2021米蘭設計週寶格麗Bulgari「蛻變」展 ！藝術家以不同視角攜手演繹

Bulgari寶格麗在2021米蘭設計週期間，於米蘭現代藝術博物館 (Gallery of Modern Art，GAM) 推出《蛻變》(Metamorphosis) 展覽，持續傳達品牌對於藝術創作與推廣的堅定支持。品牌透過極具原創精神的展場規劃與前衛概念，搭配各種匠心別運的藝術氣息符號學演繹，帶領觀眾踏上蛻變世界的旅程，探索此次展覽的核心主題。

在米蘭理工大學全職教授Alba Cappellieri的藝術指導下，寶格麗述說著品牌經典象徵─靈蛇的故事與神話；蛇 (Serpent) 在世界各地的古老文化中均代表著蛻變與重生的寓意，並且自 1940 年代晚期開始成為品牌前衛設計與創意工藝的重要表徵。

四位跨國藝術大師 Ann Veronica Janssens、Azuma Makoto、Daan Roosegaarde 以及建築師 Vincent Van Duysen 各自發揮獨到的創意語言，於指定場地陳設精彩作品，以不同的藝術視角演繹本次的《蛻變》主題。

《蛻變》述說著形體的進化與持續改變、轉型與創新，同時也是當代創意的基礎概念，這樣的概念已經深植於不斷突破自身領域極限的藝術家、造型師、設計師、哲學家和工藝職人心中，激勵自我不斷進步、成長與革新。同樣的理念，也激發了寶格麗在設計層面持續的突破與創新，尤其運用在 Serpenti 的蛇形符號設計。

展覽於 GAM 的中庭各處陳設，並搭造涼亭，為所有來賓打造舒適宜人的觀賞空間。觀展嘉賓可以循著宏偉的階梯一路進入館內，依據線性規劃的動向穿越四個展廳，逐一鑑賞四位藝術家的展覽藝術作品。

以《蛻變與靈蛇》為主題的創意之旅接著來到寶格麗米蘭飯店 (Bulgari Hotel Milan)，由日本藝術家Azuma Makoto 為本次展覽精心打造的《黃金伊甸Golden Eden》將於飯店的庭園展出。

Azuma Makoto — 《伊甸花園》(The Garden of Eden)

日本藝術家 Azuma Makoto 以擅長運用花卉、水果與植物等大自然元素，創造匠心別運的前衛雕塑作品聞名，在這次的展覽中更呈現了個人對於伊甸園的獨到新詮釋。事實上，這座花園是藉由銅製的幾何形狀樹木呈現，其中以簇葉向大自然致敬，並搭配特別挑選果實、花卉與植物，藉此襯映線條一絲不苟的幾何圖形樹幹與樹枝，營造鮮明對比。大樹矗立於玻璃平台的正中央，可供參展來賓步行在運用大自然元素重現戶外天然景致的平台之上。

在這件裝置藝術當中，蛻變的概念透過了作品的語境表達，畢竟所有的自然元素都帶有生命，因此會隨著時間不斷改變形狀、顏色與氣味。

Azuma Makoto 透過自己的作品，邀請觀眾透過沉浸在使用鮮花果實與植物所打造的人造環境，藉此體驗時間流逝的抽象概念。

Azuma Makoto —《黃金伊甸 Golden Eden》(於寶格麗米蘭飯店展出)

日本藝術家 Azuma Makoto 專門探索花卉與植物所能傳達的意念，自 2002 年起，開拓出個人獨有的「植物雕塑」風格。

《黃金伊甸》是 Azuma Makoto 為迎接 2021 年米蘭設計週，專門為寶格麗米蘭飯店所創作的限定花卉擺設，透過大自然素材及環境，重新演繹寶格麗的代表性靈蛇Serpenti。

透過 3x3 公尺鏡像結構重現珍貴的伊甸園，將使用異國風當地花卉組造的植物雕像，營造出懸浮於半空中的特異風情。其中一半的花卉採金色特殊塗料處理，凝結出雕塑作品的精髓。這件作品所營造的反射影像，改變了花卉構成的形狀，引領來賓沉思於花不斷變化的形狀，感受花朵在蛻變過程的每一刻所展現的獨特珍貴之美。

「我使用花卉，創造明亮動人的組合，透過我腦海當中想像的美好世界，打造出這件作品：一座集聚世界花卉的伊甸園，並透過轉變為金色的花瓣，彰顯花的生命歷程。」---- Azuma Makoto

Daan Roosegaarde —《蓮花之眼》(Lotus Oculus)

由 Daan Roosegaarde 所創作、於米蘭設計週首次登場的 Lotus Oculus，是由上百朵感光花卉所打造的生動藝術作品。本項作品的靈感源自於羅馬古代宏偉的萬神殿，透過光線的變化呈現特殊流動感的美學精隨。Lotus Oculus 是由 Studio Roosegaarde 透過對於寶格麗作品的理解與對話後，激盪而出的全新創作。

Lotus Oculus 是以能對光和熱產生反應的智慧線圈打造，在米蘭設計週期間於歷史悠久的米蘭現代藝術博物館展出。光感的牆面會和觀者互動，花朵透過光線照射後，呈現有如一吸一吐的生動景致。

Lotus Oculus 透過這種光線的互動，為現代藝術博物館充滿歷史性的空間注入不同的當代生命力。精心設計的材質，靈感來自於大自然，同時也受到寶格麗長久以來使用前衛材質的作風所啟發。Lotus Oculus 並且向亙古磅礡的羅馬萬神殿(Pantheon)致敬，並透過打造動作和光影的有機構造，延續萬神殿的壯闊精神。Daan Roosegaarde 將此動態對話稱為「科技詩語」(Techno-Poetry)。

Roosegaarde 透過光和材質之間的有形連結，說明「科技與大自然的蛻變」。Lotus Oculus 尋求人與環境之間的新型態和諧，不僅是一件精心構思的藝術品，也開創出更具有機意識的結構風潮。

Ann Veronica Janssen — 《gam gam gam》

Ann Veronica 自 1980 年代晚期開始，便以光線、色彩和大自然的光學現象為基礎，發展出獨具風格的作品。她使用玻璃、鏡子和黃金等精心挑選材質所代表的屬性，搭配形狀與光線不斷反覆實驗，運用對現實的認知，打造極簡風格圖案與細緻色彩的重複性語彙。

在本次展覽中，Janssen 運用自然光設計出展場專屬的裝置藝術，搭配以極簡風格美學為特色的新作品，並與現場宏偉的建築與華麗裝潢相映成趣。

她的作品是以反射的光學效果主，使人留下場景反覆變化的印象與感受。gam gam gam展覽運用一片專為展廳窗戶打造的金色百葉窗和及六個「水族箱」，運用光學的物理現象拓展觀者的認知。

英裔比利時藝術家Ann Veronica Janssen於gam gam gam展覽運用一片專為展廳窗戶打造的金色百葉窗。

「我運用的主要材料，也包括了光線，在液態、固態、氣態與折射等各種形式中，運用周遭的光線。這就像是某種實驗，可供欣賞者自由查看各種透過光線所釋放出的不同形態。這種放射式的呈現，讓我得以運用不同的方式展示現實。在我看來，很多時候我們必須抽離現實，抽離可見的一切，才能看見其他事物，化無形為有形。(...)這是自由的時間，意味著我們可以觀察並探索其他現象，解讀出另一種現實。」 ---- Ann Veronica Janssen

英裔比利時藝術家Ann Veronica Janssen運用自然光設計出展場專屬的裝置藝術，搭配極簡風格美學與精巧色彩。

  英裔比利時藝術家Ann Veronica Janssen擅長利用光線、色彩和大自然的光學現象為基礎，發展出獨具風格的作品。她使用玻璃、鏡子和黃金等精心挑選材質所代表的屬性，搭配形狀與光線不斷反覆實驗，運用對現實的認知，打造極簡風格圖案與細緻色彩的重複性語彙。 

Vincent Van Duysen —《藏身處》(Shelter)

建築師 Vincent Van Duysen 在米蘭現代藝術博物館內建構了一隅冥想空間，創造出一方靜謐，充分沉澱身心。建築元素以簡單的形狀和豐富材質為特色，打造煥然一新的空間，並透過各種反射創造出新的軌跡。裝置從木質地板設計開始，接著發展為表面和牆面的構面，藉此打造涵蓋金色到銀色等各種金屬色調的迷宮。

巨大的作品透過純粹的形式呈現，座落於展廳中央，完美銜接單純簡約風格、建築形體以及豐富與宏偉的設計構想。如此精緻平衡、巧奪天工的空間，其中蘊藏著極端的創意頻譜。

作品的半透明表面，令人聯想起寶格麗Serpenti系列的設計特色。透過建築風格作品道出展廳及任何看見自身反射影像者的蛻變，打造寧靜的空間和沉澱身心的一方天地。

所有參展作品均使用金屬、花卉、水和玻璃等天然材質予以製造，展現原創生命力，並且遵循循環經濟的做法，不斷回收再利用。2021 米蘭設計週將以個人經驗與數位體驗作為主旨，此外 Bulgari Serpenti Hub 平台也將將一併提供各種展覽相關的特殊內容，說明參展作品與寶格麗Serepnti永生蛻變概念的關連。

比利時建築師 Vincent Van Duysen透過持續專注於本質的空間規劃與構思，打造清楚、永恆的設計，傳遞獨特的建築語言 

資料提供｜BVLGARI

精品如何將奢華化為一種能夠被細看、觸摸和停留的細節？香奈兒台北 SOGO 復興精品店以全新面貌重新開幕，這座橫跨 3 層樓、占地約 280 坪的全台最大門店，透過精心策劃的生活美學空間，演繹一場關於香奈兒風格如何被建構、被行走、被感受的展演。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

走進香奈兒台北 SOGO 復興精品店，會發現 1～3 樓氛圍由開放漸轉為私密，從大氣的迎賓客廳，到 2 樓如主人與親密好友共享的溫馨餐廳，3 樓則是主人享受 me time 的靜謐臥室，就如同置身香奈兒大宅。

空間的整體設計靈感，依舊回到嘉柏麗．香奈兒位於巴黎康朋街 31 號的傳奇寓所，那是香奈兒美學的起點，也是品牌精神最重要的空間原型。品牌長期合作的建築師 Peter Marino 的設計思維，是將藝術融入建築，以黑、白、米、金等品牌經典色調為基礎，透過純粹線條、層層遞進的材質關係，以及當代藝術與設計收藏，重新建立一種專屬香奈兒的感官秩序。

重新定義優雅的移動體驗

店內設有兩座電梯，其中一座為香奈兒亞洲店鋪首座透明電梯，由於 SOGO 復興館本身具有特殊挑高結構，讓顧客在移動中依然保有視野的延展感，感知整個精品店的開闊尺度與垂直層次。另一座金色電梯則近乎一件移動中的藝術品，每層的電梯門片圖騰皆不同，皆由 Peter Marino 邀請設計師於美國量身打造後專程運抵台灣。內部由全金色特殊凹凸紋理金屬面板包覆，金屬表面的光影、手感與色澤在近距離中格外迷人，短短數 10 秒的移動，也像一段被精緻設計過的沉浸式體驗。

步入傳奇寓所般的 3 層風景

1 樓主要展示包款、配飾與腕錶高級珠寶空間，是整座精品店最直接與品牌經典符碼對話的起點，透過材質對比、比例安排與光感控制，建立一種既洗鍊又從容的迎賓氛圍。店內專屬腕錶與高級珠寶區，則讓 COCO CRUSH、N°5、J12、Première 等作品，在更靜謐的空間節奏裡發光。

Peter Marino 也特別挑選立體織紋地毯，這種地毯因為養護難度高，在一般商空中極少見，卻讓人在步行其上時感受到近乎「回到家」般的柔軟與包覆感。更耐人尋味的是，地毯的立體流蘇細節，也被視為向現任時尚總監 Matthieu Blazy 致意，令人聯想到他在設計中對斜紋軟呢織紋與材質肌理的創造性發揮，牆面與地毯之間彼此呼應，形成近似雕塑表面的立體紋理。

豐富多元的沙龍表情，工藝細節隱藏於牆面及試衣間

2 樓以藝術家 Nancy Lorenz 的金箔鏡面作品作為視覺焦點，其不規則圓形鏡面以金箔、石膏與鏡面材質構成，散發出帶有手工感的細緻光澤。Nancy Lorenz 擅長將東方工藝與當代藝術結合，抬頭可見由 Goossens 金銀工坊製作的水晶吊燈，以鍍金鏈條與水晶組成華麗但節制的光源裝置，再次提醒人們，香奈兒對工藝的重視從服裝延伸到了整體空間的每一處細節。

步上 3 樓，高級時裝空間的氛圍更顯私密，可見 Julian Lethbridge 的抽象石版畫、Frank Thiel 的建築攝影、Agnes Martin 的極簡幾何作品與 Minjung Kim 的韓紙創作，共同構成最深刻的藝術背景。它們分別從層疊、秩序、結構與材質出發，呼應香奈兒在服裝世界中對版型、比例、表面與工藝的持續探索。

家具配置也同樣講究，Aaron Poritz 的拋光青銅雕塑座椅、Thierry Leproust 的幾何造型桌、Christophe Côme 以石材、金屬與玻璃打造的訂製咖啡桌，都不只是被放進空間裡的物件，而像是將香奈兒經典語彙轉化為立體形式的媒介。尤其 Côme 的作品中可見近似珍珠裝飾的細節，更巧妙呼應品牌歷史中極具代表性的珠寶語彙。

全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon

這次空間更新中極具象徵性的，還有全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon，以溫暖的金色布面牆、柔和的小圓桌與沙發構成，營造出安定、放鬆且帶有親密感的氛圍，像是香奈兒將「照顧」納入空間設計的一種方式。它不再只是販售精品的場域，更是一個讓關係得以被維繫與深化的地方。

若再繼續細看，會發現牆面與更衣室的細節，掛衣桿後方牆面的立體壁紙，帶有近似雕塑般的表面起伏。部分更衣室牆面上的繃布，遠看猶如石牆或建築材質，實際上卻是布料本身；某些區域甚至直接以斜紋軟呢布料包覆牆面，將時裝材質真正帶入建築之中。更衣室門板則同樣為特別訂製後自美國直運來台，每一扇都是全台唯一、不可複製的作品，勃根地酒紅色與立體織紋般的造型，傳遞品牌一貫的色彩記憶與工藝氣質。更值得一提的是，更衣室牆面上的立體山形紋圖騰，甚至由工匠現場手繪完成，使試衣空間本身也成為一種可被閱讀的表面藝術。

香奈兒台北 SOGO 復興精品店不僅蒐羅了多件藝術與設計作品，更清晰呈現一個品牌如何透過空間，將自身的歷史、工藝與美學價值轉化為可被感知的經驗。從動線安排、材質紋理到藝術收藏與細部裝飾，這裡所建構的，是一座在城市中心被重新打開的香奈兒美學居所，讓人在行走、停留與凝視之間，讀出品牌優雅而細膩的精神世界。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜CHANEL}

愛馬仕以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為設計起點，在台北SOGO復興專門店三層和諧空間中展現16 大工藝領域；巴黎建築事務所 RDAI 使空間色彩隨動線鋪展，彷彿由黃昏逐步走入夜幕，此次店裝重點在於以材質、觸感與在地工藝巧思，連結品牌傳統與台北城市脈絡。

轉譯一座城市的日常紋理

如果說過去的精品店強調品牌識別與商品展示，今日的「城市型旗艦空間」則必須承擔更多任務：店鋪不只陳列商品，也必須成為品牌如何理解一座城市的證明。

愛馬仕台北 SOGO 復興專門店將台北的屋頂、街道、霓虹、珠簾、夕陽與材質記憶，重新編排成一座可行走、可停留、可觸摸的品牌之家。全新空間由巴黎建築事務所 RDAI 操刀設計，以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為靈感，細膩展現愛馬仕 16 大工藝領域。

珠簾、竹材、花磚與城市記憶

專門店外牆鋪陳以天然材質製成的陶瓷磚，溫潤而內斂的色調與百貨建築外觀自然融合；面向商場內的入口立面，則以方形與長方形上釉陶瓷磚構成，呼應城市中傳統屋頂常見的幾何輪廓。

其中，1980 年代公寓常見的珠簾語彙，被轉化為落地窗上的精緻工藝裝飾；象徵居家記憶的花磚意象，則被重新演繹為包覆空間的視覺層次。珠簾是非常有台灣生活感的物件，它曾出現在玄關、客廳、門廊與騎樓之間，當這樣的語彙被帶入愛馬仕店鋪，它並沒有成為懷舊佈景，而是被拆解為線材、垂墜感、半透明的視覺節奏，以及光線穿透時的微妙層次。

不同時段的光影流轉

走進一樓，首先迎來的是以暮色為基調的溫暖色彩，並點綴柔和洋紅色調，賓客首先走進絲巾世界，並可同時瀏覽時尚配件、香水與美妝系列；整體空間由品牌標誌性的 Grecques 燈飾柔和照映，店內深處則設有珠寶與腕錶專區，營造較為私密而靜謐的氛圍。

一樓屏風牆面也格外值得停留，它融入在地工藝製作的線材，並交織愛馬仕絲巾布料餘料，這樣的材料處理，也呼應愛馬仕長久以來對工藝、時間與物件生命的思考。絲巾不只是被展示於櫃上或披掛於身體，它也能成為牆面的一部分、光影的一部分，甚至是空間記憶的一部分。

二樓陳列皮件與居家系列，並轉向更具生活尺度的觀看方式，空間以明亮色調呈現，量身訂製的地毯形成鮮明對比，其視覺靈感取自城市霓虹燈光的流動感。 櫥窗則以「新北投車站」為靈感，展開一段從車站駛向太平洋的想像：火車、海浪與時間流動的意象交疊，為整座店鋪增添近乎電影感的敘事。

台北是一座高度移動的城市，人們在捷運、車站、百貨、辦公樓與巷弄之間穿梭；而太平洋則像是城市邊界之外的遠方。當火車與海浪的意象出現在櫥窗裡，彷彿將台北人的日常通勤，轉化為一段介於現實與夢境之間的旅程。

三樓空間則迎向更充沛的自然光，地面圖案靈感源自城市街道紋理，引領賓客探索男仕系列、女仕鞋履與成衣區域。 從一樓的暮色、二樓的霓虹與移動，到三樓的自然光與街道紋理，整體動線像是將台北一天的光線壓縮進垂直空間：從黃昏開始，經過夜色、城市燈光與流動的街道，最後重新回到明亮的日常。

整間台北SOGO復興專門店，在三層樓之中涵蓋愛馬仕 16 大工藝領域，從絲巾、時尚配件、香水美妝、珠寶腕錶，到皮件、居家、鞋履與成衣，構成一條由材料、光線與生活場景串起的動線。

藝術讓觀看「慢」下來

全新空間也配置了來自 Émile Hermès 收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列的作品。法國藝術家 Jean Baptiste Petit 的《Feux de brouillard》與《Crépuscule》，透過光影與景深的處理，與店內由暮色、夜幕至自然光的空間節奏形成呼應。

這些作品的存在，使藝術在這裡不是裝飾性的附屬品，而像是動線中的停頓符號，讓人不由自主轉而注意牆面、光源、陰影與行走速度。當工藝物件、藝術收藏與建築材料同時存在，空間便不再只有展示功能，而開始承載更豐富的感受層次。