探索藝術裡外的萬物真理！JW Anderson 20春夏裝置藝術展 編織流蘇麻繩、火紅棒球帽包等亮點

onefifteen 初衣食午攜手JW Anderson將品牌20春夏秀場概念引進來台，打造亞洲首場JW Anderson 20春夏裝置藝術展，以加拿大籍藝術家Liz Magor 的透明壓克力盒裝置藝術 “Blowout” 呼應新系列創作靈感，重現20春夏伸展台的藝術視覺，獻上JW Anderson全新男女裝系列作品。以「凝視」為題，JW Anderson 帶領眾人反思生活中的「觀看經驗」，打破對日常事物的既定印象，探討藝術與時尚間關於真理的對話。JW Anderson 20春夏裝置藝術展於即日起至3月23日假onefifteen 初衣食午大安旗艦店限時展出。

JW Anderson 由來自北愛爾蘭的設計師Johnathan Anderson於2007年所創立。畢業於倫敦服裝學院(London College of Fashion)後，Johnathan Anderson 很快地以新人之姿在時尚界嶄露過人的天賦。2012年，Johnathan Anderson首次獲得英國時尚大獎中的「年度新興時裝設計師」，而隔年又獲得了英國時尚大獎中「最具影響力設計師」，接踵而來的亮麗頭銜讓Johnathan Anderson從獨立新銳躍身為時尚圈焦點，爾後不只是Donatella Versace 邀請他為 Versace 副線 Versus 設計其男女裝及配件，LVMH集團更於2013年宣布投資JW Anderson品牌並聘請Johnathan Anderson擔任旗下百年品牌LOEWE的創意總監。

「我的設計並不是為了取悅這個產業，而是挑戰這個產業」Johnathan Anderson曾在受訪時分享，在他的帶領下，JW Anderson的設計不斷的創新，打破既有印象及框架並充滿實驗精神，設計裡的比例、廓形、色彩到了Johnathan手上總能變得鮮活有趣。在中性時尚尚未普遍被接受的時候，他以雌雄同體的風格將品牌推向「性別模糊」的設定。除此之外，在當今數位化的時代，明星代言和網紅行銷是大部分品牌主流的經營手法，然而Johnathan比起與網紅合作更嚮往與藝術家擦出不同火花，從他們的作品中獲取靈感，處處可以看見Johnathan挑戰時尚產業的野心，比起著重商業考量的服飾流行，JW Anderson 的設計基因更透露出一抹詩意化的美感。

Johnathan Anderson 不只熱衷藝術，更是位收藏家，藉由他的獨特視角與美學天賦，無論是陶瓷、畫作、建築，他方能取材其中並自然且平衡的融入系列設計當中。「我們身處藝術與時尚互相啟發的時代」，Johnathan 說道，而本次的20春夏系列，則是Johnathan Anderson自加拿大藝術家Liz Magor 的作品“Blowout” 獲得啟發，可以看見伸展台上模特兒穿梭在Liz Magor 的藝術作品之間，錯落放置於地面的透明壓克力盒子中，隱約可見各式日常所需，亦或是不容易被關注的物品，比如玩偶、穿過的衣物、放置已久的乾燥花等在日常生活中不會特別被關注的微小存在。加拿大藝術家Liz Magor 擅長透過雕塑帶領大家反思生命的真理、日常習慣以及社會現象，亦藉由柔性的聲音去對抗堅硬的議題，以手做方式展現對於當今產業大量生產等現象的反抗。在作品 “Blowout” 當中，Liz Magor 集結那些被過度使用，被磨損，但卻無所不在的事物，以不同形式重塑而生，再度回到觀眾的視線。 

如同藝術家Liz Magor 想表達的，Johnathan於本季設計中，將概念緊扣「凝視」，並透過細節變化打破眾人對於單品的既定印象。「當我看到Liz Magor 的創作，我很喜歡她在作品中所表達對於事物「觀看經驗」的看法，於是我思索著，我們平時是怎麼看待一塊布料或是珠寶，其對於我們又存在什麼意義？自此之後，在我翻開老舊雜誌時，我發現上面的物件都顯得比我第一次看它時更戲劇化了。」Johnathan 在20春夏秀場後台受訪時說道。這一季，JW Anderson重新審視並賦予單品別於以往的視覺概念，如同本季令人印象深刻的外穿水晶胸罩裝飾，以直接的感官呈現凸顯女性胴體之美，透過內衣外穿的視覺意象，引導大眾反思對於女性身體的觀看經驗。

2020春夏系列設計與過往相比更為女性化，四處可見富有春意的印花、粉色調的布料、和細緻的水晶細節，設計剪裁透過垂墜、皺褶及不對稱的手法，刻劃如希臘女神一般，隨意優雅的女性氣質。除此之外，這一季更融合了編織、流蘇、麻繩等元素，搭配自由飄逸的布料及多層次的剪裁，呈現荒漠漫漫的視覺意象。不只在服裝上擁有天馬行空的想像及卓越的設計功力，配件也一直是Johnathan Anderson備受矚目的一大亮點，從經典的船錨Logo包、鍊條包、鼻環包到上一季火紅的棒球帽包，品牌屢屢推陳出新，超越經典，本季更延伸運用服裝裡的重點元素─ 編織及流蘇，推出富有夏日氣息的竹編包以及圍巾背帶Logo包。

身為台灣最具指標性的選品店，onefifteen 初衣食午秉持著傳遞美好生活的核心精神以及前瞻性的美學視野，蒐羅全球時下最具話題性的品牌，從男裝、女裝到配件，打造最完整的時尚感官饗宴。今年春夏，onefifteen 初衣食午將JW Anderson 20春夏秀場搬到大安旗艦店，藝術家Liz Magor 的裝置藝術與品牌20春夏男女裝系列再度同台，讓台灣媒體以及消費者同步國際，一同進入Johnathan Anderson 所打造的時尚宇宙。

via / onefifteen 初衣食午

精品如何將奢華化為一種能夠被細看、觸摸和停留的細節？香奈兒台北 SOGO 復興精品店以全新面貌重新開幕，這座橫跨 3 層樓、占地約 280 坪的全台最大門店，透過精心策劃的生活美學空間，演繹一場關於香奈兒風格如何被建構、被行走、被感受的展演。

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走進香奈兒台北 SOGO 復興精品店，會發現 1～3 樓氛圍由開放漸轉為私密，從大氣的迎賓客廳，到 2 樓如主人與親密好友共享的溫馨餐廳，3 樓則是主人享受 me time 的靜謐臥室，就如同置身香奈兒大宅。

空間的整體設計靈感，依舊回到嘉柏麗．香奈兒位於巴黎康朋街 31 號的傳奇寓所，那是香奈兒美學的起點，也是品牌精神最重要的空間原型。品牌長期合作的建築師 Peter Marino 的設計思維，是將藝術融入建築，以黑、白、米、金等品牌經典色調為基礎，透過純粹線條、層層遞進的材質關係，以及當代藝術與設計收藏，重新建立一種專屬香奈兒的感官秩序。

重新定義優雅的移動體驗

店內設有兩座電梯，其中一座為香奈兒亞洲店鋪首座透明電梯，由於 SOGO 復興館本身具有特殊挑高結構，讓顧客在移動中依然保有視野的延展感，感知整個精品店的開闊尺度與垂直層次。另一座金色電梯則近乎一件移動中的藝術品，每層的電梯門片圖騰皆不同，皆由 Peter Marino 邀請設計師於美國量身打造後專程運抵台灣。內部由全金色特殊凹凸紋理金屬面板包覆，金屬表面的光影、手感與色澤在近距離中格外迷人，短短數 10 秒的移動，也像一段被精緻設計過的沉浸式體驗。

步入傳奇寓所般的 3 層風景

1 樓主要展示包款、配飾與腕錶高級珠寶空間，是整座精品店最直接與品牌經典符碼對話的起點，透過材質對比、比例安排與光感控制，建立一種既洗鍊又從容的迎賓氛圍。店內專屬腕錶與高級珠寶區，則讓 COCO CRUSH、N°5、J12、Première 等作品，在更靜謐的空間節奏裡發光。

Peter Marino 也特別挑選立體織紋地毯，這種地毯因為養護難度高，在一般商空中極少見，卻讓人在步行其上時感受到近乎「回到家」般的柔軟與包覆感。更耐人尋味的是，地毯的立體流蘇細節，也被視為向現任時尚總監 Matthieu Blazy 致意，令人聯想到他在設計中對斜紋軟呢織紋與材質肌理的創造性發揮，牆面與地毯之間彼此呼應，形成近似雕塑表面的立體紋理。

豐富多元的沙龍表情，工藝細節隱藏於牆面及試衣間

2 樓以藝術家 Nancy Lorenz 的金箔鏡面作品作為視覺焦點，其不規則圓形鏡面以金箔、石膏與鏡面材質構成，散發出帶有手工感的細緻光澤。Nancy Lorenz 擅長將東方工藝與當代藝術結合，抬頭可見由 Goossens 金銀工坊製作的水晶吊燈，以鍍金鏈條與水晶組成華麗但節制的光源裝置，再次提醒人們，香奈兒對工藝的重視從服裝延伸到了整體空間的每一處細節。

步上 3 樓，高級時裝空間的氛圍更顯私密，可見 Julian Lethbridge 的抽象石版畫、Frank Thiel 的建築攝影、Agnes Martin 的極簡幾何作品與 Minjung Kim 的韓紙創作，共同構成最深刻的藝術背景。它們分別從層疊、秩序、結構與材質出發，呼應香奈兒在服裝世界中對版型、比例、表面與工藝的持續探索。

家具配置也同樣講究，Aaron Poritz 的拋光青銅雕塑座椅、Thierry Leproust 的幾何造型桌、Christophe Côme 以石材、金屬與玻璃打造的訂製咖啡桌，都不只是被放進空間裡的物件，而像是將香奈兒經典語彙轉化為立體形式的媒介。尤其 Côme 的作品中可見近似珍珠裝飾的細節，更巧妙呼應品牌歷史中極具代表性的珠寶語彙。

全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon

這次空間更新中極具象徵性的，還有全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon，以溫暖的金色布面牆、柔和的小圓桌與沙發構成，營造出安定、放鬆且帶有親密感的氛圍，像是香奈兒將「照顧」納入空間設計的一種方式。它不再只是販售精品的場域，更是一個讓關係得以被維繫與深化的地方。

若再繼續細看，會發現牆面與更衣室的細節，掛衣桿後方牆面的立體壁紙，帶有近似雕塑般的表面起伏。部分更衣室牆面上的繃布，遠看猶如石牆或建築材質，實際上卻是布料本身；某些區域甚至直接以斜紋軟呢布料包覆牆面，將時裝材質真正帶入建築之中。更衣室門板則同樣為特別訂製後自美國直運來台，每一扇都是全台唯一、不可複製的作品，勃根地酒紅色與立體織紋般的造型，傳遞品牌一貫的色彩記憶與工藝氣質。更值得一提的是，更衣室牆面上的立體山形紋圖騰，甚至由工匠現場手繪完成，使試衣空間本身也成為一種可被閱讀的表面藝術。

香奈兒台北 SOGO 復興精品店不僅蒐羅了多件藝術與設計作品，更清晰呈現一個品牌如何透過空間，將自身的歷史、工藝與美學價值轉化為可被感知的經驗。從動線安排、材質紋理到藝術收藏與細部裝飾，這裡所建構的，是一座在城市中心被重新打開的香奈兒美學居所，讓人在行走、停留與凝視之間，讀出品牌優雅而細膩的精神世界。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜CHANEL}

愛馬仕以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為設計起點，在台北SOGO復興專門店三層和諧空間中展現16 大工藝領域；巴黎建築事務所 RDAI 使空間色彩隨動線鋪展，彷彿由黃昏逐步走入夜幕，此次店裝重點在於以材質、觸感與在地工藝巧思，連結品牌傳統與台北城市脈絡。

轉譯一座城市的日常紋理

如果說過去的精品店強調品牌識別與商品展示，今日的「城市型旗艦空間」則必須承擔更多任務：店鋪不只陳列商品，也必須成為品牌如何理解一座城市的證明。

愛馬仕台北 SOGO 復興專門店將台北的屋頂、街道、霓虹、珠簾、夕陽與材質記憶，重新編排成一座可行走、可停留、可觸摸的品牌之家。全新空間由巴黎建築事務所 RDAI 操刀設計，以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為靈感，細膩展現愛馬仕 16 大工藝領域。

珠簾、竹材、花磚與城市記憶

專門店外牆鋪陳以天然材質製成的陶瓷磚，溫潤而內斂的色調與百貨建築外觀自然融合；面向商場內的入口立面，則以方形與長方形上釉陶瓷磚構成，呼應城市中傳統屋頂常見的幾何輪廓。

其中，1980 年代公寓常見的珠簾語彙，被轉化為落地窗上的精緻工藝裝飾；象徵居家記憶的花磚意象，則被重新演繹為包覆空間的視覺層次。珠簾是非常有台灣生活感的物件，它曾出現在玄關、客廳、門廊與騎樓之間，當這樣的語彙被帶入愛馬仕店鋪，它並沒有成為懷舊佈景，而是被拆解為線材、垂墜感、半透明的視覺節奏，以及光線穿透時的微妙層次。

不同時段的光影流轉

走進一樓，首先迎來的是以暮色為基調的溫暖色彩，並點綴柔和洋紅色調，賓客首先走進絲巾世界，並可同時瀏覽時尚配件、香水與美妝系列；整體空間由品牌標誌性的 Grecques 燈飾柔和照映，店內深處則設有珠寶與腕錶專區，營造較為私密而靜謐的氛圍。

一樓屏風牆面也格外值得停留，它融入在地工藝製作的線材，並交織愛馬仕絲巾布料餘料，這樣的材料處理，也呼應愛馬仕長久以來對工藝、時間與物件生命的思考。絲巾不只是被展示於櫃上或披掛於身體，它也能成為牆面的一部分、光影的一部分，甚至是空間記憶的一部分。

二樓陳列皮件與居家系列，並轉向更具生活尺度的觀看方式，空間以明亮色調呈現，量身訂製的地毯形成鮮明對比，其視覺靈感取自城市霓虹燈光的流動感。 櫥窗則以「新北投車站」為靈感，展開一段從車站駛向太平洋的想像：火車、海浪與時間流動的意象交疊，為整座店鋪增添近乎電影感的敘事。

台北是一座高度移動的城市，人們在捷運、車站、百貨、辦公樓與巷弄之間穿梭；而太平洋則像是城市邊界之外的遠方。當火車與海浪的意象出現在櫥窗裡，彷彿將台北人的日常通勤，轉化為一段介於現實與夢境之間的旅程。

三樓空間則迎向更充沛的自然光，地面圖案靈感源自城市街道紋理，引領賓客探索男仕系列、女仕鞋履與成衣區域。 從一樓的暮色、二樓的霓虹與移動，到三樓的自然光與街道紋理，整體動線像是將台北一天的光線壓縮進垂直空間：從黃昏開始，經過夜色、城市燈光與流動的街道，最後重新回到明亮的日常。

整間台北SOGO復興專門店，在三層樓之中涵蓋愛馬仕 16 大工藝領域，從絲巾、時尚配件、香水美妝、珠寶腕錶，到皮件、居家、鞋履與成衣，構成一條由材料、光線與生活場景串起的動線。

藝術讓觀看「慢」下來

全新空間也配置了來自 Émile Hermès 收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列的作品。法國藝術家 Jean Baptiste Petit 的《Feux de brouillard》與《Crépuscule》，透過光影與景深的處理，與店內由暮色、夜幕至自然光的空間節奏形成呼應。

這些作品的存在，使藝術在這裡不是裝飾性的附屬品，而像是動線中的停頓符號，讓人不由自主轉而注意牆面、光源、陰影與行走速度。當工藝物件、藝術收藏與建築材料同時存在，空間便不再只有展示功能，而開始承載更豐富的感受層次。