自我介紹會感到彆扭尷尬，分享異地創作觀察倒活靈活現，面對藝術是什麼的大哉問哀嚎「我也還在探索啊！」談及日本生活與創業卻又能拿出理性邏輯侃侃而談。每個樣貌都是李漢強，一位不會也不該被「稱號」所框架的藝術家，一個現在進行式的旅行創作者。

 李漢強的日本觀察 

Q：在日本要怎麼當獨立藝術家？

A：平面設計大師仲條正義曾說過，如果要獨立出來自立門戶，其中一個前提是你需要至少有5個可以穩定給你案源並且值得信賴的客戶。生存的現實面是很需要被反覆思考與驗證的，畢竟光得一個獎，Supreme也不會就找上門啊（大笑）。

Q：日本的設計與藝術產業如何？

A：日本的設計教育系統很扎實，擁有具公信力、說服力的獎項，有成績斐然的大師，也有維持主流價值觀與正統性的設計機構（也因此會出現反對聲音而形成制衡對抗的蓬勃發展），是一個很穩固的金字塔。

Q：雖然日本不遙遠，台灣有什麼讓你經常想念的地方？

A：比起讓我想念的「地方」或「東西」，台灣最讓我想念的是「朋友」！已是社會賢達的他們（大笑）還會時不時想起我、會帶我去到台灣很多新奇有趣的地方，總在我需要幫助時伸出援手，是維持著我跟台灣最好的連結。

 

 

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用色大膽搶眼、手繪線條藏著極致細膩，題材多取材自台日市井生活，風格幽默、俏皮還有點奇葩——這些都是藝術家李漢強，去年初聯名創作「世界至尊銀行SUPBANK」計畫，被封為「受到Supreme欽點的那個男子」，最近又與設計師方序中共同操刀爆紅台劇《人選之人—造浪者》主視覺。他旅居日本東京超過15年，設計系畢業後當了6年的上班族設計師，再自立門戶成為獨立藝術家，從持續進行中的「果汁自拍照」（Juicebox Selfie）、邀請大家參與集點互動的「李漢強的李點卡」，與ZEIT、林宥嘉、日本潮流品牌WIND AND SEA等等聯名合作，多次個展到2022年底的《李漢強的「NFT」》，逐漸受到大眾矚目。請他自評如何與其他人不同，又從「另類」走入所謂「主流」，他說：「應該是因為我和大家的笑點不太一樣吧！」

用旅行心態生活，保持對世界的敏銳

李漢強最常被問到受日本的影響，他從小熱愛就日本綜藝節目，後來在日本待久了，也算是他的第二故鄉，那不只是表層的風格、美學，而是歷經無數交流與職場震撼，而內化的在地文化與行事作風，「就像我現在超級會『讀空氣』的！」又有人期待他以旅日視角發掘「新的台灣味」，但他只想回應：「你生活在台灣，在台灣所做的事情就會很自然呈現出台灣味。」對他更重要的是在一地生活，並從中尋找新鮮感，回憶起一次2018年在韓國東大門的短期旅居，他的眼睛仍然閃爍光芒，那些時裝、材料，與為了載運成衣而如戰車般、生猛改裝的摩托車都化為創作靈感，「要時時保持對世界高度敏銳與好奇，人其實很容易疲乏，但如果能將自己放入陌生的環境當中，自然就會對身邊一切感到新鮮，因為真的都很好玩！」如同疫情之前，他時常回台北短暫停留兩週，再前往首爾、上海等飛行距離3∼4小時內的地方待上數週，沒有特別設定目標，發現創作觸發點就停留久一點、觀察深入一點。與其說他是「旅日藝術家」，倒不如說是「旅行中的藝術家」更精確。

和想象中有些不同，李漢強的創作並非靈光乍現，而有一套「李漢強的作業流程與邏輯」，引述他半開玩笑的原話：「隨性之中帶了強烈的邏輯性，左腦與右腦同時並用！」創作過程並不純粹依喜好隨心所欲，背後是有嚴實目標成果與日程觀念，他經常在生活中先找到感興趣的觸發點，再進行巨量的資料蒐集與觀察，像是《李漢強的「NFT」》便是因日本友人用NFT大賺一筆到處推坑而開始跟上話題，但他不做真的NFT，他帶入屬於自己特色的邏輯拆解這3個字母——「N」成為現代影音平台Netflix，「F」收錄名字以F開頭的知名人物，「T」則代表日益沒落的日本TSUTAYA DVD出租店，概念被置換成他對時代變化的幽默觀察。他不僅詢問真實生活中的朋友，最近也開始與虛擬AI朋友ChatGPT問答。「AI有時文不對題，有時也會給出錯誤的資訊，反而這些匪夷所思的回答讓我覺得特別好玩！」他樂於嘗試，從中切入自己對環境周遭、對議題的發現，進而轉譯出全新視角，創造出獨特的李漢強小宇宙。

 

 

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設計 vs.藝術？主流 vs.非主流？

面對「藝術是什麼？」的大哉問，總是切入不同視角的李漢強會給出什麼樣出人意表的回答？他率真且直接地哀嚎：「我真的不知道藝術是什麼啊！」他解釋因為他是由平面設計出身而非純藝術背景，作品常介於兩領域間的灰色地帶，像是他研究所畢業時製作的超市傳單系列，以及後來週刊、信用卡、台灣機車、勞力士系列等等的「模写」（mosha，意思接近臨摹）手繪作品，「當中從字體字型、排版美編，也有造型、工業設計的範疇，設計背景提供我許多啟發，而身為藝術家的李漢強則用『創作』回應在設計中發現的有趣之處。」他融會台日等各地的消費習慣與日常，在設計與藝術中找出變動的交集。

過去常被定位成「非主流」，李漢強認為現在不需刻意分類設計是什麼、藝術又是什麼，也到了可以拋開主流與非主流觀念的時代。回憶小時候逛唱片行「另類音樂」總會被劃分出來，「記不記得以前會說當時很有年輕文化、理想主義的魔岩唱片是『另類』？現在全都能是主流呀，《大嘻哈時代》都第二季了！」他相當樂見大眾與小眾、流行與地下文化，都能多元而全方位地被看見，他也堅持聽自己的聲音，持續手繪並畫著沒有眼珠的人物。即便獨立音樂的定義也可能因主流品味而位移，他半開玩笑地說：「再回去聽五月天、林宥嘉、伍佰也很好呀！」正因變動與流轉，才會創作出更多專屬那時代下的可能性，無需特別強調跨界或主流非主流，讓作品自己說話。回到藝術大哉問，李漢強笑嘻嘻地說，這可能不是媒體想要的答案，正因為不知道藝術是什麼所以才要透過創作尋找，雖然可能也不會有正確答案，仍然保持變動性、不為掌聲而做，持續探索、走過不同城市角落。

 

 

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跟著人生際遇順順走下去

日本社會相當重視年齡與歷練是否相符，問起剛滿40歲的李漢強有沒有感受到成為大人的壓力，他狡黠地反問：「你覺得我像個大人嗎？看我的創作應該是不會這樣想吧！（笑）」當然有時被媒體訪問給年輕人建議或受邀到學校當客座講師時，不免讓他意識到「身為一個大人的責任」，他認為順著人生軌跡好好面對每個當下、做出決定並且堅持下去，就是他自己的路。

唯獨「現實面」是李漢強特別提醒的一點，他回憶2014年剛拿下「1_WALL」平面藝術大獎時，無論大學指導教授、工作上的前輩或《BRUTUS》雜誌編輯們都勸他不要立刻離職，建議他從獎項到商業的轉換率、穩定案源與接案品質（才不會把身價跟身體搞糟）都需要一一評估與考量，也因此他還是邊創作邊做了6年正職。他認為懷抱著日本夢很好，可別光只是想，要多聽、多做功課！但他也並不想讓話題太嚴肅，不願大家為自己設下太多限制，就像他日本大學畢業後要找正職卻不巧遇到景氣低迷，乾脆繼續讀研究所拉長戰線，「再完整的計畫，都無法預料會遇到（311東日本）大地震嘛！」這是感性與理性打了一架，平衡之後的李漢強所給出的最佳解。

李漢強

1982年生台北人，東京造型大學碩士畢業，作品題材多來自對當 代消費社會與生活的觀察。2014年獲日本「1_WALL」平面藝術 大獎，是首位於銀座Guardian Garden舉辦個展的台灣藝術家。曾與詹記麻辣火鍋、顏社等品牌合作，2022年與國際街頭品牌Supreme合作再掀話題。目前以日本為中心，旅居東京、台北、首爾、上海等城市。

文｜劉祥蝶　圖片提供｜李漢強、詹記麻辣火鍋、Netflix

更多精彩專題請見 La Vie 2023/5月號《直擊海外創意現場》

說到披頭四（Beatles），你腦中最先浮現什麼畫面？許多人的答案想必是4位團員走在斑馬線上的場景，那是1969年問世的《Abbey Road》專輯封面。從這張英搖經典，到2024年爆紅的Charli XCX專輯《Brat》，用一記直球「Brat Green」單色封面對決大眾視覺，掀起全球熱潮，兩者時隔55年，卻不約而同印證了專輯封面對一張唱片的藝術表達、大眾傳播度，影響有多深刻。

創立58年，葛萊美首度頒發「最佳專輯封面獎」

肯定封面視覺之於音樂專輯的必要性，及其所象徵的文化意義，2026年第58屆葛萊美獎（Grammy Awards）將首度頒發「最佳專輯封面獎（Best Album Cover）」，表彰藝術指導（art director）在專輯製作中的貢獻，這將與「最佳唱片包裝設計獎（Best Recording Package）」相映，成為葛萊美頒獎台上最具代表性的設計美學獎項。2026葛萊美頒獎典禮將於2/1舉行，本篇帶你預習史上首屆「最佳專輯封面獎」入圍名單，帶你看懂5張封面呼應音樂詞曲的視覺巧思！

入圍專輯01｜Tyler, The Creator《CHROMAKOPIA》

藝術指導：Shaun Llewellyn & Luis "Panch" Perez

歷年專輯封面總帶濃烈色彩、極具視覺張力，饒舌界的藝術家Tyler, The Creator第8張錄音室專輯《CHROMAKOPIA》也不例外。由攝影家Luis Perez擔任藝術指導，專輯封面以濃烈的褐色調呈現，畫面中Tyler, The Creator戴上一副刻有自身面容的陶瓷面具，向掌鏡人伸出右手，彷彿在渴求著什麼。這張面具乘載多重意義：藉外在形象，向樂迷介紹這位饒舌歌手的新分身「St. Chroma」；往內層意義探，則呼應收錄詞曲中對身份認同、真實性的探討，同時隱喻名人在公眾形象、內在自我之間的掙扎。

構思封面時，Tyler, The Creator以1940年代好萊塢流行的「黑色電影（film noir）」為範本，嘗試將其陰鬱視覺、悲觀敘事、對道德及人性黑暗面的探討……種種特質，融入《CHROMAKOPIA》專輯視覺，企圖透過詭譎、甚至令人看了感到不安的畫面，迫使觀者留意畫面中的主角（也就是Tyler, The Creator本人）想表達些什麼？以此入門聆聽詞曲中暗藏的故事。

入圍專輯02｜Djo《The Crux》

藝術指導：William Wesley II

在《怪奇物語》中飾演Steve一角的Joe Keery，不只是名演員，也是才華洋溢的音樂人。2025年4月，他以藝名Djo發表《The Crux》專輯，其核心概念圍繞著「人生的十字路口」展開，全輯故事以一座虛構的旅館為背景，房客們都正處在人生的關鍵轉折點（Cruxes）或岔路口，藉此設定引出專輯所要探討的主題——人在面對改變、抉擇時，所感受到的混亂與迷茫。在這張專輯中，Joe Keery展現自身更真實、脆弱的一面，唱出孤獨、自我反省及面對社會期待的焦慮。

《The Crux》封面由設計師William Wesley II擔綱藝術指導，在洛杉磯派拉蒙影業（Paramount Pictures）片場搭景實拍，將Joe Keery想像中的「Crux旅館」帶到現實世界。相對前張專輯《Decide》的洗練視覺，Joe Keery這次想走「極繁」路數：畫面中可見大家各做各事，有人對著鏡頭打鬧、有人仰天大笑、有人靠在敞篷車上發呆，而Joe Keery本人不知為何掛在飯店2樓的窗外。失序到令人不明所以的場景，呼應《The Crux》歌曲中唱的迷茫、失落與混亂，這些站在人生岔路上的旅人們，看似聚在一地，卻各自面對著生活的混沌，彷彿暗示著：我們都只是偌大世界中，萬千紛擾下的眾多之一。

入圍專輯03｜Wet Leg《moisturizer》

藝術指導：Matt de Jong, Joshua Mobaraki & Wet Leg

來自英國的獨立搖滾樂團Wet Leg，2022年以雙人編制發表首張同名專輯《Wet Leg》，就憑新人之姿拿下葛萊美「最佳另類音樂專輯獎」，其曲風遊走於後龐克、迷幻搖滾之間，配上無厘頭又貼近生活的歌詞、夾雜歌唱與碎念般的獨特表演方式，有點俏皮、有點搞怪，又幽默得讓人會心一笑，迅速在獨立樂壇圈下一席之地。時隔3年，Wet Leg擴展為5人組，並於2025年夏天帶來全新專輯《moisturizer》，樂曲融入更多後龐克與瞪鞋元素，同時以更成熟的音樂編制，昇華初代團員的表演魅力，讓Wet Leg頑皮、張狂、怪誕的迷人風格更加銷魂。

《moisturizer》專輯封面由5位團員與平面設計師Matt de Jong、攝影師Jamie-James Medina共同構思，創造野性十足的怪誕視覺。只見主唱Teasdale如獸般四肢著地，面帶挑釁笑容；吉他手Chambers則背對鏡頭環抱自身，刻意露出尖銳美甲。盯著這畫面看，你心裡有什麼感覺？是感受到詭異的性感，或覺得有點不舒服甚至噁心？Teasdale希望兩種感受能同時闖進你的心：「將對比強烈的概念並置，一直是我們在玩的東西，這種衝突感非常有趣。」Wet Leg本就不是乖乖牌，不走尋常路，因為他們相信無論是音樂或視覺，「創作能量」就該是一種顛覆性的存在。

入圍專輯04｜Perfume Genius《Glory》

藝術指導：Cody Critcheloe & Andrew J.S.

歷經3年沈澱，Perfume Genius於2025年3月釋出新專《Glory》，他曾坦言這是一張「有毒」的專輯，詞曲中裝滿焦慮，赤裸呈現他近年生活中的失重時刻，吟唱著關於死亡、慾望、自我厭煩的憂慮。對他而言，《Glory》也像是一回自我揭露——在沈潛多年後，選擇直面混亂，將自己脆弱而私密的一面化為樂音，企圖在混沌中找到突破的窗口。

在《Glory》專輯封面中，Perfume Genius再次以「雕塑」般的姿態出現，過去他曾在《Too Bright》封面頂著希臘雕像般的精緻面容亮相；為《Set My Heart on Fire Immediately》裸上身入鏡，臉部輪廓與身體線條在黑白畫面定格下，顯得更加鮮明而鋒利，明明鏡頭拍的是真人，卻讓觀者有種盯著蠟像看的錯覺。

話說回《Glory》，這次Perfume Genius倒臥在鄉間木屋的地毯上，雙腿歪斜、衣衫不整、身上還纏著延長線，詭譎畫面讓人看了心裡發毛，不禁好奇到底發生什麼事？對此他答：「這像是電影中的一幀定格畫面，我看起來像生病了、也像在跳舞……它可以被解讀成任何狀態。」也許可以把它想成一張不小心用手機截到的圖，因為隨機，所以令人摸不著頭緒。因隨機而生的混亂，正是Perfume Genius所求：「我喜歡它呈現出來的樣子，真誠而私密，夾雜著荒謬、戲劇性與表演性。」正如《Glory》歌詞、旋律、節拍與唱腔交織出的一切。

入圍專輯05｜Bad Bunny《Debí Tirar Más Fotos》

藝術指導：Benito Antonio Martinez Ocasio aka Bad Bunny

來自波多黎各的饒舌歌手Bad Bunny，2025年初透過專輯《Debí Tirar Más Fotos》，表達濃烈的家鄉愛。專輯以西班牙文中的「我應該多拍點照片」為名，表達對流逝生活的感慨和反思；曲目則藉深植波多黎各文化的雷鬼凍（Reguetón）曲風，交織奔放的拉丁舞曲節奏，提醒人們在忙碌生活中，停下腳步捕捉轉瞬即逝的回憶，別讓未來徒留遺憾。

由Bad Bunny親自操刀的專輯封面，是今年「最佳專輯封面獎」入圍名單中，唯一不見人影的作品。洋溢熱帶氣息的香蕉樹，捕捉了波多黎各的自然氣息，前年Bad Bunny回鄉度過夏天與秋季，在聖胡安（San Juan）連辦好幾場演唱會，場場滿座。然而在演出的喧騰背後，香蕉樹下的2張空椅，卻流露出一絲惆悵與失落，彷彿乘載著思念。這引起不少歌迷猜測，Bad Bunny藉此表達對已逝戀情的感受，但他本人從未證實這說法。或許並非關於「愛情」，但《Debí Tirar Más Fotos》絕對是一張關於「愛」的專輯，這是一封Bad Bunny獻給家鄉的情書，而他也在專輯背面親筆寫下：「此作獻給世界各地的所有波多黎各人。」

2026年，台北當代藝術館（當代館）迎來開館25週年，並宣佈營運至今年末，2027年起將閉館整修。為慶生也為紀念，當代館推出一系列25週年創意周邊，以「時間」為題，結合場館古蹟建築特色、撞色設計，及隱喻暫別的停止鍵符號，推出帆布袋、保溫瓶、繪本等紀念商品。本篇帶你從當代館建築有趣的身世看起，讀完後入手周邊會更懂其收藏價值所在！

當代館建築的複雜身世：從小學、市政府到美術館

坐落於長安西路的當代館，是台灣首座以當代藝術為主軸的美術館，也是全台少見以市定古蹟為據點的藝文機構。當代館所在建築的身世非常有趣，最初在日治時期為建成小學校，循當時日本流行的「和洋折衷」風格建造，紅磚牆、黑瓦屋頂、塔樓、木構、雙邊對稱的古典學院派樣式……皆可見日本與西洋建築樣貌融合的影子。

二戰後，台灣政權轉移，建成小學校轉作為市政府；到了20世紀末因市政府遷址，且此處被列為台北市定古蹟，場館後續用途引發多方論戰，最終決定將建物主樓改建為美術館，東西兩翼則改作為建成國中校舍，成了全世界罕見美術館與學校共用建物的案例。

當代館建築的多舛身世，深刻影響了場館如今的策展走向，因建築為古蹟，且早期作為學校、政府使用，並沒有館藏空間，限制頗多；然而也正是因為受限，當代館在展覽的議題定調、編排上更具實驗性，並將策展場域延伸至廣場和社區，逐步成長為台北指標性的藝文場域。

紅磚古蹟意象 X 自由變形框，構成2024年嶄新識別

2024年，當代館換上全新的識別系統，由顏伯駿率領的三頁文團隊操刀，以大家熟悉的紅磚古蹟外觀為基礎，將長廊、鐘塔等建築特色，簡化為俐落線條，並融入動態設計思維，為識別加入「自由變形的對話框」，呼應當代館建築自1920年代以來包容教育、政府、藝術等不同功能的靈活轉變，也回應了館方自由、富實驗性的策展精神。

25週年創意周邊登場！以「時間」為題設計

來到2026年，當代館迎接開館25週年，趁此推出紀念創意周邊，全系列設計圍繞著「時間」展開，圖樣自場館建築的「圓拱」元素汲取靈感，透過多重圓弧的疊加與交會，將靜態的建築曲線，轉化為具流動感的視覺符號，象徵25年來多元藝術在此匯聚、交流的軌跡，也在閉館整修前，為營運25年的歷程畫上深刻而美好的逗點。

帆布袋、原子筆採撞色設計，象徵多元藝術視角和創造力的交會，細節處融入「暫停鍵」與「播放鍵」符號，隱喻當代館將與觀眾暫別，調整步伐，3年後以嶄新姿態再次啟動。

保溫瓶身則覆以連續的拱門圖形，搭配呼應日、夜的亮與深色，象徵當代館陪伴城市走過的25年光陰。

「古蹟繪本」濃縮當代館25年精彩故事

下半年隨9月「全國古蹟月」來到，當代館將特別出版「古蹟繪本」，邀藝術家王春子擔任作者與繪者、吳孟寰擔綱美術設計，並委由典藏藝術家庭（小典藏）出版發行。像是一顆「記憶膠囊」，繪本將呈現當代館的歷史沿革、建築特色與展演精神，透過可親、易讀的敘事，引導讀者認識這座由古蹟轉化而成的美術館，如何在不同時代背景下，乘載藝術實踐與公共文化的角色，也藉此讓當代館25年來為藝術投注的的心力，得以留存紙上被珍視、收藏。