或許2020開春之際顯得有些不平靜，但面對越趨紛擾的時刻，不如調整心態，別讓不安佔據心靈，隨著2020台灣燈會在台中登場，不妨花上一、兩個小時，好好沉浸在光影藝術之中！不過本屆燈會有哪些看點，是否都為花花綠綠，走傳統喜氣節慶的彩繪燈飾呢？若你想來點新鮮感，La Vie親赴本次主燈所在在的台中花博后里森林園區，帶你看看有哪些值得注目的藝術燈飾大作！

走進后里森林園區，便能看見本次燈會最為吸睛的主燈《光之樹》與升級後的機械花《永晝心》，而除了主燈與先前介紹過的「里山禾樂燈區」外，同樣以創意藝術燈飾為主的「奇想國藝術創新燈區」也是不能錯過的焦點。

游文富《有天森林掉下一塊起司-鼠來堡》

裝置作品向來走澎湃路線的藝術家游文富，此次一口氣帶來兩件大作，為呼應2020年鼠年，他特別在園區中創作出由竹編製成，高7公尺、長14公尺的起司，讓穿梭其中的人們相襯之下更顯渺小，也像極了想偷吃美味起司的小老鼠，童趣氛圍十足。作品竹篾與金屬為媒材，搭配燈光幻變，白天是可愛的巨型裝置，夜間則營造出童話故事般的奇幻感。

游文富《樹木的共生網絡-春雪後》

漸層纖細的白、紫色竹籤相間，游文富經典地景創作《春雪後》亦讓台灣燈會現場下起絕世雪景，多達30萬支組成的竹籤林，搭配60根羽毛樹，呈現出唯美感受與獨特空間感。輔以燈光照明，也讓駐足停留欣賞作品的人們，有如走進迷幻森林奇境之中。

卡佳、藍永旗《守護者石虎》

隱藏在漸層竹林之中，則有三隻可愛石虎現蹤跡，因為集集彩繪列車石虎圖版權爭議，而與台灣結緣的俄羅斯插畫家卡佳（Katya Molodtsova），此次特地為2020台灣燈會創作詮釋全新「石虎」樣貌，加上台灣在地燈藝大師藍永旗，讓西方筆觸加上東方手法，創作出獨特的石虎守護者。

成若涵《萬花國裡的萬花果》

紙雕藝術家成若涵將園區想像成萬花國，在高達7公尺的爬格子裝置中，譜寫萬花國度裡10隻精靈生活的結界，他們是花果的化身，傳遞種子，同時種下希望。就像是立體繪本，談及萬花國創作靈感來源，成若涵表示是自己有次躺在沙發上吃著腰果，忍不住好奇腰果本人長相，沒想到意外發現這自然界中長相奇特、充滿靈性的植物。

隨後義大利紅門蘭雙胞精、吊鐘花仙子、相思樹精靈家族、鳳凰花仙子等，通通在她巧手下，幻化如萬花筒般豐富的姿態象徵豐富的金屬紙雕，白天時陽光穿透作品間的鏤空縫隙，灑下潔白倒映於地面，既絢爛又別具生機。

林芝宇、賴瑋婷《精靈的氣味實驗室-相思與相思之間》

以竹子搭設的空間，出入口猶如小山洞，意在邀請民眾彎腰進入，在大自然中學習放低姿態，品聞來自在地的配方一雜草氣味。作品將現地所探集到的雜草配方，書寫於長條布幕，利用周圍較高的樹木枝頭垂掛下來，得以進入茶屋。茶屋內設有水霧裝置，置身其中能全然感受雜草獨特氣味。

徐景亭《繆思的家》

由設計師、知名策展人徐景亭所創作的《繆思的家》，以微型溫室創作為概念，模擬植物生長、光合作用和水循環的自然過程，象徵大自然的生生不息、大地旺盛的生命力。從理性科學的觀察型態，作為此作品的概念發想點，再以色彩材質與燈光變換搭配，讓古典的生態觀察學，與當代圖像式創作結合，創造出具有獨特觀察特色的作品。

有用主張《逐夢飛翔》、姚仲涵《光電獸#18路徑》

身為2021台灣燈會主辦的新竹市，也於此次燈會帶來以2021 HSINCHU入口意象、逐夢飛翔、光電獸等作品，作為台灣燈會在新竹的前哨。

藝術團隊有用主張《逐夢飛翔》以紙飛機為主題，壓克力為素材，在空中懸掛出一架一架的燈光紙飛機，飛機還會隨著光線角度變化出不同顏色，呈現多樣貌的彩虹色系，充滿科技感；聲光藝術家姚仲涵打造的《光電獸#18路徑》，遊客可以透過聲音跟這個作品互動，只要講話、拍打，就會觸發樹叢中的裝置，轉化成光影，只要邊往前走邊發出聲音，燈光就會逐漸亮起，看見光的軌跡。

Text、Photo：Ian Liu

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？