蒂摩爾古薪舞集（Tjimur Dance Theatre）以排灣族屏東的地磨兒部落（三地門鄉）為根據地，為臺灣首支以排灣族文化為主體性之當代職業舞團。在排灣族的文化中，因無書寫文字，自古以來族人們多以口語歌謠、以歌入舞的方式來表現內在的深刻情感。蒂摩爾的每一支舞碼作品創作的核心都是來自排灣族的文化底蘊，將母體文化的養分、地磨兒部落生活、社會現況，一一重新架構、舞出全新的現代舞敘事，成為臺灣獨樹一格的當代舞團。

從吟唱古謠的呼吸法，找到當代排灣舞蹈的語彙

2006年成立舞團時，創辦人暨藝術總監路之．瑪迪霖的初心是給部落的孩子們一個可以學習、傳承的平台，但在舞團第一次正式公演後，台下的觀眾很感動，她和弟弟巴魯．瑪迪霖──舞團的舞蹈總監、編舞家卻不僅僅滿足於此，開始反思到底什麼是真正的排灣當代舞蹈的身體，「為什麼我們只能學習西方的肢體？只是放入排灣古謠和四步舞就夠了嗎？有沒有一種專屬於排灣當代的身體語言？」因為沒有前例可循，當眾人質疑、沒有人相信他們可以，反而更堅定了路之的決心，「我天生帶著一種叛逆的性格。別人覺得不可能的事我越想去做，證明給大家看。」

數年摸索的過程中，路之眼見部落的古謠漸漸沒落，她開始帶著團員們向耆老們學習傳統勇士舞與古謠，當族人們看到非本族人和女性竟然在重大祭典上表演，出現很多反彈的聲音，卻也激起年輕一輩重新投入學習的傳承意識。路之也發現吟唱古謠時，舞者們的身體因不同的呼吸方式，自然而然產生了一連串的動作，「那是一種由內而外，自然產出的身體律動。」路之以此為基礎，建立出一套蒂摩爾身體技巧，突破舞者使用身體慣性，終於找到排灣當代的肢體語彙。（這兩年路之也將其發展成一般人也可以學習使用的呼吸法，讓身體找到更好的吸吐頻率。）

藝術在生活裡，生活在部落裡

2018年，蒂摩爾正式轉型成為職業舞團，因為沒有資金、沒有後援，路之學著寫計劃書、申請補助，舉步維艱地只期望讓更多人看到排灣當代舞蹈。一路走來，舞團的舞者人數一直維持於四人到六人左右，團員緊密地生活在一起，不論學習還是創作、排練都在部落裡，從過去克難無隱私性的排練場，到這兩年改建的三層樓的創作基地，都是成員們帶著家人親自手動慢慢打造出來，「我們創作的養分與根都在這裡，從來沒有想過要離開，藝術就是一種生活。」2018年起，路之更在地磨兒部落推動舉辦《TJIMUR藝術生活節》，邀請國際藝術家來台駐村，如2020年邀來比利時的視覺藝術家、日本的舞踏舞者，來到地磨兒部落裡與團員們共同創作在地性的實驗性作品。

因疫情誕生的年度新作，賦予舞蹈藝術平權

自2014年參與愛丁堡藝穗節演出後，蒂摩爾時常受邀至國際各大藝術季活動中演出，舞蹈總監巴魯將傳統文化、部落生活轉譯編創為全新概念的當代舞蹈，佳評如潮。一場疫情，讓世界翻天覆地，原定今年五月要前往「義大利靜默藝術節(Festival del Silenzio)」演出《Varhung～心事誰人知》的手語版，遇疫情取消，卻也因此在他心中種下了「為聽障者而舞」的種子。疫情期間舞團所有演出都停下，面臨無演出無收入的困境，巴魯此時選擇讓自己沉澱下來更潛心創作，「在這部作品剛完成時，曾邀請聽障朋友來觀看，居然沒人看得懂，當下打擊很大，才知道原來每個國家都有一套自己的手語。」受到回饋洗禮之後，巴魯反覆修改編舞，同時融入國際、義大利及台灣三種版本的手語，才成為一支所有人都能「看懂」、享受的舞蹈藝術──蒂摩爾15周年的年度力作《kemeljang．知！所以？》。

kemeljang為排灣族語，意指了解、懂得，海報主視覺上的舞者口中的那片月桃葉，與排灣族人的生活息息相關，族人們會以月桃葉編織嬰孩的搖籃，以其包裹「吉拿富cinavu」（傳統食物之一），古時候更以月桃葉箱葬先人。巴魯便將生活中摘採月桃葉的砍、撥、捲等動作，轉化為舞蹈，「其實手語離我們並沒有這麼遠，日常生活中處處都有著『比手畫腳』的肢體動作語言。」路之說，只要用心「聆聽」，在語言之外，也能了解彼此的心。此新作除了於今年年底有實體演出，也將由黎宇文製作統籌，呂威聯執行導演的三十分鐘舞蹈電影版本，於線上放映。

文 | 黃阡卉 

圖片提供 | 蒂摩爾古薪舞集

從北法杜維埃、巴黎康朋街到加州好萊塢，香奈兒女士（Gabrielle Chanel）以服裝解放女性身軀的精神和創意，不只出現在時裝店、伸展台，更融入電影、芭蕾舞劇。她熱衷於藝術，與畫家達利、畢卡索、尚．考克多都是好友，更透過時尚與舞蹈、電影、文學等藝文領域交流，這份精神至今仍深植香奈兒（CHANEL）品牌DNA。

香奈兒與藝術文化的不解之緣

無論在世界或台灣，面向學生或專業人士，香奈兒與藝術文化領域的交集皆緊密而連綿，2021年「香奈兒文化基金」（CHANEL Culture Fund）成立後朝向更深入、更系統化的發展。

放眼世界，「香奈兒文化基金」資助理念相符的藝文場館，也透過「CHANEL Next Prize」挖掘全球創意新銳；線上則有眾星雲集的Podcast頻道《CHANEL Connects》，探討當今與未來文化趨勢。視線拉回台灣，則有近兩年與臺北表演藝術中心合作的「Camping Asia」及「Dance Talk」計畫，各以藝術營隊、講座及工作坊為形式，啟發新世代的藝術靈光；更於今（2024）年8月，邀請香奈兒品牌藝術文化大使蒂妲・史雲頓（Tilda Swinton）首度來台演出。

想更了解這些計畫各自都實踐了些什麼？請繼續往下看。

01／攜手世界5座藝文機構，推動性別平等、永續建築計畫

先聊聊「香奈兒文化基金」創立第一年（2021）的重大計畫，其資助全球5間藝文機構推動未來計畫，在與倫敦英國國家肖像館、莫斯科GES-2的合作中，以推動藝術界性別平等為目標；在巴黎龐畢度中心，思考未來建築的可能性，推進結合生態思考、永續理念的都市規劃研究；在洛杉磯地下博物館、上海當代藝術博物館兩地，則聚焦於鼓勵、挖掘卓越策展人與年輕創作者。雖然各場館推廣藝術的手法不盡相同，但都不離追求創新、鼓勵創作自由的本質。

02／為新銳提供創作基金、建立人脈網絡

現已舉辦兩屆的「CHANEL Next Prize」，更著重於藝術家本身，每屆從音樂、舞蹈、表演及視覺藝術等領域，評選出10位將帶動改變浪潮的創作者，他們會獲得10萬歐元創作基金，還能進入香奈兒版圖擴及全球的藝文社群，參與為期兩年的交流計劃，累積經驗與人脈。值得一提的是，「CHANEL Next Prize」獎助對象不分年齡、性別與國籍，只要對藝術抱有熱情、對自己的作品夠有信心都能報名。

03／Podcast齊聚名家開講，深度剖析藝文產業

將頻道從線下轉到線上，《CHANEL Connects》Podcast目前已推出4季，每季邀請多位思想領袖、創作者對談，領域涵蓋藝術、建築、設計、電影等，有西班牙國寶之稱的女演員Penélope Cruz、曾設計2018蛇形藝廊展亭的墨西哥建築師Frida Escobedo等都曾作客節目。

最新一季，《CHANEL Connects》以全球最具影響力的國際藝術展——「威尼斯雙年展」——為主題，由香奈兒藝術與文化部門全球負責人Yana Peel主持，帶聽眾認識形塑當代文化的關鍵人物。全季共有9集，錄製地點就在威尼斯雙年展現場，除了有制定雙年展排程的幕後推手現身說法，多位藝術家、設計師、策展人、編輯也接力開講，陣容包含現正於北美館展出《威廉・肯特里奇》個展的南非藝術家William Kentridge、倫敦泰德現代美術館國際策展人Alvin Li、美國平面設計師Michael Rock等。

透過一系列的面對面對談，他們探討著文化領域的大哉問：現今最迫切需要的思維是什麼？新科技是否會為藝術實作帶來創新？國家展館如何提升國際能見度？也打開觀眾對欣賞藝術的不同想像。

04／攜手北藝中心造「未來藝術學苑」，促進台灣與國際間的藝術交流

接下來將目光聚焦於台灣，2023年底登場的藝術盛事「Camping Asia」便是由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心、香奈兒三方合作，將起源於法國的「Camping」藝術計畫帶到台灣，以「亞洲」為核心、「藝術營隊」為概念，在台北打造一座「未來藝術學苑」，串起台灣與國際之間、在地各藝術院校之間的交流，也讓學生們有機會直接與藝術家近距離學藝。

05／「Dance Talk」版圖擴及南台灣，啟發新世代藝術靈感

延續「Camping Asia」的成功，香奈兒2024年再度與臺北表演藝術中心合作，邀請香奈兒品牌藝術文化大使蒂妲・史雲頓（Tilda Swinton）首度來台，演出《親愛的帕索里尼》這部時尚、電影與藝術交織之作，一同推廣表演藝術在台灣、甚至是亞洲的發展；而首屆「Dance Talk」，則是香奈兒與臺北表演藝術中心合作、高雄衛武營國家藝術文化中心，三方共同策劃，同樣以啟發下一世代的藝術靈感為使命，邀請台灣重要的舞蹈創作者：何曉玫、布拉瑞揚、董怡芬、周書毅、周章佞、簡晶瀅，帶來一場跨世代的對話和身體律動工作坊。

同時，香奈兒也以更直接的鼓勵年輕創作者，支持國立臺北藝術大學舞蹈學院，將於年底重製再現德國傳奇舞蹈家碧娜・鮑許（Pina Bausch）的經典舞作《春之祭》（The Rite of Spring）。

首演於1913年的《春之祭》，最初版由俄羅斯芭蕾舞團在巴黎香榭麗舍劇院上演，當時以前衛的音樂、編舞引起台下一陣騷亂，甚至因為與時下流行的芭蕾舞劇風格相去太遠，讓部分觀眾憤而離席，更有趣的是，當天香奈兒女士也是座上賓，見證這一切發生；然而，開演當晚的混亂並沒有阻止《春之祭》成為經典，吸引大批後世音樂家、編舞家重新詮釋，其中碧娜・鮑許創作於1975年的版本就極具代表性。

從1910年代至今，香奈兒始終延續著香奈兒女士對藝術的熱忱、參與並資助藝術的實踐精神，持續拓展與世界藝術文化產業的連結，同時深化與在地聯繫的深度，賦予創作者更多動能，為文化地景創造更多可能。

仙后降臨台灣！Tilda Swinton（蒂妲・史雲頓）將於今年8月下旬首度訪台，在臺北表演藝術中心藍盒子演出《親愛的帕索里尼》（Embodying Pasolini）。這場結合電影、時尚、歷史的華麗之作，由時尚歷史學家Olivier Saillard（奧利維耶・薩亞）構思，向義大利傳奇名導帕索里尼致敬，在義大利、法國、希臘皆引起熱烈迴響，這回首度跨出歐洲、來到亞洲，首站就選在台灣。

從爭議到傳奇，電影迷不可不知的帕索里尼

帕索里尼是20世紀義大利最具影響力的電影導演與詩人，獲得柏林、坎城、威尼斯3大影展肯定，也備受影評人推崇，卻也極具爭議。他一生拍過12部長片，在《馬太福音》和《索多瑪的120天》的視覺和敘事上，有著極高的藝術成就，更挑戰了當時的社會道德觀和審查制度。他毫不避諱地抨擊社會不公、反對消費主義，也對宗教、學生有所批判，時常成為爭議的焦點。

《親愛的帕索里尼》賦予電影服裝嶄新可能　

《親愛的帕索里尼》劇中近30件服裝，都是曾出現在帕索里尼電影中最具影響力的設計，來自《索多瑪的120天》、《一千零一夜》、《坎特伯雷故事集》、《十日談》、《馬太福音》、《老鷹與麻雀》、《伊底帕斯王》、《豚小屋》等經典電影。

這場表演別開生面地由「服裝」擔綱演出，而Tilda Swinton與Olivier Saillard是重新賦予它們靈魂的角色。舞台上，演員從箱子中緩緩取出戲服，依序穿上或凝視它們；在觸摸與眼神流動之間，這些服裝彷彿不再是「物件」，而是栩栩如生的「角色」。

Olivier Saillard認為，「劇服是服裝的極致，每一件衣服只為了一部電影而生。但我們的想法是分析電影結束後，服裝還能夠提供什麼、不能提供什麼。」這場表演中，沒有劇情、也沒有事件，服裝從演員的身體抽離開成為主角，而Tilda Swinton成為完美的載體，她隱藏在布料後面，揭示服裝的另一面。

與服裝演對手戲的Tilda Swinton，也在互動過程中感受到服裝的靈魂，她說：「當觸摸《坎特伯雷故事集》中帕索里尼本人穿過的服裝時，仍能感受到它的顫動；當談到《索多瑪的120天》的服裝時，每個人都會感受到一種令人興奮和危險的感覺。」

他為服裝注入靈魂，特效無法取代的奇幻詩意

《親愛的帕索里尼》表演中出現的戲服，由兩度獲奧斯卡「最佳服裝設計獎」肯定的設計師Danilo Donati（達尼羅・多納蒂）為帕索里尼的電影特別設計，這些服裝不僅是電影道具，更是電影靈魂的一部分。

Danilo Donati被義大利知名編劇Vincenzo Cerami（文森索・希拉米）形容為「稀有精緻的藝術家，感性的材料操控者」，他在材質、色彩的選擇上不落窠臼，更大膽翻玩服裝結構，創造出立體垂肩花苞袖等令人驚艷之作，美學獨樹一幟。

義大利名導Gianfranco Angelucci（弗蘭科・安傑盧奇）如此評價這位設計師：「他徹底顛覆了義大利電影的視覺品質，將電影推向任何特效都無法媲美的奇幻詩意之巔。」

除了為帕索里尼設計戲服，Danilo Donati也曾參與影史上多部經典，像是1968年的《羅密歐與茱麗葉》、1997年的《美麗人生》等，生涯累積超過40部電影作品。Danilo Donati在2001年過世後，出自他手的約40件服裝，由負責製作的法拉尼工作室（Farani Workshop）悉心保存，如今被Olivier Saillard與Tilda Swinton聯手翻出，透過《親愛的帕索里尼》賦予其新生，成就一場以服裝為主角，像是行為藝術、又如神聖儀式的表演。

門票何時開賣？

《親愛的帕索里尼》將於7月17日開放北藝中心會員預購，7月24日全面啟售。同時，北藝中心也以「深度閱讀」的形式，規畫多場「北藝人物」系列講座及大師影展，為觀眾打開多角度閱讀經典作品的視角。

《親愛的帕索里尼》臺北場

表演場地｜臺北表演藝術中心 藍盒子

門票資訊｜購票請點此，7月17日開放北藝中心會員預購，7月24日全面啟售。

了解更多｜北藝中心官網、Facebook、Instagram