每年皆有不同新花樣的台北燈節，適逢鼠年，然而主燈不以生肖動物花燈為主，而是讓貓星人搶攻版面！在2月8至16日在台北南港及西門町熱鬧登場的2020台北燈節，今年特地串連東西兩區，希冀讓歡樂氣氛一路延續，並藉由雙主燈《展風神》、《躲貓貓》，分別在南港、西門相互輝映，演繹主題「TOGETHER WE  GLOW，轉洞台北轉動光」一齊發光綻放！

東區主燈《屏風神》

今年東西雙場域的主燈，分別由設計師李文政、林舜龍、建築師王士芳與集智館策展團隊所共同規劃打造。被定調為「生猛、不受拘束」的東區南港主展演區，以寬達9公尺的《展風神》(tián hong sîn)作為主燈。李文政從最能代表台灣人生活象徵的機車發想，將其變形成有雙腳與翅膀的造型，象徵著離開故鄉來到都市的民眾，如老鼠般在台北巷弄穿梭，被七彩光線渲染，尋找實現夢想的可能，期望展開雙翅的機會。 

「展風神」造型上使用充滿台味獨特的孔雀燈、燈管、檳榔攤燈具等組成，雙翅則是台灣四處可見的鐵皮屋建材如透明浪板、角鋼等等，後方的各式招牌，象徵台灣街道景象，營造出強烈的視覺感受。「展風神」也是台北燈節首次嘗試「野台式」主燈概念，將藝術作品結合表演舞台，每日亦邀請包括南港在地學校、年輕獨立樂團等不同風格的表演團體在主燈前演出，展現在地特色的同時更呼應台北多元創意的活力。

地點：南港車站南興公園

西區主燈 林舜龍《躲貓貓》

多次參與日本瀨戶內國際藝術祭的台灣藝術家林舜龍，除了負責2020台灣燈會主燈外，今年台北燈節西區主燈同樣也由他操刀，不以鼠生肖為主角，而是用可愛的大貓咪為主軸打造《躲貓貓》。

以夢幻與童真的元素，在西門町街頭打造一個巨大的夢境場景，把熟悉的街廓改寫成如繪本般的繽紛，林舜龍表示：「希望觀賞者不再只是旁觀的角色，一種非日常的夢境感，讓遊客與大貓咪x鼠寶寶，一起漂浮在西門町鬧區，進行一種想像力對話。」

這項作品中，原本生肖的主角鼠寶寶，將與比牠身形龐大的貓咪共同展演，民眾可穿梭在作品的下方，整件作品總高度達9公尺，也是近年在西門町最高的主燈，林舜龍表示，鼠寶寶將以空飄氣球的方式，與透明FRP打造的大貓咪，在燈節期間，以每半小時的燈光秀共同展演這充滿童趣的故事，他也透露，貓咪的白色貓毛，皆以大量的瓶刷及光纖材質製作，展現更接近真實的趣味感。

只見西門街頭飄著一顆大大的月亮，裡面是抱著巨大起司的泡泡鼠，漫遊在晶瑩閃亮的水珠中。而其身後則是打呼鼾睡的可愛白貓，鼻子冒出了一顆顆夢的泡泡，惺忪的眼皮下是閃亮的眼睛。繽紛的星球，一閃一閃地相伴，在這個可以安然做夢的城市裡，大貓咪和泡泡鼠成為朋友。

地點：捷運西門站紅樓廣場
場次：每30分鐘展演一次，每次演出3分鐘 (最終場週一至週五21:50、週六至週日22:50 ）

除了雙主燈外，本次燈節全新裝置作品也各自有特色。

東區 鋼雕鯨魚游進南港 
從東區南港開始，藝術家柯秋地打造一隻長約10公尺大鯨魚游進台北都市叢林，成為城市異景；與大鯨魚共同展演的《Light Tube》，藝術家江佶洋表示，希望藉巨大深入「奇境」的光管與都市森林中的鋼雕鯨魚，將燈節魔幻推向高峰、串聯東、西區。

地點：台北南港瓶蓋印象公園

西區 魔幻光管《Light Tube》

他補充，團隊同樣在色彩斑斕的西區以點狀球光源，經懸吊方式在空間中創造視覺韻律與節奏。福星國小前的人行陸橋，當人們站著不動由電扶梯緩緩上升，視覺上彷彿燈泡不斷降下，是傳輸也是回憶；天橋上的燈管依附在欄杆結構，白日裡看似平凡無奇，入夜後亮起溫暖的光，以微乎其微的色溫變化向電影的波光流轉致敬。

地點：西門福星國小陸橋

西區 楊士毅《你的初心是最美的光》

「初心，是每個人心中最先亮起的光，是堅持的力量。」只要記得初心，小小的人能帶來大大的光亮，小小台灣，也能為世界帶來大大的風景，如同小小的老鼠卻是生肖之首。

藝術家楊士毅以兒時常見的鐵罐花燈為發想，特別收集台灣土地上美好心願的文字，結合充滿祝福的剪紙，點亮一盞名為「初心」的燈。希望每個來到燈節的人，看見自己堅持的原因，記得當時出發渴望；更記得，你的初心就是最美的光，是最值得點亮的一盞燈。

地點：台北捷運北門站

西區 王士芳《時光寶河三部曲-廟宇之光》

台北舊城艋舺西門町之地，數百年來由許多廟宇世代守護著。策展團隊取樣於台北天后宮與艋舺龍山寺，構築一座流動的新潮之廟，並邀請劇場藝術家創作當代神明塑像與神獸綵花，結合西門青少年的流行文化元素，打造電音火光與信仰宗教互相融合的新場域與新年祈福的願力。 

地點：捷運西門站3號出口

2020台北燈節全區亮燈時間
日期：2／8～2／16
時間：週一至週五17：00～22：00、週末17：00～23：00

https://2020.lanternfestival.taipei/ 

via 台北市觀傳局、台北燈節

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？