台北東京中央沐春堂近幾年積極發展當代藝術專場，歷經過去四場當代藝術拍賣後，昨日（4/18）首次於新場地華南銀行總行國際會議中心舉行四月拍賣會，更首度與藝術策展人丁春誠和其策展事務所「TIN TIN STUDIO」合作，在4月17日以「自說對話」為題，於拍賣會前搶先展開預展，邀請四位新銳女性藝術家現場即興演出，帶來前所未有的藝術創作展體驗。

沐春堂四月拍賣會打造古今藝術對話

向來致力於推廣台灣文化藝術的台北東京中央沐春堂，昨日（4/18）舉辦四月拍賣會，以四大主題專場「寶島曼波-台灣文物、詩人、書畫」、「一花開五葉-茶、花、香、宗教、高僧字畫」、「時間的本質−佳釀、當代藝術」、「秋室 - 生活美學、文人、器物」呈現古今藝術對話，拍品包括知名英國塗鴉藝術家班克斯Banksy充滿批判性的作品〈凝固汽油彈〉、銅雕製成的明代水月觀音座像，以及晚清詩人兼書法家何紹基的〈臨張遷碑〉、〈謝雉柳題〉書法作品等。

▲班克斯Banksy作品〈凝固汽油彈〉

▲明代水月觀音座像

▲何紹基書法作品

沐春堂首度攜手丁春誠打造拍賣會預展

值得一提的是，有別以往形式，本次首度與藝術策展人丁春誠及其策展事務所「TIN TIN STUDIO」合作，打造以「自說對話」為題的預展，除率先公開焦點拍品，更呼應拍賣會跨越古典與當代藝術的特性，邀請聲音製作人「Meuko! Meuko!」、異材質書法藝術家香桃（Shantel Liao）、調酒師蔡佳穎（Grace Tsai）、花藝師陳亮彤（Rachel Chen）四位新銳女性藝術家，透過各自於個人空間即時創作的過程，體現傳統美學與當代創作的融合，進行一場現代與歷史文化的對話，旨在吸引更多年輕族群參與，讓拍賣會不再是遙不可及的交易，更是一場藝術文化的交流活動。

▲策展人丁春誠

「自說對話」的命題靈感

事實上，展覽概念「自說對話」正體現現代社會快速發展所產生的一種狀態，身處在網路時代，人們會不經意的接收各種訊息，並自然的在認同或不認同的社群貼文中進行回覆，或下意識點選「Like」鍵表達個人想法，而這個過程便產生了「對話」；再進一步預想未來將成為強調個人化及個性化的時代，每個獨立的個體都在傳達並建立自我意識而產生「自說」；除此之外，策展人丁春誠認為：兩個世代間的溝通與連結容易因差異產生「代溝」，以至於失去有效的溝通模式，往往以「自說自話」取代，然而在藝術與美的基礎上，人們是否能換個表達方式，讓「自說自話」成為「自說、對話」呢？因此，丁春誠以書法、茶道、花藝、音樂等創作方式重新詮釋傳統美學，觀者也可於過程中產生與藝術、歷史、創作者之間的「自說」和「對話」。

「自說對話」的場佈概念

場佈概念則以流傳千年的傳統科學「風水」為靈感，於展場中央規劃四個圓形舞台，兩旁則是東京中央沐春堂的靜態展；舞台的圓形代表無限延伸循環，而四方則代表「屬性」、「方位」、「季節」、「色彩」，創作者的舞台更依照「龍騰」（方位東）、「虎處」（方位西）、「鳳居」（方位南）、「龜顯」（方位北）來區分。

四位新銳女性藝術創作者表演亮點！

1. 龍騰（方位東）－春季：茶調酒

由曾獲得「2017百加得傳奇雞尾酒大賽」世界前三的調酒師蔡佳穎，以解構茶酒的三種狀態呈現，並以紅茶、櫻桃、玫瑰、牛奶等元素創作，口感由淺至深，呈現充滿木質調、自然原生意象的感受，「以茶會酒」的方式亦呈現古今交融的韻味；引人注目的是，蔡佳穎全程於一張明代古董桌上展開創作，帶給觀者如欣賞藝術品般的視覺體驗。

2. 虎處（方位西）－秋季：穿越至未來的空間花藝

曾於英國皇室花藝公司服務的花藝師陳亮彤，以繽紛的花材與融入個人風格的插花技巧，堆疊出富有層次的大型空間花藝作品，彷彿在展場中建構一個充滿生命力的花園，亦展現了環境與人類共存的重要性。

3. 龜顯（方位北）－冬季：以人體為紙、情感為墨的異材質書法

旅居柏林的異材質書法藝術家香桃以人體為紙、情感為墨，用現代顏料於表演者與透明材質上創作出充滿當代藝術性的書法，筆觸間盡是力與美的展現，而畫筆也在人體的「實」與透明材質的「虛」之間，充分的流露出創作者的情感。

4. 鳳居（方位南）－夏季：即興創作實驗電子音樂

舞台前放置了30組無線耳機，觀者可自由配戴並於展場一邊聆聽由聲音製作人「Meuko! Meuko!」於現場即興創作的音樂、一邊走動欣賞其他藝術創作與展品。Meuko! Meuko!曾巡迴演出橫跨亞州、歐洲、東南亞等國內藝術節與國際電子音樂祭，更曾擔任台灣美術雙年展「2020 VR裝置：鬼島－獸觀」的開幕演出嘉賓，也在英國線上廣播電台NTS Radio擔任台灣代表主持人，致力於推廣亞州當代實驗電子音樂。

圖片提供｜台北東京中央沐春堂

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）