探索藝術裡外的萬物真理！JW Anderson 20春夏裝置藝術展 編織流蘇麻繩、火紅棒球帽包等亮點

onefifteen 初衣食午攜手JW Anderson將品牌20春夏秀場概念引進來台，打造亞洲首場JW Anderson 20春夏裝置藝術展，以加拿大籍藝術家Liz Magor 的透明壓克力盒裝置藝術 “Blowout” 呼應新系列創作靈感，重現20春夏伸展台的藝術視覺，獻上JW Anderson全新男女裝系列作品。以「凝視」為題，JW Anderson 帶領眾人反思生活中的「觀看經驗」，打破對日常事物的既定印象，探討藝術與時尚間關於真理的對話。JW Anderson 20春夏裝置藝術展於即日起至3月23日假onefifteen 初衣食午大安旗艦店限時展出。

JW Anderson 由來自北愛爾蘭的設計師Johnathan Anderson於2007年所創立。畢業於倫敦服裝學院(London College of Fashion)後，Johnathan Anderson 很快地以新人之姿在時尚界嶄露過人的天賦。2012年，Johnathan Anderson首次獲得英國時尚大獎中的「年度新興時裝設計師」，而隔年又獲得了英國時尚大獎中「最具影響力設計師」，接踵而來的亮麗頭銜讓Johnathan Anderson從獨立新銳躍身為時尚圈焦點，爾後不只是Donatella Versace 邀請他為 Versace 副線 Versus 設計其男女裝及配件，LVMH集團更於2013年宣布投資JW Anderson品牌並聘請Johnathan Anderson擔任旗下百年品牌LOEWE的創意總監。

「我的設計並不是為了取悅這個產業，而是挑戰這個產業」Johnathan Anderson曾在受訪時分享，在他的帶領下，JW Anderson的設計不斷的創新，打破既有印象及框架並充滿實驗精神，設計裡的比例、廓形、色彩到了Johnathan手上總能變得鮮活有趣。在中性時尚尚未普遍被接受的時候，他以雌雄同體的風格將品牌推向「性別模糊」的設定。除此之外，在當今數位化的時代，明星代言和網紅行銷是大部分品牌主流的經營手法，然而Johnathan比起與網紅合作更嚮往與藝術家擦出不同火花，從他們的作品中獲取靈感，處處可以看見Johnathan挑戰時尚產業的野心，比起著重商業考量的服飾流行，JW Anderson 的設計基因更透露出一抹詩意化的美感。

Johnathan Anderson 不只熱衷藝術，更是位收藏家，藉由他的獨特視角與美學天賦，無論是陶瓷、畫作、建築，他方能取材其中並自然且平衡的融入系列設計當中。「我們身處藝術與時尚互相啟發的時代」，Johnathan 說道，而本次的20春夏系列，則是Johnathan Anderson自加拿大藝術家Liz Magor 的作品“Blowout” 獲得啟發，可以看見伸展台上模特兒穿梭在Liz Magor 的藝術作品之間，錯落放置於地面的透明壓克力盒子中，隱約可見各式日常所需，亦或是不容易被關注的物品，比如玩偶、穿過的衣物、放置已久的乾燥花等在日常生活中不會特別被關注的微小存在。加拿大藝術家Liz Magor 擅長透過雕塑帶領大家反思生命的真理、日常習慣以及社會現象，亦藉由柔性的聲音去對抗堅硬的議題，以手做方式展現對於當今產業大量生產等現象的反抗。在作品 “Blowout” 當中，Liz Magor 集結那些被過度使用，被磨損，但卻無所不在的事物，以不同形式重塑而生，再度回到觀眾的視線。 

如同藝術家Liz Magor 想表達的，Johnathan於本季設計中，將概念緊扣「凝視」，並透過細節變化打破眾人對於單品的既定印象。「當我看到Liz Magor 的創作，我很喜歡她在作品中所表達對於事物「觀看經驗」的看法，於是我思索著，我們平時是怎麼看待一塊布料或是珠寶，其對於我們又存在什麼意義？自此之後，在我翻開老舊雜誌時，我發現上面的物件都顯得比我第一次看它時更戲劇化了。」Johnathan 在20春夏秀場後台受訪時說道。這一季，JW Anderson重新審視並賦予單品別於以往的視覺概念，如同本季令人印象深刻的外穿水晶胸罩裝飾，以直接的感官呈現凸顯女性胴體之美，透過內衣外穿的視覺意象，引導大眾反思對於女性身體的觀看經驗。

2020春夏系列設計與過往相比更為女性化，四處可見富有春意的印花、粉色調的布料、和細緻的水晶細節，設計剪裁透過垂墜、皺褶及不對稱的手法，刻劃如希臘女神一般，隨意優雅的女性氣質。除此之外，這一季更融合了編織、流蘇、麻繩等元素，搭配自由飄逸的布料及多層次的剪裁，呈現荒漠漫漫的視覺意象。不只在服裝上擁有天馬行空的想像及卓越的設計功力，配件也一直是Johnathan Anderson備受矚目的一大亮點，從經典的船錨Logo包、鍊條包、鼻環包到上一季火紅的棒球帽包，品牌屢屢推陳出新，超越經典，本季更延伸運用服裝裡的重點元素─ 編織及流蘇，推出富有夏日氣息的竹編包以及圍巾背帶Logo包。

身為台灣最具指標性的選品店，onefifteen 初衣食午秉持著傳遞美好生活的核心精神以及前瞻性的美學視野，蒐羅全球時下最具話題性的品牌，從男裝、女裝到配件，打造最完整的時尚感官饗宴。今年春夏，onefifteen 初衣食午將JW Anderson 20春夏秀場搬到大安旗艦店，藝術家Liz Magor 的裝置藝術與品牌20春夏男女裝系列再度同台，讓台灣媒體以及消費者同步國際，一同進入Johnathan Anderson 所打造的時尚宇宙。

via / onefifteen 初衣食午

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。

彷彿一塊正慢慢融化的薄荷冰磚，MVRDV為珠寶品牌Tiffany & Co.設計的北京旗艦店，為三里屯街區添了份浪漫而靈動的氣息。建築立面如流水般延展的玻璃帷幕，不僅在色彩上直觀呼應Tiffany & Co.標誌性的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」，也透過線條與造型，向傳奇珠寶設計師Elsa Peretti設計的「Bone Cuff」手鐲致敬。

回顧MVRDV X Tiffany & Co.特色店鋪

2025年底開幕的北京三里屯旗艦店，是Tiffany & Co.五度與荷蘭建築事務所MVRDV共創之作，過去雙方曾攜手打造品牌位於中國、新加坡、德國等地的店鋪建築。在上海前灘太古里，門店立面由6,988顆手工打造的「玻璃鑽石」構築，璀璨奪目，呼應Tiffany & Co.引以為傲的鑽石珠寶；在新加坡樟宜機場，店鋪被珊瑚造型的3D列印外牆包覆，靈感源自品牌珠寶作品中常見的植物元素。

將經典「骨頭手鐲」化為建築線條

視線轉至北京，MVRDV從Tiffany & Co.經典手鐲「Bone Cuff」汲取靈感，為品牌構思旗艦店建築。Bone Cuff誕生於1970年，出自義大利珠寶設計師Elsa Peretti之手。她受童年參觀羅馬古老地下墓穴的旅程啟發，融合對建築鬼才高第（Antoni Gaudí）作品的觀察，賦予手鐲不規則的流動線條，更特別的是，她也根據人體骨骼調整手鐲結構，使其得以完美貼合配戴者手腕線條。從創作思考到實品，此作都可謂珠寶界最具顛覆性的傳奇作品之一。

如夢似幻的「蒂芬妮藍」玻璃帷幕

MVRDV如何將手鐲線條轉化為建築元素？團隊利用一系列弧形玻璃肋狀結構，為建築搭起高達20公尺、如波浪般起伏的半透明帷幕，並善用門店位在十字路口的位置優勢，讓帷幕面向街邊處尤向外凸出，讓立面與街區在視覺上形成更活潑、有趣的互動關係。色彩則以介於藍、綠之間的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」優雅色調呈現，為門店增添一抹空靈之感。

玻璃帷幕隨日光流動、觀者移動而產生的變幻視覺效果，也是MVRDV欲強調的設計巧思，對此合夥創辦人Jacob van Rijs表示：「從側面看，密集排列的層疊玻璃片會放大光影的變化，從而凸顯立面的曲線形態。當觀者靠近建築，還能從玻璃片之間隱約看見店內展示的珠寶。」透過這樣的設計，MVRDV盼能讓門店像是「如夢似幻的存在」，彷彿遊走於幻境和現實之間，在喧鬧的城市鬧區顯得格外脫俗。