譫狂台北：OMA建築大師Rem Koolhaas！親自解祕北藝中心

全球矚目的臺北表演藝術中心正式開幕，這次La Vie專訪操刀設計的OMA建築師Rem Koolhaas、David Gianotten，並與曾成德教授一起剖析OMA與臺北表演藝術中心的建築狂想。在OMA創始合夥人、普立茲克獎得主Koolhaas的首本著作《譫狂紐約》終於迎來世界首本繁中譯本出版之際，我們也從中回溯OMA的建築理念伊始。

入選《時代雜誌》2021年全球百大景點與CNN最令人期待、具顛覆性的8個建築之一，由OMA（Office for Metropolitan Architecture，大都會建築師事務所）操刀的臺北表演藝術中心（以下簡稱北藝中心）外觀受到大眾熱議，「皮蛋豆腐」與「貢丸」的迷因圖片在網路上不斷擴散。

OMA的著名設計之一，葡萄牙波多音樂廳鮮少被形容是「美的」，2012年竣工的「大褲衩」北京中央電視台總部大樓在當時也引發眾人爭論，然而建築外觀並非OMA最關注的面向。Koolhaas笑說，「對我來講暱稱不是爭議，人們總是有點嘲諷，但我相信這是大眾接受的第一步。」共同負責北藝中心的Gianotten則覺得將建築與小吃連結很有趣，「人們可能對一座建築有疑問，然後試圖用他們自己文化中熟悉的語彙來理解它。」他們更在乎潛藏在建築之內的核心價值，將周遭環境與公眾納入設計思考，認為建築必須跟城市融為一體，互為養分與活力的來源，而兩者能真正達到融合則需要時間的過渡。這或許能回首Koolhaas在1978年的首本著作《譫狂紐約：為曼哈頓寫的回溯性宣言》（Delirious New York），如同副書名，現今OMA所有的建築作品概念都可以回溯到書中，為1920年代、經濟大蕭條前後那充滿瘋狂幻想的曼哈頓所提出的理想藍圖。

OMA 與大都會狂想藍圖

1944年，Koolhaas出生於二戰將盡的荷蘭，投身建築領域前，曾當過記者與電影劇作家，見證了1968年巴黎5月學運的狂飆年代。Koolhaas 回憶道，「一次受邀演講電影題目後，驚覺電影與建築作品是如此接近，都是為大眾設計並帶來刺激的作品，突然產生那我去當建築師應該很有趣的想法。」於是他先赴英國AA建築聯盟接受思想衝擊，而後至美國康乃爾大學繼續建築教育。《譫狂紐約》繁中版審定者曾成德教授補充，1970年代美國建築出現白派與灰派的爭辯，「紐約五人組」為首的白派承襲現代主義，強調建築語彙的排他性；灰派則廣納多元思想，反對建築現代主義中建築體如「鞋盒」般乾淨、僵固的形式，其中Robert Venturi的《向拉斯維加斯學習》（Learning from Las Vegas）等著作深深影響Koolhaas。來自歐陸的他開始關注城市建築中豐厚的歧異性，首先將目光鎖定在不同於歐陸發展的紐約大都會。

《譫狂紐約》是青年Koolhaas的宣言，他是耐心的，在開始真正建造前刻意延緩，花了6年書寫，「那時我40歲左右，決定專注在對職業有決定性意義的事，我感受到在現代主義建築形式之外，有更多面向值得去發掘，這讓我覺得必須書寫下來。」藉由回首歷史，他以過往的曼哈頓為本，在腦中重新架構出一個理想版的曼哈頓，並從中再提煉出對未來的理想藍圖。曾成德說明Koolhaas的建築觀可以說是一種城市觀，並解釋「譫狂」（delirious）二字是在形容大都會恆變無常的不穩定狀態，藉由譫狂的空想思索未來的可能性，或能不可思議地為現實帶來改變，這啟發自藝術家達利所提出的「妄想批判法」（paranoiac-critical method），釋放感性提供剖析的另一種角度，同時不忘以理性支撐。

譫狂也展現在對於科技發展的想像中，例如紐約康尼島上那些充滿狂想的設施—乳汁不絕的乳牛、夜晚依然如白晝的海灘電光浴等，其機能一一對應著都會居民的慾求。還有電梯為大都會生活型態開展驚艷的可能性，讓摩天樓內部得以連通，解放建築空間尺度的限制，在高層大樓高密度之中交會的張力，就是「壅塞文化」（Culture of Congestion）。1975年，Koolhaas與合夥人創立OMA，如同其命名，工作室始終回應大都會的需求，如同當年Raymond Hood共策群力施建摩天大樓洛克菲勒中心，建築不只為菁英而建，不應是現代主義建築師個人英雄化的立碑，而是順應大都會的不斷變化而充滿生命力。

皮層形式下的壅塞樂園

壅塞文化再深化為Koolhaas的下本著作《S, M, L, XL》中「大」（Bigness）的概念，當建築規模恢弘到某種尺度，外在形式與內在運作會產生剝離，在建築皮層形式之下潛藏匯聚著各種不同機能活力的壅塞樂園，彷彿自成一座眾聲喧嘩的城中城。

如同《譫狂紐約》中的摩天樓夏城健身俱樂部將空間綿密垂直分割、賦予各層各樣機能， 並運用「自由剖面」（free section）解放了空間的單一使用性。著名建築家暨評論家Rafael Moneo曾在《哈佛大學建築系的八堂課：八位當代建築師作品的理論焦慮及設計策略》中提到，如果柯比意解放了建築的自由平面，Koolhaas則是將自由剖面發揮到極限。這展現在1989年暑期3個OMA未竟的競圖提案：比利時布魯日海上運轉站、巴黎國家圖書館、德國ZKM藝術與媒體科技中心。這三個案子彷彿是OMA創造力的首次大爆發，後來也陸續實踐在美國西雅圖公立圖書館等建案中。在固定建構中尋求可能性，並且容許它變化，這正是OMA建築的厲害之處，為公眾空間留下了「空」（strategy of the void）。Koolhaas認為大型建築占用大量城市資源，因此必須讓它們容易與人們親近並盡可能釋放空間機能，以「建造一個『不精英化』，而是與外部公眾『共享』內涵的建築。』

Gianotten則分享他的觀察，「在西方國家，看表演常被認為是高雅的文化活動。第一次探訪台北時，我們發現去劇院的觀眾既有受過教育的人群，也有年輕人，高雅表演和街頭文化的界線如此模糊。」於是他們在北藝中心引入與北京中央電視台總部大樓相同概念的「公共參觀回路」（public loop），希望將人們從士林夜市帶入劇院；如深圳證券交易所抬高裙樓的設計留下廣場空間，同時為布袋戲表演留有一座小戲台；也有如波多音樂廳的屋頂看台設計，「你會在公共參觀回路中看見劇院製作的各色元素，然後到達屋頂、望向城市和青山（圓山）並停歇片刻，喘息的空間讓我們體驗與城市和周圍人們的新聯繫。」

北藝中心與譫狂台北

自由剖面也解放了劇場機能，北藝中心的球劇場、大劇院、藍盒子3大劇場由不同方向嵌入中心方體建築，可各自獨立運作也能調整機構而連通，Gianotten說明，「這次的突破是創建了一個由大劇院和藍盒子結合而成的『超級劇院』。」Koolhaas則進一步分享，「體驗超級劇院近乎工業等級的規模令人興奮，因為採用能創造不同空間的機械裝置，感覺就像一個『新』建築，在《譫狂紐約》中我稱之為『狂想科技』（the technology of the fantastic）。我覺得在現實中創造出這樣的原型非常特別。」原型是書中那自1932年起歡樂永不停歇的紐約無線電城音樂廳，如此能自由變化的劇場機器，竟在書完成後的44年實現在北藝中心。

問起對台北這座城市的印象，實際上近30年來OMA逐步透過「Project on the City」等多項研究調查，將視角延伸到珠江三角洲、中東、非洲奈及利亞拉哥斯等世界各地爆發中的都會，而Koolhaas形容在全球化資本市場侵襲下，「世界在一種奢華的浪潮之下令人窒息，仕紳化（gentrification）抹除城市隨處的真實性，而台北感覺很『真實』。」為了頻訪北藝中心而久居香港7年的Gianotten也分享：「台北獨特之處在於它非常有活力、強烈且毫無保留地生猛，在士林夜市尤其如此。從明信片上看不一定能感受到美，但當你親身在那裡就會被它的活力感動。」 

Gianotten提到OMA沒有一貫的建築設計，會根據環境適當貼合地方脈絡，並提到執行落實時必定面臨的風險，「這並不是一個只涉及建築師的職業，永遠存在各方的目標和工作方式上的不一致。但風險不一定會成為我們創作的限制，我們很大一部分工作就是在協作和現實中尋找實現願景的方法。」這如同Koolhaas在《建築的危險》裡提到，建築是危險的，過程非常艱難、很消耗元氣，同時是讓建築師感受無能與全能的混合體，在權衡現實、面對環境的不穩定之際，只能始終保持對未來的樂觀。OMA不畏風險，將譫狂的想像完美具現在北藝中心與台北這座城市。

Rem Koolhaas

大都會建築事務所（OMA）創始合夥人、研究工作室AMO領導者，涉足的領域超越建築既有的界限。2000年榮獲建築最高榮譽普立茲克獎。1975年與Elia Zenghelis、Zoe Zenghelis及Madelon Vriesendorp共同創立OMA。代表作品包括葡萄牙波多音樂廳（2005）、西雅圖中央圖書館（2004）、北京中央電視台總部大樓（2012）、臺北表演藝術中心（2022）等。

David Gianotten

OMA的管理合夥人、建築師，領導OMA環球事務所的總體架構、財政以及業務策劃和拓展，同時帶領全球多個建築項目的設計和建設，包括阿姆斯特丹的Bajes Kwartier以及恩荷芬的VDMA。自2008年競賽階段起率領臺北表演藝術中心項目，直至計畫竣工。

曾成德

哈佛大學設計學院建築碩士，國立陽明交通大學建築研究所終身講座教授兼跨領域設計中心主任。投入專業性教育服務與社會實踐。作品曾連續獲得台灣建築住宅獎殊榮。2014年帶領交大生師團隊以「蘭花屋」參加歐洲盃綠建築大賽獲得大獎。2016年代表台灣參加威尼斯雙年展。獲法國政府授與「藝術與文學騎士」勳位。

採訪｜曾成德、吳哲夫

攝影｜Philippe Ruault、Fred Ernst、Shephotoerd Co. Photography

圖片提供｜OMA、原點出版、臺北表演藝術中心

更多設計與建築深度專訪，請見 La Vie 2022/8月號《職人與他的工具》

真正的建築搬不進美術館，建築展只能以模型、圖紙、材料與影像替代，《藤本壯介建築展：原初．未來．森》卻反過來讓設計尚未成形前的試探與靈光浮上擡面。先後任職於海澤維克工作室（Heatherwick Studio）的洪浩鈞與曾令理，如今各自發展展設計實踐。兩人從藤本壯介如何以森林、曖昧與重複單元重新理解空間，一路談回：設計或許不只是精確控制，更是在精確後，仍願為未知留下餘地。

➣本文選自La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》，更多精彩內容請點此

「我猜浩鈞來看展，應該會停在那些process很密集、探索感很強的地方。」曾令理說過去在海澤維克工作室，桌上常擺著粗糙、甚至「有點醜、莫名其妙」的模型，「為什麼這個留下來？為什麼另一個被放棄？中間究竟發生了什麼？」她相信模型本身就是思考，手先動起來，下一步才從眼前的意外浮現。洪浩鈞同樣熟悉這套節奏，他記得海澤維克工作室幾乎被模型與打樣塞滿；至今他仍相信，實際做出來後，材料的重量、距離與觸感才會回到身體。

當一般建築展從概念、競圖、設計發展一路走向模型與落成，清楚而線性；《藤本壯介建築展：原初．未來．森》卻把不同年代、尺度與狀態的模型錯落、懸吊在展場中，讓原本分屬不同時間的念頭同時出現。「就像走進森林，你無從得知哪棵樹是第一棵樹。」曾令理建議參觀時不妨先迷路，突然被某塊材料、洋芋片、火柴盒這些日常物件吸走，也沒關係。

觀看到共處，建築發生在人與人之間

曾令理注意到有些展品被懸起，有些接近平視，有些得蹲低觀看，建築模型慣常的「上帝視角」因此被打破。當人無法一眼掌握全貌，便開始想像自己若置身其中，會站在哪裡、如何移動。洪浩鈞則發現，一般展覽容易形成「觀眾vs作品」的單向對話，但在「思想之森」裡，人穿梭其間，轉身時可能與其他觀眾相遇。「這時候不只是我跟作品，而是我、作品，還有他者，這其實很像藤本壯介的建築。」

藤本壯介的早期住宅裡，家庭成員各自找到位置，不必始終待在同處，卻能隱約感覺到彼此；到了「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」（大屋根），這層關係被放大成陌生人的交會。人在巨大木構下行走，感受到的不只有建築，也包括身旁的人如何停留、穿越，最後共同望向天空。建築由被觀看的物件，轉化成讓關係發生的媒介。

自由，需要被精確設計

談及「自然」，曾令理就聯想到藤本壯介曾經提過的「巢與穴」。「巢」接近熟悉的功能性空間，坐、睡、行走的位置都被仔細預想；「穴」不同，洞穴原本不是為人設計，人進入後才慢慢發現哪裡適合坐、哪處能倚靠。森林也是如此，沒有「客廳」或「走廊」的標示，卻提供足夠差異，讓身體自行找到位置。因此，藤本壯介的自由並非來自少做設計。當建築師不直接規定這裡是椅子、那裡只能通行，就必須預想更多姿勢與使用方式，尺度、結構、材料與視線反而需要更精準。曾令理將其概括為：「精確是自由成立的條件。」

洪浩鈞則笑說：「有些事情也不能講太明白，像談戀愛，曖昧的時候很多事情說破就失去美感。」他曾實際走訪台南的「南埕衖事」，沿立面樓梯前進，小平台不斷提供停頓、看風景或改變方向的可能。比起形式，洪浩鈞更在意最後形成的「氛圍」，光線、氣味、顏色，甚至有人從身旁經過的瞬間，都可能讓空間產生情感。這些難以畫進圖面的東西，往往才決定人如何記住一個地方。

當人開始使用，建築才真正離開設計者

共序工事曾將新北三重頂崁工業區的電梯零件工廠改造成「QUAN泉場」，完工後卻陸續出現團隊未曾預想的使用：樂團演出、品牌活動、藝術與設計展覽。原本功能明確的工廠，在不同時間長出不同身分。洪浩鈞發現，設計者認為不正確的使用，對真正生活其中的人未必不合理；若空間只能按照使用說明書存在，反而失去繼續生長的可能。

曾令理從藤本壯介的作品裡看到類似命題，她認為藤本壯介改變最多的是尺度，以及面對的「人數」；始終沒變的，則是如何讓不同個體透過簡單秩序彼此連結，同時保有自由。對做過大型專案的兩人來說，「真正困難的，是如何讓非常複雜的技術，最後不要被看見。」曾令理看到藤本壯介以大量纖細單元形成如光、如海市蜃樓般的巨大空間，概念一眼便懂，設計者卻不免思考：構件到了真實尺度有多粗？如何接合、抗風、施工？又如何在所有重量加入後，仍維持近乎消失的輕盈？

洪浩鈞隨即想到自己在海澤維克工作室參與上海「1000Trees」的經驗，模型裡只需把小樹插到柱頂，真正落地時，柱體卻必須同時處理結構、土壤、植栽重量、排水、灌溉與維護，團隊甚至製作1:1柱體進行測試。「模型看起來很輕鬆，真的做完全是另一回事。」

要當刺蝟，還是狐狸？

表面上，藤本壯介與海澤維克皆挑戰了建築理所當然的樣貌，但曾令理認為藤本使用的多半仍是建築領域熟悉的材料與構造，他反覆追問的是，內外為何非得明確分開？家具能不能成為建築？屋頂只能是屋頂嗎？海澤維克則更常從物件、材料與製造發問，橋為什麼一定要像橋？既有工法還能不能換種方式？

洪浩鈞的老師曾以「刺蝟與狐狸」比喻建築師：刺蝟沿著核心信念持續深挖，形成連貫而可辨識的語言；狐狸則隨基地、環境與條件改變策略，作品未必具有固定面貌，「我覺得藤本老師比較像刺蝟。」他和曾令理不約而同指出2023年建於福岡的「太宰府天滿宮臨時殿宇」，與大家熟悉的藤本壯介有些不同，讓植物覆上屋頂，凸顯藤本面對人與神明交流、傳說與信仰交織的場所，未用強烈語彙介入，而以較柔軟、浪漫的方式，替精神性留下更多想像。

曾令理近年的創作，逐漸從植物的分岔、捲曲、聚集與生長尋找形式，也不再刻意追求一眼可辨識的「個人風格」。當許多人造形式過了數十年顯得過時，我們卻很少看著樹、花或山感到厭倦，自然總存在差異、變化與無法一次掌握的複雜關係。甚至，「工作愈久，建築師愈熟悉法規、預算、結構與現實限制，卻也可能讓人過早知道什麼『做不到』，問題還沒真正開始，就先被自己否決。」

曾令理提醒自己不要太快知道答案，洪浩鈞則練習不再控制所有答案，並肩走過藤本壯介的建築森林，他們在其中，為偶然、變化與人的自由留下位置。

紙上導覽｜2種視角，6個觀看線索

House NA｜2011，東京

這是藤本早期我非常喜歡的作品之一，這棟位於日本東京的私人住宅，以其前衛且極具實驗性的透明結構聞名。透過不斷錯開的樓層所創造的縫隙，引入外部的自然光線、同時模糊了室內空間彼此的界線，徹底打破了傳統住宅的封閉感，重新定義了人與空間、以及人與城市環境的互動關係。

表參道Branches｜2014，東京

之前曾到過現場，也讓我想起自己曾參與的上海「1000 Trees」，兩者都試圖重新思考高密度都市與自然的關係，前者把大型開發想像成人造山丘，結構柱頂真正承載植物；藤本壯介則讓建築、植栽與邊界彼此交纏得更加有機。觀看時可以先拋下「綠建築」這類標籤，試著找出建築究竟在哪裡結束、自然從何開始。當兩者已經難以清楚切開，或許正是作品最有意思之處。

海市蜃樓市集／光的粒子｜2013，中東，設計提案

先是在媒體上看到這件未實現的提案，現場見到模型後，首先想像的是「人在裡面會是什麼感覺」？藤本壯介從如光粒子般的最小結構單元出發，不斷重複、堆疊成巨大空間；若真正置於中東強烈日照下，光源隨時間移動，構件投下的影子也將持續改變。看模型時不妨繞著它走，想像當固定的展場燈光換成一天流動的太陽，眼前這座建築會如何從結構變成時間與光共同生成的空間。

武藏野美術大學美術館．圖書館｜2010，東京

我最近正在進行兒少圖書館改造，如今再看這件作品格外有感。圖書館擁有繁複的館藏、設備、動線與管理需求，藤本壯介卻先把問題退回最簡單的地方：圖書館究竟是什麼？他以「書架」貫穿建築，讓書架同時成為牆與空間，又在原本清楚的螺旋秩序中打開洞口，讓人能穿越、抄近路、選擇自己的路。推薦觀眾不要只看最後的漂亮模型，而要比較不同研究模型；所謂自由，往往是經過大量精密研究後才出現的結果。

終極木造宅邸｜2008，熊本

學生時就十分喜歡這件作品，單一尺度的木構件不斷堆疊，同塊木頭可以是牆、地板、樓梯，也能成為桌椅與供身體停留的位置。旁邊大量不同階段的study model，揭露一句話就能說明的概念，背後其實經過反覆推敲。這件作品也提醒年輕設計者，尺度小並不代表思考可以縮水，小型構築、裝置與藝術計畫，同樣足以測試材料、身體與空間，慢慢磨出自己的建築語言。

仙台市（暫稱）國際中心車站北區複合設施｜預計2031完工

一片片大小不同、彷彿漂浮的屋頂，讓我想起過去在海澤維克工作室參與Google Mountain View總部的經驗。兩件作品都將巨大建築拆解成較輕盈、起伏的屋頂單元，但藤本壯介進一步讓部分屋頂向地面延伸，最後變成能走上去、坐下來的斜坡與地景，「形式本身不是答案」，真正有趣的是形式最後如何進入生活。

洪浩鈞

Üroborus_studioLab共序工事創辦人暨設計主持人，任教於實踐大學建築設計學系。畢業於英國University of Brighton，後取得UCL The Bartlett School of Architecture建築碩士。曾任海澤維克工作室資深設計師及上海駐地建築師，參與多項大型國際計畫。2017年成立共序工事，實踐橫跨建築、空間、地景、展覽與裝置，關注材料試驗、在地環境，以及使用者如何賦予空間新的可能。

曾令理

偶然設計共同創辦人、國立陽明交通大學建築研究所副教授。畢業於東海大學建築系，後取得The Cooper Union建築碩士與Harvard GSD Design Studies碩士。會任職海澤維克工作室，參與Google Mountain View等計畫；實踐橫跨建築、裝置、公共藝術與材料研究，持續從身體尺度與模型原型探索空間生成的可能。

_{文｜張瑋涵　攝影｜羅柏麟}

更多精彩內容，請見La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》

位於安藤忠雄設計的複合式設施「TIME'S」內的「京都建築中心（京都建築センター）」，於今（2026）年8月展開試營運、9月2日正式開幕。其以建築為切入點，除向更多人傳遞京都這座城市的魅力，也將持續帶領人們認識建築文化。

為什麼要在京都設立建築中心？

近年來，建築已不再是專業人士或建築愛好者的專屬領域，大眾對於建築的關注日益增加，也逐漸成為人人都能欣賞、討論的文化。而在京都，擁有從世界文化遺產、近代建築到當代建築等極具價值的豐富建築資產，不過，相較於在芝加哥、維也納、哥本哈根、阿姆斯特丹等重視建築文化的城市，早已設有兼具建築導覽、展覽、圖書空間與商店功能的「建築中心（Architecture Center）」，日本至今仍缺乏能讓一般民眾與旅客深入認識、體驗並交流建築文化的場域。

傳遞建築與地方城市魅力

從這個目的出發的京都建築中心，便以京都為舞台，期盼打造一處宛如「建築文化博物館」的新據點。值得一提的是，營運京都建築中心的正是長期致力於推廣建築文化的「合同会社まいまい」，其除長年經營城市散步導覽品牌「まいまい京都」、每年舉辦超過2,000場導覽活動，同時也策劃了「京都現代建築祭」、「神戶建築祭」及「東京建築祭」，持續以建築與地方文化為主題，向大眾介紹城市的魅力。

進駐安藤忠雄建築名作「TIME'S」

而坐落於京都三條通、高瀨川畔，由安藤忠雄設計的建築名作「TIME'S」，以經典的清水模混凝土與親水的設計，交織出獨特的空間氛圍。然而，隨著時間推移與店家接連撤出，這座知名建築有很長一段時間處於封閉、極待活化利用的狀態。這次將進駐TIME'S一樓的京都建築中心，空間設計找來曾設計2025大阪世博休憩所4的MIDW architects（服部大祐＋服部さおり）與studio arche（甲斐貴大）負責，一同打造全新的建築文化據點。

打造串聯人、城市與建築的據點

以「串聯人、城市與建築的據點」為核心的京都建築中心，主要有5大功能：推動讓建築成為旅行理由的「建築觀光」，期盼讓「到京都，就參加建築導覽」成為新的旅遊方式，並將導覽收入回饋到珍貴建築的保存與維護，建立起良性循環。建築中心兼具「展覽空間與選物商店」的特色，除將定期舉辦建築主題展覽，也設有販售建築書籍與設計選物的商店。設有以「建築師的書櫃——享受城市與建築」為概念的「建築圖書空間」，將收藏從建築大師到新生代建築師，以及與京都相關的建築師、建築史學者的選書，希望人們能透過閱讀，進一步深化建築體驗。

建築中心也將提供兼具專業知識與導覽技巧的「建築學習」課程，協助學員學習如何以通俗易懂且具吸引力的方式介紹建築，且完成培訓後，也能在建築祭及建築導覽等活動中擔任導覽員，實際運用所學內容。這裡也將成為今年邁入第5年的京都現代建築祭的實體據點，除將配合建築祭舉辦為期數個月的特展，同時也販售建築祭周邊商品與通行護照。

另外，開幕特展預計將以京都建築中心所在、由安藤忠雄設計的 TIME'S 為主題，舉辦 《時間形塑的建築——TIME'S 與安藤忠雄》（Time-Shaped Architecture: Tadao Ando and TIME’S），帶領觀眾重新審視人、自然與建築之間的關係。

京都建築センター（KYOTO ARCHITECTURE CENTER）
地址：京都市中京区三条通河原町東入中島町92　TIME'S　
開館時間：10:00～18:00，週二休

京都建築中心募資中，有興趣者可點此支持

資料來源｜京都建築センター