也許你心中正吶喊著想盡速逃離2020年，諸多事情讓人心情時時刻刻七上八下，也許你有點厭倦這樣的日常，不過如同海浪有潮起潮落，在心緒低點時不妨用藝術來撫慰疲憊的心。自2015年開辦的基隆潮藝術節，全新展期從9月25日至10月11日登場，「2020基隆潮藝術節」將再度讓正濱漁港染上藝術氣息！

2020基隆潮藝術節以「海的一日」為題，邀來新生代創作者陳彥安擔任策展人，將港口日常作為出發點，藉由15組藝術家創作探討在地文化，從時間軸角度切入，運用藝術、記錄、社會參與等視角去推測及架構港口的未來想像。從港口卸下的保麗龍箱、遠洋漁船、港邊商家，到夜晚限時點亮的阿根納造船廠，此區有如一個延伸的時間線，將基隆的過去、現在與未來濃縮成一日體驗。

海上美術館2020版

海水鹹味搭配初秋海風，去年深受好評的「海上美術館」，今年則再現正濱漁港，團隊找來一艘正休駛中的遠洋漁船當作展場，讓參觀者能夠近距離一窺漁民海上人生；船上共藏有三組藝術家裝置作品，身為台灣愛馬仕御用櫥窗設計師的于安如，此次在漁上船打造《海龍宫之夢》，為狹小船艙提供最迷幻的空間體驗。

藝術家陳穎亭《晾曬的記憶》則可以想像成當船員在海上作業時會有的景致，她將常見的白色帆布手套作為揮灑載體，以漁港繡線與鐵鏽染，回憶著海上生活面貌。

基隆在地創生團隊星濱山共創工作室《潛意識》，則邀請大家走入船上的灶咖，黑暗窄小的空間放著如同海上光明燈，由魚網和燈泡共同打造而成的裝置，一明一暗之間，彷彿黑夜裡海浪拍打著船幽微搖晃，十足神秘。

潮藝術資訊站

荷蘭設計團隊Martens & Visser《HOLONS》可說是本次潮藝術節最夢幻的作品，藏身於舊正濱派出所地下停車場中，由透明塑膠膜片所構成的條狀裝置，在動能驅動下搭配光影折射，進而產生出魔力沉浸視覺效果。裝置運轉以數位方式進行，並且以物理理論在材料和尺寸之間取得平衡，馬達裝置使物體轉動，不同的塑膠膜條似乎融化成液態氣體，類似海洋泡泡呼吸，忽大忽小、忽胖忽瘦，並搭配燈光效果仿若置身海洋呼吸之中。

旅台三年多的法國藝術家Margot Guillemot（莫珊嵐）帶來兩項裝置作品；《老人與海》以壓克力與鐵架形塑而成的雕塑，壓克力板上印及蒐集而來的攝影圖像，襯著光線所反射出的影子，頗有玻璃光感，而特別的是，她也以媽祖為形象打造出另一尊雕像，然而沒有太具象化的外觀，反而讓人充滿想像。

《大眾臉》則是其蹲點正濱里從附近居民的肖像中，創作一系列浮雕面具，讓前來的參觀者和附近居民之間建立一種面對面的另類舞台。

正濱漁港周邊

作為藝術節主舞台，正濱漁港周邊同樣匯聚各種型態作品，亮相正濱漁港彩虹屋一隅，宛如一顆顆糖果吊掛在房舍的作品，則是墨西哥籍藝術家Lua Rivera《祖母的海膽》，定居台灣的她採訪了基隆在地的海女阿嬤，以拼貼、編織等跨領域創作手法，將一顆顆色彩斑斕的海膽佈滿港邊天際，除了閃耀這片海域外，也向逐漸被遺忘的傳統海洋生活致敬。

藝術家王煜松《一層層- 丘陵，集散地，漁網，魚貨，鳥，港口》以回收而來的保麗龍箱模擬出小小漁貨城市。借鑒基隆依地形建造的樓房樣貌，不規則仿若迷宮的保麗龍白色空間，裡頭藏著水箱聲音，近距離聽竟會有種在水族館的錯覺，然而一旁成堆的漁網、港味鏽氣交織，那一刻你會恢復理智，這裡是貨真價實的漁港集散地 。

面對正濱漁港最知名的手工炭烤吉古拉 ，旅荷台灣設計師詹喬鈞《我依然等待著你》則利用海上漂流物，創建出一座繽紛海上宮殿，從遠處看像是高第所打造的西班牙奎爾公園（Park Güell），抑或是名畫《維納斯的誕生》，無論是哪一種，可以確定的是一座荒誕奇幻飄島已靠岸。

設計師楊水源以幽默手法入題、在地五金行的視角，創作出《五金學：正濱五金》小攤販探討人與環境的關係。他以觀察漁港生活與區域人文作為起點，研究正濱的海港五金，深入了解正濱漁村的產業鍊，到五金行、漁網店、漁船船員、製冰業、焊鐵、油漆等職人交流，理解當地模糊未定的通俗、習慣、文化、生活方式，試圖將這些習得的智識進行歸納與濃縮，創作一個能展示、說明道地風土的「五金系列」。

造型簡單，看似配角的五金經常僅具有單一功能，卻總是以它的力量輔佐、支撐著物件存在；它們同時也具有「現地性」，反映出當地的環境氣候、風俗、產業形態和住民構成，因應人的需求而生，一個簡單的五金，便能顯現一個地區的獨有現象，可以說是在地生活的縮影。

擅長複合媒材創作的藝術家步里赫森《溯》，則以水意象貫穿作品與街邊城市景象。正濱漁港隨著潮汐匯聚了生命，日復日年復年留下時代的軌跡，存在這個小鎮的一磚一瓦、人們的記憶。藝術家將日出、日落到黑夜影像投至作品上，緩緩地爬升，也像是梳理整座城市的年代記憶紋理。

新媒體藝術家丁建中《暗潮3.0》為夜晚的正濱漁港帶來夜間的海洋意象，溫暖陪伴夜釣客與旅人；發亮燈光搭配著隨風擺盪的裝置，成為浪潮中的感性微光。

船型光雕亮相阿根納造船廠

身為正濱漁港周邊必訪景點的阿根納造船廠，此次在《沉默》、《返校》指定場景製作團隊「木罐子設計製作」操刀下，化身為台灣最大船型光雕《阿根納的船》。

本次潮藝術節展期從9月25日至10月11日，除了上述作品外，同時也有威尼斯雙年展藝術家吳天章的「潮汐1884」於基隆要塞司令部校官眷舍特別展出；2019民眾票選最愛的兩件作品《大地衣著》、《呼吸》也回到岸邊等待大家造訪；展覽期間每周日上午10時將由星濱山共創工作室深入介紹基隆、潮藝術節、正濱漁港間的關係；10月3日(六)流浪教室舉辦設計工坊，帶領民眾以創作形塑自己的漁港印象。另有由策展團隊親自帶領的導覽活動，體驗海的一日散步趣，可於展覽期間平日報名參加。

2020 基隆潮藝術節：海的一日

時間｜2020 / 9 / 25 (五) ─ 2020 / 10 / 11 (日)

地點｜正濱漁港周邊、阿根納造船廠、校官眷舍

指導單位｜文化部

主辦單位｜基隆市政府、基隆市文化局

執行單位｜宜東文化創意有限公司

策展人｜陳彥安

參展藝術家｜丁建中、于安如、王煜松、木罐子設計製作、步里赫森、星濱山共創工作室、陳穎亭、楊水源、詹喬鈞、Lua Rivera、MargotG uillemot、Martens & Visser

特別邀請｜吳天章

https://www.facebook.com/keelungciao/

text：Ian Liu

via 宜東文化

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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