2020台灣燈會將在台中世界花卉博覽會森林園區原址點燈揭幕，藝術家林舜龍操刀主燈《森生守護－光之樹》，與去年由藝術團體豪華朗機工設計的大型機械花《聆聽花開的聲音》所重新轉化的《聆聽花開－永晝心》皆為焦點之一。鮮為人知的是，林舜龍還是張耿華在淡江高中時的美術老師，這層獨特的師徒關係，也為本次燈會賦予世代之間傳承及共好的深層意涵。兩人聊起這場號稱2.0版的燈會，言談之間不只是作品的理念及呈現，還有對於台灣這片土地殷切的展望及深愛。

Q：師生睽違許久，終於有機會在2020台灣燈會再續前緣，這樣的契機是怎麼來的？

張耿華：2018台中花博期間，豪華朗機工有機會設計《聆聽花開的聲音》這件作品，當時是以「花神」為核心概念。那時得知林舜龍老師也受邀在花博創作，做的是一件以「種子」為意象的作品《從天上掉下來的一顆種子˙籽仔》，就覺得兩者之間有種奇妙的連結。其實我並不會特別對外說我們有師生關係，但就這麼碰巧，不僅是開花與種子之間有連結，這樣的連結又呼應著我們的師生關係，滿有趣的。一方面是有感於這些巧合，另一方面今年的台灣燈會也希望可以延續去年花博的理念，就促成了我們再度同台展演。

Q：兩位能否分享這次為台灣燈會各自打造主燈作品的創作過程及理念？

林舜龍：去年花博那時候，我原本想做的其實是樹木，但後來受限於種種技術性問題，因此回歸到一切注目的根本—種子。那時候靈光一閃，浮現的便是從天上掉下來的種子，它並不來自基因改良實驗室，而是來自上天，是上天獻給我們的瑰寶。後來隨著花博落幕，這件作品也拆除了。剛好這次燈會以當地森林環境為一大特點，我心想：那不如從種子回到樹吧！於是，有了《森生守護－光之樹》這件作品。

今年1月總統大選剛落幕，社會還在對立的氛圍當中，希望主燈可以有縫補及修復民心的功能，因此，我特別以「團結」為意象，以原木板片結合鋼構，組立一座高度超過15公尺的巨大神木。22條主結構分別代表台灣22個縣市，以龐大的樹根汲取這片土地賦予的能量。隨著神木向上開枝散葉，可以看見368個鄉鎮市區的花苞花燈；而在樹枝之間，繼續長出的2,359片心形葉片，代表2,359萬台灣人民。樹上的公鳥、母鳥、雛鳥組成的溫馨家庭燈飾，呈現的是台中市的市鳥「白耳畫眉」一家和樂的榮景；同時還會有彷彿在樹梢之間飛舞的紫斑蝶，讓整件作品更顯繽紛多彩。

有別於過往燈會多以旋轉作為亮點，這件作品希望能突出自然當中「光」的元素。像是樹冠、花鳥等都是運用耐候型壓克力板構成，當陽光灑在這些隨風搖擺的條狀彩色壓克力板片上，神木內部會布滿花窗般的斑駁色彩，就好像在充滿聖光的教堂裡。

而內部還有個龐大的氣球，它可以是太陽、夕陽，可以是滿月，也可以像外星球。我安排了一個與觀者的互動，隨著下方觀者的呼喚聲超過一定的分貝值，氣球便會緩緩下降。裡頭這樣的手法算是比較前衛，具有某種當代性，但在神木的外觀上還是希望能做到雅俗共賞。不管是在神木裡頭近觀，還是在外頭遠看，都會看到在自然天光和光秀展演下，幻化出呈現台灣這片土地張力的多元樣貌。

張耿華：這次燈會《聆聽花開－永晝心》是從去年花博《聆聽花開的聲音》衍生而來。去年花博的策展規畫其實是呈現從高山到海平面的地景，在這樣的前提下，主要的視覺調性還是以綠色為主，於是，在《聆聽花開的聲音》這件作品時，我們比較大膽地採用存在於自然中、與初生階段生命經驗貼合的紅色為主色，創造出一朵龐大的機械花，拉出跟展覽本身的對比性。

相

對來說，在這次的燈會當中，可想而知絕大部分的作品將是繽紛絢麗的。所以，當我們得知這次要重啟這朵花的時候，就開始思考如何讓這件作品保有它的突出性，同時又不過度搶走周遭作品的目光。最終，我們決定將花朵的色彩收斂成單一的白色。考量到作品仍需帶點科技感，我們在傘布上選用帶有珠光塗層的布料，讓白色不單單是白色，在強烈的光源底下，時不時能瞥見七彩的炫光效果；至於在照度相對低的狀態下，整朵花則會彷彿一個在銀河中閃爍的球體。

相較上回納入較多與民眾互動的感應裝置設計，有鑑於這次人流勢必更大，讓單一民眾確實感受到觸發了互動並不容易，因此我們反而選擇將作品中互動的元素降低，備著但不一定用，取決於現場狀況—也許在白天和夜晚，隨著人流的落差，可以有不同的模式切換，但絕對不會「為了互動而互動」。雖然作品本身相對單純，但在與周圍環境、聲光展演的搭配之下，依然會有豐富的視聽感受，而且會和同在入口處老師的主燈作品有所呼應。

Q：除了《聆聽花開－永晝心》是延續花博期間的大型公共藝術作品，燈會結束後，《森生守護－光之樹》也將直接就地保留作為地景藝術作品，落實永續精神。兩位對此有什麼想法？

林舜龍：過去每次看燈會都在思考這個問題：那麼多地方花那麼多錢做的主燈，最後都跑去哪裡？這次燈會，隨著主管機關觀念的改變，有了將主燈就地保留再利用的契機，甚至將這點明白列在標案裡頭。因此，在設計這件作品時，考量的便不再只是燈會期間，而是永久性的維護與保存。為什麼這次作品有別於過往主燈無法旋轉？原因就在這裡。由於作品量體夠大，《光之樹》未來應該可以作為展演教學空間使用，讓更多人了解舉辦花博或燈會的歷史及精神。

張耿華：建立良好的維護機制是永續的關鍵，所以不只是觀念的改變，相關單位也要了解往後養護機制的必要性。因此，我們就常常在思考，作品本身還能為社會帶來什麼價值？最近，教育部在推行的108課綱在談素養、跨領域，或許我們的這件作品就是很好的教材。也就是，大家不必設限認為它就是燈節的燈，或者只是藝術文化領域的作品，它還有很多可能性。

最近一部紀錄片《自信台灣21世紀之路》，在談「文化自信」這件事。我一直覺得文化跟自信是相輔相成、不斷堆疊而來的，只要沒人帶頭開始做，那就會逐漸喪失；但一旦有人願意作為先驅者，那就有機會。放長遠來看，儘管當下看起來成效有限，它也許已經在不少人心中種下種子，只是等待哪一天成長茁壯而已。當這樣的先例多了，觀念就會逐漸翻轉，產業就有機會變更好。

Q：從過去參與海內外大型藝術展演活動的經驗出發，有什麼值得台灣燈會借鏡的經驗？對於未來的燈會又有什麼樣的期待？

林舜龍：土地不同、人不同，不同國家的經驗絕對無法直接轉移，只能作為參考。台灣有自己的特色，我們應該要想辦法找到、甚至創作屬於台灣的元素，而燈會就是契機。從30多年前的「社區總體營造」，到去年開始的「地方創生」，我們應該已經可以慢慢感受到屬於自己的「台灣味」，腳踏在泥地上，同時面向國際，與世界對接。

去年台灣燈會在屏東，首次捨棄了以該年生肖為主燈的傳統，以黑鮪魚為主燈，展現地方特色；而今年的燈會將是第二次翻轉，也就是「2.0版」，除了地方特色，也要呈現台灣精神。我希望大家能夠感受到燈會已經不一樣了，而且，未來每一年都要繼續不一樣。農曆新年到元宵，是家族難得團聚的時節；而燈會這樣子的場域，能夠讓大家有共同的經驗，共同將這片土地內在的強大能量轉化，這個意義非常重大。

張耿華：2017年世界大學運動會在台北，我們之所以做了聖火台裝置，其實是受到電影《打不倒的勇者》感動，才決定接下這個艱鉅的任務。電影描述1995年，南非總統曼德拉如何與國家橄欖球隊隊長，透過世界盃橄欖球賽，讓剛擺脫種族隔離制度不久的南非，從黑人與白人的分裂中重新凝聚，而這項運動賽事最後團結了社會與未來國家發展的共識。這讓我們相信，做這個聖火裝置是有意義的，而今年燈會或許也有團結社會的意義。

事實上，無論在國內或國外，無論是博覽會、藝術祭、運動會，還是現在的燈會，參與創作的藝術家使命都不盡相同，所以，藝術家要看清楚在這個使命底下要完成的事情；不過，適時從藝術家的角度回看自我創作要傳遞的東西，這也絕對不能忽略。我認為，我們得一直在錯綜複雜的結構中尋找良好且有效的對話方式。

我有時候會覺得，所謂「形式」其實都是被建立出來的，過往的燈會或許也是如此。我們應該從其他國家的例子裡，看見我們可以做什麼，或者不做什麼。所以，我會說，這兩年台灣燈會的不一樣，其實是一種發現自我的過程。坦白說，未來的燈會會如何，我不知道，但在不同的時空背景之下，都應該長出屬於自己的樣子，值得大家期待。

2020 台灣燈會

日期：2 月 8 日(六)至 2 月 23 日(日)

地點：台中后里森林園區

「光之樹」正式開燈時間為 2 月 8 日元宵節當天晚間 7 點，之後每小時整點展演 1 場主燈秀。

https://theme.taiwan.net.tw/2020taiwanlantern

林舜龍

以藝術家身分活躍於法國、台灣、日本等地，不斷探求各媒材之可能性與表現形式，其著名作品除大安森林公園捷運站《春光乍現》、台中大都會歌劇院《聆聽》、衛武營文化藝術中心《平行語境》外，《跨越國境．海》、《跨越國境．潮》更在日本瀨戶內藝術祭展出。

張耿華

豪華朗機工共同創辦人，主攻雕塑及機械裝置，以混種跨界為創作概念，作品風格走向以簡潔乾淨形式表現出輕鬆意境，取材於自然環境，討論奇觀社會中的人性思維，希望在極度科技及極度人文這兩個極端中取得和諧，激發創意。

文｜黃銘彰　攝影｜林政億

圖片提供｜華麗邏輯、達達創意股份有限公司

(本文內文收錄自La Vie 2020年2月號）

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX