【編輯帶逛】2022威尼斯雙年展「國家館」現場直擊！沒有展品的空展館、兩百天連續實驗性演出等5個項目

第59屆威尼斯雙年展即將於11月27日落幕，共有80個國家以「國家館」身份參與展出。實際走訪參觀後，本篇選出5座國家館，帶大家一起來看各國的藝術家與策展人，如何以創作回顧國家歷史與定位，並回應當下所處的變動時代？

本年度的主題《The Milk of Dreams》架構出一個人人都可以自由地改變、流動、成為任何模樣的虛構世界。本屆威尼斯雙年展因疫情而延後一年舉辦，策展人 Cecilia Alemani 表示：「《The Milk of Dreams》不是一場關於疫情的展覽，但它無可避免地紀錄了這個時代的變動。在這個世代下、在威尼斯雙年展中，我們更深刻地體悟到，藝術能夠幫助人類開拓對於未來和無限可能性的想像。」

「這是一個集體努力下的成果，彷彿奇蹟一般。」她說，「這次的雙年展總結了這兩年來我們錯過的一切，讓世界各地的人們齊聚、享受面對面相處的時光、彼此互相交流與理解。」

◆ 德國館

藝術家 Maria Eichhorn 希望在這次展覽中回顧德國館的歷史，以及隨之發展的社會變動。德國館的前身為巴伐利亞館，後來，巴伐利亞王國被併入成為德國的一部分。1938年時，德國館又經過納粹重新設計，最終成為現在這棟充滿法西斯美學風格的建築。

一開始，她提出「把德國館建築物整棟搬離，留下空無一物的場地」，希望透過德國館的「缺席」開啟社會議題的反思、藝術實踐的開拓。以此為出發點，Maria Eichhorn 層層剝開德國館的外牆、挖掘展館的地基，找出該建築物於1938年納粹改建前的痕跡。最終，她選擇展示出德國館於1909年初建的輪廓，以及建築物在不同階段擴建、重建的轉變。

藉由大膽破壞既有場地、展示看似空無一物的場館，Maria Eichhorn 讓被隱藏的過去重現，也帶觀眾一同以非傳統的方式回首納粹政權的黑暗歷史。

◆ 西班牙館

走進西班牙館，你也會看見一個空蕩蕩的展場。藝術家 Ignasi Aballí 發現西班牙館的建築，相對於隔壁的比利時館和荷蘭館，顯得略為傾斜一些，也沒有和雙年展展區的道路平行對齊，大約相差了10度角。於是，Ignasi Aballí 試圖「矯正」西班牙館的歪斜情形，他在建築物內打造了與原先牆面差異10度角的新牆面（就像是複製整棟建築物，旋轉十度後貼上），重新和整個雙年展的展區對齊。

這樣的「重新定位」破壞了人們對於西班牙館的空間記憶，也改變了西班牙館與雙年展的關係。同時，Ignasi Aballí 也提出反思與疑問：為什麼一開始會蓋成歪斜的？為什麼一定要和週遭事物「對齊」？這次對展館所做的「更正」，又意味著什麼樣的變化？

◆ 比利時館

比利時館的展覽《The Nature of the Game》放映一系列影片，拍攝世界各地孩子們玩耍時的樣貌。藝術家 Francis Alÿs 橫跨阿富汗、比利時、加拿大、剛果、香港、墨西哥及瑞士，費時二十多年，將各地區獨有的「遊戲」紀錄下來，像是小心翼翼在斑馬線跳躍的女孩；把輪胎滾上山坡，再爬進去、滾下來的男孩；以保特瓶蓋進行比賽的一群孩子等等。

Francis Alÿs 認為，孩童的玩耍是一件再自然不過的事情，不僅是人類的基本需求，也是創造力的展現。透過長期的觀察與調查，他以近似於民族誌的形式，呈現出傳統文化的力量，以及在各種社會衝突中，孩子們的意識與態度——不必明講，觀眾就能從這些遊戲中，連結、反思更大的議題，如氣候變遷、不平等、戰爭等等。

◆ 澳洲館

澳洲館的作品《DESASTRES》由藝術家與噪音藝術家 Marco Fusinato 呈現，是一個現場不間斷演出的實驗性項目。Marco Fusinato 在雙年展共計200天的展期持續演出，他以電吉他發出信號、連接揚聲器，即興創作出震耳欲聾的噪音，並製造大量的回音與不和諧的音頻。噪音被製造出來後，會進一步生成關鍵字，並以這些關鍵字輸入搜尋引擎，產生出許多不重複的隨機影像，從城市景觀、花朵特寫、教堂壁畫等等，彼此也不具有相關性。

Marco Fusinato 將聲音與影像同步演出，彷彿是將一團巨大的混亂放送給威尼斯雙年展。在館外數十公尺的觀眾就能聽見隱約的躁動傳來，而在館內的觀眾，則感受到噪音對耳膜帶來的震動、壓力，甚至不適，並試著理解這件作品的精神意義。

◆ 羅馬尼亞館

專門研究親密關係、身體關係的羅馬尼亞導演 Adina Pintilie，在本屆雙年展的羅馬尼亞館放映曾獲得2018年柏林電影節最大獎的多聲道影像作品《Touch Me Not》。她將展場設計成一個「跨越國界與二元制」的空間，並讚揚身體間關係的建立。

總共十幾部的系列影片在展館內輪流播放，導引著觀眾沿著動線移動觀看。Adina Pintilie 和影片中的主角們長期合作，紀錄他們或談話、或跳舞、或觸摸彼此，並在這些互動中試圖解決親密關係中的問題。片中的角色們赤裸著身體，包含一對同志情侶、一名殘疾人士，和一名跨性別的性工作者，同時，背景也收錄了他們被放大的呼吸聲與呻吟聲。

Adina Pintilie 認為這些「不是被模擬出來的性」是觀眾會感到陌生、甚至心理不適的，藉由放大這些私密的內容、赤裸的身體，她希望建立起觀眾對於片中角色的親密感與同理心。

資料來源｜La Biennale di Venezia

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

在台北，秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場，這段期間，各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應，從北到南、由東至西，在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽，不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力，亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，細膩的肌膚質感彷彿觸手可及，令人難以抗拒。

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作，從宗教圖像中汲取靈感，將繪畫視為精神性的容器，創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

《喜悅與棲所：捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎，曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今，策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師，回應前人追尋藝術的精神，展開一場跨世紀的對話。展覽中，攝影師們透過鏡頭，在動盪而撕裂的數位世代，藉影像追問著喜悅從何來？哪裡才是讓我們安心的棲所？影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間，邀請觀者在其中找尋自己的答案。

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；進入策展環節後，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材，日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題，用陶捏塑出圓潤形體，重現孩子樸稚姿態，藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望，以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑，他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望，乘載著存於人們心中的細膩情感，也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展！Bluerider ART位於微風廣場的據點，推出《銀河脈輪》藝術家群展，集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作，共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點，9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡，另一面則以詩句與物理方程式，描述宇宙均勻與空間擴展，使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音，長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，創作從市場、貿易、產業到生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》，將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

她走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式，不以畫布和畫筆作畫，德國藝術家Dirk Salz（迪爾克．薩爾茲）用油漆滾筒創作，並借助樹脂潑灑時的重力流動，讓作品跳脫傳統極簡主義的框架，持續展現並探索透明度、色彩張力，以及光線與空間之間的關係。

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂，以油漆滾筒鋪展色層，再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整；每一層須待固化後，方能覆上下一層，作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊，光線在其間穿透、折射、反射，色彩不再停留於表面，而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸，也沒有手繪痕跡，畫面由材料、重力與時間共同完成，模糊了真實與虛幻的邊界，正如他所言：「我想要創造的，是一個不能被詮釋的情境，一個觀者與作品之間無法言說的感受，姑且稱之為『魔法』的地方。」

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree，他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗，讓觀者在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽，T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展，《溫柔災變》集13位女性藝術家，她們各來自不同時代、地域和文化背景，作品在此展相遇交會，共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界，以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

展名所提的「溫柔」，並非脆弱或被動承受，而是藝術家讓感知和直覺保持開放，持續面對無法完全掌控的變化，容許自己進入流動、矛盾與未知，並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下，呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義，人們能否看見女性作為獨立的認知主體，如何理解自然、身體以及自己所處的世界？

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一道問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼？在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，甚至是神明——這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入，由藝術家張書瑋擔綱答題者，藉影像裝置、互動雕塑和錄像，探討AI與人類之間的「親密關係」。

展覽將「你＋我＋AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。