台北樹火紀念紙博物館繼「紙，珍藏生命的愛──保存，開啟記憶流轉特展」後，2021年第二檔新展「紙蕨Paper Fern—Wuba Yang個展」日前開展，展期從3月26日至6月12日。這次邀請藝術家Wuba Yang運用台灣絕版手工老紙與日本設計紙材，以剪紙及立體塑型重現如真的台灣紙蕨，栩栩如生的創作，讓民眾走進博物館如同走入森林一般，感受蕨類植物的生命力與紙材的創造力。本次將透過1件大型裝置藝術及3件作品亮點，認識台灣蕨類植物和Wuba Yang的工藝。

以蕨類植物為靈感的緣由

藝術家Wuba Yang是紙物Paper Object（提供剪紙課程教學、剪紙活動策畫、客製剪紙商品）的主理人，自6歲開始摸索剪紙，每接觸不同的紙張，都會產生新的靈感，彷彿認識新朋友般，從陌生到熟悉之間，一步步探索剪紙的創造力。始於貼近自然環境的渴望，且有感於當代都市人離自然越趨遙遠，逐漸遺失對環境觀照與觀察的能力，Wuba Yang開始以剪紙藝術創作蕨類植物圖樣。

但為什麼是蕨類？Wuba Yang發現僅有650萬年歷史的台灣，如諾亞方舟般乘載不同時期且多樣的物種，而自一億多年前白堊紀就存在的蕨類，竟在台灣留存了700多種及60多種特有種。因此，2017年起，Wuba Yang便以台灣蕨類為靈感，跑遍圖書館標本館、追著蕨類專家學習，查找線上資料庫，將蒐集到的資料匯集比對、認型、描繪、選紙、剪裁、立體塑形，完成一件件擬真的紙蕨作品，展現蕨類植物不同姿態的美感。

首區大型裝置藝術「蕨色台灣」

其中，最引人注目的就是走進展場即映入眼簾的大型裝置藝術「蕨色台灣Taiwan, Coloured by Fern」，組合成長條狀的型態懸掛於空中，呼應台灣如一艘乘載著各式多樣化蕨類植物的方舟，方舟上的紙植物作品包含了台灣特有種、瀕臨絕種及常見種的蕨類植物，遠看如綠色島嶼層疊，近看可見紙物纖維溫潤，搭配展場光影，彷彿在召喚來訪的人們深入內心山林，悉心觀賞紙蕨千變萬化的樣貌。

3件首次公開作品「24紙蕨」、「崖薑蕨」和「蕨香」

另外還有3件本次展覽首次公開的作品，分別是「24紙蕨」、「崖薑蕨」和「蕨香」。來到第二展區，透過「24紙蕨」細讀蕨類植物學名介紹，亦可透過紙張探究臺灣蕨類千變萬化的面貌，作品運用鳳嬌催化室當代設計紙，重新創作台灣24種特有種、瀕臨絕種及常見種的蕨類植物；第三展區的大型蕨類作品「崖薑蕨」，Wuba Yang首次運用鳳嬌催化室的台灣絕版手工老紙，剪製大型紙蕨，特殊的手工老紙格紋與蕨型相輔相成，看著看著仿若能聽見植物透過毛孔吐納呼吸的聲音；展區壓軸，「蕨香」運用紙張纖維吸取水分散發氣味的特性，讓紙蕨散發森林的自然清香，Wuba Yang使用「肯園-療癒之島系列」特別調製森林氣味的香氣，更有置身在森林的感覺！

▲24紙蕨

▲崖薑蕨

▲蕨香

紙蕨Paper Fern—Wuba Yang個展

展覽期間｜2021年3月26日（五 ) 至2021年6月12日（六）

開放時間｜週一至週六09:30-16:30

展覽地點｜樹火紀念紙博物館（台北市長安東路二段68號）

參觀票價｜150元

圖片提供｜樹火紀念紙博物館

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）

氣溫微降的11月到來，若不想只是窩在家中發懶，就跟著我們的腳步，一起走進北中南展覽活動現場，展開藝文探索之旅！

基隆｜We Are Me－我（們）到此一遊

展期：2025.10.30～2026.2.1
地點：基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」，首度以策展人身份策劃《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》。本展邀集英國、法國、日本、泰國、台灣等10位當代藝術家的經典舊作與全新委託創作，透過28組作品的多重視角切入展覽主題。

展覽試圖回應當代最迫切的問題：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？「我」與「我們」的界線，究竟如何被生成、被消解？當「WE」置於鏡面之上，反射出的既是「ME」，又是無數被轉譯的身份與場景：觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。當你走進展場，你不僅是觀者，更將成為作品的一部分。

值得一提的是，本展主視覺由設計師聶永真操刀，畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——他們注視的是藝術，還是經由藝術映射出的自己？

台北｜2025 C-LAB 聲響藝術節：DIVERSONICS

時間：2025.10.23～11.30
地點：臺灣當代文化實驗場

由C-LAB臺灣聲響實驗室策劃的C-LAB聲響藝術節，以當代音樂聲響創製為主軸，並結合展演、裝置、國際論壇、講座、工作坊、大師班等多樣化活動，打造跨世代、跨感官的聲音藝術盛會。

本屆藝術節規劃6大單元：當代大師／經典、當代新聲、躍舞樂音、MR新聲境、聲響裝置展演與校際單元，邀集來自德國、法國、美國、阿根廷、盧森堡、日本、韓國、越南等國家的聲音創作與演出者來臺分享作品，其中近7成為新創或重製作品，展現出聲響藝術的前瞻性與多元面貌。

更多資訊可至官網查詢

台北｜劉星佑個展《纏耽？還愚？》

展期：2025.11.1～11.31
地點：尊彩藝術中心 一樓展館（台北市內湖區瑞光路 366 號）

2024年，藝術家劉星佑以作品《地址不再有效》榮獲京都國際攝影節「KG＋ SELECT」大獎；隔年4月，更受邀成為該攝影節首位參展的台灣藝術家。《地址不再有效》為劉星佑於2022年依據戶籍資料展開的返鄉行動。「住所不明」這一看似自尋煩惱的結論，實則揭示了他在地方與性別認同間的探索。2024年，他順應父親宿願，造訪金門與大膽島，在雙口海灘以中國製迷彩玩具擺拍，構築出台灣獨有的「住所不明」。

京都國際攝影節首位台灣攝影師！劉星佑為父母拍攝「再婚照」：以家庭為鏡，映射近代台灣社會圖像

今年，他因駐村首次來到熊本，廣袤的草原與火山地景，使他重新思考影像與自然、技術之間的距離。當影像從數位轉化為紙本，反而在失誤、遺忘與偶然中，捕捉創作最真實的片刻。「纏耽」（tîng-tânn）源自台語，意指卡住、出錯；「還愚」則為佛家語，象徵回歸初心與自知的狀態。展覽以此為主軸，叩問創作的方法與心境，也回望與雙親共同創作的歷程。

此次在台灣的首場個展，除延續獲獎系列脈絡，也首度在台公開〈住所不明〉立體裝置。另外，熊本駐村期間的新作，也將於個展首度發表。

台北｜台北雙年展「地平線上的低吟」

展期：2025.11.1～2026.3.29
地點：臺北市立美術館             

本屆台北雙年展由柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長Sam Bardaouil與Till Fellrath共同策展，邀集來自全球37個城市、72位藝術家參與，約150件作品中，包含34件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力——那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性——那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動也能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展概念源自三件看似平凡、卻富有象徵性的物件。它們未以實體現身於展場，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻。侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿奉獻於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，記錄一位自盡的年輕人在信仰與絕望之間的掙扎，反映出一個世代於信念與幻滅間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，則象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，承載失落、傳承與歸屬的意象。這些文學和電影文本也是對「思慕」的不同詮釋，並在場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，單車則隱喻追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館！72位藝術家共譜「思慕」意義，映現世界各處的渴望與失落

台北｜2025 Camping Asia

時間：2025.11.10～11.21
地點：臺北表演藝術中心

由北藝中心、法國國家舞蹈中心與香奈兒品牌共同合作的第三屆的Camping Asia將於11月10日至21日，在臺北表演藝術中心展開。本屆活動除了為新生代創作者打造為期12天的沉浸式營隊，也開放了多場讓一般觀眾也能參與的活動，包含論壇、影展，以及藝術家帶領的大堂課。而工作坊與學校馬拉松則集結跨域講師與學員，展現未來的表演藝術能量，並開放部分名額供北藝中心會員參加。

每週五上午舉行的大堂課，是所有學員共同參與的通識課程，今年特別於11月14日下午14:00–15:30開放公眾參與，並由布拉瑞揚舞團帶領。11月16日進行兩場重量級的論壇：上午場《我們的身體・時代的律動》、中午場《舞動未來：給下個十年的舞蹈宣言》，均為免費報名參加。

而首次於Camping Asia登場的舞蹈影展， 11月11日至16日將在北藝中心太陽廳東南角，連續放映多部關注舞蹈與創作議題的影片。於11月16日舉行的「學校馬拉松」，則是一場校際匯演，每所受邀院校將帶來25分鐘表演。今年更開放部分名額給北藝中心付費會員參與，觀眾將能欣賞到各院所從系所展演到新作的嘗試。

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台中｜綠美圖試營運

時間：2025.10.28～11.16
地點：台中綠美圖（台中市西屯區中科路2201號）

全台首座結合市立美術館與市立圖書館的臺中綠美圖於10月28日至11月16日展開為期3週的試營運，期間也推出一系列活動，為12月13日正式開館預作準備。其中，「打開，我們的美術館」系列活動，由策展人林昆穎策劃，邀集3組創作者以綠美圖為靈感，發展新作品，並規劃涵蓋視覺藝術、表演藝術、文學與教育推廣的跨域展演活動，讓建築空間成為藝術對話的平臺。

同步開展的典藏教育展「庫房裡的光」，以結合互動體驗的「可視性庫房」為概念延伸，揭開藝術品保存的幕後歷程。同時也舉辦國際論壇，邀集13 位國際重要機構專家，展現中美館關注方向，並共同探討文化機構的跨域合作與共融發展可能。

中市圖則推出「圖書館的閱讀新章和綠美圖的生活提案」系列活動，引領人們以嶄新的方式親近閱讀，感受文化空間的魅力。另外不可錯過，於11月7日登場的「環境與建築－SANAA專題講座」，同步開放現場轉播與線上直播。

【編輯帶逛】臺中綠美圖試營運！7大亮點看SANAA在臺建築首作：與中央公園綠意共融，開放而流動的文化森林

台中｜眾生共命：宮島達男

展期：2025.11.8-2026.5.10
地點：亞洲大學附屬現代美術館（台中市霧峰區柳豐路500號）

日本藝術家宮島達男的藝術生涯從行為藝術開始，並於1980年代末期，伴隨發光電子二極體（LED：light emitting diodes）的普及，開始大量運用LED以及積體電路數位計數器（IC [integrated circuit] digital counter）作為創作媒材而享譽國際。他於42歲時便成為威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，展覽中由2400個計數器組合而成的大型空間裝置〈幻滅｜MEGA DEATH〉，看似是由程式與電子器材搭配的冰冷組合，然而在數字的明滅閃爍裡，卻傳遞出他對於不同生命狀態的深切關懷。

「眾生共命」是宮島達男在台灣的首次美術館個展，集結了從1993年到2025年的經典作品、全新創作以及難得一見的創作計畫和行為表演的概念圖。展覽中來自不同文化及語言的數字，各自有著不同的速度、音調或顏色，就像是世上眾多個體在社群中彼此交織、共存的集體生命狀態。本展還包含了5件與台灣、霧峰及中亞聯大參與者加入的共創作品。

另外，目前宮島達男於台北「TAO ART」藝廊中，推出《無盡的生命循環》個展，展出近5年的12件重要創作，引領人們一探他以數字藝術構築出的獨特生命哲學。

日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART：集結12件重要創作，以數字藝術構築出獨特的生命哲學

台南｜福爾摩沙時代—臺灣美術百年建構

展期：2025.7.22～2026.1.4
地點：臺南市美術館2館 展覽室 E、F、H、I

今年3月啟動的「福爾摩沙時代」展，於10月25日迎來第三階段。而本期最大亮點，莫過於張大千〈廬山圖〉真跡來到府城公開展出。〈廬山圖〉不僅是張大千晚年的潑墨潑彩傑作，更是存世最大的整絹繪畫；技法精湛、氣勢磅礴。

「福爾摩沙時代」開展！展出黃土水《甘露水》、陳澄波之作等200件作品，回顧臺灣近現代美術的百年發展

而除了張大千的經典鉅作，本展也精選了反映臺南地緣特色的藝術創作，回應臺南的地緣性及豐富多元的藝術表現，包含：郭柏川記錄下府城過往地景的〈臺南運河〉、劉啟祥〈小憩〉、朱玖瑩〈安平鄉土館啟扉致詞〉、許武勇〈臺南普濟殿廟庭〉、沈哲哉〈臺南孔廟〉、曾培堯〈六道輪迴〉、金潤作〈觀音落日II〉等，帶領觀者從不同風格的藝術語彙，看見藝術家對於這片土地的情感。