台北TAO ART女性藝術家群展《Stillness》!漸層山景陶瓷、虛實白紙空間等作品亮點

TAO ART 女性藝術家群展《Stillness》

台北新興藝術空間TAO ART,即日起至12月12日呈現群展《Stillness》,由具多重身份的獨立策展人Jenny Lee(李晏禎)策劃,帶來四位女性藝術家陳雲、温孟瑜、劉子瑜(Christina Liu) 、李依耘(Lino Lee)最新創作。


集結女性藝術家創作能量,本次展覽除了有熟悉的繪畫創作外,也包含陶瓷地景雕塑,以及紙屋裝置,能看見藝術家如何藉由各自的藝術實踐,自我產生對話,打破現有的和諧,來抵禦快速變遷的外在世界,尋求新平衡的新課題。

TAO ART 女性藝術家群展《Stillness》


策展人Jenny Lee有感於不預期的新冠肺炎,帶給們前所未有的變化,像是距離衡量、遠近、疏離、親密的方式等,間接地突破了對於過往習性的依循。她在這四位女性藝術家的創作裡發現,她們都各自不斷地藉由由記憶、拼貼、夢境、設計、重組、勞動透過媒材來實踐與處理她們在當下社會連結過去、而這些週而復始的創作旅程,似乎反應了自身對於生命追尋的解構性理想,也映照了當下世界摸不著邊際的變遷。

TAO ART 女性藝術家群展《Stillness》


用筆觸展現的內在風景 

陳雲和温孟瑜有著豐厚的藝術訓練,都畢業自國立台北藝術大學,從學生時代即展露頭角,是藝術界長期關注的藝術家,皆擅長用畫筆將細膩的情感,呈現屬於自己獨有的視覺敘事情境。


陳雲細膩平整的畫面,將時間空間凍結在某個沒有過去,也沒有未來的時刻,彷彿說不完的故事,轉化為一種無法敘述完全的缺失或遺憾,含著堅強淡淡地瀰漫在作品的畫面中,畫面中暫時的寧靜感,提供一個可供安歇的落腳處。

陳雲,〈思。念念如暗湧之潮隱於粼粼之海〉,2020,壓克力畫布

▲陳雲《思。念念如暗湧之潮隱於粼粼之海》


温孟瑜則是用物件、窗帷、傢俱、植物拼貼設計出像是居家空間、也像渡假飯店,等無所指名的場景,工整的空間以及線條,獨特的視角,還有獨特的用色,虛實交疊,是一個屬於藝術家私密,但又無人跡,一種與觀者心神交會的神秘場域。

温孟瑜,〈望向蔥鬱之林〉,2020,壓克力畫布

▲温孟瑜《望向蔥鬱之林》


從材質出發的藝術之旅

無獨有偶,劉子瑜和李依耘來自多元的成長背景和跨文化的交融,皆由展現創意的生活方式,分別藉由陶瓷和紙這兩種實用的媒材,緩緩進入藝術的領域。成長於加州的劉子瑜,是「Christina Liu Ceramics」的創辦人,是許多星級餐廳採用的食器,曾念過商業經濟和法語,後來遠赴倫敦皇家藝術學院(Royal College of Art)學習陶瓷藝術。

劉子瑜,〈Forest Green 2〉,2020,陶瓷、 硬核桃木

▲劉子瑜《Forest Green 2》


李依耘廣為人知的身份則是「鳳嬌催化室」的品牌總監,許多創意人對紙的多元呈現手法,皆出自她的團隊。她成長於澳洲,生物學的背景曾以醫生作為生涯的發展,但毅然決然返台,延續家族三代對於「紙」的歷史傳承,為紙找尋創意的可能性。

李依耘_《被遺忘的維度》_1

▲李依耘《被遺忘的維度》


這次的展覽對於劉子瑜和李依耘都是首次更趨近藝術性地呈現,劉子瑜將山景因雲霧環繞而陰影層層變化得來的意象,抽象地轉化在以陶瓷管狀高低排列搭配自然漸層的色暈的作品上,將觀看的瞬間捕捉下來,成為永恆的風景,在創作過程中的重複勞動,就像某種儀式,是她將外界的紛擾消化與內化的方式,;李依耘則是打造一個三維的獨立空間,提供觀者去探索虛與實之間,被遺忘的維度與有形之外的空間。在單色、安靜的空間中,觀者可以脫去煩囂、卸下武裝,在不被打擾的空間中,來場自我對話。


TAO ART 女性藝術家群展《Stillness》


用最純粹方式 靜置為永恆

對 Jenny 來說,這四位,背景和成長不盡相同的女性藝術家在面對當下的挑戰與克服人生未知的旅途上,都在找尋一種整體的和諧。在做自己、追尋與實踐自己的過程當中淬鍊出面對世界與實現自己價值的自信。她表示:「尤其在這個特殊的時間點上,她們將自己的生命歷程用作品封裝起來,以最純粹的方式擷取保存在創作中的時間切片,捕捉當下靜置為永恆。」

TAO ART 女性藝術家群展《Stillness》


秉持著 TAO ART 的宗旨,創辦人 Vicky Chen(陳薇捷)不斷的尋找嶄新的可能性,希冀帶給超越傳統藝術空間的限制,讓不同形式的藝術和創意都能在空間成形。這次特地邀請 Jenny 來策劃展覽,就是希望能藉由策展人多重身份的轉變和轉換,為藝術找尋更多悸動的連結。像是Jenny 目前擔任 Art Basel(瑞士巴塞爾藝術展會)的台灣貴賓代表,為藝術家、收藏家、畫廊製造與藝術的關係,就如同梳理藝術家,找尋有意義的呈現和連結。


Stillness

展覽地點:TAO ART(台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

展期:2020年9月26日至12月12日

開放時間:星期二至星期六上午11時至下午7時

官方網址官方臉書


資料來源|TAO ART

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

亞紀畫廊群展《纏 繞 - 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕,展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作,聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試,窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下,藝術流派長期由男性主導,而現實主義更是其中的主流,導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見,這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外,致力創造超越時代的視覺語言,推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 - 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開,引用俳句中的「纏繞」意象命名,並著重於女性藝術家的二元性,凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家,觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範,為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間,並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子(Yamazawa Eiko, 1899-1995)的作品開始,其融合幾何抽象和日常風景,將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面,開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家,以「非具象」為創作特色,透過線條、形狀與顏色作為共同語言,發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具,正是反映出了他所經歷的時代背景。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
山沢栄子《What I am doing No.78》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子(Tanaka Atsuko, 1932-2005),是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家,其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活,僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動,其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》(1956),田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現,透過直接的身體性反應當時的物質文化,如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代,木下佳通代(Kinoshita Kazuyo, 1939-1994)在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後,摒棄了攝影這個媒介,轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係,在不斷的創作與重組中找到新的表達方式;在後期的繪畫中,木下佳通代的作品趨向自由與神秘,強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動,引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐,否定空間的主觀與客觀界限,持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代,木下佳通代被診斷出乳癌,他拒絕手術並持續創作、辦展,最終於1994年離世。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
木下佳通代《’86-CA350》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

水上愛美

在年輕一代的藝術家中,水上愛美(Mizukami Emi, b. 1992)以塗抹與抹去的創作方式,塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋,但仍能辨別最底層的繪畫主題,讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中,被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分,也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」,其後參加多次國際展覽,包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
水上愛美《good human》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

土取郁香

土取郁香(Tsuchitori Fumika, b. 1995)則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列,前者探討親密關係,後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織,彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中,兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫,暗示著界線模糊的關係。創作媒材上,土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊,塑造出具有感官性的畫面,比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」,也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観:高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
土取郁香《I and You, 2025》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

大久保紗也

同樣從具象的人出發,大久保紗也(Okubo Saya, b. 1992)的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位,或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍,讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難,並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」,透過層層堆疊、磨研、剝離,使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面,以及前後快慢的視覺對比。

2017年,大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ,以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
大久保紗也《Woman with a Plate》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

纏    繞 - 日本女性抽象

展覽日期|2025/2/28–2025/4/2
展覽地點|Each Modern亞紀畫廊(台北市大安區敦化南路二段97號3樓)

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袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行

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繼2024年代表台灣參加威尼斯雙年展後,袁廣鳴帶著當時展出的《日常戰爭》、《扁平世界》以及全新創作《呼吸的黑洞》,於2025年2月15日至5月17日舉辦個展「向黑潛行」。

黑暗象徵恐懼與未知,同時也孕育著希望

本次展覽延續袁廣鳴對影像與感知的探索,以「黑」作為光的反思,重新審視觀看的本質。藝術家於2018年的作品《向光》與《向黑》分別呈現光的極端狀態:前者描繪核爆強光如何摧毀觀看能力,後者則透過黑暗引導觀者開啟新的感知方式。而在「向黑潛行」中,「黑」不僅貫串整個旅程,更是一種觀看的重構——它象徵恐懼、脆弱與未知,然而即使被黑暗包裹,個體仍能向著希望堅毅潛行。

延伸閱讀 >>> 2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
「向黑潛行」展覽主視覺(圖片提供:TKG+)

展覽中的三件作品圍繞黑暗的不同面向展開:《日常戰爭》揭示日常空間中的危機與裂縫;《呼吸的黑洞》將黑暗描繪為孕育希望與生命的原初場域;《扁平世界》裡的黑暗,則隱匿於全球化技術體系的深處,呈現疏離與漂浮的矛盾狀態。這是一場關於當代生存狀態的深刻對話,觀者將在影像與裝置間,感受黑暗的多重隱喻。

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《扁平世界》於2024威尼斯雙年展台灣館的展覽現場(圖片提供:臺北市立美術館)

《日常戰爭》

展覽從《日常戰爭》的影像敘事展開。這件單頻道錄像作品描繪了一個中產階級男性的單身套房,在表面秩序井然的日常場景中,無形的力量悄然降臨,光線閃爍、牆壁破裂、家具傾覆,房間轉瞬間化為廢墟。片刻之後,一切重回初始狀態,彷彿災難從未發生。循環的敘事結構巧妙模糊了日常與災難、真實與虛構的界限,營造出一種荒謬卻真實的緊張感,揭示出戰爭並非遠離的真實,而是日常生活中無聲的裂縫,逐步侵蝕我們的感知與存在。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《日常戰爭Everyday War》,2024(圖片提供:TKG+)

《扁平世界》

錄像作品《扁平世界》以Google街景資料庫為基礎,透過固定的線性透視與穩定運動,將100個國家305街景串聯,如流動的地圖般快速切換,消解了地理的深度與身體的在場感。地圖從地方記憶與傳說的載體,變為技術與權力的象徵;觀看則退化為點對點的跳躍,空間的厚度與情感隨之消失。影片的循環結構隱喻全球化秩序的幻象,連續的街景成為現代技術體系的象徵,揭示現代觀看方式的壓縮與疏離。

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《扁平世界Flat World》,2024(圖片提供:TKG+)

《呼吸的黑洞》

《呼吸的黑洞》延續並深化了袁廣鳴1995年作品《呼吸的黑光》的概念,將物理上不可能存在的「黑光」具象化為一個律動場域。隨著機械驅動,作品中的鋁板緩慢移動,牆面上的光暈隨之擴張、收縮,宛如黑洞呼吸一般。這片律動的黑暗,呈現了它吞噬一切,卻又作為生命力場域的雙重屬性,而觀者的視覺邊界被模糊、身體感知重新啟動,重新想像對於黑暗的固有認知。

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《呼吸的黑洞Breathing Black Hole》,1995-2024(圖片提供:TKG+)

向黑潛行 — 袁廣鳴個展

展覽日期|2025.02.15 – 05.17
展覽地點|TKG+(台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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