「掘光而行：洪瑞麟」展覽於2022年3月19日至8月14日在北美館展出，此次展出洪瑞麟的350餘件精彩原作與文獻，其完整創作脈絡以及少見描繪礦場情景的大型油畫、礦工日記速寫等，均能在本展中一探究竟。此外，北美館也將舉辦各2場大稻埕及礦場走讀公眾活動、專家導賞活動，同時推出衍生商品「精選明信片」，詳情可至官網或臉書查詢。

「礦工畫家」洪瑞麟展覽集結350餘件精彩作品

有「礦工畫家」美譽的洪瑞麟（1912-1996），其作品一直是臺灣美術史上描繪勞動者生活面貌的代表象徵，在他逝世後，長子洪鈞雄將當年移民美國時，由父親親自挑選的家藏作品為捐贈基礎，另加上各系列代表作，在2020年捐贈北美館。而此次展覽由藝術史學者暨客座策展人白雪蘭，及北美館內策展人方美晶、高子衿共同策劃，除能窺見多件精彩原作、速寫及文獻，展場中，也特別設計了以「礦坑坑道」為靈感的拱門。

從小美術啟蒙來自於父親 

1912年出生於台北大稻埕的洪瑞麟，從小藝術啟蒙來自擅於畫梅的父親洪祥海（字鶴汀），1920年進入由稻垣藤兵衛創立的稻江義塾就讀，甚早接觸人道主義的薰陶，也開啟對關懷農民、貧苦大眾的西洋畫家米勒、梵谷之關注，更在12歲時臨摹出〈米開朗基羅素描摹寫〉，顯現其繪畫天賦。1929年，洪瑞麟進入由倪蔣懷出資的洋畫自由研究所，並接受石川欽一郎的指導，也結識倪蔣懷、陳植棋等前輩。

關心風土民情、勞動階級

洪瑞麟1932年入學帝國美術學校西洋畫科，接受不同藝術思潮的洗禮，並受官展體系之外的新興美術運動，與獨立美術團體如春陽會的在野精神影響，札根風土民情、勞動階級的謳歌，比如其象徵東京社會底層生活樣貌的〈日本貧民窟〉、描繪冰天雪地中，山形當地農民艱辛維生的情景的〈山形市集〉巨幅畫作。而在留日期間，他每年往返台日，也多次入選臺灣美術展覽會與臺灣總督府美術展，傳達出他對台灣土地的濃郁情感。

返台後成為礦工畫家

1938年，洪瑞麟回到台灣後，為了擔負家計，他受倪蔣懷之邀至其經營的瑞芳二坑（後稱懷山煤礦）工作，並在這30餘年的工作生涯中，記錄礦工的生活點滴成為礦工日記，也勾勒出礦坑中最真實的人性光輝，如〈坑內工作〉、〈敬業勤勞的阿坤伯〉、〈礦工頌〉等畫作，呈現出其夥伴肢體勞動的美感，以及「陽光照射不到」的生命尊嚴，顯現出顯露出勞動者樸實率真的精神。他也曾提到：「這一切都強迫我必須用最簡潔的筆觸，將他們駝了的背、長久勞動而畸形的關節，整個身體因用勁而誇張的線條，真實的速寫下來。」

原住民也是人物創作題材

除了礦工，原住民也是洪瑞麟創作中獨特的人物題材，在1930至1970年他便曾至屏東探訪排灣族人、造訪蘭嶼雅美族（達悟族）藝術，並在東海岸原住民部落旅遊寫生，如〈蘭嶼原住民〉、〈原住民婦女〉。同時，洪瑞麟1964年受邀至國立藝術專科學校（今國立臺灣藝術大學）教授素描、水彩、油畫，藉由東方水墨與毛筆，加上西方的粉彩，運用中西合璧的媒材描畫裸女。

晚期作品展現對光的嚮往

而長年處在地底工作，使洪瑞麟特別嚮往陽光，晚年他定居美國加州海邊小鎮，如願與終年明媚的陽光為伍，從作品〈彩霞滿天〉或數張親手繪製賀年卡可見他離開黝暗地底後的天光雲影，成為藝術家人生最後階段的創作主題。而本展透過洪瑞麟的眼與筆，結合文獻、照片、影音紀錄，以及首次播出的自述影片（1990年代錄製），延續洪瑞麟對土地的情感，以及礦業歷史等大時代脈絡，進而交織出臺灣現代化進程的時代縮影。

掘光而行：洪瑞麟

展期：2022/03/19～2022/07/31

地點：臺北市立美術館二樓2A&2B

文字整理｜Adela Cheng

圖片提供｜臺北市立美術館

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）