2020台灣燈會將在台中世界花卉博覽會森林園區原址點燈揭幕，藝術家林舜龍操刀主燈《森生守護－光之樹》，與去年由藝術團體豪華朗機工設計的大型機械花《聆聽花開的聲音》所重新轉化的《聆聽花開－永晝心》皆為焦點之一。鮮為人知的是，林舜龍還是張耿華在淡江高中時的美術老師，這層獨特的師徒關係，也為本次燈會賦予世代之間傳承及共好的深層意涵。兩人聊起這場號稱2.0版的燈會，言談之間不只是作品的理念及呈現，還有對於台灣這片土地殷切的展望及深愛。

Q：師生睽違許久，終於有機會在2020台灣燈會再續前緣，這樣的契機是怎麼來的？

張耿華：2018台中花博期間，豪華朗機工有機會設計《聆聽花開的聲音》這件作品，當時是以「花神」為核心概念。那時得知林舜龍老師也受邀在花博創作，做的是一件以「種子」為意象的作品《從天上掉下來的一顆種子˙籽仔》，就覺得兩者之間有種奇妙的連結。其實我並不會特別對外說我們有師生關係，但就這麼碰巧，不僅是開花與種子之間有連結，這樣的連結又呼應著我們的師生關係，滿有趣的。一方面是有感於這些巧合，另一方面今年的台灣燈會也希望可以延續去年花博的理念，就促成了我們再度同台展演。

Q：兩位能否分享這次為台灣燈會各自打造主燈作品的創作過程及理念？

林舜龍：去年花博那時候，我原本想做的其實是樹木，但後來受限於種種技術性問題，因此回歸到一切注目的根本—種子。那時候靈光一閃，浮現的便是從天上掉下來的種子，它並不來自基因改良實驗室，而是來自上天，是上天獻給我們的瑰寶。後來隨著花博落幕，這件作品也拆除了。剛好這次燈會以當地森林環境為一大特點，我心想：那不如從種子回到樹吧！於是，有了《森生守護－光之樹》這件作品。

今年1月總統大選剛落幕，社會還在對立的氛圍當中，希望主燈可以有縫補及修復民心的功能，因此，我特別以「團結」為意象，以原木板片結合鋼構，組立一座高度超過15公尺的巨大神木。22條主結構分別代表台灣22個縣市，以龐大的樹根汲取這片土地賦予的能量。隨著神木向上開枝散葉，可以看見368個鄉鎮市區的花苞花燈；而在樹枝之間，繼續長出的2,359片心形葉片，代表2,359萬台灣人民。樹上的公鳥、母鳥、雛鳥組成的溫馨家庭燈飾，呈現的是台中市的市鳥「白耳畫眉」一家和樂的榮景；同時還會有彷彿在樹梢之間飛舞的紫斑蝶，讓整件作品更顯繽紛多彩。

有別於過往燈會多以旋轉作為亮點，這件作品希望能突出自然當中「光」的元素。像是樹冠、花鳥等都是運用耐候型壓克力板構成，當陽光灑在這些隨風搖擺的條狀彩色壓克力板片上，神木內部會布滿花窗般的斑駁色彩，就好像在充滿聖光的教堂裡。

而內部還有個龐大的氣球，它可以是太陽、夕陽，可以是滿月，也可以像外星球。我安排了一個與觀者的互動，隨著下方觀者的呼喚聲超過一定的分貝值，氣球便會緩緩下降。裡頭這樣的手法算是比較前衛，具有某種當代性，但在神木的外觀上還是希望能做到雅俗共賞。不管是在神木裡頭近觀，還是在外頭遠看，都會看到在自然天光和光秀展演下，幻化出呈現台灣這片土地張力的多元樣貌。

張耿華：這次燈會《聆聽花開－永晝心》是從去年花博《聆聽花開的聲音》衍生而來。去年花博的策展規畫其實是呈現從高山到海平面的地景，在這樣的前提下，主要的視覺調性還是以綠色為主，於是，在《聆聽花開的聲音》這件作品時，我們比較大膽地採用存在於自然中、與初生階段生命經驗貼合的紅色為主色，創造出一朵龐大的機械花，拉出跟展覽本身的對比性。

相

對來說，在這次的燈會當中，可想而知絕大部分的作品將是繽紛絢麗的。所以，當我們得知這次要重啟這朵花的時候，就開始思考如何讓這件作品保有它的突出性，同時又不過度搶走周遭作品的目光。最終，我們決定將花朵的色彩收斂成單一的白色。考量到作品仍需帶點科技感，我們在傘布上選用帶有珠光塗層的布料，讓白色不單單是白色，在強烈的光源底下，時不時能瞥見七彩的炫光效果；至於在照度相對低的狀態下，整朵花則會彷彿一個在銀河中閃爍的球體。

相較上回納入較多與民眾互動的感應裝置設計，有鑑於這次人流勢必更大，讓單一民眾確實感受到觸發了互動並不容易，因此我們反而選擇將作品中互動的元素降低，備著但不一定用，取決於現場狀況—也許在白天和夜晚，隨著人流的落差，可以有不同的模式切換，但絕對不會「為了互動而互動」。雖然作品本身相對單純，但在與周圍環境、聲光展演的搭配之下，依然會有豐富的視聽感受，而且會和同在入口處老師的主燈作品有所呼應。

Q：除了《聆聽花開－永晝心》是延續花博期間的大型公共藝術作品，燈會結束後，《森生守護－光之樹》也將直接就地保留作為地景藝術作品，落實永續精神。兩位對此有什麼想法？

林舜龍：過去每次看燈會都在思考這個問題：那麼多地方花那麼多錢做的主燈，最後都跑去哪裡？這次燈會，隨著主管機關觀念的改變，有了將主燈就地保留再利用的契機，甚至將這點明白列在標案裡頭。因此，在設計這件作品時，考量的便不再只是燈會期間，而是永久性的維護與保存。為什麼這次作品有別於過往主燈無法旋轉？原因就在這裡。由於作品量體夠大，《光之樹》未來應該可以作為展演教學空間使用，讓更多人了解舉辦花博或燈會的歷史及精神。

張耿華：建立良好的維護機制是永續的關鍵，所以不只是觀念的改變，相關單位也要了解往後養護機制的必要性。因此，我們就常常在思考，作品本身還能為社會帶來什麼價值？最近，教育部在推行的108課綱在談素養、跨領域，或許我們的這件作品就是很好的教材。也就是，大家不必設限認為它就是燈節的燈，或者只是藝術文化領域的作品，它還有很多可能性。

最近一部紀錄片《自信台灣21世紀之路》，在談「文化自信」這件事。我一直覺得文化跟自信是相輔相成、不斷堆疊而來的，只要沒人帶頭開始做，那就會逐漸喪失；但一旦有人願意作為先驅者，那就有機會。放長遠來看，儘管當下看起來成效有限，它也許已經在不少人心中種下種子，只是等待哪一天成長茁壯而已。當這樣的先例多了，觀念就會逐漸翻轉，產業就有機會變更好。

Q：從過去參與海內外大型藝術展演活動的經驗出發，有什麼值得台灣燈會借鏡的經驗？對於未來的燈會又有什麼樣的期待？

林舜龍：土地不同、人不同，不同國家的經驗絕對無法直接轉移，只能作為參考。台灣有自己的特色，我們應該要想辦法找到、甚至創作屬於台灣的元素，而燈會就是契機。從30多年前的「社區總體營造」，到去年開始的「地方創生」，我們應該已經可以慢慢感受到屬於自己的「台灣味」，腳踏在泥地上，同時面向國際，與世界對接。

去年台灣燈會在屏東，首次捨棄了以該年生肖為主燈的傳統，以黑鮪魚為主燈，展現地方特色；而今年的燈會將是第二次翻轉，也就是「2.0版」，除了地方特色，也要呈現台灣精神。我希望大家能夠感受到燈會已經不一樣了，而且，未來每一年都要繼續不一樣。農曆新年到元宵，是家族難得團聚的時節；而燈會這樣子的場域，能夠讓大家有共同的經驗，共同將這片土地內在的強大能量轉化，這個意義非常重大。

張耿華：2017年世界大學運動會在台北，我們之所以做了聖火台裝置，其實是受到電影《打不倒的勇者》感動，才決定接下這個艱鉅的任務。電影描述1995年，南非總統曼德拉如何與國家橄欖球隊隊長，透過世界盃橄欖球賽，讓剛擺脫種族隔離制度不久的南非，從黑人與白人的分裂中重新凝聚，而這項運動賽事最後團結了社會與未來國家發展的共識。這讓我們相信，做這個聖火裝置是有意義的，而今年燈會或許也有團結社會的意義。

事實上，無論在國內或國外，無論是博覽會、藝術祭、運動會，還是現在的燈會，參與創作的藝術家使命都不盡相同，所以，藝術家要看清楚在這個使命底下要完成的事情；不過，適時從藝術家的角度回看自我創作要傳遞的東西，這也絕對不能忽略。我認為，我們得一直在錯綜複雜的結構中尋找良好且有效的對話方式。

我有時候會覺得，所謂「形式」其實都是被建立出來的，過往的燈會或許也是如此。我們應該從其他國家的例子裡，看見我們可以做什麼，或者不做什麼。所以，我會說，這兩年台灣燈會的不一樣，其實是一種發現自我的過程。坦白說，未來的燈會會如何，我不知道，但在不同的時空背景之下，都應該長出屬於自己的樣子，值得大家期待。

2020 台灣燈會

日期：2 月 8 日(六)至 2 月 23 日(日)

地點：台中后里森林園區

「光之樹」正式開燈時間為 2 月 8 日元宵節當天晚間 7 點，之後每小時整點展演 1 場主燈秀。

https://theme.taiwan.net.tw/2020taiwanlantern

林舜龍

以藝術家身分活躍於法國、台灣、日本等地，不斷探求各媒材之可能性與表現形式，其著名作品除大安森林公園捷運站《春光乍現》、台中大都會歌劇院《聆聽》、衛武營文化藝術中心《平行語境》外，《跨越國境．海》、《跨越國境．潮》更在日本瀨戶內藝術祭展出。

張耿華

豪華朗機工共同創辦人，主攻雕塑及機械裝置，以混種跨界為創作概念，作品風格走向以簡潔乾淨形式表現出輕鬆意境，取材於自然環境，討論奇觀社會中的人性思維，希望在極度科技及極度人文這兩個極端中取得和諧，激發創意。

文｜黃銘彰　攝影｜林政億

圖片提供｜華麗邏輯、達達創意股份有限公司

(本文內文收錄自La Vie 2020年2月號）

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？