台北新興藝術空間TAO ART，即日起至12月12日呈現群展《Stillness》，由具多重身份的獨立策展人Jenny Lee（李晏禎）策劃，帶來四位女性藝術家陳雲、温孟瑜、劉子瑜（Christina Liu） 、李依耘（Lino Lee）最新創作。

集結女性藝術家創作能量，本次展覽除了有熟悉的繪畫創作外，也包含陶瓷地景雕塑，以及紙屋裝置，能看見藝術家如何藉由各自的藝術實踐，自我產生對話，打破現有的和諧，來抵禦快速變遷的外在世界，尋求新平衡的新課題。

策展人Jenny Lee有感於不預期的新冠肺炎，帶給們前所未有的變化，像是距離衡量、遠近、疏離、親密的方式等，間接地突破了對於過往習性的依循。她在這四位女性藝術家的創作裡發現，她們都各自不斷地藉由由記憶、拼貼、夢境、設計、重組、勞動透過媒材來實踐與處理她們在當下社會連結過去、而這些週而復始的創作旅程，似乎反應了自身對於生命追尋的解構性理想，也映照了當下世界摸不著邊際的變遷。

用筆觸展現的內在風景 

陳雲和温孟瑜有著豐厚的藝術訓練，都畢業自國立台北藝術大學，從學生時代即展露頭角，是藝術界長期關注的藝術家，皆擅長用畫筆將細膩的情感，呈現屬於自己獨有的視覺敘事情境。

陳雲細膩平整的畫面，將時間空間凍結在某個沒有過去，也沒有未來的時刻，彷彿說不完的故事，轉化為一種無法敘述完全的缺失或遺憾，含著堅強淡淡地瀰漫在作品的畫面中，畫面中暫時的寧靜感，提供一個可供安歇的落腳處。

▲陳雲《思。念念如暗湧之潮隱於粼粼之海》

温孟瑜則是用物件、窗帷、傢俱、植物拼貼設計出像是居家空間、也像渡假飯店，等無所指名的場景，工整的空間以及線條，獨特的視角，還有獨特的用色，虛實交疊，是一個屬於藝術家私密，但又無人跡，一種與觀者心神交會的神秘場域。

▲温孟瑜《望向蔥鬱之林》

從材質出發的藝術之旅

無獨有偶，劉子瑜和李依耘來自多元的成長背景和跨文化的交融，皆由展現創意的生活方式，分別藉由陶瓷和紙這兩種實用的媒材，緩緩進入藝術的領域。成長於加州的劉子瑜，是「Christina Liu Ceramics」的創辦人，是許多星級餐廳採用的食器，曾念過商業經濟和法語，後來遠赴倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art）學習陶瓷藝術。

▲劉子瑜《Forest Green 2》

李依耘廣為人知的身份則是「鳳嬌催化室」的品牌總監，許多創意人對紙的多元呈現手法，皆出自她的團隊。她成長於澳洲，生物學的背景曾以醫生作為生涯的發展，但毅然決然返台，延續家族三代對於「紙」的歷史傳承，為紙找尋創意的可能性。

▲李依耘《被遺忘的維度》

這次的展覽對於劉子瑜和李依耘都是首次更趨近藝術性地呈現，劉子瑜將山景因雲霧環繞而陰影層層變化得來的意象，抽象地轉化在以陶瓷管狀高低排列搭配自然漸層的色暈的作品上，將觀看的瞬間捕捉下來，成為永恆的風景，在創作過程中的重複勞動，就像某種儀式，是她將外界的紛擾消化與內化的方式，；李依耘則是打造一個三維的獨立空間，提供觀者去探索虛與實之間，被遺忘的維度與有形之外的空間。在單色、安靜的空間中，觀者可以脫去煩囂、卸下武裝，在不被打擾的空間中，來場自我對話。

用最純粹方式 靜置為永恆

對 Jenny 來說，這四位，背景和成長不盡相同的女性藝術家在面對當下的挑戰與克服人生未知的旅途上，都在找尋一種整體的和諧。在做自己、追尋與實踐自己的過程當中淬鍊出面對世界與實現自己價值的自信。她表示：「尤其在這個特殊的時間點上，她們將自己的生命歷程用作品封裝起來，以最純粹的方式擷取保存在創作中的時間切片，捕捉當下靜置為永恆。」

秉持著 TAO ART 的宗旨，創辦人 Vicky Chen（陳薇捷）不斷的尋找嶄新的可能性，希冀帶給超越傳統藝術空間的限制，讓不同形式的藝術和創意都能在空間成形。這次特地邀請 Jenny 來策劃展覽，就是希望能藉由策展人多重身份的轉變和轉換，為藝術找尋更多悸動的連結。像是Jenny 目前擔任 Art Basel（瑞士巴塞爾藝術展會）的台灣貴賓代表，為藝術家、收藏家、畫廊製造與藝術的關係，就如同梳理藝術家，找尋有意義的呈現和連結。

Stillness

展覽地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

展期：2020年9月26日至12月12日

開放時間：星期二至星期六上午11時至下午7時

官方網址｜官方臉書

資料來源｜TAO ART

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）