現今越來越多展覽脫離視覺單一感官，打破傳統上在白盒子內依循動線觀展的形式，更講求提供進場的觀眾一場「體驗」，無論是透過聽覺、觸覺、嗅覺，或是更全面的身體感。而長期聚焦於城市建築與當代藝術的「忠泰美術館」，為了解開長久以來被制約的既定參觀展覽行為，推出由總監黃姍姍擔任策展人，並邀請藝術家王德瑜、建築師林柏陽跨界共創的《感知現場－建築×藝術跨界展》，三人一同將美術館空間化成一件作品，引領觀眾實際透過「身體」探索、體驗，以自身感知來定義現場，將展覽解釋權回歸觀者。

邀請觀者以身體探索展場

步入忠泰美術館，即進入了《感知現場》，一座彷彿通天的純白階梯佇立大廳，由下而上難以清楚看見梯子的目的地，唯有親身走上探索才能得到解答；另一邊，薄膜撐起、狀似氣球的場域，覆蓋了平時用以放置展品的空間，成為空間中的另一個空間，而兩個空間的界線若有似無，為場域增添超現實之感。接著，還有幾座乍看如葉片的雕塑靜置現場，從15公分到60公分區間中的4種尺度，讓觀者在躺臥、坐與站之間與其互動，用身體和展品進行對話。

這場展覽沒有大量需靜心閱讀的文本、資料，內容定義全藉由觀者的身體感去挖掘，體驗與感受會因到訪時窗外的天候、同時在場的觀眾、當下自己身體的狀態等內外在因素而有所不同。

企圖解開長久以來被制約的既定觀展行為

創作過程中，藝術家王德瑜、建築師林柏陽以忠泰美術館的空間為基礎，從藝術與建築兩種原本不同的思考角度與創作語彙，進行長期互動和對話，以「空間」與「感知」為創作關鍵詞，共同創造突破既定框架的新空間，企圖解開長久以來的既定觀展行為，引領觀眾以身體來探索日常環境之外，另一個不易察覺，卻與他人共感的場域，透過人與空間、自我與他者所建立的不斷變化的動態關係，進而思索存在的狀態或形式的可能性，觀眾得以自身感知來定義現場。

勇於探索，找回身體存在的意識感

而這一切始於個人體驗、終於個人感受的歷程，正如策展人黃姍姍所言：「『感知』，是一種看不見卻真實存在並難以言喻的感受與察覺，超越慣常的文字語言與知識體系。」並且極為私密、貼身且因人而異，正如建築師林柏陽所舉的例子：「大人、小孩不只是身體尺度上的差異，也有著不同的感知。」而談及這場展覽想要做到的事，「每個人自身應當勇於探索的心態，找回身體存在的意識感。」他說。

另一方面，《感知現場》並不是藝術家王德瑜首件探究空間之作，事實上，她不停透過極簡媒材探索空間存在感，進而思考人在空間裡的存在形式與狀態，其一系列以作品序號為標題的空間創作中，呈現了對空間主題的持續性研究，強調讓體感經驗取代視覺經驗、觀眾與作品的互動體驗，以及兩者在互動過程中所萌生的共感。王德瑜提到：「許多人對於空間的想像是：當你沒有方向感的時候，就會覺得你沒有辦法定義空間。這會讓有些人會覺得害怕、有些人會覺得好玩。」而《感知現場》有機、難以定義的特質，正是觸發不同觀者間感受落差與相異的關鍵，這也是個人感知的可貴之處。

展覽期間，忠泰美術館一樓大廳及部分展場空間，將與Aesop合作感知氣味引導，以來自大地的氣息，帶領觀眾開啟更多元的感知想像；展場中亦將不定期舉辦舞蹈、表演藝術、瑜珈等肢體互動活動，從不同情境喚醒身體感官。

當藝術遇上建築，王德瑜、林柏陽談創作心得

這場跨界合作，對藝術家與建築師都是莫大的啟發。王德瑜表示：「我的創作是在既有認知中的白盒子中進行創作，而建築師卻像是在腦海中依照現實環境，規劃著有虛有實的空間。我跟柏陽會一起看展覽、參訪建築後交換看法與對話；此次的作品從觀展動線、空間呈現甚至是樓梯、葉片的設計，都是我們共同討論後的創作，是逐步異中求同的溝通過程。」；關注建築公眾性與各式尺度表現的建築師林柏陽則提到：「我們都試圖用最少的動作，讓身體移動去接近更多的無法言說；不是要去看一件事情，而是進入其中去經歷與意識。」。

即日起至2023年2月12日，不妨親訪忠泰美術館，深入《感知現場》嘗試喚醒感官。而館方為提供觀眾最佳環境，展場將開啟容留人數限制，並以「預約制」進行，詳情請見忠泰美術館官網。此外，10月27將有場展覽座談，策展人黃姍姍、藝術家王德瑜、建築師林柏陽將一同交流，從本次展覽的創作發想與概念出發，進一步探索策劃過程的更多可能與想像。

感知現場─建築×藝術跨界展

░ 參觀預約 ░ 官方網站 ░

展覽日期｜2022年10月15日～2023年2月12日

展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）

開放時間｜週二至週日10:00～18:00（週一休館）

參觀資訊｜採預約參觀制，開放現場候補，全票100元、優待票80元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）

週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀（需事先預約）

同場加映｜《現形記─高德亮創作展》

看完《感知現場》後，也不妨到美術館鄰近場域欣賞《現形記─高德亮創作展》，其為忠泰美術館長期藝術實踐計畫「奧夫塞計畫」的最新創作，由館方與藝術家高德亮共同合作，捕捉環境內既有的元素，將其提煉成為創作者的視角與觀點，並透過作品引領觀眾切換視角，探尋城市與生活中無形的邊界，放大我們對於日常空間的視覺感受。2022年入冬之際，忠泰美術館兩檔新展從人類最純粹的五感體驗出發，期盼透過具實驗性的展覽呈現，重新定義觀展方式，開啟展演型態更多元的討論。

資料、圖片｜忠泰美術館

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）