挪威藝術家巴赫里用舊衣、碎布說故事!《縫合》個展以織品藝術探討情感羈絆、社會期待與孤立議題

挪威藝術家巴赫里用舊衣、歲不說故事!《縫合》個展以織品藝術探討情感羈絆、社會期待與孤立議題

織布與服裝,是人們用來蔽體保暖的物件、個人風格與個性的呈現,也成為不少藝術家手中的創作媒介。正如來自挪威、擁有服裝設計背景的藝術家卡里.安妮.赫勒伯格.巴赫里(Kari Anne Helleberg Bahr),作品常融合服裝工藝,利用舊衣、碎布與殘片織品等元素,透過解構、縫合與再造技法,探討社會集體的限制、期待、秩序、孤立等議題,以藝術與中性色調偷渡沉重卻人人都能產生共鳴的命題。即日起至2022年12月11日,巴赫里亞洲首個展《縫合 Sew Up》於Bluerider ART台北・敦仁與仁愛雙館聯合展出。

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挪威藝術家卡里.安妮.赫勒伯格.巴赫里亞洲首個展《縫合》現場

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《縫合》於Bluerider ART台北・敦仁、台北・仁愛雙館舉行

對布料的著迷源自裁縫師母親

巴赫里對織品的著迷,源自於以裁縫師為業的母親,童年時因家境並不富裕,她的母親常以舊衣物等容易取得的布料進行設計,那化腐朽為神奇的過程,對巴赫里來說是啟蒙;而驟逝的父親令她陷入孤立沈默、自我懷疑,感覺身體被牢籠所困,唯有透過將碎片舊布、織補縫合再創造的過程,才找到可以發聲的方式。

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《縫合》展覽現場

當衣服不只是蔽體、樹立外在形象的物件

母親對她是媒材的啟發,而父親意象則反覆出現在她的創作內容中,「我運用衣服和布料做為溝通的語言,解放它們包裝身體的功能。」巴赫里曾說,衣物作為遮蔽身體的物件,與個人肌膚有著最親密的接觸,一旦新衣穿過之後,就不再是全新狀態,個人的心智狀態與情緒,都會在衣物上留下時間痕跡,它是自我私密的對話,同時也是個人對外標誌著自我於社會中的形象。

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《縫合》展覽現場的作品都可以用手觸摸、感受

巴赫里善用手工縫製方式,與收集來的織布長時間相處,發掘纖維的細節,通過天然的棉、麻、毛料材質,選擇白色或中性色彩呈現,讓自己與觀者不被色彩所誘發的愉悅、悲傷情緒干擾,進而跳脫自我設限的困境,創造獨一無二的生命故事;她以織線創作,探討當下社會群體的限制、秩序、期待、孤立等議題,藉由現成物的混亂、瑕疵、腐朽、不完美的重新詮釋再造,提供觀者立於「客觀」位置反思「自我」記憶經驗的契機。

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《縫合》展覽現場

《縫合》6件亮點作品一覽!

步入《縫合》展場,會發現巴赫里打破布料予人柔軟的印象,讓媒材呈現僵硬、立體的姿態,它們或成為排排站的人形、或化身像睡袋也像蠶繭的形態;保持柔軟原貌的針織物,則被裝載在長方形櫃子中,好似被畫線束縛。

Kahb-09,Close(d),2015,17x153xca 100 (3 pieces)cm,Three  textile objects(wool mittens, quits etc)in wooden frames
Kari Anne Helleberg Bahr〈Close(d)〉

藝術家透過一連串柔軟/生硬、軟糯/僵直的鮮明對比,描繪各種生活上常見的個人與群體議題,比方說作為本次展覽主視覺背景的〈Everyday〉一作中,巴赫里在布料內塞入棉花,做出立體、紮實且僵硬的人形,小人們穿著設計款式相似的服裝,守秩序地排隊前行;巴赫里藉此重現上班日時穿戴整齊的人們,隱喻個體習慣遵循社會既有的秩序與模式,讓自己不違背社會期待的景況,述說關於擔心失敗及脫離主流社會的心理恐懼,如失去工作、被周圍的人冷落等等。

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Kari Anne Helleberg Bahr〈Everyday〉

另一件暗示人們傾向達成社會期待的作品為〈General People〉,巴赫里以穿上各種不同服裝、排排站的小人形們,呼應現實社會中各形各色、從事不同職業的人,說明每個人在社會上都有屬於自己的位置,會長出各自的模樣。有趣的是,藝術家特別讓其中一個人形「反著站」,並根據過往展覽觀眾的反饋觀察到,許多觀眾會很想趕快將它「轉正」,或想這是作品本來的模樣?還是被其他觀眾「用亂」了?巴赫里在可愛的造型背後注入隱含質疑的反差,將〈General People〉設計為一場迷你的心理測驗,讓觀眾在展間中領悟社會上「隱藏的秩序性」,是展覽中非常有意思的小彩蛋。

Kahb-01, General people, 2013, Dimension variable (H18cm), Left over textiles sawn to different types of shirts  jackets
Kari Anne Helleberg Bahr〈General People〉

另一方面,大尺度作品〈Garment Bags〉由80件衣架衣袋組合,向著同一個方向整齊排列,隱喻人們對於什麼時期應該做什麼事有著共同的觀點,進而觸發某種期待亦是限制,表現其實人都害怕被孤立,因而遵守內心可能不完全接受且認同的秩序。

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Kari Anne Helleberg Bahr〈Garment Bags〉

同樣的意涵,也可見於展館末端的〈Fall〉當中,作品中以數個穿著襯衫的人形組成,勾起人們對襯衫等同制服、白領階級、有話語權的群體的連結印象,並藉人形墜落、崩塌的畫面意象,反思資本主義下的社會系統,當今社會的成功好似有著模板,且有一定的生命模式和階段,身在其中的人們不免思考,要是我沒有在這個系統裡、跟著「正軌」行走,那我是不是就崩壞了?是否就是失敗?當一個人難以承受,便會崩潰瓦解。

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Kari Anne Helleberg Bahr〈Fall〉

另外,以皮帶匯織成圓、呈現巢狀的作品〈Nest〉,闡述家人之間緊緊維繫、難以切割的關係,有時如束縛般令人喘不過氣;透過紅白條紋人形呈現的〈Circus〉,以童年記憶中父親工作時著裝的小丑裝為靈感,同時也有馬戲團帳篷的意象,勾起人前歡樂人後悲苦、笑中帶淚的共感經驗。

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Kari Anne Helleberg Bahr〈Nest〉/Kari Anne Helleberg Bahr〈Circus〉

對靈魂深處的關懷

綜觀二十世紀的織品藝術(Textile Art),藝術家時常運用纖維的韌性、織物連結身體的親密感,來表現自身的情感與立場,並與傳統的編織工藝做出區隔,像是2021年來台舉辦大型個展的日本當代藝術家塩田千春,擅長以毛線及現成物組成的裝置藝術,帶領觀眾體驗人生的旅途,並將死亡的恐懼完整記錄下來。

不過,巴赫里的作品有別於將編織作為個人生命經驗的再現,而以舊布痕跡、手工縫線等具象徵意義的文化符碼與創作手法,闡述社會共同體價值觀對單一個體的影響,舉凡個人與家人、好友與親密伴之間剪不斷、理還亂的羈絆,以及僵化的社會秩序與期待、普世價值觀如何撼動一人精神與心緒。

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《縫合》展覽現場

巴赫里以織品藝術作為說故事的媒介,表面上操作舊衣、碎布、殘片織品等混亂元素,實則深入解剖衣物痕跡的記憶溫度,以及內心世界所隱藏的心理狀態,透過創作呈現喜怒哀樂情緒的人性微縮,她的藝術是批判性的和解,同時也是對於靈魂深處的關懷。

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《縫合》展覽現場

《縫合 Sew up》卡里.安妮.赫勒伯格.巴赫里 Kari Anne Helleberg Bahri 亞洲首個展

展期|2022年10月8日~2022年12月11日

門票|免費參觀

地點與時間|

► Bluerider ART 台北.敦仁(台北市大安區大安路一段101巷10號1F)

週二~週日 10:00~19:00

► Bluerider ART 台北.仁愛(台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓)

週二至週日 09:00~18:00

資料、圖片|Bluerider ART

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太平國小博物館自2022年啟動籌備,歷時3年,將於2025年7月3日正式對外開放。這座延續黃土水精神所打造的校園藝術生態博物館,以「聽得見讀書聲、聞得見稻穗香、看得見大稻埕歷史、能親近黃土水傑作《少女》胸像」為使命,深植於百年校園日常與在地文化記憶之中。另外,太平國小博物館採線上預約制、免費參觀,即日起可在官方網站線上預約。

黃土水130歲誕辰,太平國小博物館元年

黃土水生於1895年7月3日,1907年轉入太平國小前身「大稻埕公學校」就讀。1915年自總督府國語學校畢業後返母校任教半年,隨後赴東京美術學校深造。1920年,他以大理石雕刻《少女》胸像作為畢業創作,並將此作品贈與母校,種下今日太平國小博物館的種子。

太平國小博物館將於7月3日正式對外開放。2025年7月3日這一天,恰為臺灣第一位雕刻家黃土水130歲誕辰,也將成為這座博物館的生日。(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
太平國小博物館將於7月3日正式對外開放。2025年7月3日這一天,恰為臺灣第一位雕刻家黃土水130歲誕辰,也將成為這座博物館的生日。(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

全臺首座校園藝術生態博物館誕生

《少女》胸像承載著藝術家對故鄉的情感與理想,百年來靜靜守護於校園一隅。2020年出借北師美術館進行修復並參展,社會反應熱烈,也促成關於保存與展示的公共討論。北師美術館創辦人林曼麗認為,《少女》胸像「就地保存」不僅回應黃土水贈作母校的初衷,更承載太平國小師生代代守護的情感,也符合學校與校友會的期望。唯須建立具備「專業性」、「公共性」、「教育性」的博物館機制,並解決永續經營的挑戰。而北師美術館團隊自2022年5月起進駐太平國小,延續「One Piece Museum」計畫核心,即透過「一件」文物即可在校園內落實美術館/博物館的概念,藉由館校協作模式與學校課程連結,導入藝術史、博物館專業、文化資產保存知能;並由田中央工作群參與空間規劃,最終這座校園藝術生態博物館誕生。

《少女》胸像於黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
《少女》胸像於黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

深植校園生活,延續地方文化脈絡

這座博物館深植校園生活,亦延續地方文化脈絡。沿著博物館小徑走入,映入眼簾的是由學生每日照料的田園,「綠色稻波」正呼應黃土水〈出生於臺灣〉一文中對故鄉風土的讚頌。稻波倒映於舊蒸飯室改建而成的「黃土水專室」落地窗上,這棟一樓平房即為《少女》胸像的常設展間。展室牆面採圓潤泥牆設計,營造如「土角厝」般質感,室內設有相思木打造的學習平台,自然光從玉蘭花樹梢灑落,映照胸像細膩的造形與紋理,展現黃土水對藝術的執著與對生命的凝視。專室門前的幽香,則來自紀念其遺孀廖秋桂所設置的桂花花台。

黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

推出開館大展「黃土水與孩子們」

步出專室,可見一小方仿三合院「埕」的戶外工坊,重現黃土水雕刻大理石的工作場景;與之相連的「特展室」活化行政廊道空間。太平國小博物館開館特展主題為「黃土水與孩子們」,串聯三個子題:「黃土水身邊的孩子們」、「黃土水創作的孩子們」,以及「《少女》胸像與太平國小的百年情誼」,爬梳藝術家創作生涯中「孩子」的多重面貌。

特展室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
特展室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

黃土水與夫人膝下無子,在東京生活時與姪兒們共同起居,他們時而擔任助手,時而成為模特兒。展覽亦首度公開四姪黃清雲(歸化日本後改名幸田好正)後代寄藏的珍貴史料。黃土水早年以兒童為主題創作多件作品,包括初次入選帝展的《蕃童》(1920年)、獻給皇太子的《三歲童子》(1923年)等,雖皆佚失,皆為其雕刻生涯的重要篇章。目前存世之兒童主題作品僅《少女》胸像、《男嬰頭像》(1918年)與《水牛群像》(1930年)三件;其中遺世巨作《水牛群像》常設北市中山堂,《男嬰頭像》則特別出借本展。

《男嬰》頭像於黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
《男嬰頭像》於黃土水專室(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

回顧《少女》胸像的百年保存歷程

展覽透過珍貴作品與文獻梳理,引導觀者能親炙黃土水對童稚神韻的描寫功力,也透露其寄寓純真的創作思維。展覽亦首次系統回顧《少女》胸像在太平國小的百年保存歷程,訴說其自1920年代進入校園以來,歷經沉潛、修復、再現,最終催生校園藝術生態博物館的百年情誼。除了《少女》胸像,百年老校太平國小亦珍藏千餘件歷史文物,未來將活用這些資源規畫展覽、結合學校課程發展,並透過家長、志工與社區的參與,深化並擴散博物館能量,持續拓展黃土水的精神不朽。

展覽亦首次系統回顧《少女》胸像在太平國小的百年保存歷程。(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
展覽亦首次系統回顧《少女》胸像在太平國小的百年保存歷程。(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

「久子館長」上任

值得一提的是,太平國小博物館的「館長」已在今年5月18日博物館日上任,她是「少女資歷105年,館長資歷0年」的《少女》胸像的數位分身「久子小姐」。《少女》胸像1920年首次登場於黃土水的畢業展時,名為「ひさ子さん」也就是「久子小姐」的意思。如今《少女》胸像以「數位分身」恢復這個名字,成為太平國小博物館的在社群媒體中代言人。

(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)
(圖片提供:太平國小博物館、攝影:黃宏錡)

太平國小博物館開館大展「黃土水與孩子們」
展期|2025.07.03 - 2026.01.31
地點|太平國小博物館(臺北市大同區延平北路二段239號)
開放時間|週二、週四、週六(國定假日休館)
採線上預約制,免費參觀,預約請點此

資料提供|太平國小博物館、文字整理|Adela Cheng

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史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

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《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

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David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

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Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
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Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

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May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

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Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

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After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
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Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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