和視角去看待被攝者。」

此外，他也習慣以單張以上的規模思考敘事節奏，「一張照片或許說不出故事，但當多張照片並置時故事就可能浮現。即便是一張看似沒有意義的影像，放在其他旁邊便可能產生全新的意義。」細膩的層次編排，是讓目光能多停留片刻的關鍵。

長久生活在商業攝影「多方協作」和「快節奏」的間隙中，Siyoung Song並不感迷失，近來甚至有感商案與創作的界線常常模糊。無論面對怎樣的專案，他總會努力編織一些「自我」放入其中，「即便時而可以80%，時而只有 30%，但商案的過程總是一連串的選擇，找到那個平衡，同時仍然讓作品保有自己的聲音，是一個持續的挑戰。

「雖然不容易，但也是我覺得商業攝影之所以有趣之處。」

他透露，在許久沒有從事純創作之後，最近越來越有一股「主動出擊」的衝動，甚至不局限於攝影，而是各種有趣形式的多方共創，目前已在著手籌備一個創作計畫，預計於明年啟動——已經令人期待，如此擅長為他人說故事的他，將用更加無設限的鏡頭打造出怎樣的影像時空。

Siyoung Song

畢業於紐約視覺藝術學院（School of Visual Arts）攝影系，2018年 成立個人同名工作室。主要活動於商業攝影領域，曾拍攝Red Velvet、TWICE、BTS、NCT 127、NCT DREAM、V（金泰亨）等諸多K-POP偶像，並和New Jeans（現NJZ）多次合作。近年合作品牌包括寶礦力水 得、BEAMS、CONVERSE、LINE creative、韓國New Balance Kids等，也擔綱影集《未知的首爾》海報及《Magazine F》、《Magazine B》封面攝影。

_{文｜李尤　圖片提供｜Siyoung Song}

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