2021香山濕地藝術季「海有來過」，將在10月9日至10月31日於新竹市香山區登場，其沿著台灣海峽西海岸總長17公里的海岸濕地為展場，並邀集阿部乳坊、范承宗、王煜松等7組藝術家/團隊創作7件作品，並希望每位來訪者能在此找到自己與這片海的交集之處。此外，10月9日至10月10日也將在香山濕地生態公園（賞蟹步道旁）舉辦海有市集，現場將集結具新竹風味特色的風格小店。

新竹香山海岸線上的7組藝術家／團隊打造7件藝術作品

香山濕地為國家級重要濕地，此次香山濕地藝術季以「海有來過」為主題，創造出一幅海洋文化、濕地保育與環境藝術共生的藍圖，讓阿部乳坊、范承宗、王煜松、劉致宏、黑生起司、擷果創意、見域工作室，打造出的7件作品，勾勒出海的輪廓，而每件坐落於流動風景之中的展品，也藉由人們不同的觀看方式，讓原本的風景再次被看見、擁有全新想像。

交通方式：

1. 單車：從17公里海岸線開始，慢慢騎腳踏車，直到17公里海岸線終點

2. 火車：從「三姓橋」車站-->香山車站-->17公里海岸線終點

3. 開車/走路：藝術品錯落在「西濱快速道路台61線」

作品1｜旅人計畫四：風與海

藝術團隊｜阿部乳坊

地點｜賞蟹步道

這是藝術家阿部乳坊「旅人系列」中第四件雕塑作品，旅人系列作品探訪過歷史山城、平靜的稻田、充滿生命力的臨海小島，每一次的旅行，旅人都與自然、天空、大樹、居民、野生動物和流動時光靜靜的相處，如今，旅人到了新竹香山。 

在風與海之間，旅人側耳傾聽，聽著空氣中氣流湧動、海浪潮汐及螃蟹橫行的聲音，與此地的風、流與浪合而為一。希望觀者能透過這部作品對香山有更真切並溫柔的感受。

作品2｜相同與不同

藝術團隊｜見域工作室x王阿福

地點｜美山社區

香山濕地有著豐富的自然資源，在地居民及攝影師以相異的媒材和視角，呈現相同與不同的「我與香山」。攝影師王阿福所創作的《過去蚵田裡Into The Oyster Farm》系列，記錄美山社區的養蚵人家，從柏油路、沙灘、潮間帶，利用各式交通工具移動、運送蚵。不論柴油車碾壓沙灘無數次產生的胎痕，竹筏驅趕水流逐漸獨立的通道，亦或人的步伐，踩踏在蚵田間形成較厚實，且易於站立土壤，養蚵人用歲月及交通工具，刻畫潮汐和風雨也難無法抹去的紋理。

作品3｜The Rising Tide. 海浪的痕跡

藝術團隊｜黑生起司

地點｜朝山舊海堤

新竹因香山港繁榮成庄，百年天后宮護民興旺，舊時更有海水漲潮至宮門前，地方回味無窮。黑生起司 HEY SHENG 設計團隊以「海浪的痕跡」為設計發想概念，創作現地街道家具裝置藝術：The Rising Tide，材質以金屬烤漆海浪色系：深藍、淺藍、白色三色，交錯連綿自成景，座腳造型來自觀察退潮後，潮間帶意象：礁岩，連結紋理情感記憶。

作品置於香山天后宮廟埕外圍舊海堤旁，提供當地居民與全國各地的香客/遊客使用，在參訪百年莊嚴古剎之餘，可坐憩體驗爾時風情，感受香山濕地之美。

作品4｜平安符新演繹

藝術團隊｜擷果創意

地點｜香山天后宮

香山天后宮為當地出海人祈求平安順利的重要信仰，同時也涵養了香山的土地、人文及生態產業。透過平安符的重新設計與詮釋，期待能從中感受更多故事及祝福。

平安符以天后宮建築特色結合環境意象為設計理念，將三川殿屋脊與媽祖頭飾巧妙融合，同時保留其入口特別的螺紋抱鼓石及濕地生態的鮮明元素，搭配背景的浪花圖騰，整體展現專屬香山的想像與能量。

作品5｜Tide潮汐的網 

藝術家｜王煜松

地點｜海山漁港

這是一個潮汐捕捉計畫。地球上水體的規律性高度變化稱之為潮汐。主要由月球，地球及太陽相對重力作用所引起，由於月球離地球較近，月球對潮汐漲落的效應大約為太陽的兩倍。

台灣西部地區沿海，因地形較於平緩的緣故，造成海水漲退面積更大，潮間帶面積也較廣闊。香山這塊土地所處的地點，潮汐的變化使這裡有時是海有時是陸地，而產生豐富的生態資源，從地圖上可以觀察到實際的陸地與圖上的形狀面積不太相同，這裡的地貌屬於不固定的狀態，這裡的生態環境就在這樣漲退之間不斷的循環，日復一日，年復一年。

以定置漁網做為概念，藉由看似無意義的潮汐捕捉計畫，去感受我們在這個宇宙所受的作用力。

作品6｜The Waves逐浪

藝術家｜劉致宏

地點｜鹽水公園籃球場

濱海的新竹香山鹽水一帶，北臨海山、南接鹽水港溪，是臺灣首項填海造陸的海埔新生地，香山天后宮為鄰近的漁民信仰中心，而鹽水港聚落(鹽水里)，歷史可上溯清末以此聚落建立「鹽水港庄」等，在在證明了此處曾近海咫尺。

此次藝術家劉致宏以鹽水公園過去濱海為圖像化發想，將一波波浪潮湧上岸際的漸層彩繪意象，連結球場上、公園裡的孩子們追逐跑跳，營造一處踏浪、逐浪與擁浪的場域，溫柔包覆，同時也更加認識了這塊土地的過去與現在。

作品7｜築巢計畫IV白鶺鴒

藝術家｜范承宗

地點｜南港賞鳥區

藝術家范承宗向創作基地所棲息的自然動物建築師學習牠們的築巢方式，並以人類的構築材料與技藝詮釋，致敬存在牠們血液中、寫在土地裡、沒有教學天生就會的精采本能。

本次在香山濕地的創作，根據賞鳥區的生態特色，其豐富的生態環境吸引了候鳥進駐，一年四季裡有著大量的鷺科、燕科、文鳥科等鳥種出沒之外，秋冬交接時，還有數量可觀的雁鴨科鳥種。於此，他搭建了一座鳥巢裝置，歡迎人們走入其中歇息片刻，透過如鳥在巢的視角與體感，提醒著人們對濕地生態保育的關注。

2021香山濕地藝術季「 海有來過」
展覽日期：2021年10月9日至10月31日

市集日期：2021年10月9日至10月10日，13:00～18:00
展覽地點：新竹市香山區-賞蟹步道、美山社區、朝山舊海堤、香山天后宮、海山漁港、塩水公園籃球場、南港賞鳥區。

臉書專頁：香山濕地藝術季

文字、圖片提供｜擷果創意Harvest Ideation

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}