吳明益小說《複眼人》劇場版世界首演！四月將於臺中國家歌劇院登場

作家吳明益的小說《複眼人》2011年出版至今，已翻譯為15種語言，更深深吸引旅法德籍導演盧卡斯．漢柏（Lukas Hemleb）萌生改編為劇場作品的念頭。盧卡斯自2015年起開始與吳明益書信往返，歷經多年醞釀、籌備，《複眼人》劇場版在臺中國家歌劇院與臺北表演藝術中心共同合作下，今年4月24、25日將在歌劇院世界首演。吳明益表示，看過盧卡斯過去的作品、訪談後，相當期待《複眼人》的「再創作」。藝術總監邱瑗更期待《複眼人》是歌劇院遞向國際的名片之一。

改編複雜情節挑戰大  運用劇場多元想像力

盧卡斯與臺灣表演藝術的緊密合作關係始自2006年執導漢唐樂府作品《洛神賦》，15年來多次往返臺灣，深受臺灣文化吸引。吳明益的小說更在他挖掘與探索臺灣的過程中，扮演了舉足輕重的角色。他說：「《複眼人》呈現了很多我之前並未發現的元素，引領我認識了臺灣真實的現況，尤其是原住民文化；小說中複雜多層次的觀點涵蓋神話、科學、原民文化等元素，相互纏繞交織，體現了人類存在的真實，是讓我最受感動的部分，也啟發了想要改編成劇場作品的想法。」然而小說中龐雜的情節以及層層疊加的意義，讓改編看起來像是個不可能的任務，如何將《複眼人》帶進劇場，是盧卡斯不斷問自己、思考的問題。

盧卡斯認為小說本身的想像力範圍非常廣，是創造新語彙的無限泉源。書中魔幻寫實場景的描述結合現實世界迫切的議題，許多元素如海嘯、颱風等天災，或是摧毀臺灣東海岸的垃圾島，都讓劇場版的製作充滿了各式各樣的技術性挑戰。盧卡斯分享，在改編的過程中，音樂幫助他找到一個思考的角度，將原本不可能在舞台上呈現的部分，藉著音樂將戲劇想像立體化。劇中另外一個有趣的元素是盧卡斯藉戲偶的演變描繪書中「一個想像的人物」：來自瓦憂瓦憂島的阿特烈；另外透過影像投影技術，讓戲偶及演員置身於不同的環境，觀眾除看到舞台上的演出、更可一睹幕後技術操作，兩種複合而成的真實如何建構。盧卡斯笑稱，劇場版《複眼人》是個無法定義的表演作品，它像是一齣沒有太多歌唱的歌劇，音樂卻相對豐富的戲劇作品，同時結合戲偶、多媒體影像，現場音樂演奏及預錄音樂， 

劇場製作卡司堅強  通力整合各項挑戰

《複眼人》劇場版除了由盧卡斯自己擔任概念發想、導演、劇本改編及燈光設計，更匯集了多位資深劇場設計者及演員：包括第18屆國家文藝獎得主王孟超擔任舞台設計顧問、曾獲金馬獎最佳造型設計黃文英擔任服裝暨造型設計，旅美作曲家李元貞為這齣奇想與真實交錯的作品構思音樂、師承國寶大師李天祿及陳錫煌的製偶藝術家賴泳廷設計戲偶，及多媒體設計陳彥任；演員包括徐堰鈴、阿洛．卡力亭．巴奇辣、蘇達、懷劭．法努司、鴻狄、柯逸華、翁若珮、林立川、薛美華及于明珠。盧卡斯表示，身為導演，他就像是在營造一個化學實驗室，帶入每個人的獨特性與創造力。

劇中飾演阿莉思的徐堰鈴是最早開始參與此製作的演員，她說：「劇場版《複眼人》的演出人員還包括舞者、操偶師及歌者，呈現手法及形式多元且魔幻，這齣劇就如同『複眼人』的存在，有各種型態同時發生。」擔綱敘事者的懷劭．法努司則表達《複眼人》對他來說，就像是老鷹，俯瞰照護土地上的子民。阿洛．卡力亭．巴奇辣非常喜歡她所扮演的哈凡，她認為這個角色既美學又暴力，既幽默又浪漫，與自己很相似。飾演達赫的蘇達分享，《複眼人》象徵與寫實手法相互巧妙穿插，裡面有土地上真實存在的人，也有意象上的人物，觀眾可以人生劇展的方式來看劇中人物的故事，絕對可以感受到屬於自己的詩意與共鳴。

此次製作由台積電文教基金會支持，成為今年「台積心築藝術季」節目之一。台積電文教基金會每年策劃大型「台積心築藝術季」，及文學相關主題活動與獎項，透過一系列精緻展演，增進民眾對藝術文化的興趣，豐富心靈與生活。《複眼人》從臺灣海島及原住民文化出發，透過獨特的世界觀呈現臺灣與世界彼此的連結，創造了屬於臺灣的魔幻寫實，今年2月更獲選柏林影展Books at Berlinale 單元十本推薦書之一，足見其深具改編的潛力。歡迎大家4月相約歌劇院，感受《複眼人》劇場版的魅力。

演出資訊

《複眼人》

演出日期：2021/04/24 (六)14:30

　　　　　2021/04/25 (日)14:30

演出地點：臺中國家歌劇院 大劇院

購票請上OPENTIX售票平台

來自神秘海島瓦憂瓦憂島的阿特烈，依照島上習俗，出生後滿180次月圓時必須離開家鄉，出海航向未知；獨居東臺灣海岸的教授阿莉思，因兒子托托與丈夫登山後雙雙下落不明，自此一心只想尋死；布農族的達赫與阿美族的哈凡，歷經截然不同的人生歷練，不斷在選擇中尋找出路。這天，太平洋的垃圾渦流撞擊臺灣，剎那間所有命運緊密交織。現實與想像交錯的生命故事，描繪著在困境裡抉擇，在脆弱中掙扎的生存樣貌。而「複眼人」安靜旁觀，默默見證人類記憶深處的絕望、堅毅與思念。

原著／吳明益

概念發想、劇本改編、導演暨燈光設計／盧卡斯．漢柏

作曲／李元貞    

舞台設計顧問／王孟超

服裝暨造型設計／黃文英

多媒體設計／陳彥任

戲偶設計／賴泳廷

舞台助理設計／羅婉瑜

道具設計／山峸製作設計

燈光設計助理／張善婷

執行製作暨導演助理／羅尹如

劇本翻譯／賈翊君

劇本編修暨排練助理／林國峰

指揮／張尹芳

演出者／徐堰鈴、阿洛．卡力亭．巴奇辣、蘇達、鴻狄、柯逸華、懷劭．法努司、翁若珮、林立川、薛美華、于明珠

錄音樂團／北藝大管絃樂團

技術統籌／林立羣

製作單位／臺中國家歌劇院、臺北表演藝術中心

演出角色

阿莉思│徐堰鈴、翁若珮

哈凡│阿洛．卡力亭．巴奇辣

達赫│蘇達

阿特烈│林立川、薛美華、于明珠

敘事者│懷劭．法努司

鄔瑪芙│鴻狄

薄達夫│柯逸華

本節目亦為2021「台積心築藝術季」系列節目之一

異業合作：茶籽堂

資料提供｜國家表演藝術中心臺中國家歌劇院

前年，以幽默顛覆芭蕾與性別想像的《蓬蓬》（TUTU），首度來臺便場場完售。今年，菲利普．拉斐耶和曼波男孩舞團（Chicos Mambo）回歸新舞臺藝術節，推出全新作品《A4》，又將為觀眾帶來什麼樣的舞臺驚喜呢？

走進劇場之前，你或許很難想像，一張A4紙，能成為舞臺上的主角。它是我們每天使用、卻幾乎不曾多看一眼的日常物件。然而在法國編舞家菲利普・拉斐耶（Philippe Lafeuille）的眼中，它可以變成面具、服裝、風景、樂器，甚至是一位與舞者共同演出的夥伴。

一張紙，是限制，也是通往自由的大門

談起《A4》創作的起點，菲利普分享：「我相信，最能激發想像力的，正是那些人們再熟悉不過的日常物件。」他認為，人們每天與這些物件共處，卻也因此不再真正注視它們，「創作者真正的工作，就是輕輕挪動人們觀看的角度，讓隱藏其中的詩意、荒謬與戲劇性重新浮現。」《蓬蓬》的蓬蓬裙，是一個極具力量的文化符號；在《A4》裡，他選擇了一張幾乎沒有存在感的紙，「限制往往是自由的起點，當物件越平凡，越迫使我們發明意想不到的用途。這有點像孩子看待世界的方式——一個紙箱可以變成城堡，一張紙也能化作一隻飛鳥。」菲利普解釋道。

四種身體語言，共同寫下一部作品

《A4》的「4」，也來自四位背景截然不同的表演者。現代舞、Hip Hop、馬戲與肢體劇場，在同一個舞臺上相遇，每個人都擁有不同的身體語言與表演節奏。一般編舞或許追求整齊一致，但菲利普做的，恰恰相反：「我從來不會要求表演者去符合某種樣貌，每個人都帶著自己的故事、技術、身體習慣與能量來到排練場，這份多樣性正是《A4》的核心。」排練時，他會花大量時間觀察每位舞者，設計情境、遊戲與限制，讓表演者提出自己的想法，有時會產生火花或衝突，但舞臺上真正有生命力的東西，往往就是從此處誕生的，「很多精彩的片段其實都來自表演者自己的提案。他們是共同創作者，而不只是執行者。」

服裝是具有生命的編舞元素

若說《蓬蓬》的靈魂是蓬蓬裙，那麼《A4》最令人驚豔的，便是舞者身上如高級訂製服般流動的流蘇。「我很喜歡當服裝能夠改變動作、揭示另一種動作，甚至透過限制身體，反而創造出新的可能性。服裝從來不只是穿在表演者身上的配件，更是舞臺上的共演夥伴。」菲利普說服裝能放大動作、隱藏輪廓或扭曲比例，也可能會捕捉光線與製造視覺錯覺，它像是一個有生命力的編舞元素，而非演出完成後才添加的裝飾。在《A4》中，流蘇像是身體的延伸。當舞者旋轉、跳躍或快速移動，纖細的線條會讓動作彷彿持續流動到身體之外，觀眾甚至難以分辨，究竟是服裝在舞動，還是身體正在跳舞。

以全新的視角觀看世界

從《蓬蓬》到《A4》，菲利普一再打破人們對舞蹈的既定印象，卻始終沒有試圖給出標準答案。「我始終熱愛創造一座充滿變形與轉化的劇場，讓身體、物件與想像彼此對話、持續流動。我的目的不只是帶給觀眾驚喜，更希望他們離開劇場後，重新凝視身邊熟悉的事物。如果有人看完《A4》之後，再也無法用原本的眼光看待一張普通的 A4 紙，那我就成功了！」菲利普與曼波男孩像是為觀眾開啟了一扇門，期望讓每個人再次擁有重新觀看、感知世界的能力。

2026中國信託新舞臺藝術節｜曼波男孩舞團《A4》

場次：10/24(六) 14:30、10/24(六)19:30、10/25(日) 14:30
地點：臺北表演藝術中心 球劇場

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_{文｜黃阡卉　攝影｜Valentin Freland　圖片提供｜中國信託新舞臺藝術節}

時間是文化孕育的基礎，也是藝術發展的見證。多年來，勞力士支持眾多知名音樂家與藝文場館，作為技藝精進的堅強後盾。早從2012年，勞力士就成為薩爾斯堡藝術節（Salzburg Festival）的主要贊助商，共同在傳統與創新之間，於當代賦予樂曲新的生命。

➣本文選自La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》，更多精彩內容請點此

奧地利薩爾斯堡的格特萊第街，一間間精品店鋪與老城建築相融，懸吊的鐵製招牌古老而精緻。1756年，莫札特在格特萊第街9號出生，這棟黃色宅邸保存至今，成為眾人的朝聖之地。沿著街道往南走，是1920年薩爾斯堡藝術節的誕生地「主教座堂廣場」，當時上演了霍夫曼司塔爾（Hugo von Hofmannsthal）的道德劇《每個人》（Jedermann）；再往前，即是現今薩爾斯堡藝術節主要演出的3大場館：岩石騎術學校劇院、莫札特劇院、大節日劇院。音樂隨著時間在城市延展，也在不同場域和演出者間沉澱出新生。

集結音樂、歌劇、戲劇的世界舞台

夏季的歐洲音樂風景是熱鬧的。不同於愛丁堡藝術節以表演藝術聞名、琉森音樂節聚焦古典音樂，或拜魯特音樂節專演出華格納歌劇，薩爾斯堡藝術節的特色在於集結音樂、歌劇、戲劇等多元領域，可謂世界最重要的文化盛事之一。

除了具有深厚的古典樂傳統，薩爾斯堡藝術節也持續引入新作與創新，更在2012年迎來勞力士作為主要贊助商，注入新的動能。2026年登台演出的女中音芭托莉（Cecilia Bartoli）、鋼琴家王羽佳（Yuja Wang）、小提琴家卡普松（Renaud Capuçon）、歌劇演唱家伯恩海姆（Benjamin Bernheim）、男高音佛瑞茲（Juan Diego Flórez）、指揮家杜達美（Gustavo Dudamel）等，皆為勞力士代言人；維也納愛樂樂團（Vienna Philharmonic）也從2008年起由勞力士擔任獨家合作夥伴，足見勞力士在音樂領域的長久支持。

這並不是勞力士首度贊助藝術，早於1976年，勞力士就已與女高音卡娜娃（Dame Kiri Te Kanawa）展開合作。之後勞力士啟動「藝術傳承．恒動不息」計劃（Perpetual Arts Initiative），一方面表揚傑出音樂家，一方面也支持米蘭史卡拉歌劇院、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院、紐約大都會歌劇院、巴黎國家歌劇院等國際藝術機構，或與著名藝術節及樂團合作。台灣高雄的衛武營國家藝術文化中心，也從2026年由勞力士擔任專屬鐘錶合作夥伴，並於同年3月迎來勞力士代言人、假聲男高音奧林斯基（Jakub Józef Orliński）的演出，搭起在地與國際的連結。

獨奏與交響樂的兩種共鳴

2026薩爾斯堡藝術節的節目，圍繞著「時間的誕生與心的力量」（The Birth of Time and the Power of the Heart）展開，邀請觀眾隨著舞台上的人物探尋自我，也在途中看見愛的多樣面貌。

其中，王羽佳的鋼琴獨奏會是獨特的存在，除了她以一人之姿征服藝術節的大舞台，更在於她一貫「不事先公布曲目」的作風。曲目形同卡司，左右了表演的期待值，亦能讓演出者與觀眾有所準備。而王羽佳如同音樂版的「無菜單料理」，完售的門票，證明了本人就足具魅力。當燈光暗下，身著白色禮服的王羽佳登場，從大膽的舞台時尚、招牌的「俯衝式鞠躬」到凌厲指法，在這些鮮明特色下，最動人的仍是她享受音樂的姿態，甚至在結束後一次又一次的Encore，成就了一場過癮演出。

若王羽佳是音樂盲盒的驚喜，那著名指揮家慕提（Riccardo Muti）帶領維也納愛樂樂團演出威爾第《安魂曲》（Messa da Requiem），則是卡司與曲目的經典組合。慕提與維也納愛樂樂團的首次合作，即是在1971年的薩爾斯堡藝術節，55年的默契透過張力十足、交響樂與人聲交織的名曲展露。在大眾最熟悉的第2樂章〈末日經〉，樂音在弦樂、銅管、鼓、人聲間來回切換，時而齊出時而錯落，帶領聽眾遊走群體與個人的恐懼。慕提的指揮沒有多餘或華麗手勢，其中一段，部分樂手分別被安排至舞台側邊與後方觀眾席，讓樂譜裡的末日空間想像，實體化為劇院的聆聽感受，而這也仰賴指揮與樂手的精準配合。

歌劇台前幕後的匠人精神

而歌劇《蘭斯之旅》（Il viaggio a Reims）則展示了傳統與創新的交融。《蘭斯之旅》由羅西尼（Gioachino Rossini）創作於1825年，當年正值法國國王查理十世的加冕典禮，並在蘭斯舉辦了一系列慶祝活動；他便以此為故事基底，邀請多位當紅歌者演繹這齣喜歌劇。

2026薩爾斯堡藝術節的版本由擅長喜劇的柯斯基（Barrie Kosky）執導，他保留了「眾人聚集飯店準備前往蘭斯，卻因沒有馬而去不了」的設定，但將前往蘭斯的目的從「查理十世加冕典禮」改為「女中音La Ceci生日派對」。有趣的是，La Ceci其實意指飾演女詩人Corinna一角的芭托莉（Cecilia Bartoli），藝術節期間她正好過完60歲生日，最後一幕也安排她從蛋糕中現身，讓戲裡戲外Corinna／La Ceci／Cecilia Bartoli 3個身分疊合。

這齣歌劇的主要角色多達17人，獨唱橋段包括女管家邊打嗝邊演唱、伯爵夫人低頭後瞬間戴上巨大帽子等，在幽默間展露深功夫。且全劇合唱段落並不少，不論是齊唱的震撼，或台詞錯落、對話的默契，均令人驚艷。布景皆以內凹立體透視做出空間感，搭配簡潔但精準的燈光，讓舞台成為一個微型世界。

而這些美術設計，從服裝、布景、妝髮甚至清潔，全部完成於薩爾斯堡藝術節後台，一條龍自給自足。以服裝部門為例，在藝術節期間一週工作40～60小時，35人的團隊得負責1～2萬件的品項。看著誇張而華麗的手稿一件件變成實際服飾，可謂想像力與執行力的雙重極致。一個掛在後台的時間表上以大字寫著：「如果沒有最後1分鐘，永遠不會有任何事完成。」幽默自嘲了自己的匠人魂，也道出了精神的可貴。

經典與當代的持續對話

在薩爾斯堡藝術節，從城市歷史、音樂演繹到設計製作，創作者投入的每一刻時間，都將積累成更豐富的未來。隨著時間前行，薩爾斯堡藝術節也將在勞力士的支持下，讓經典持續與當代對話，為藝術開創更多可能。

2026薩爾斯堡藝術節
時間：07.17～08.30
地點：奧地利薩爾斯堡岩石騎術學校劇院、莫札特劇院、大節日劇院等多個場館
＊更多資訊請見官方網站

_{文｜張以潔　圖片提供｜Salzburg Festival、衛武營}

更多精彩內容，請見La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》