織布與服裝，是人們用來蔽體保暖的物件、個人風格與個性的呈現，也成為不少藝術家手中的創作媒介。正如來自挪威、擁有服裝設計背景的藝術家卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里（Kari Anne Helleberg Bahr），作品常融合服裝工藝，利用舊衣、碎布與殘片織品等元素，透過解構、縫合與再造技法，探討社會集體的限制、期待、秩序、孤立等議題，以藝術與中性色調偷渡沉重卻人人都能產生共鳴的命題。即日起至2022年12月11日，巴赫里亞洲首個展《縫合 Sew Up》於Bluerider ART台北・敦仁與仁愛雙館聯合展出。

對布料的著迷源自裁縫師母親

巴赫里對織品的著迷，源自於以裁縫師為業的母親，童年時因家境並不富裕，她的母親常以舊衣物等容易取得的布料進行設計，那化腐朽為神奇的過程，對巴赫里來說是啟蒙；而驟逝的父親令她陷入孤立沈默、自我懷疑，感覺身體被牢籠所困，唯有透過將碎片舊布、織補縫合再創造的過程，才找到可以發聲的方式。

當衣服不只是蔽體、樹立外在形象的物件

母親對她是媒材的啟發，而父親意象則反覆出現在她的創作內容中，「我運用衣服和布料做為溝通的語言，解放它們包裝身體的功能。」巴赫里曾說，衣物作為遮蔽身體的物件，與個人肌膚有著最親密的接觸，一旦新衣穿過之後，就不再是全新狀態，個人的心智狀態與情緒，都會在衣物上留下時間痕跡，它是自我私密的對話，同時也是個人對外標誌著自我於社會中的形象。

巴赫里善用手工縫製方式，與收集來的織布長時間相處，發掘纖維的細節，通過天然的棉、麻、毛料材質，選擇白色或中性色彩呈現，讓自己與觀者不被色彩所誘發的愉悅、悲傷情緒干擾，進而跳脫自我設限的困境，創造獨一無二的生命故事；她以織線創作，探討當下社會群體的限制、秩序、期待、孤立等議題，藉由現成物的混亂、瑕疵、腐朽、不完美的重新詮釋再造，提供觀者立於「客觀」位置反思「自我」記憶經驗的契機。

《縫合》6件亮點作品一覽！

步入《縫合》展場，會發現巴赫里打破布料予人柔軟的印象，讓媒材呈現僵硬、立體的姿態，它們或成為排排站的人形、或化身像睡袋也像蠶繭的形態；保持柔軟原貌的針織物，則被裝載在長方形櫃子中，好似被畫線束縛。

藝術家透過一連串柔軟／生硬、軟糯／僵直的鮮明對比，描繪各種生活上常見的個人與群體議題，比方說作為本次展覽主視覺背景的〈Everyday〉一作中，巴赫里在布料內塞入棉花，做出立體、紮實且僵硬的人形，小人們穿著設計款式相似的服裝，守秩序地排隊前行；巴赫里藉此重現上班日時穿戴整齊的人們，隱喻個體習慣遵循社會既有的秩序與模式，讓自己不違背社會期待的景況，述說關於擔心失敗及脫離主流社會的心理恐懼，如失去工作、被周圍的人冷落等等。

另一件暗示人們傾向達成社會期待的作品為〈General People〉，巴赫里以穿上各種不同服裝、排排站的小人形們，呼應現實社會中各形各色、從事不同職業的人，說明每個人在社會上都有屬於自己的位置，會長出各自的模樣。有趣的是，藝術家特別讓其中一個人形「反著站」，並根據過往展覽觀眾的反饋觀察到，許多觀眾會很想趕快將它「轉正」，或想這是作品本來的模樣？還是被其他觀眾「用亂」了？巴赫里在可愛的造型背後注入隱含質疑的反差，將〈General People〉設計為一場迷你的心理測驗，讓觀眾在展間中領悟社會上「隱藏的秩序性」，是展覽中非常有意思的小彩蛋。

另一方面，大尺度作品〈Garment Bags〉由80件衣架衣袋組合，向著同一個方向整齊排列，隱喻人們對於什麼時期應該做什麼事有著共同的觀點，進而觸發某種期待亦是限制，表現其實人都害怕被孤立，因而遵守內心可能不完全接受且認同的秩序。

同樣的意涵，也可見於展館末端的〈Fall〉當中，作品中以數個穿著襯衫的人形組成，勾起人們對襯衫等同制服、白領階級、有話語權的群體的連結印象，並藉人形墜落、崩塌的畫面意象，反思資本主義下的社會系統，當今社會的成功好似有著模板，且有一定的生命模式和階段，身在其中的人們不免思考，要是我沒有在這個系統裡、跟著「正軌」行走，那我是不是就崩壞了？是否就是失敗？當一個人難以承受，便會崩潰瓦解。

另外，以皮帶匯織成圓、呈現巢狀的作品〈Nest〉，闡述家人之間緊緊維繫、難以切割的關係，有時如束縛般令人喘不過氣；透過紅白條紋人形呈現的〈Circus〉，以童年記憶中父親工作時著裝的小丑裝為靈感，同時也有馬戲團帳篷的意象，勾起人前歡樂人後悲苦、笑中帶淚的共感經驗。

對靈魂深處的關懷

綜觀二十世紀的織品藝術（Textile Art），藝術家時常運用纖維的韌性、織物連結身體的親密感，來表現自身的情感與立場，並與傳統的編織工藝做出區隔，像是2021年來台舉辦大型個展的日本當代藝術家塩田千春，擅長以毛線及現成物組成的裝置藝術，帶領觀眾體驗人生的旅途，並將死亡的恐懼完整記錄下來。

不過，巴赫里的作品有別於將編織作為個人生命經驗的再現，而以舊布痕跡、手工縫線等具象徵意義的文化符碼與創作手法，闡述社會共同體價值觀對單一個體的影響，舉凡個人與家人、好友與親密伴之間剪不斷、理還亂的羈絆，以及僵化的社會秩序與期待、普世價值觀如何撼動一人精神與心緒。

巴赫里以織品藝術作為說故事的媒介，表面上操作舊衣、碎布、殘片織品等混亂元素，實則深入解剖衣物痕跡的記憶溫度，以及內心世界所隱藏的心理狀態，透過創作呈現喜怒哀樂情緒的人性微縮，她的藝術是批判性的和解，同時也是對於靈魂深處的關懷。

《縫合 Sew up》卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里 Kari Anne Helleberg Bahri 亞洲首個展

展期｜2022年10月8日～2022年12月11日

門票｜免費參觀

地點與時間｜

► Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

週二～週日 10:00～19:00

► Bluerider ART 台北．仁愛（台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓）

週二至週日 09:00～18:00

資料、圖片｜Bluerider ART

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group