臺北市立美術館攜手「無園藝WU garden」打造「世外塵∙花器」，其汲取館藏藝術家姚瑞中的《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》作品元素，設計出極具美感的組合式花器。而這款花器即日起於北美館實體及網路通路銷售。

藝術家姚瑞中作品化身花器

本次北美館推出的花器，由藝術家姚瑞中的《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》作品衍生而來，其為姚瑞中自2007年開始進行的作品系列之一；而他以原子筆與簽字筆臨摹元代畫家黃公望的代表作《天池石壁圖》，藉由細緻的線條堆疊出深淺不同的層層藍色山巒，讓古與今產生有趣的對比及對話。

典藏品化為立體當代山水

而致力於將植物結合壓克力或其他新創媒材的無園藝WU garden主理人吳立緯，此次解構平面藝術作品、汲取其中的紋理與顏色為元素，設計出這款組合式花器。於是，畫作中的山脈輪廓化為4片組件，嵌合組裝後，粗細不同的藍色印刷線條與邊緣的稜線交疊轉化成立體的山巒風景，再放入玻璃試管即可做為花器使用。

同場加映花藝體驗

此外，北美館也特別邀請花藝品牌「美樹館裏的服裝秀Museum of Flowers」，為花器設計以藍、豔紅為主要色調的兩款插花，自3月15日至4月15日止，民眾可至店內在專人引導下進行花藝體驗，有興趣者不妨多加留意。

世外塵∙花器

世外塵∙花器

「世外塵∙花器」售價新臺幣980元，線上訂購請見巡藝網路商店

「世外塵∙花器」將於「美樹館裏的服裝秀Museum of Flowers」快閃展出，現場同時推出期間限定花藝體驗方案，詳情請點此

活動期間：2022年3月15日至4月15日

活動地點：臺北市信義區忠孝東路四段553巷22弄49-1號1樓

文字整理｜Adela Cheng    

圖片提供｜北美館

中秋節將至，在家裡就能「賞月」是什麼感覺？由設計師Dev Joshi、Roland Ellis組成的工作室「Relative Distance」，推出一盞能與月相實時對應的氣氛燈「Phase」，引用NASA所拍攝的一萬多張月球影像，搭配精湛的光學與工藝技術，完美模擬出月球表面的坑疤與月光的柔和，打造充滿平靜感的家居配件。

直覺操作、三種月光設定  

在經過四年的開發後，「Phase」以精密的光學技術，準確模擬出月光的質感，讓月亮彷彿觸手可及。作為一盞放置在居家空間的環境燈，「Phase」的光線柔和，適合在較暗環境下營造舒適氛圍，並配備三種調節設定：與月相同步變化、完全照亮，以及短暫的月亮動畫。

「Phase」的使用設計很直覺簡單，只要插上電源就會自動開啟，也不需要安裝任何應用程式或與Wi-Fi連線，設備上只有三個按鈕，分別調整亮度、日期和時間。

運用材料特性，呈現最接近月球的質感

「Phase」使用礦物複合材料作為背板、搭配不透明煙燻玻璃，打造如月球表面般的質感和色調，並融合現代設計與工藝細節，推出顏色較深的「鈦鐵礦色」和較淺的「長石色」兩種款式，其命名也參考了不同種類的月球土壤。

採用NASA圖像，模擬月球實時畫面  

「Phase」之所以能呈現最真實的月球樣貌，是因為設計團隊以NASA於2014年發布的馬賽克拼接圖為基底，結合2009年至2011年期間由NASA月球勘測軌道器拍攝的15,000張廣角照片，經過精細的調整後，模擬出月球表面的實時狀態，將巨大、壯麗、遙遠的月球濃縮為一個家中物件。

纖薄優雅，將視覺干擾減至最低

每盞「Phase」均由手工組裝，採用精密配置的訂製電子元件、專屬軟體與光學技術。電子元件部分盡可能地壓縮、緊密排列，好讓燈具纖薄又優雅，近乎貼合在牆上；另外，設計團隊也精心隱藏加工痕跡如螺絲、接縫、固定用零件等，減少視覺干擾，讓使用者專注於觀看月亮的體驗。

回歸專注自身的平靜生活

在數位生活過度佔據日常的此時此刻，「Phase」期望創造一個令人感到平靜的實體物件，它無需連結網路、高科技僅僅扮演輔助角色，將焦點放在周遭環境、時間的進行式，以及使用者自身感受。

共同創辦人兼設計師Roland Ellis說明：「每天，Phase的光線在不知不覺間改變，但我們能意識到它持續推進。我們與月亮的連結，比我們所能了解的更深刻，而Phase讓你能與這個天體建立起關係，這是一件我們希望大家能夠在生活中體驗的作品。」

「Phase」將於2024年9月的倫敦設計節「光與運動」展覽中發表，現已開放預購，更多購買資訊請見Relative Distance官網。

在甫落幕的2024法國巴黎時尚家居設計展（Maison&Objet）上，來自世界各國的頂尖設計再度匯聚一堂。除了一睹全球創新作品外，我們也特別關注本年度由評審團選出的7組新銳組合，帶大家一一認識他們的迷人特色。

今年，M&O團隊將目標範圍轉向北方，從斯堪地那維亞地區尋找新興設計力量。根據規定，新銳設計獲獎者須為35歲以下，且其工作室成立不超過五年。M&O新銳獎負責人Dereen O'Sullivan表示：「整個北歐國家都非常具有活力，擁有豐富的歷史、世界知名的天賦和相當的專業知識。北歐文化和時間、自然材料有著不同的關係，這些材料往往保持在最原始的狀態。年輕一代設計師善用他們的獨特語言，既是工藝設計也是收藏設計。」

Christian + Jade｜材料背後的哲學

來自丹麥的Christian Hamme和來自新加坡的Jade Chan於就讀於荷蘭Design Academy Eindhoven期間相識，而後在丹麥哥本哈根共同成立工作室。

兩人從材料發想、結合敘事主題，以更廣闊的視野和開放的心態深入設計。Christian + Jade的作品多半以單一材料製成，團隊會深入原料背後的一切，從其中發想設計，像是研究木頭在哪邊生長的？這個品種有什麼特性？等，並致力於讓最終成品反映其最初樣貌，引發觀眾思考它的價值所在。

Ali Shah Gallefoss｜讓自然創造形狀

現居於挪威奧斯陸的Ali Shah Gallefoss，起初是名奢侈品買手，後來才進入專業院校就讀，成為一名工業設計師。不過比起工業設計，Ali的表達方式更加藝術化，他欣賞北歐設計的實用性與恰到好處的造型，卻更嚮往能夠從設計中感受到雨水、崎嶇的山川，和變幻的天氣。

創作時，Ali不會停留在一處，而是藉由到處旅遊，將最純粹的喜悅和感受融入作品，甚至接納一件物品為未完成狀態。他受到大自然的啟發，並讓材料「自我表達」，像是鑄造桌子時，Ali便將融化的鋁倒在沙地上，讓金屬創造自己的運動，最終定型時留下沙土所塑造出的模樣。

LAB LA BLA｜鋼鐵重鎮再創新

瑞典籍創辦人Axel Landström和Victor Isaksson Pirtti是從小一起長大的好友，兩人的家鄉Luleå是一座鋼鐵重鎮，絕大多數的歐洲鋼鐵原料都來自這裡。對兩人而言，工業、人與環境之間的關係十分重要，他們也不斷思考著如何創造一個良性、可持續的設計體系，以代替現有的生產方法。像是在作品中，Axel和Victor便運用鋼鐵企業鑽探礦床時提取的沉積芯樣品，將其製作成一張座椅。

兩人形容，「LAB LA BLA」的工作室像是一座遊樂場，團隊間以玩耍、實驗型的方式開創顛覆性成果，他們的作品不只作為家具出售，同時也於藝廊展售。

Frederik Gustav｜從建築出發的家具

Frederik Weber和Gustav Dupont在丹麥皇家藝術學院相遇，兩人分別就讀家具設計與空間設計，自學生時代就一起創作，投入程度到兩人幾乎睡在工作室裡。

「Frederik Gustav」以建築作為靈感與出發點，遵循丹麥設計傳統，以最透明公開的形式打造具備功能性的家具。例如，一般的燈具通常將電線、機械裝置隱藏在看不見的地方，而「Frederik Gustav」則將電線、五金、燈泡都納入設計的一部分，用電線垂釣燈罩，不僅充滿美感，也兼具了結構穩定性。

Antrei Hartikeinen｜捕捉自然的木工

Antrei Hartikainen的父親是一名櫥櫃工匠，從小在職人工作室長大的他熱愛木材充滿生機的特性，以及擁有不同纖維、顏色的多重面貌。曾被Design Forum Finland評為年度設計師。

芬蘭的自然景觀隨季節有著巨大變化，而Antrei就從野外獲得創作靈感，像是作品「融化花瓶」以木材、玻璃、金屬和陶瓷，描繪出春日陽光融雪的情景，透明而流動的表面閃爍著不同色調的光彩，製作上則運用Antrei自身的木工專業，在雕刻好的木模中吹製玻璃外型。

Studio Flétta｜回收材料化身家飾

來自冰島雷克雅維克的Birta Rós Brynjólfsdóttir和Hrefna Sigurðardóttir，在攻讀產品設計學位期間認識，並共同成立了以編織為主的工作室。在冰島，大多數的資源都是進口而來，然後再把需要回收的廢棄物出口處理。「Studio Flétta」收集羊毛、紡織品、木材、玻璃、廢漁網等，建立起一個龐大的材料庫。

由於材料庫裡的資源乏人問津，Birta與Hrefna決定自己利用這些材料，向大眾展示它們的潛力。他們從既有材料發想，發揮創造力打造平易近人又耐用的產品，成為冰島設計界的一股新興力量。

Malin Ida Eriksson｜燃燒時間的陶土

Malin Ida Eriksson是一位居住在瑞典斯德哥爾摩的陶藝家。學習陶藝技術的期間，Malin遭逢親人離世，也令他意識到時間的流逝與人類的無能為力。於是，他將陶土作為表達自我的方式，專注在陶土的可塑性與變化潛能。

Malin表示，比起設計，自己所做的事更接近藝術。他的作品與自身緊緊相連，融入了創作者的回憶與內在，成為記憶當下的一種方式。