挪威藝術家巴赫里用舊衣、碎布說故事！《縫合》個展以織品藝術探討情感羈絆、社會期待與孤立議題

織布與服裝，是人們用來蔽體保暖的物件、個人風格與個性的呈現，也成為不少藝術家手中的創作媒介。正如來自挪威、擁有服裝設計背景的藝術家卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里（Kari Anne Helleberg Bahr），作品常融合服裝工藝，利用舊衣、碎布與殘片織品等元素，透過解構、縫合與再造技法，探討社會集體的限制、期待、秩序、孤立等議題，以藝術與中性色調偷渡沉重卻人人都能產生共鳴的命題。即日起至2022年12月11日，巴赫里亞洲首個展《縫合 Sew Up》於Bluerider ART台北・敦仁與仁愛雙館聯合展出。

對布料的著迷源自裁縫師母親

巴赫里對織品的著迷，源自於以裁縫師為業的母親，童年時因家境並不富裕，她的母親常以舊衣物等容易取得的布料進行設計，那化腐朽為神奇的過程，對巴赫里來說是啟蒙；而驟逝的父親令她陷入孤立沈默、自我懷疑，感覺身體被牢籠所困，唯有透過將碎片舊布、織補縫合再創造的過程，才找到可以發聲的方式。

當衣服不只是蔽體、樹立外在形象的物件

母親對她是媒材的啟發，而父親意象則反覆出現在她的創作內容中，「我運用衣服和布料做為溝通的語言，解放它們包裝身體的功能。」巴赫里曾說，衣物作為遮蔽身體的物件，與個人肌膚有著最親密的接觸，一旦新衣穿過之後，就不再是全新狀態，個人的心智狀態與情緒，都會在衣物上留下時間痕跡，它是自我私密的對話，同時也是個人對外標誌著自我於社會中的形象。

巴赫里善用手工縫製方式，與收集來的織布長時間相處，發掘纖維的細節，通過天然的棉、麻、毛料材質，選擇白色或中性色彩呈現，讓自己與觀者不被色彩所誘發的愉悅、悲傷情緒干擾，進而跳脫自我設限的困境，創造獨一無二的生命故事；她以織線創作，探討當下社會群體的限制、秩序、期待、孤立等議題，藉由現成物的混亂、瑕疵、腐朽、不完美的重新詮釋再造，提供觀者立於「客觀」位置反思「自我」記憶經驗的契機。

《縫合》6件亮點作品一覽！

步入《縫合》展場，會發現巴赫里打破布料予人柔軟的印象，讓媒材呈現僵硬、立體的姿態，它們或成為排排站的人形、或化身像睡袋也像蠶繭的形態；保持柔軟原貌的針織物，則被裝載在長方形櫃子中，好似被畫線束縛。

藝術家透過一連串柔軟／生硬、軟糯／僵直的鮮明對比，描繪各種生活上常見的個人與群體議題，比方說作為本次展覽主視覺背景的〈Everyday〉一作中，巴赫里在布料內塞入棉花，做出立體、紮實且僵硬的人形，小人們穿著設計款式相似的服裝，守秩序地排隊前行；巴赫里藉此重現上班日時穿戴整齊的人們，隱喻個體習慣遵循社會既有的秩序與模式，讓自己不違背社會期待的景況，述說關於擔心失敗及脫離主流社會的心理恐懼，如失去工作、被周圍的人冷落等等。

另一件暗示人們傾向達成社會期待的作品為〈General People〉，巴赫里以穿上各種不同服裝、排排站的小人形們，呼應現實社會中各形各色、從事不同職業的人，說明每個人在社會上都有屬於自己的位置，會長出各自的模樣。有趣的是，藝術家特別讓其中一個人形「反著站」，並根據過往展覽觀眾的反饋觀察到，許多觀眾會很想趕快將它「轉正」，或想這是作品本來的模樣？還是被其他觀眾「用亂」了？巴赫里在可愛的造型背後注入隱含質疑的反差，將〈General People〉設計為一場迷你的心理測驗，讓觀眾在展間中領悟社會上「隱藏的秩序性」，是展覽中非常有意思的小彩蛋。

另一方面，大尺度作品〈Garment Bags〉由80件衣架衣袋組合，向著同一個方向整齊排列，隱喻人們對於什麼時期應該做什麼事有著共同的觀點，進而觸發某種期待亦是限制，表現其實人都害怕被孤立，因而遵守內心可能不完全接受且認同的秩序。

同樣的意涵，也可見於展館末端的〈Fall〉當中，作品中以數個穿著襯衫的人形組成，勾起人們對襯衫等同制服、白領階級、有話語權的群體的連結印象，並藉人形墜落、崩塌的畫面意象，反思資本主義下的社會系統，當今社會的成功好似有著模板，且有一定的生命模式和階段，身在其中的人們不免思考，要是我沒有在這個系統裡、跟著「正軌」行走，那我是不是就崩壞了？是否就是失敗？當一個人難以承受，便會崩潰瓦解。

另外，以皮帶匯織成圓、呈現巢狀的作品〈Nest〉，闡述家人之間緊緊維繫、難以切割的關係，有時如束縛般令人喘不過氣；透過紅白條紋人形呈現的〈Circus〉，以童年記憶中父親工作時著裝的小丑裝為靈感，同時也有馬戲團帳篷的意象，勾起人前歡樂人後悲苦、笑中帶淚的共感經驗。

對靈魂深處的關懷

綜觀二十世紀的織品藝術（Textile Art），藝術家時常運用纖維的韌性、織物連結身體的親密感，來表現自身的情感與立場，並與傳統的編織工藝做出區隔，像是2021年來台舉辦大型個展的日本當代藝術家塩田千春，擅長以毛線及現成物組成的裝置藝術，帶領觀眾體驗人生的旅途，並將死亡的恐懼完整記錄下來。

不過，巴赫里的作品有別於將編織作為個人生命經驗的再現，而以舊布痕跡、手工縫線等具象徵意義的文化符碼與創作手法，闡述社會共同體價值觀對單一個體的影響，舉凡個人與家人、好友與親密伴之間剪不斷、理還亂的羈絆，以及僵化的社會秩序與期待、普世價值觀如何撼動一人精神與心緒。

巴赫里以織品藝術作為說故事的媒介，表面上操作舊衣、碎布、殘片織品等混亂元素，實則深入解剖衣物痕跡的記憶溫度，以及內心世界所隱藏的心理狀態，透過創作呈現喜怒哀樂情緒的人性微縮，她的藝術是批判性的和解，同時也是對於靈魂深處的關懷。

《縫合 Sew up》卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里 Kari Anne Helleberg Bahri 亞洲首個展

展期｜2022年10月8日～2022年12月11日

門票｜免費參觀

地點與時間｜

► Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

週二～週日 10:00～19:00

► Bluerider ART 台北．仁愛（台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓）

週二至週日 09:00～18:00

資料、圖片｜Bluerider ART

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23