探索藝術裡外的萬物真理！JW Anderson 20春夏裝置藝術展 編織流蘇麻繩、火紅棒球帽包等亮點

onefifteen 初衣食午攜手JW Anderson將品牌20春夏秀場概念引進來台，打造亞洲首場JW Anderson 20春夏裝置藝術展，以加拿大籍藝術家Liz Magor 的透明壓克力盒裝置藝術 “Blowout” 呼應新系列創作靈感，重現20春夏伸展台的藝術視覺，獻上JW Anderson全新男女裝系列作品。以「凝視」為題，JW Anderson 帶領眾人反思生活中的「觀看經驗」，打破對日常事物的既定印象，探討藝術與時尚間關於真理的對話。JW Anderson 20春夏裝置藝術展於即日起至3月23日假onefifteen 初衣食午大安旗艦店限時展出。

JW Anderson 由來自北愛爾蘭的設計師Johnathan Anderson於2007年所創立。畢業於倫敦服裝學院(London College of Fashion)後，Johnathan Anderson 很快地以新人之姿在時尚界嶄露過人的天賦。2012年，Johnathan Anderson首次獲得英國時尚大獎中的「年度新興時裝設計師」，而隔年又獲得了英國時尚大獎中「最具影響力設計師」，接踵而來的亮麗頭銜讓Johnathan Anderson從獨立新銳躍身為時尚圈焦點，爾後不只是Donatella Versace 邀請他為 Versace 副線 Versus 設計其男女裝及配件，LVMH集團更於2013年宣布投資JW Anderson品牌並聘請Johnathan Anderson擔任旗下百年品牌LOEWE的創意總監。

「我的設計並不是為了取悅這個產業，而是挑戰這個產業」Johnathan Anderson曾在受訪時分享，在他的帶領下，JW Anderson的設計不斷的創新，打破既有印象及框架並充滿實驗精神，設計裡的比例、廓形、色彩到了Johnathan手上總能變得鮮活有趣。在中性時尚尚未普遍被接受的時候，他以雌雄同體的風格將品牌推向「性別模糊」的設定。除此之外，在當今數位化的時代，明星代言和網紅行銷是大部分品牌主流的經營手法，然而Johnathan比起與網紅合作更嚮往與藝術家擦出不同火花，從他們的作品中獲取靈感，處處可以看見Johnathan挑戰時尚產業的野心，比起著重商業考量的服飾流行，JW Anderson 的設計基因更透露出一抹詩意化的美感。

Johnathan Anderson 不只熱衷藝術，更是位收藏家，藉由他的獨特視角與美學天賦，無論是陶瓷、畫作、建築，他方能取材其中並自然且平衡的融入系列設計當中。「我們身處藝術與時尚互相啟發的時代」，Johnathan 說道，而本次的20春夏系列，則是Johnathan Anderson自加拿大藝術家Liz Magor 的作品“Blowout” 獲得啟發，可以看見伸展台上模特兒穿梭在Liz Magor 的藝術作品之間，錯落放置於地面的透明壓克力盒子中，隱約可見各式日常所需，亦或是不容易被關注的物品，比如玩偶、穿過的衣物、放置已久的乾燥花等在日常生活中不會特別被關注的微小存在。加拿大藝術家Liz Magor 擅長透過雕塑帶領大家反思生命的真理、日常習慣以及社會現象，亦藉由柔性的聲音去對抗堅硬的議題，以手做方式展現對於當今產業大量生產等現象的反抗。在作品 “Blowout” 當中，Liz Magor 集結那些被過度使用，被磨損，但卻無所不在的事物，以不同形式重塑而生，再度回到觀眾的視線。 

如同藝術家Liz Magor 想表達的，Johnathan於本季設計中，將概念緊扣「凝視」，並透過細節變化打破眾人對於單品的既定印象。「當我看到Liz Magor 的創作，我很喜歡她在作品中所表達對於事物「觀看經驗」的看法，於是我思索著，我們平時是怎麼看待一塊布料或是珠寶，其對於我們又存在什麼意義？自此之後，在我翻開老舊雜誌時，我發現上面的物件都顯得比我第一次看它時更戲劇化了。」Johnathan 在20春夏秀場後台受訪時說道。這一季，JW Anderson重新審視並賦予單品別於以往的視覺概念，如同本季令人印象深刻的外穿水晶胸罩裝飾，以直接的感官呈現凸顯女性胴體之美，透過內衣外穿的視覺意象，引導大眾反思對於女性身體的觀看經驗。

2020春夏系列設計與過往相比更為女性化，四處可見富有春意的印花、粉色調的布料、和細緻的水晶細節，設計剪裁透過垂墜、皺褶及不對稱的手法，刻劃如希臘女神一般，隨意優雅的女性氣質。除此之外，這一季更融合了編織、流蘇、麻繩等元素，搭配自由飄逸的布料及多層次的剪裁，呈現荒漠漫漫的視覺意象。不只在服裝上擁有天馬行空的想像及卓越的設計功力，配件也一直是Johnathan Anderson備受矚目的一大亮點，從經典的船錨Logo包、鍊條包、鼻環包到上一季火紅的棒球帽包，品牌屢屢推陳出新，超越經典，本季更延伸運用服裝裡的重點元素─ 編織及流蘇，推出富有夏日氣息的竹編包以及圍巾背帶Logo包。

身為台灣最具指標性的選品店，onefifteen 初衣食午秉持著傳遞美好生活的核心精神以及前瞻性的美學視野，蒐羅全球時下最具話題性的品牌，從男裝、女裝到配件，打造最完整的時尚感官饗宴。今年春夏，onefifteen 初衣食午將JW Anderson 20春夏秀場搬到大安旗艦店，藝術家Liz Magor 的裝置藝術與品牌20春夏男女裝系列再度同台，讓台灣媒體以及消費者同步國際，一同進入Johnathan Anderson 所打造的時尚宇宙。

via / onefifteen 初衣食午

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。