織布與服裝，是人們用來蔽體保暖的物件、個人風格與個性的呈現，也成為不少藝術家手中的創作媒介。正如來自挪威、擁有服裝設計背景的藝術家卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里（Kari Anne Helleberg Bahr），作品常融合服裝工藝，利用舊衣、碎布與殘片織品等元素，透過解構、縫合與再造技法，探討社會集體的限制、期待、秩序、孤立等議題，以藝術與中性色調偷渡沉重卻人人都能產生共鳴的命題。即日起至2022年12月11日，巴赫里亞洲首個展《縫合 Sew Up》於Bluerider ART台北・敦仁與仁愛雙館聯合展出。

對布料的著迷源自裁縫師母親

巴赫里對織品的著迷，源自於以裁縫師為業的母親，童年時因家境並不富裕，她的母親常以舊衣物等容易取得的布料進行設計，那化腐朽為神奇的過程，對巴赫里來說是啟蒙；而驟逝的父親令她陷入孤立沈默、自我懷疑，感覺身體被牢籠所困，唯有透過將碎片舊布、織補縫合再創造的過程，才找到可以發聲的方式。

當衣服不只是蔽體、樹立外在形象的物件

母親對她是媒材的啟發，而父親意象則反覆出現在她的創作內容中，「我運用衣服和布料做為溝通的語言，解放它們包裝身體的功能。」巴赫里曾說，衣物作為遮蔽身體的物件，與個人肌膚有著最親密的接觸，一旦新衣穿過之後，就不再是全新狀態，個人的心智狀態與情緒，都會在衣物上留下時間痕跡，它是自我私密的對話，同時也是個人對外標誌著自我於社會中的形象。

巴赫里善用手工縫製方式，與收集來的織布長時間相處，發掘纖維的細節，通過天然的棉、麻、毛料材質，選擇白色或中性色彩呈現，讓自己與觀者不被色彩所誘發的愉悅、悲傷情緒干擾，進而跳脫自我設限的困境，創造獨一無二的生命故事；她以織線創作，探討當下社會群體的限制、秩序、期待、孤立等議題，藉由現成物的混亂、瑕疵、腐朽、不完美的重新詮釋再造，提供觀者立於「客觀」位置反思「自我」記憶經驗的契機。

《縫合》6件亮點作品一覽！

步入《縫合》展場，會發現巴赫里打破布料予人柔軟的印象，讓媒材呈現僵硬、立體的姿態，它們或成為排排站的人形、或化身像睡袋也像蠶繭的形態；保持柔軟原貌的針織物，則被裝載在長方形櫃子中，好似被畫線束縛。

藝術家透過一連串柔軟／生硬、軟糯／僵直的鮮明對比，描繪各種生活上常見的個人與群體議題，比方說作為本次展覽主視覺背景的〈Everyday〉一作中，巴赫里在布料內塞入棉花，做出立體、紮實且僵硬的人形，小人們穿著設計款式相似的服裝，守秩序地排隊前行；巴赫里藉此重現上班日時穿戴整齊的人們，隱喻個體習慣遵循社會既有的秩序與模式，讓自己不違背社會期待的景況，述說關於擔心失敗及脫離主流社會的心理恐懼，如失去工作、被周圍的人冷落等等。

另一件暗示人們傾向達成社會期待的作品為〈General People〉，巴赫里以穿上各種不同服裝、排排站的小人形們，呼應現實社會中各形各色、從事不同職業的人，說明每個人在社會上都有屬於自己的位置，會長出各自的模樣。有趣的是，藝術家特別讓其中一個人形「反著站」，並根據過往展覽觀眾的反饋觀察到，許多觀眾會很想趕快將它「轉正」，或想這是作品本來的模樣？還是被其他觀眾「用亂」了？巴赫里在可愛的造型背後注入隱含質疑的反差，將〈General People〉設計為一場迷你的心理測驗，讓觀眾在展間中領悟社會上「隱藏的秩序性」，是展覽中非常有意思的小彩蛋。

另一方面，大尺度作品〈Garment Bags〉由80件衣架衣袋組合，向著同一個方向整齊排列，隱喻人們對於什麼時期應該做什麼事有著共同的觀點，進而觸發某種期待亦是限制，表現其實人都害怕被孤立，因而遵守內心可能不完全接受且認同的秩序。

同樣的意涵，也可見於展館末端的〈Fall〉當中，作品中以數個穿著襯衫的人形組成，勾起人們對襯衫等同制服、白領階級、有話語權的群體的連結印象，並藉人形墜落、崩塌的畫面意象，反思資本主義下的社會系統，當今社會的成功好似有著模板，且有一定的生命模式和階段，身在其中的人們不免思考，要是我沒有在這個系統裡、跟著「正軌」行走，那我是不是就崩壞了？是否就是失敗？當一個人難以承受，便會崩潰瓦解。

另外，以皮帶匯織成圓、呈現巢狀的作品〈Nest〉，闡述家人之間緊緊維繫、難以切割的關係，有時如束縛般令人喘不過氣；透過紅白條紋人形呈現的〈Circus〉，以童年記憶中父親工作時著裝的小丑裝為靈感，同時也有馬戲團帳篷的意象，勾起人前歡樂人後悲苦、笑中帶淚的共感經驗。

對靈魂深處的關懷

綜觀二十世紀的織品藝術（Textile Art），藝術家時常運用纖維的韌性、織物連結身體的親密感，來表現自身的情感與立場，並與傳統的編織工藝做出區隔，像是2021年來台舉辦大型個展的日本當代藝術家塩田千春，擅長以毛線及現成物組成的裝置藝術，帶領觀眾體驗人生的旅途，並將死亡的恐懼完整記錄下來。

不過，巴赫里的作品有別於將編織作為個人生命經驗的再現，而以舊布痕跡、手工縫線等具象徵意義的文化符碼與創作手法，闡述社會共同體價值觀對單一個體的影響，舉凡個人與家人、好友與親密伴之間剪不斷、理還亂的羈絆，以及僵化的社會秩序與期待、普世價值觀如何撼動一人精神與心緒。

巴赫里以織品藝術作為說故事的媒介，表面上操作舊衣、碎布、殘片織品等混亂元素，實則深入解剖衣物痕跡的記憶溫度，以及內心世界所隱藏的心理狀態，透過創作呈現喜怒哀樂情緒的人性微縮，她的藝術是批判性的和解，同時也是對於靈魂深處的關懷。

《縫合 Sew up》卡里．安妮．赫勒伯格．巴赫里 Kari Anne Helleberg Bahri 亞洲首個展

展期｜2022年10月8日～2022年12月11日

門票｜免費參觀

地點與時間｜

► Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

週二～週日 10:00～19:00

► Bluerider ART 台北．仁愛（台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓）

週二至週日 09:00～18:00

資料、圖片｜Bluerider ART

溫潤厚實的書捧在手裡，得以真正感受藝術之重。香奈兒2025年全新刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》現於包括台北在內的全球20座城市登場。從新銳藝術家專題、CHANEL Next Prize得獎作品，到由後現代主義攝影師掌鏡的香奈兒女士藏品特輯，盡收250頁精彩篇幅中。跟隨G-Dragon的身影、Tilda Swinton的留言⋯⋯香奈兒為每位觀眾準備的奇幻旅程未曾限於時尚本身。

之於我們所處的時代而言，紙張的存在意義早已超越知識傳遞，「上綱」到了人文溫度與真實情感交流的範疇。2025年，香奈兒延續百年來對藝術的支持，推出全新藝術與文化刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》，由品牌藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel主導，聚焦過去5年間品牌與藝術家及文化機構的合作成果。

首刊封面選用香奈兒5大重要色彩中的「金」底搭配「ARTS & CULTURE」浮雕字樣，並透過後現代主義攝影師Roe Ethridge的鏡頭，以法國立體派雕塑家Jacques Lipchitz於1921年創作的香奈兒女士頭像（戴著2002/03秋冬系列金屬眼鏡）的強烈意象引人入勝，揭開這趟愈見寬闊的視覺旅程。

內容亮點#01：藝術成果呈獻

當代創作者專題、香奈兒卓越大獎作品集

採大開本設計的《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》匯聚豐富多元的藝術創想，並精選亮、霧面等多種藝術紙張呈獻250頁篇幅，不僅彰顯品牌對當代創作者的關注，亦供讀者一窺新銳藝術家的卓越才華，見證他們通過各樣媒介為藝術世界注入的蓬勃生機。

全刊以英文呈現，前半部帶來從英國藝術家Tracey Emin、Savanah Leaf到中國藝術家曹斐、陸揚的專題介紹，以圖文穿插方式邀讀者一同鑑賞諸位的生涯重要創作；後半部則公開香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）得主作品集，展露品牌自2022年開辦該獎項以來，在藝術和文化領域的深度著力。創刊號亦邀集香奈兒藝術與文化摯友們分享對未來的洞見，包括品牌大使Tilda Swinton、Penélope Cruz、G-Dragon權志龍等人都參與其中，Tilda Swinton甚至留下了一封簽名信。

「身處這個充滿變動、數位進程在我們眼前飛速前推的時代，保護、支持並聚焦於藝術家的創作獨立性與人性，顯得比以往任何時刻都更加重要。」——香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel

>> 4位藝術家專題搶先看

「英國青年藝術家（YBAs）」代表人物之一的Tracey Emin，曾憑藉知名裝置〈我的床（My Bed）〉入圍透納獎，2007年亦代表英國參加第52屆威尼斯雙年展。英裔美國電影導演兼錄像藝術家Savanah Leaf，則於2024年挾長片首作《地球媽媽（Earth Mama）》奪得第77屆英國電影學院獎（BAFTA）。

中國青年藝術家曹斐，作品以媒體裝置和錄影為主，最大獨特性在於融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的創作風格；2003至2015年間三度登上威尼斯雙年展，2019、2020年更先後於巴黎龐畢度中心及倫敦蛇形藝廊舉辦個展。

上海出身、現居東京的跨領域藝術家陸揚，作品多從動漫、遊戲和科幻次文化中汲取靈感，擅用電腦合成影像技術（CG）和遊戲建構為媒介，同時深受佛教哲學影響，探索身分認同、生命、科技與靈性等命題。

內容亮點#02：品牌歷史回顧

香奈兒女士藏品攝影、藝術史學家評論專文

呈獻當代優秀創作的同時，《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》亦回望品牌傳承脈絡中，涵蓋建築、攝影乃至藝術史等不同領域的合作項目。由CHANEL藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel親自執行的建築師Peter Marino專訪打頭陣，攝影師Roe Ethridge特別為香奈兒女士康朋街31號私人寓所和品牌傳承部收藏品創作的攝影特輯〈香奈兒歷史典藏（CHANEL History Collection）〉接續豐富刊物內容。

Peter Marino曾打造香奈兒紐約57街旗艦店、東京銀座專門店、台北101珠寶腕錶旗艦店等多個店鋪空間；Roe Ethridge則本身即以「如何重組圖像構出新體驗」聞名，創建古典作品的風格化版本亦是他所長，此次針對品牌歷史藏品進行封面和內頁創作可說完全展現了他始終探索的「攝影的可塑性」。

此外，首刊還邀請到行為藝術組織Performa創始人、藝術史學家RoseLee Goldberg撰寫評論專文〈表演的人生：嘉柏麗香奈兒與前衛藝術（A Life of Performance: Gabrielle Chanel & The Avant-Garde）〉。

全球20座城市同步發行，台北Moom Bookshop提供限量收藏

《ARTS & CULTURE Vol. 1》於全球20座城市的23家獨立書店同步發行，包括阿姆斯特丹、邦加羅爾、曼谷、柏林、格拉斯哥、香港、倫敦、洛杉磯、墨西哥城、米蘭、紐約、巴黎、聖保羅、首爾、上海、雪梨、台北、東京及蘇黎世。台北於Moom Bookshop限定登場，即日起至7月31日限量提供幸運讀者收藏。

Moom Bookshop

地址：台北市大安區忠孝東路三段251巷8弄16號

＊雜誌為非賣品，獲得方式請點此查看Moom Bookshop社群貼文。

全球參與書店名單

洛杉磯Arcana、阿姆斯特丹Athenaeum、上海Bananafish、曼谷Bangkok CityCity Gallery、雪梨BTWNLNS、墨西哥城Casa Bosques、紐約Casa Magazines、邦加羅爾Champaca、柏林Do You Read Me!?、倫敦Foreign Exchange News、倫敦Reference Point、米蘭Libreria Bocca、聖保羅Megafauna、台北Moom Bookshop、蘇黎世Never Stop Reading、北京postpost、格拉斯哥Ripe、倫敦Rococo News & Magazines、首爾Still Books、倫敦Tenderbooks、香港ACO BOOKS。

同場加映：香奈兒藝術舉措

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel於首刊序言中表示，「CHANEL文化基金致力於支持並表彰全球變革者。這是屬於無所畏懼之人的舞台——那些正在改變我們看待世界方式的人——我從未如此期待未來發展。」藝術作為一切事物的重要靈感來源，香奈兒以文化基金、卓越大獎兩項舉措，分別和文化機構展開長期合作，並對全球藝術新進提供實質獎助。

• 香奈兒文化基金

香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）為一全球計劃，同時和世界各地領先的文化機構開展長期合作，興辦各類推廣創意與文化思維創新的主題項目，旨在於突顯缺少的聲音、促進不同領域間的合作，並發揚可為文化及社會帶來改變的概念。合作夥伴包括首爾三星美術館Leeum、美國芝加哥當代藝術博物館、倫敦國家肖像館、巴黎龐畢度中心及上海當代藝術博物館。

• 香奈兒卓越大獎

香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）為一國際性獎項，以推動藝術與文化領域創新為使命。每兩年頒發一次，開放所有年齡、性別、國籍人士報名，再由全球各界藝術與文化領袖組成顧問委員會進行匿名提名，最終表揚10位在音樂、舞蹈、表演、電影、視覺藝術、數位設計領域敢於冒險且創意無限的傑出創作者，提供每人100,000歐元獎金，助他們實現富有挑戰性的全新計劃，並可加入香奈兒籌組的導師及人脈交流社群網絡，進一步開啟跨領域合作可能。

2022年首屆得獎者涵蓋11個國家/地區，分別活躍於設計、電影、表演和視覺藝術等領域，尤彰顯不同藝術形式間的流動特質。此獎項延續了從香奈兒女士為同時代前衛藝術家提供支援以來，品牌在藝術贊助上的百年傳承。

「香奈兒女士摯友、俄羅斯芭蕾舞團創辦人謝爾蓋達基列夫（Sergei Diaghilev）的『Étonnez-moi』（Surprise me，讓我驚豔之意）一言，如今也成為鑿刻於CHANEL藝術、文化與傳承部門的箴言，引領我們在跨領域、跨世代與跨地區的創作中持續閃耀。」——Yana Peel

就現在這個當下，你能想起上一次發自內心地感動，為的是生活中什麼樣的事嗎？當運轉過快的日常沖淡感知，甚至不知不覺削弱人們被觸動的能力，「返璞歸真」成了無可替代的指引，為若有所失的你我領路回到自然。草木生長，動物對話，大大小小的觸動隨處都在發生——京都陶藝工作室Suna Fujita，正真實記錄並試圖重現這些觸動，讓人見到不禁唇勾微笑，也眼盈淚光。

用一場對談帶你認識一間寶藏庫

或許你曾在Loewe標誌性Puzzle包款上看過這些活蹦亂跳的小傢伙，卻還不知道他們蘊育於京都鄉間的背後故事——為慶祝2025年正值Puzzle包款問世10週年，Loewe不僅舉辦為期4日的展覽呈獻品牌皮革工藝薈萃（點此可閱讀專文報導），更邀請曾共推聯名系列的京都陶藝工作室Suna Fujita創辦人藤田匠平（Shohei Fujita）親臨台灣，於台北藝廊Dopeness Art Lab進行跨領域對談，與談人包括代表時尚媒體的《VOGUE》亞太區編輯總監孫怡（Leslie Sun）、代表藏家和消費者的藝術空間Tao Art共同創辦人陳薇捷（Vicky Chen），並集結品牌、媒體及藝術從業者到場聆聽。

本文將整理報導講座中藤田老師所分享之Suna Fujita成立契機、與時尚品牌聯名開端及夫妻合作20年來的「變與不變」。當然，也將依循老師陳述，帶大家前進Suna Fujita京都工作室一探究竟。

歡迎來到Suna Fujita的微觀世界

作品不會動，藝術的意念卻在幀幀日常中湧動

Suna Fujita，具體是一間藏在京都鄉野之間的陶藝工作室，由陶藝創作者藤田匠平與妻子山野千里（Chisato Yamano）創立於結婚之時；其名同時象徵著這對夫妻檔藝術家如何從各自創作到共同創作，逐步踏上未曾設想的精彩旅程。對資深藝術迷編輯不敢斷言，但對時尚人士乃至普羅大眾來說，能夠認識到Suna Fujita這麼一個寶藏品牌，真得歸Loewe聯名系列之功。2023年末，Loewe攜手Suna Fujita工作室打造2024早春作品，藉山野老師富想像與奇幻色彩的畫筆，使原繪製於陶器上的熊貓、企鵝、狐猴、水獺、曼德拉草及人類朋友等角色全員躍然品牌服裝、包款和配飾上。

如眾所知，Loewe從雕琢皮革起家，並在前任總監Jonathan Anderson執掌的10年間愈發深耕藝術領域（Loewe工藝獎自是一例），善用時尚的強勢資源探索藝術的不同詮釋方法，2023、24年間與Suna Fujita的密切合作亦充分彰顯品牌開放性與天馬行空的創意力度——我們與其說Loewe將Suna Fujita的作品盡可能呈現在觀眾眼前，不如說他們直接將觀眾帶進了Suna Fujita的微觀世界。

Suna Fujita轉型契機：沒有實質用途的藝術品賣不出去？

與談人暨主持人Leslie開場率先拋出大家對每位「成功」的藝術家肯定都好奇的問題，如何開始的？發展過程中又有什麼樣的成長和變化？藤田老師坦然表示，Suna Fujita事實上並非一開始就做陶器，開設工作室初期夫妻倆分別埋頭於個人藝術創作，且更傾向單純的藝術品（老師使用「object，物件」這個字眼），「但不管日本甚或全世界，這種『不屬於一件器皿』的東西，好像在藝術的市場上並不能夠賣得很好。」以至於兩人花在創作上的時間無法和收入成正比，頗為傷腦筋。

直到某天，他們靈光乍現——「還是我們來做陶器？！」這個想法深深鼓舞了他們，太太更進一步提出「合作」建議，認為可運用彼此的專長相輔相成：太太本身繪畫非常出色，但在窯爐的操作上沒有藤田老師好，因此器皿的實體製作主要為藤田老師負責，上頭的繪畫則交由太太來創作。就這樣，自2005年起，藤田匠平和山野千里正式組成雙人組合，期待著能因此參與到陶器藝術家的世界之中，提升作品受到大眾青睞和收藏的機會。其創作本營亦經過兩次移轉，從京都市內，遷至愛媛縣山中待了約莫5年，如今位於京都郊區的工作室則已落腳7年之久。

Suna Fujita創作風格：還原自然風貌，願人與動物共存共好

那麼Suna Fujita讓人恍如置身童話故事般的場景和多樣角色，靈感又是汲取自何方？藤田老師直言，「我太太的畫風其實本來就是大家所看到的這樣。」並不特意去做創新，僅僅自然地將人類和各種動物原貌呈現出來，即為Suna Fujita的特色。換言之，我們所謂返璞歸真的「璞」與「真」，無非就是他們所處的日常；不凡靈感亦在這些看似平凡的日常裡，又何來返歸之說，何須汲汲取得。

此外，由於執筆的山野老師非常喜歡動物，每次看到動物都很想親近牠們、摸摸牠們（小時候的願望甚至是成為動物園裡的動物飼育員），便透過創作讓人與動物存在於同一畫面，沒有界限地玩在一起——縱使這些場面不見得在「現實」中完全成立，山野老師仍持續捕捉其中的靈動活潑。懷著對動物的重視之情，不僅他們自己家裡養了小狗、小雞，藤田老師亦認為太太始終抱以希望大家能夠多去親近動物的心意在創作。

如何從京都鄉間走上國際舞台？

與Loewe的全球聯名始於一則「怪怪的」Facebook訊息

然而，世界如此大、藝術家如此多，Suna Fujita怎麼和Loewe牽上線的？藤田老師微微自嘲地說，對於這次合作，其實最感到驚訝的是他們自己。「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。」有天竟在Facebook收到一則來自Loewe的訊息：我們想要買你們的作品，請問該怎麼做？藤田老師不帶一點阿諛或矯飾，僅娓娓道來夫妻倆當時的錯愕，「我們想說，『欸？怎麼回事？』內心覺得這個訊息似乎重要、但又有點怪怪的，所以就回信了。」沒想到Loewe再度回覆，並且詢問了合作的可能。「之後我們第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」聽到這裡，全場都笑了——讓藝術可貴的，從來就不是層層包裝的浮華，而是別無目的、將一切真誠傾注於創作的初心。於是，Suna Fujita將作品寄給Loewe，雙方的合作就此展開。

「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。收到訊息後第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」——Suna Fujita談與Loewe的合作開端

起初構想的「日本限定」，最終也因廣受喜愛而擴大成了全球性的發行。「對我們來說，真的是一個非常好玩、非常開心的機會，是我們的第一次。」藤田老師笑著眯起眼睛，「他們還邀請我們到巴黎，拿出很多服飾，每一樣都打開給我們看。這些場景我們平常只能在電視節目上看到，沒想到我們兩個就站在那裡了。」言談間，盡顯他們對眼前事物真心感到的不可思議，以及被旅程中每個當下觸動後的樸實回應。

見證Loewe工坊的勃勃生氣，領會「開心做作品」是共同DNA

Jonathan Anderson的「鬼馬」創意基因，在Loewe作品、尤其相對更無所規限的「配飾」上簡直發揮得淋漓盡致；連同此次搭配Puzzle 10紀念包款推出的一系列外星生物（？）掛飾都讓人冷不防被荒謬可愛到無話可說。

Suna Fujita作為同樣不乏此類奇思妙想的創作者，隨即被問到和Loewe之間的共通概念。藤田老師回應，雖然自己只認識一部分的Loewe，並不是知道全部，但可以在和品牌合作的過程中感受到他們對員工和工作環境的重視。「我們有去巴黎，他們親自帶我們到皮革工坊，我們看到那些職人的工作姿態，都是非常開心的。」這與老師自己曾在日本工廠打工的所見所感產生了一些對比，「（在日本的工廠）可能因為工作通常很辛苦，所以每個人的臉色都不是太愉快。可在Loewe的工廠裡，每個人都生氣勃勃，很仔細地在做作品。我可以從中感覺到他們想要做一件好作品的心情，這也許就是我們共通的概念。」

想畫什麼就畫什麼，旨在創造平等世界觀

至於Suna Fujita有沒有為Loewe發想特別的圖騰，藤田老師則說，整體而言還以工作室既有的設計元素做變奏，「Loewe會從我們創作的角色當中來選，再一起討論出具體成形。Jonathan先生有時候也有他的想法，會給我們一些新組合的建議。」然而在世界上數百萬種動物中，Suna Fujita筆下角色經常出現一些「冷門」動物（甚至連劇毒植物「曼德拉草」的擬人化身都有），又是什麼樣的巧思？「我們當然也會想要畫一些新的角色，就很單純地想說可以畫一些過去沒有畫過的，以慢慢增加動物的種類。」當中包括那些不太受人們待見的物種，好比蛇和爬蟲類。老師強調，「每一種動物都有牠可愛之處，我們不會去排除某種動物，反而會思考要用什麼樣的方法把牠的魅力展現出來。」

憑藉著「想畫就畫」的創作調性，Suna Fujita所勾勒的，不只是一幅靜止畫面，而是一個自然輪轉，動物、人類和大自然得以平等共存的無邊界世界。

同場加映：夫妻檔藝術家最喜歡的Puzzle 10系列包款是？

藤田老師毫不遲疑地拿起Paula's Ibiza系列（註）鸚鵡包款，「我看到這個真的很喜歡，它顏色鮮豔、具備不同元素，側面的細節也做得非常好。我太太則選了紙屑這一款，雖然我不知道她為什麼選⋯⋯可能是因為覺得這些紙屑全都貼上去，沒有一點浪費。（笑）」話一出即引得在座的大家跟著笑開了嘴，老師又追加表示，「這次的包包掛飾是符合每個主題特別設計的，我感到非常驚豔，不曉得是誰的腦袋這麼厲害能想出來。」能帶來快樂，或許正是迷失於城市叢林裡的「憂鬱現代人」，必須擁有這些情緒功能極大化物品的理由。

＊註：Paula's Ibiza夏日度假系列始於2016年，為時任創意總監Jonathan Anderson對自身於西班牙伊比薩島擁有之童年回憶的致敬；每年4月份推出新作，持續以自由奔放精神描繪心中嚮往的天堂。

後記：從策展人和媒體角度解析時尚聯名

針對時尚品牌跨界聯名的隱含思維，藝術空間Tao Art共同創辦人Vicky以自身作為策展人「每個時期關注不同議題」為比喻分析，「品牌也在用他們的方式，將故事透過商品告訴大家。現在消費者都很聰明，每一季商品換個顏色、換點風格其實是沒有辦法滿足他們的。只能透過更有趣的結合、更有意義的設計去吸引大家的目光。因為這麼多商品、這麼多品牌，大家都很知道自己想要什麼。」而特別系列的商品便是這一個引子，誘人探究其背後飽藏的品牌故事。

另一方面，媒體作為「說故事的人」，自然是希望故事越有深度、層次越豐富越好。以至今聯名者眾的Loewe為例，從話題度極高的宮崎駿，到更多來自不同領域、不同國家的優秀藝術家，無不為品牌經典作品煥發無數次新生。然之於受眾而言，這些商品的吸引力究竟在哪？《VOGUE》亞太區編輯總監Leslie有一番見解，「很多藝術品比較不好入手，有時候是錢都買不到的東西（就像Suna Fujita的東西其實一下子就賣完了），或者有時候可能價位也是不太能夠負擔的。但當你有一個聯名商品的時候，好像就擁有那個藝術家的一部分。」此次Puzzle 10也恰恰呼應其名「拼圖」，取每位過去攜手藝術家的一部分，將Loewe品牌10年來的回憶拼接到了一起。