2021年花蓮臺灣原住民族文化館「來時路 - 攝影展」，於2021年10月1日至10月31日免費開展，策展人蔡昇達把中央山脈的森林搬進花蓮市區的場館內，讓所有觀展者，仿佛走進山中，打開五感的全新體驗。

這場攝影展，是2018年2021年間蔡昇達與布農族青年深入中央山脈踏查過程所留下的影像紀錄，抽絲剝繭出其中20張影像在現場呈現，觀展手冊中還有另外未展出的16張影像，「我們用一捲底片的照片張數，來訴說這段踏查的歷程。」最後這些影像都會變成部落的資產，重新回到部落中被收藏。

「來時路」的展期僅一個月，是否考慮延展？蔡昇達斬釘截鐵的說：「不可能。」細究其中原因，其實是在布展前，就已經考量到植物在被包黑的場館中，無論生命力再強，缺少陽光，最多也只能活一個月，再延長只會發臭長蟲「這是一開始就被設計進展覽中，是我想給大家的感受，一個月之中，每次來看展，植物的狀態和氣味都不同，就會有不一樣的感受。」10月底展覽進入尾聲，植物的葉子開始枯萎萎縮，枝幹的線條也比開展時來得更明顯「這也象徵著無形文化資產，與地方生活文化，本來就會不斷變動，即使定期澆水、有專人照顧，還是會逐漸消失。」他希望每個人都能透過展覽，同時也感受到（植物）生命的歷程。

回到展覽的核心「保留部落文化，必須非常努力，只要缺少某個環節（像植物一樣），文化就會消失或死去。」蔡昇達以「語言」為例，很多人走進地方和部落都會發現，很多語言、單字，常因為它在生活裡消失、不再使用某個東西，這個字詞也會跟著不見（很多在地方言也面臨同樣問題），某些「文化」也會隨之消逝。

可以被回收再利用的展覽

僅展出一個月，不免讓人覺得可惜，蔡昇達卻說，這裡的每件都吸，都會再去其他地方被「再利用」。除了前面提到攝影作品，會被帶回馬遠部落，作為部落活動中心的展示品外，場內強韌的植物，已經被認領完畢，撤場時都會被（領養人）帶走；把展場包黑的絲質黑布，會被帶回山上，作為溫室種植植物時的遮陰網布；竹構廊道的竹子，變成梯田山民宿升火的火種；展場中的4噸落葉，也會回歸自然。最終，不會留下太多不必要的垃圾垃圾。

除了攝影作品，還有一部關於來時路的紀錄片，已經有其他單位正在洽談，希望能在更多地方播放「這也是我策展的初衷，要讓這些珍貴的文化資產被關注、被發現價值，大家能從不同角度觀看，受到感動後也想要進一步參與。」

2021年「來時路」攝影展，並不是舊社活化計畫的終點，未來他們還要持續上山，如果有更多人被攝影展感動，而願意一起上山，修復舊房舍、做紀錄等，將來就有可能以更有趣的面貌，讓大家看到更多山裡的故事！

策展人蔡昇達的「來時路」

（擷取自蔡昇達臉書）

從2006年踏進馬遠部落，到2018年那趟從花蓮翻越中央山脈回到丹大舊社後抵達南投地利村的路途裡，我在地利村族人的接待晚宴上對著大家說：「謝謝Bunun帶給我的一切養分，我會用自己擅長的方式，一步一步把得到的知識、感動，傳遞到更遠的地方。」後來，我們去了歐洲四國講唱、在台灣各地大大小小的場合分享，除了說，我們也寫，讓這段路途的所見所聞與核心精神化為文字，出現在報章雜誌之中留下紀錄，並且在2020台灣文博的開幕儀式，放在最重要的結尾，在全國媒體前播放。

和Bunun在中央山脈裡生活著所有感受，那些看得見與看不見的古老智慧，會用各種形式衝進身體的每個細胞裡，影響的餘韻總是在每個心靈需要力量的時候，一波一波的送到面前，永遠不致匱乏。

這次有這樣的一個機會，讓我們以這段踏查尋根為題，用很純粹的方式向大家分享。「創造場域、沒有文字、還原現場、讓人待著。」然後就搞死一堆人了，包含我自己。但在這樣的過程中，漸漸的發現，其實那些中央山脈與Bunun教給我的事情早就內化成生命的一部分，沒有以誰為主，講好要前往的目的地，自然而然的每個人都會找到自己的位置，一起工作。

這檔展覽對我來說根本不是想「展示什麼」，而是在山下儘可能的捏出一個我們對於中央山脈可以落實在生活裡的一種想像，讓走進這個場域的人們，可以引發大家的好奇與討論，只要開始問問題、對話，就有繼續走下去的多元方式和可能，也許最後真的可以在承接老人家留下來的珍貴文化資產之下，走出一條屬於我們的路。

「熊為森林中的靈，布農人為山林中的魂，此視覺遠看像是人於夜晚中手持強光照亮前方路途，如同那被隱藏於山林中的關門古道，需要被探照、關注，才不致於消逝於自然之中。近看時，由下往上的觀看方式，如同人在黑夜中狩獵的頭燈，由人的視角與黑暗中的獵物眼神對視，倒轉後即轉換為動物的視角盯上闖入森林的人類。橫式觀看為空拍視角，小小的人類在大自然面前顯得渺小，置身於被風吹拂的芒草園中找尋出路，細看實為黑熊毛皮的紋理。將人、環境、動物、植物、生活習慣、信仰、授獵文化與布農族群的世界觀融為一體，這也是貫穿整個展覽的精神。」

攝影只是工具，身在現場才是真實。

【來時路 - 攝影展】

展覽時間｜2021年10月01日(五)至10月31日(日) 周二至周六08:30-17:30

展覽地點｜花蓮臺灣原住民族文化館（花蓮縣花蓮市北興路460號）

參觀資訊｜免費公開參觀　※請參照現場防疫規範依序參觀

策展單位｜森深試務所有限公司（策展人蔡昇達）

協同策劃｜郭虹吟

藝術顧問與主視覺設計｜范承宗

藝術行政｜高韻涵

資料提供｜森深試務所有限公司

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}