北美館「小中現大」臺灣當代藝術展!竹圍工作室蕭麗虹40年收藏歷程

北美館「小中現大」臺灣當代藝術展!竹圍工作室蕭麗虹40年收藏歷程

北美館「小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏」於4月16日至7月17日,展出結合臺灣當代藝術的重要推手、竹圍工作室創辦人蕭麗虹近40年以來之收藏,展出26位臺灣藝術家的創作作品共計62件。

本展由北美館展覽規劃組組長余思穎擔任策展人,參展藝術家包含王德瑜、吳瑪悧、姚瑞中、涂維政、莊普、陳文祥、陳張莉、陳龍斌、黃文浩、黃建樺、廖祈羽、賴純純等人,期待藉由藝術家的創作得以連結生命與世界,更於5月15日規劃「翫藝:收藏家與藏品」座談會、7月2日「NFT鑒藏展示與交易」講座,邀請臺灣藏家分享其觀點,呈現收藏對當代藝術發展與社會文化的意義。

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「小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏」主視覺。圖像由臺北市立美術館提供。

蕭麗虹的前瞻觀點

甫於去年(2021)逝世的蕭麗虹,1946年出生於英屬香港,從七〇年代起乍到臺灣時,曾在故宮選修三個月的亞洲藝術史,因而瞭解當時期重要的臺灣本土藝術家。其當代藝術收藏從吳學讓、董陽孜等人的現代水墨,至紀凱淵的複合媒材與廖祈羽的新媒體作品都有,體現了她對藝術家創作生涯的關注、支持,並見證臺灣藝術與社會轉變的代表性過程。

她所購藏的第一件藝術品——吳學讓〈群鵝〉,中西交融的水墨表現不僅深得其心,亦象徵蕭麗虹自身的文化認同。80年代她走訪春之藝廊、SOCA現代藝術工作室及伊通公園,樂於收藏富有新意的前衛表現與觀念藝術之作;千禧年以後,她則多從藝術家創作生涯的早期便開始收藏作品,鼓勵新一輩的創作者持續摸索實驗,方能臻至成熟。

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(左)蕭麗虹個人照。圖像由竹圍工作室提供。(右)展場照片。圖像由臺北市立美術館提供。

四大子題展現「小中現大」

蕭麗虹曾提及,希望自己收藏的這些作品有機會可以到一個更好的公共環境讓更多人看見、欣賞或參考,並讓年輕的研究者去深入這些創意的背後脈絡。」而其笑稱為「不良嗜好」的藝術收藏翔實地記錄蕭麗虹在臺灣藝術歷程中所刻劃出的明絢軌跡。

展名「小中現大」呼應這批蕭麗虹於生前贈予北美館的藏品,以蕭麗虹收藏的小件或系列作品中的單件為主,北美館進而藉由策展為核心,梳理捐贈背後的內涵脈絡。透過參照館內同系列的典藏品、部分借件與邀請藝術家重製相關裝置,具體而微地映現出臺灣當代美術史的流變與面貌,同時也呈顯蕭麗虹希冀以此拋磚引玉,透過個人收藏挹注藝術發展的文化意義。

策展人以四大面向子題表達捐贈品的內蘊,包括「宇宙的胎動」、「想像無邊,真實無界」、「心與語言,形塑世界的界限」、「愛恨憎妒,聚成第二層地表」等;藉由詩化的命題形式回應在1990年代之後,藝術家融合詩文與多樣化的媒材,以裝置文本展現與空間對話的多維敘事。

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小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏,「宇宙的胎動」、「想像無邊,真實無界」展場一景,2022。圖像由臺北市立美術館提供。

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小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏,「愛恨憎妒,聚成第二層地表」展場一景,2022。圖像由臺北市立美術館提供。

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小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏,「心與語言,形塑世界的界限」展場一景,2022。圖像由臺北市立美術館提供。

亮點展品搶先看

展場以王德瑜〈No. 80-1〉作為題引,這件由蕭麗虹收藏卻唯一不曾被藝術家付諸實現的模型,透過本展終得以化為實際躍動的大型互動裝置,也揭示如何以「心」感知自我與外在世界的連結;莊普利用捲尺製作〈尺度外〉搭配北美館原有典藏之〈咫尺天涯〉空間作品,從近似的命題可窺見低限主義概念從平面至三度空間的轉換;而其「點印成畫」的行為創作〈你就是那美麗的花朵系列〉,則結合代表性的印畫技法與現成物的裝置巧思,在純粹的物性之內覓尋詩性流動的想像。

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王德瑜,〈No. 80-1〉,2015,布料、塑膠氣袋,50 × 50 × 50公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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莊普,〈尺度外〉,1999,鉛筆、壓克力顏料、魯班尺、鐵絲、水彩紙,20 × 25公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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紀凱淵,〈運動系列:雙打彈珠台〉,2014,複合媒材,153 × 52 × 102公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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廖祈羽,〈Twinkle Series—Elena〉,2011,單頻道錄像裝置,2分45秒,臺北市立美術館典藏。

陳龍斌〈新石器時代系列〉藉由回收雜誌來雕書成石,以蕭麗虹捐贈的小件作品與藝術家的大型系列作襯映,彰顯知識文字描繪對於世界的認知與界限;涂維政〈情人節快樂系列〉則將人造石噴色、擬仿為武器造型的盒裝巧克力,藝術家本次更為捐贈原作重製空間裝置,看似甜蜜的小品,實則充滿不安、危險與衝突的食物箴言;蕭麗虹曾於1997年邀請梅丁衍至竹圍工作室參與以香港回歸為題的展覽,而她所收藏的梅氏作品〈1997〉繪有一排戰機飛進維多利亞港的景致,輔以講述外來政權的「境外決戰」系列,暗喻前途未明的政治情勢中的認同關係。

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陳龍斌,〈新石器時代系列〉,1996,雜誌、木、皮繩,44 × 29 × 9公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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陳龍斌,〈新石器時代系列〉,1996(2022重製),雜誌、木、皮繩,尺寸依空間而定,藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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涂維政,〈情人節快樂系列〉,2011,人造石(高密度樹脂加石粉),22.5 × 49 × 8公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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涂維政,〈情人節快樂系列〉,2011(2022重製),人造石(高密度樹脂加石粉),尺寸依空間而定,藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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梅丁衍,〈1997〉,1997(2020重製),數位輸出、燈箱,63 × 95公分,臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

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梅丁衍,〈決戰境外(圓山)〉,2000,影像輸出,113 × 164 公分,藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

「小中現大:蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏」

展覽期間|2022年4月16日至7月17日

展覽地點|臺北市立美術館

文字整理|Lucinda Chen

資料提供|臺北市立美術館

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日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

亞紀畫廊群展《纏 繞 - 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕,展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作,聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試,窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下,藝術流派長期由男性主導,而現實主義更是其中的主流,導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見,這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外,致力創造超越時代的視覺語言,推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 - 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開,引用俳句中的「纏繞」意象命名,並著重於女性藝術家的二元性,凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家,觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範,為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間,並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子(Yamazawa Eiko, 1899-1995)的作品開始,其融合幾何抽象和日常風景,將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面,開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家,以「非具象」為創作特色,透過線條、形狀與顏色作為共同語言,發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具,正是反映出了他所經歷的時代背景。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
山沢栄子《What I am doing No.78》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子(Tanaka Atsuko, 1932-2005),是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家,其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活,僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動,其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》(1956),田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現,透過直接的身體性反應當時的物質文化,如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代,木下佳通代(Kinoshita Kazuyo, 1939-1994)在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後,摒棄了攝影這個媒介,轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係,在不斷的創作與重組中找到新的表達方式;在後期的繪畫中,木下佳通代的作品趨向自由與神秘,強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動,引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐,否定空間的主觀與客觀界限,持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代,木下佳通代被診斷出乳癌,他拒絕手術並持續創作、辦展,最終於1994年離世。

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木下佳通代《’86-CA350》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

水上愛美

在年輕一代的藝術家中,水上愛美(Mizukami Emi, b. 1992)以塗抹與抹去的創作方式,塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋,但仍能辨別最底層的繪畫主題,讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中,被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分,也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」,其後參加多次國際展覽,包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

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水上愛美《good human》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

土取郁香

土取郁香(Tsuchitori Fumika, b. 1995)則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列,前者探討親密關係,後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織,彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中,兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫,暗示著界線模糊的關係。創作媒材上,土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊,塑造出具有感官性的畫面,比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」,也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観:高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

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土取郁香《I and You, 2025》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

大久保紗也

同樣從具象的人出發,大久保紗也(Okubo Saya, b. 1992)的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位,或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍,讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難,並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」,透過層層堆疊、磨研、剝離,使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面,以及前後快慢的視覺對比。

2017年,大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ,以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
大久保紗也《Woman with a Plate》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

纏    繞 - 日本女性抽象

展覽日期|2025/2/28–2025/4/2
展覽地點|Each Modern亞紀畫廊(台北市大安區敦化南路二段97號3樓)

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繼2024年代表台灣參加威尼斯雙年展後,袁廣鳴帶著當時展出的《日常戰爭》、《扁平世界》以及全新創作《呼吸的黑洞》,於2025年2月15日至5月17日舉辦個展「向黑潛行」。

黑暗象徵恐懼與未知,同時也孕育著希望

本次展覽延續袁廣鳴對影像與感知的探索,以「黑」作為光的反思,重新審視觀看的本質。藝術家於2018年的作品《向光》與《向黑》分別呈現光的極端狀態:前者描繪核爆強光如何摧毀觀看能力,後者則透過黑暗引導觀者開啟新的感知方式。而在「向黑潛行」中,「黑」不僅貫串整個旅程,更是一種觀看的重構——它象徵恐懼、脆弱與未知,然而即使被黑暗包裹,個體仍能向著希望堅毅潛行。

延伸閱讀 >>> 2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
「向黑潛行」展覽主視覺(圖片提供:TKG+)

展覽中的三件作品圍繞黑暗的不同面向展開:《日常戰爭》揭示日常空間中的危機與裂縫;《呼吸的黑洞》將黑暗描繪為孕育希望與生命的原初場域;《扁平世界》裡的黑暗,則隱匿於全球化技術體系的深處,呈現疏離與漂浮的矛盾狀態。這是一場關於當代生存狀態的深刻對話,觀者將在影像與裝置間,感受黑暗的多重隱喻。

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《扁平世界》於2024威尼斯雙年展台灣館的展覽現場(圖片提供:臺北市立美術館)

《日常戰爭》

展覽從《日常戰爭》的影像敘事展開。這件單頻道錄像作品描繪了一個中產階級男性的單身套房,在表面秩序井然的日常場景中,無形的力量悄然降臨,光線閃爍、牆壁破裂、家具傾覆,房間轉瞬間化為廢墟。片刻之後,一切重回初始狀態,彷彿災難從未發生。循環的敘事結構巧妙模糊了日常與災難、真實與虛構的界限,營造出一種荒謬卻真實的緊張感,揭示出戰爭並非遠離的真實,而是日常生活中無聲的裂縫,逐步侵蝕我們的感知與存在。

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《日常戰爭Everyday War》,2024(圖片提供:TKG+)

《扁平世界》

錄像作品《扁平世界》以Google街景資料庫為基礎,透過固定的線性透視與穩定運動,將100個國家305街景串聯,如流動的地圖般快速切換,消解了地理的深度與身體的在場感。地圖從地方記憶與傳說的載體,變為技術與權力的象徵;觀看則退化為點對點的跳躍,空間的厚度與情感隨之消失。影片的循環結構隱喻全球化秩序的幻象,連續的街景成為現代技術體系的象徵,揭示現代觀看方式的壓縮與疏離。

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《扁平世界Flat World》,2024(圖片提供:TKG+)

《呼吸的黑洞》

《呼吸的黑洞》延續並深化了袁廣鳴1995年作品《呼吸的黑光》的概念,將物理上不可能存在的「黑光」具象化為一個律動場域。隨著機械驅動,作品中的鋁板緩慢移動,牆面上的光暈隨之擴張、收縮,宛如黑洞呼吸一般。這片律動的黑暗,呈現了它吞噬一切,卻又作為生命力場域的雙重屬性,而觀者的視覺邊界被模糊、身體感知重新啟動,重新想像對於黑暗的固有認知。

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《呼吸的黑洞Breathing Black Hole》,1995-2024(圖片提供:TKG+)

向黑潛行 — 袁廣鳴個展

展覽日期|2025.02.15 – 05.17
展覽地點|TKG+(台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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