《為文化設計：台港文化設計展》為光華新聞中心「2020 台灣月」官方開幕，10月9日已於香港深水埗大南街藝文設計空間 openground 舉行開幕，展期將至11月1日。由香港平面設計師毛灼然（Javin Mo）及新媒體藝術家林欣傑（Keith Lam）共同擔任策展人。邀請11組台港青年設計師和工作室齊聚一堂，展示兩地設計師為藝文活動而作的視覺設計，包括視覺形象、海報、出版物及動態影像等，讓觀眾一窺兩地藝文設計之差異，進一步了解兩地藝術與創意產業的發展。

台灣和香港近年來藝文活動的視覺設計上有什麼不一樣的呈現？

藝術文化活動一向關注及展示的是藝術家及其作品本身，此次展覽《為文化設計：台港文化設計展》以視覺溝通為切入點，探索兩地設計師如何用視覺設計語言服務藝文機構。參展設計師及工作室有來自的台灣的張溥輝、ONE.1O Society、洋葱設計、O.OO Design & Risograph ROOM 及白輻射影像，以及來自香港的 Good Morning Design、Hello~.、MAJO DESIGN、Pengguin、studiowmw 及明日設計事務所。展覽的呈現方式也特別以「檔案紀錄（Archive）」，將平時能隨意拿走翻閱的小冊子，展示在特製的紙盒之內，變成不可觸摸的展品。

台灣設計師的香港首次實體展覽

台灣近年來大型藝文活動，皆大膽的採用青年設計師的設計，透過社群媒體的傳播，在香港設計圈時常引起討論，但礙於地域的限制，鮮少有機會在香港實體展出，共同策展人毛灼然表示，希望藉此展覽，專注介紹台灣新生代的設計師，透過展覽來教育公眾，期許為香港本地設計領域帶來不同的觀點，以文化交流。

像是甫完成電視和廣播金鐘獎主視覺設計的，由兩位台灣平面設計師組組成的 O.OO Design & Risograph ROOM，在2019年為臺北市立美術館創作的「24/7 空間計畫」是一個極實驗性的主視覺設計，透過大量的平面視覺符號與字體設計，構築空間的想像；他們也為台灣設計研究院的「不只是圖書館」操刀 2019 年度票券，透過書籤來創造書中的新風景；而新銳平面設計師張溥輝，2018 年為臺北藝術節設計一系列主視覺形象，打破傳統表演藝術以圖像為主，也由於活動海報張貼位置有限，他將手提袋作為載體作為公關品大量發送，成為城市中到處移動的藝文廣告，同時也成了藝術節的目光焦點，同時獲得 2019 TDC「優秀作品。」

高雄新成立的衛武營國家藝術中心籌備至開館的主要視覺傳達都由香港出身的黃家賢（Andrew Wong）帶領的洋蔥設計團隊主理。作為以表演藝術為主的大型表演場地文宣，其中「節目指引」系列，每次以不同風格的海報設計形式展示視覺設計的可能性。館方刊物《本事》每一期也透過視覺實驗性的玩味處理整體編輯及版面設計，擺脫傳統表演藝術中心的官方刊物，讓它成為近年讀者非常喜愛的文化刊物，更獲得2020年獎勵出版的金鼎獎設計獎。此外，洋蔥設計團隊一系列的音樂祭海報設計，如高雄TAKAO ROCK音樂祭、虎山音樂祭及愛愛搖滾帳篷音樂節等，也完全反映台灣音樂多元的視覺風格。

設計不只是傳播，也提供了文化發展與適應的新方案，如甫獲得日本2020國際級設計大獎「Good Design Award」的浪漫台三線藝術季，以全新藝術美學創作向世界分享客家文化。由白輻射影像製作的「客家慢 SlowTime」以影像詩的手法，揭示了客家日常緩慢的人情浪漫。此外，同時由白輻射影像操刀的台北燈節、台南月津港燈節形象影片等，巧妙的捕捉地方燈會地方文化特色與人情記憶，以年輕新穎的方式呈現。

香港設計師在商業和實用中找尋創作的空間

相較於台灣，香港一直是商業和實用為主，藝文設計也著重在視覺溝通的重要性，共同策展人毛灼然分享自身的經驗，他表示也因此在風格上，簡明的視覺傳達一直是香港的風格，反觀台灣設計師作品看重「意象」的視覺表達，設計風格比較多元也有一定的實驗性。而從為文化設計來看，香港設計師大多選擇與小型藝文機構合作、尤其與獨立藝術家或策展人合作，相對公務藝術部門的繁複程序，對設計師而言確實有比較多創作自由度。

香港參展設計工作室 MAJO DESIGN 一直與多位香港獨立藝術家及策展人合作無間，其中為著名聲音及媒體藝術家楊嘉輝（Samson Young）設計了一系列書籍，結合書籍設計、紙張與印刷，讓書籍本身也是一件藝術品；由香港國際攝影節（HKIPF）策劃的 2018 年國際攝影節主視覺形象由 studiowmw 設計，以極簡單的平面色塊結合參展的攝影作品，建立了全新的視覺形象系統美學，打破了機構多年來的舊有風格。studiowmw 近年也為香港話劇劇團及香港舞蹈團設計活動推廣視覺形象，也引來不少迴響。

位於西營盤的長春社文化古蹟資源中心近年舉辦不少與社區文化有關的展覽，前後分別策劃過「井蓋展」(2018) 與「水展」(2020)，2019年特別策劃的「米展」主視覺設計由另一參展設計工作室 Pengguin 負責，以米袋物料印製展覽海報，把生活文化融入平面及展覽設計，讓觀眾參與其中，展覽非常成功，連紀念品也是讓人想收藏拿回家的精美設計。

共同策展人毛灼然表示，雖然文化展覽的焦點在內容上，但為展覽推廣設計也很有趣，希望藉此機會可以讓觀眾多留心一點，再加上此次參展的設計師都相當年輕，設計風格多元，而且多用雙語設計，反應面向國際的發展；另外一位策展人林欣傑也表示，從為藝文活動設計也可看到該地方的文化政策，甚至是作為整體社會認識的切入點，因為藝術文化活動的文宣也確實是一種設計美學，反應社會對於美學的重視。他也觀察到，台灣年輕設計師更有機會參與公共部門的設計，但在香港少有年輕、甚至是本地的設計師參與，反而從非政府機構及獨立藝術組織合作。

《為文化設計：台港文化設計展》

主辦單位：光華新聞中心 | 合辦單位：openground | 聯合策展人：毛灼然、林欣傑

日期：2020年10月9日至11月1日

時間：每日上午12點至下午7點（週一休息）

地點：openground 香港深水埗大南街198號

參展設計師及工作室：

台灣

張溥輝 Chang Pu-Hui

ONE.1O Society

洋葱設計 Onion Design Associates

O.OO Design & Risograph ROOM

白輻射影像 Whitelight Motion

香港

Good Morning Design

Hello~.

MAJO DESIGN

Pengguin

studiowmw

明日設計事務所 Tomorrow Design Office

圖片提供 | openground

信用卡的外觀越來越多元，你喜歡人氣IP配繽紛色彩，或抽象圖形的極簡洗鍊？現在又多了一種選擇！

擅長將動態思維融入視覺設計的「白輻射影像」，為永豐銀行瞄準Z世代推出的「DAWAY」信用卡統籌視覺，以「聲波」元素創造未來感卡面，呼應數位原生世代的聲音；並透過科技藝術光影體驗發表，暗喻虛實界線消弭的消費世界。

以「聲音」為發想的未來感卡面

在社群爆炸、數位當道的世代，每個人都渴望擁有自己的聲音，「DAWAY」信用卡的發想正是源自於此，這五個字母濃縮了「The Way We ____」的語意，像是一道開放式的命題，空白處由使用者自行填寫，歡迎各種有趣的想像。

以聲音為發想，白輻射將「DAWAY」字樣融入連續音波圖形，透過上下起伏、多變的聲波視覺，象徵數位世代的聲音，呼應其生活主張。

信用卡是「第二張身分證」

卡面角落藏著貓咪、外星人圖像，呼應年輕世代獨立自由、神秘莫測的人格特質，同時用圖像象徵「身份」（可以想像成網路世界的大頭貼） ，讓每一次拿出卡片的瞬間，都是一次自我表現，暗示著消費選擇能反映個人的生活輪廓。

以科技藝術展現的「沈浸式」發表會

「DAWAY」發布的形式也很特別，白輻射選擇在「双融域」的5G+4K全沈浸數位展演場地發表，利用科技藝術光影體驗，展現「DAWAY」卡中的視覺符號。

為什麼這麼做？白輻射洪鈺堂表示：「這是一個體驗時代，虛與實的消費場景界線越是交融，我們透過購買所獲得的感官經驗就越沈浸。」在網購、網銀等線上消費方法盛行的時代，刷卡不再只是線下的體驗，而是雲端與地面之上串連的行動。

「DAWAY」想成為的不只是Z世代的金融工具，更是人們將消費轉化為自我發聲，勾勒出專屬波長的體驗夥伴。

資料提供｜白輻射影像

2024巴黎奧運（Paris 2024）尚未開幕，就被認定將是「最時髦」的一屆。地主法國隊的行頭備受矚目，其中選手們將穿上場比賽的隊服，由法國街頭服飾品牌Pigalle創辦人Stéphane Ashpool擔任藝術總監，攜手運動品牌「小公雞」Le Coq Sportif，從運動員對賽服的美學想像、性能需求出發，為參與奧運、帕奧的法國隊選手，發展出帶有法國特色的「客製化」賽服。

2021年啟程的浩大工程

為奧運國家隊做隊服，不只要替運動員設計比賽和領獎時的服裝、鞋子、配件等，還要包辦教練、後勤人員的裝備，是超、級、浩、大的工程。Stéphane Ashpool本人推算，這次Le Coq Sportif在巴黎奧運開幕之前，得交出840名選手、2,400位相關人員的隊服，服飾、配件、裝備⋯⋯林林總總加起來大約有15萬件物品，數量非常驚人。

這巨大工程從2021年1月就開始籌備，那時2020東京奧運因為COVID-19疫情延期，根本還沒開幕，三年後才要接棒的巴黎就已摩拳擦掌。

「不想當一面行走的旗幟！」

授命接下藝術總監後，Stéphane Ashpool做的第一件事就是和運動員開會，了解他們對國家隊服的想像，「運動員想要表現出新穎的形象，想要看起來很酷；當然，他們想一眼就被認出是代表法國，但不想變成一面『行走的旗幟』。」選手們也分享了不為觀眾所知的心境，「如果覺得自己看起來很不錯，在場上就會更有信心，」換句話說，一身讓選手滿意的隊服，真的能讓他們的心態更為正面。

法國國旗色彩成絕美漸層，白色變柔和了

吸收過運動員的想法，Stéphane Ashpool開始大膽做實驗，以法國國旗的藍、白、紅色為基礎，測試了羽毛、刺繡、染料、絲綢印花……各種不同材質配上不同顏色的效果，最終決定讓「藍白紅漸層」成為隊服的主要視覺；並將運動賽服常用的純白色，調整為不那麼銳利、少了點嚴肅感的灰調奶白色。

為每個運動項目半客製

敲定「藍白紅漸層」的主軸後，Stéphane Ashpool根據每項運動的賽場文化、服裝性能需求等，做進一步的調整，像是藝術體操、花式滑冰等表演張力強的賽事，服裝擁有更豐富的裝飾，透膚布料上佈滿水鑽，點綴著隨著舞姿飛揚的羽毛；柔道隊員穿的賽服，史上第一次由法國梭織布製成，要這麼做，必須得到日本柔道主管機構批准，這正是「法國製造」柔道服難得的原因。此外，有些法國隊出賽選手較少的項目如滑板、Breaking等，甚至擁有接近全客製的配備。

致力實踐法國設計、法國生產

不只要「法國設計」，Stéphane Ashpool也期望服裝盡可能是「法國生產」。除了剛剛提到的柔道服，大多數的法國隊服也在Le Coq Sportif位於塞納河畔羅米利地區的工廠生產，少部分在摩洛哥、葡萄牙等鄰近國家進行組裝。雖然未能達成100% Made in France，但考量到這次還需提供自行車、擊劍、滑板、划艇、獨木舟等項目的特殊裝備，Stéphane Ashpool認為「在地生產」這環節已算達標。

耗時三年的討論、設計、生產成果，即將面向世界，對此Stéphane Ashpool表示，自己的設計能參與運動員自律訓練多年、終於在世界最高殿堂發光發熱的時刻，即便只有短短的時間，依然是至高無上的榮譽。

值得一提的是，法國隊的開幕式服裝同樣備受矚目，由LVMH旗下頂級男裝品牌Berluti操刀，讓2024巴黎奧運從揭幕到結束都洋溢濃厚的時尚氣息。