自我介紹會感到彆扭尷尬，分享異地創作觀察倒活靈活現，面對藝術是什麼的大哉問哀嚎「我也還在探索啊！」談及日本生活與創業卻又能拿出理性邏輯侃侃而談。每個樣貌都是李漢強，一位不會也不該被「稱號」所框架的藝術家，一個現在進行式的旅行創作者。

 李漢強的日本觀察 

Q：在日本要怎麼當獨立藝術家？

A：平面設計大師仲條正義曾說過，如果要獨立出來自立門戶，其中一個前提是你需要至少有5個可以穩定給你案源並且值得信賴的客戶。生存的現實面是很需要被反覆思考與驗證的，畢竟光得一個獎，Supreme也不會就找上門啊（大笑）。

Q：日本的設計與藝術產業如何？

A：日本的設計教育系統很扎實，擁有具公信力、說服力的獎項，有成績斐然的大師，也有維持主流價值觀與正統性的設計機構（也因此會出現反對聲音而形成制衡對抗的蓬勃發展），是一個很穩固的金字塔。

Q：雖然日本不遙遠，台灣有什麼讓你經常想念的地方？

A：比起讓我想念的「地方」或「東西」，台灣最讓我想念的是「朋友」！已是社會賢達的他們（大笑）還會時不時想起我、會帶我去到台灣很多新奇有趣的地方，總在我需要幫助時伸出援手，是維持著我跟台灣最好的連結。

 

 

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用色大膽搶眼、手繪線條藏著極致細膩，題材多取材自台日市井生活，風格幽默、俏皮還有點奇葩——這些都是藝術家李漢強，去年初聯名創作「世界至尊銀行SUPBANK」計畫，被封為「受到Supreme欽點的那個男子」，最近又與設計師方序中共同操刀爆紅台劇《人選之人—造浪者》主視覺。他旅居日本東京超過15年，設計系畢業後當了6年的上班族設計師，再自立門戶成為獨立藝術家，從持續進行中的「果汁自拍照」（Juicebox Selfie）、邀請大家參與集點互動的「李漢強的李點卡」，與ZEIT、林宥嘉、日本潮流品牌WIND AND SEA等等聯名合作，多次個展到2022年底的《李漢強的「NFT」》，逐漸受到大眾矚目。請他自評如何與其他人不同，又從「另類」走入所謂「主流」，他說：「應該是因為我和大家的笑點不太一樣吧！」

用旅行心態生活，保持對世界的敏銳

李漢強最常被問到受日本的影響，他從小熱愛就日本綜藝節目，後來在日本待久了，也算是他的第二故鄉，那不只是表層的風格、美學，而是歷經無數交流與職場震撼，而內化的在地文化與行事作風，「就像我現在超級會『讀空氣』的！」又有人期待他以旅日視角發掘「新的台灣味」，但他只想回應：「你生活在台灣，在台灣所做的事情就會很自然呈現出台灣味。」對他更重要的是在一地生活，並從中尋找新鮮感，回憶起一次2018年在韓國東大門的短期旅居，他的眼睛仍然閃爍光芒，那些時裝、材料，與為了載運成衣而如戰車般、生猛改裝的摩托車都化為創作靈感，「要時時保持對世界高度敏銳與好奇，人其實很容易疲乏，但如果能將自己放入陌生的環境當中，自然就會對身邊一切感到新鮮，因為真的都很好玩！」如同疫情之前，他時常回台北短暫停留兩週，再前往首爾、上海等飛行距離3∼4小時內的地方待上數週，沒有特別設定目標，發現創作觸發點就停留久一點、觀察深入一點。與其說他是「旅日藝術家」，倒不如說是「旅行中的藝術家」更精確。

和想象中有些不同，李漢強的創作並非靈光乍現，而有一套「李漢強的作業流程與邏輯」，引述他半開玩笑的原話：「隨性之中帶了強烈的邏輯性，左腦與右腦同時並用！」創作過程並不純粹依喜好隨心所欲，背後是有嚴實目標成果與日程觀念，他經常在生活中先找到感興趣的觸發點，再進行巨量的資料蒐集與觀察，像是《李漢強的「NFT」》便是因日本友人用NFT大賺一筆到處推坑而開始跟上話題，但他不做真的NFT，他帶入屬於自己特色的邏輯拆解這3個字母——「N」成為現代影音平台Netflix，「F」收錄名字以F開頭的知名人物，「T」則代表日益沒落的日本TSUTAYA DVD出租店，概念被置換成他對時代變化的幽默觀察。他不僅詢問真實生活中的朋友，最近也開始與虛擬AI朋友ChatGPT問答。「AI有時文不對題，有時也會給出錯誤的資訊，反而這些匪夷所思的回答讓我覺得特別好玩！」他樂於嘗試，從中切入自己對環境周遭、對議題的發現，進而轉譯出全新視角，創造出獨特的李漢強小宇宙。

 

 

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設計 vs.藝術？主流 vs.非主流？

面對「藝術是什麼？」的大哉問，總是切入不同視角的李漢強會給出什麼樣出人意表的回答？他率真且直接地哀嚎：「我真的不知道藝術是什麼啊！」他解釋因為他是由平面設計出身而非純藝術背景，作品常介於兩領域間的灰色地帶，像是他研究所畢業時製作的超市傳單系列，以及後來週刊、信用卡、台灣機車、勞力士系列等等的「模写」（mosha，意思接近臨摹）手繪作品，「當中從字體字型、排版美編，也有造型、工業設計的範疇，設計背景提供我許多啟發，而身為藝術家的李漢強則用『創作』回應在設計中發現的有趣之處。」他融會台日等各地的消費習慣與日常，在設計與藝術中找出變動的交集。

過去常被定位成「非主流」，李漢強認為現在不需刻意分類設計是什麼、藝術又是什麼，也到了可以拋開主流與非主流觀念的時代。回憶小時候逛唱片行「另類音樂」總會被劃分出來，「記不記得以前會說當時很有年輕文化、理想主義的魔岩唱片是『另類』？現在全都能是主流呀，《大嘻哈時代》都第二季了！」他相當樂見大眾與小眾、流行與地下文化，都能多元而全方位地被看見，他也堅持聽自己的聲音，持續手繪並畫著沒有眼珠的人物。即便獨立音樂的定義也可能因主流品味而位移，他半開玩笑地說：「再回去聽五月天、林宥嘉、伍佰也很好呀！」正因變動與流轉，才會創作出更多專屬那時代下的可能性，無需特別強調跨界或主流非主流，讓作品自己說話。回到藝術大哉問，李漢強笑嘻嘻地說，這可能不是媒體想要的答案，正因為不知道藝術是什麼所以才要透過創作尋找，雖然可能也不會有正確答案，仍然保持變動性、不為掌聲而做，持續探索、走過不同城市角落。

 

 

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跟著人生際遇順順走下去

日本社會相當重視年齡與歷練是否相符，問起剛滿40歲的李漢強有沒有感受到成為大人的壓力，他狡黠地反問：「你覺得我像個大人嗎？看我的創作應該是不會這樣想吧！（笑）」當然有時被媒體訪問給年輕人建議或受邀到學校當客座講師時，不免讓他意識到「身為一個大人的責任」，他認為順著人生軌跡好好面對每個當下、做出決定並且堅持下去，就是他自己的路。

唯獨「現實面」是李漢強特別提醒的一點，他回憶2014年剛拿下「1_WALL」平面藝術大獎時，無論大學指導教授、工作上的前輩或《BRUTUS》雜誌編輯們都勸他不要立刻離職，建議他從獎項到商業的轉換率、穩定案源與接案品質（才不會把身價跟身體搞糟）都需要一一評估與考量，也因此他還是邊創作邊做了6年正職。他認為懷抱著日本夢很好，可別光只是想，要多聽、多做功課！但他也並不想讓話題太嚴肅，不願大家為自己設下太多限制，就像他日本大學畢業後要找正職卻不巧遇到景氣低迷，乾脆繼續讀研究所拉長戰線，「再完整的計畫，都無法預料會遇到（311東日本）大地震嘛！」這是感性與理性打了一架，平衡之後的李漢強所給出的最佳解。

李漢強

1982年生台北人，東京造型大學碩士畢業，作品題材多來自對當 代消費社會與生活的觀察。2014年獲日本「1_WALL」平面藝術 大獎，是首位於銀座Guardian Garden舉辦個展的台灣藝術家。曾與詹記麻辣火鍋、顏社等品牌合作，2022年與國際街頭品牌Supreme合作再掀話題。目前以日本為中心，旅居東京、台北、首爾、上海等城市。

文｜劉祥蝶　圖片提供｜李漢強、詹記麻辣火鍋、Netflix

更多精彩專題請見 La Vie 2023/5月號《直擊海外創意現場》

過去我遇到過一些商業人士，他們會擔心「對自己的品味沒信心」，也有人說「自己不懂設計」。但其實，關鍵不在於設計的品味，而在於是否能與設計師分享想要傳達的內容。如果能準確地與設計師分享這些內容，專業的設計師自然會提供顏色和形狀的方向。

「設計就是有特殊能力的人憑藉天才的靈光一現所想出來的東西」這恐怕是許多人對設計的認知。在商業領域中，設計無法得到有效利用的原因之一，就是因為它很難用理論解釋，從而難以形成多數人的共識。

但事實上，在某種程度上，設計是可以用理論來解釋的。例如，以色彩為例，「如果想表現出冷靜且聰明的印象可以使用藍色系」；「如果想表現充滿熱情的印象可以選擇紅色系」；「若想傳達正面積極的印象則可以選擇黃色系」等，有一套能將希望傳達的印象轉換成色彩的公式。再舉形狀為例：「如果想給人柔和的感覺可以使用圓形」；「若想打造穩定感可以使用正方形」；「想要營造尖銳的印象時則可以使用三角形」。

我們設計師正是利用這些公式的組合來將「想要傳達的內容」轉換為色彩和形狀。換言之，設計就是一門將「想要傳達的內容」視覺化的技術。用比較專業的詞彙來說，視覺設計有時也被稱為「視覺語言」。就像把日文翻譯成英文一樣，設計師則是將日文翻譯成視覺語言，這樣想或許會比較容易理解。意即，只要與設計師之間就「想要傳達的內容」達成共識，就不會出現太大的落差。

過去我遇到過一些商業人士，他們會擔心「對自己的品味沒信心」，也有人說「自己不懂設計」。但其實，關鍵不在於設計的品味，而在於是否能與設計師分享想要傳達的內容。如果能準確地與設計師分享這些內容，專業的設計師自然會提供顏色和形狀的方向。

那麼，該如何找出這些想要傳達的內容呢？

事實上，找出想要傳達的內容的過程這件事本身也是設計師的重要工作之一。如果只是簡單地在說明會中告知設計師「這就是我們想傳達的內容，那就拜託你做出好設計了」，往往會讓設計師感到很苦惱。這是因為若說明會內容並未建立於最終成果的想像之上，通常很難將其轉化為具體的色彩或形狀。

設計是一項視覺化的技術，因此必須和設計師一起去找出「能夠轉換為色彩和形狀、並創造出獨特性的元素」。

為了發掘這些能夠創造獨特性的元素，經手案件時，我會盡可能地從專案初期就參與其中。即使沒有正式的說明會也沒關係。反而，我認為不要「等到內容整理完畢後才諮詢設計師」，才更容易讓專案成功。為了創造更好的設計，必須獲取包括品牌所處的環境、品牌領導人的想法以及競爭對手的情況等多方面的資訊。

我常聽到一些人抱怨「我們已經向設計師提供了詳細的說明，但設計師還是沒搞懂」或者「雖然指派了優秀的設計師，成果卻不甚理想」，這些失敗大多是因為設計師參與專案的時間點不對，或者是失敗的說明會所導致的。

舉一個比較極端的例子，有些說明會只是單純將參考資料提供給設計師，並要求「請做出跟這個類似的東西」，這樣最終只會成為其他產品的仿製品，無法創造品牌的獨特性。我希望閱讀本書的商業人士能盡力讓設計師從尋找想要傳達的內容這個階段開始就參與專案。只要能做到這一點，根本不需要害怕設計。只要能找到屬於品牌獨特的資產，設計師就會將其轉化成有魅力的設計。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《企業主管必修的設計課：從賣產品到創造粉絲，設計如何協助企業打造受歡迎的品牌？》

出版日期｜2025/05/10

作者｜八木彩

本書詳細分享品牌設計的過程與案例，希望能擔任商業活動與設計的橋梁，讓企業了解設計不僅是單純的裝飾，而是一種有意義的投資。如果能巧妙地將設計融入商業活動中，便能將企業文化、產品魅力以及管理者的心意等看不見的價值傳達給客戶，有助於建立品牌形象及情感連結，成為消費者心中「獨一無二的存在」。

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襯墊著盛夏背景，Marimekko歷久彌新的印花藝術隨《Field of Flowers 花間藝境》亞洲巡迴概念展降臨台北。呼應「花朵解剖學」年度主題，品牌攜手5位藝術家打造的25款全新圖騰於托特包、抱枕套、馬克杯、花型盤等展期限定商品上熱情綻放。同時，La Vie更在展前和品牌創意總監Rebekka Bay進行了一場對談，本文將一併帶來專訪內容、展覽資訊、藝術家介紹及限定商品盤點——我是今日導覽員，歡迎來到Marimekko的繽紛花朵樂園！

芬蘭服飾與生活風格設計品牌Marimekko即日起至2025年7月14日於台北新光三越A11開設《Field of Flowers 花間藝境》概念展暨期間限定店，呼應2025年度主題「花朵解剖學（The Anatomy of Flowers）」，展覽共匯聚4位赫爾辛基在地藝術家Antti Kekki、Eija Vehviläinen、Aino-Maija Metsola、Erja Hirvi及1位日本藝術家Masaru Suzuki，創作共25款全新花卉印花，並以多樣形式展現於現場空間布置及限定單品上。

創立於1951年的Marimekko，70餘年來憑藉開創性的印花設計與色彩美學為大眾所熟知，多元產品類型更囊括時裝、包款、配件，以及從紡織品到杯盤餐具的家居系列，可謂為具備全方位生活風格營造實力的北歐品牌。其旗下170家門店遍及全球、於38個國家提供線上購物服務，而亞洲作為僅次於北歐發源地的主要市場之一，2025年更受選為《Field of Flowers》期間限定展覽路線，3月初從日本大阪啟動，依序落地曼谷、吉隆坡和香港後，第5站在7月盛夏來到台北，8月則將再回到日本東京並接續前進越南胡志明市，共聯繫7座城市呈獻為期一年的花卉主題巡迴展。

經典Unikko印花60周年，25款藝術圖騰續寫新篇

在Marimekko的世界裡，花卉圖案象徵自由奔放的喜悅和永恆之美，不僅是品牌印花藝術中極具辨識度的視覺核心，更為新一代印花設計師的靈感源泉。2024年，為慶祝標誌性Unikko印花誕生60周年，品牌全年於全球各地舉辦一系列創意活動；邁進2025年，隨即再啟一場包含多元形態花卉圖樣的歡快盛典，將經典與新創合而為下一篇章。

為此，品牌邀集5位藝術家活用本身特有的創作印記和技法，捕捉Marimekko樂觀愉悅精髓，分別打造5款新圖騰，延續品牌至今超過3,500款印花的藝術傳承。Marimekko創意總監Rebekka Bay表示：「我們很高興能與這5位極具才華的印花藝術家合作，延續品牌對花卉主題的探索與創作的傳統。這些新設計各自以獨特的語彙詮釋Marimekko所展現的愉快與樂觀生活的品牌精神。」

創意總監Rebekka Bay親解9大提問

從COS、Uniqlo「由簡入繁」的Marimekko現任創意總監Rebekka Bay，於2020年入主至今約已5年時間。此次總監雖無法在展覽期間親臨台灣，但我們仍透過電郵與她進行了一場別具啟發性的訪談，以下一起來聽聽她心目中的品牌定位、設計理念、大家尤為感興趣的北歐美學詮釋，乃至對（還未有機會造訪但表示非常想造訪的）「台北」的第一印象，並以此想像出發，從25款全新印花中為這座城市選出代表印花。

Q1：您曾於本次巡迴展吉隆坡站的訪問中說過，更願意稱自己為「生活方式品牌」而非「時尚品牌」。那麼在您心中，Marimekko本身所呈現、並且希望帶給受眾的，是一種什麼樣的生活方式？這種生活方式何以令人嚮往？

Marimekko始終走在時尚、藝術、設計與建築的交界帶。

我最喜歡的其中一句我們創辦人Armi Ratia的名言這麼說，「Marimekko可以是任何模樣——一個花鋪、一間冰淇淋店，甚或一場現代爵士樂演出。」對我而言，這讓我們得以沉浸任何領域、提出任何想法，只要它能為日常帶來欣喜。Marimekko歡快而樂觀的生活哲學，無非是透過大膽的印花、色彩及對印花藝術的頌揚，將愉悅感傳達給人們。Marimekko的設計語言和我們的生活方式是相當可以被普遍理解的。

Q2：Marimekko和您過往領銜的COS、Uniqlo等調性簡約收斂的品牌其實底蘊上大有不同，不知道接手至今5年間，是如何續寫這既傳承品牌歷史、又揉合您個人設計長項的創新一頁？

我總認為好的設計可以讓人們的生活更美好，也堅信好的設計應該要能為大多數人所取得。一如COS和Uniqlo，Marimekko亦著眼於打造高質感且永不過時的設計；無論所謂的風格，是像在我們品牌這樣作為乘載藝術的畫布，抑或需要自成創作主體，它都必須選用最好的材質，搭配上最取悅人的剪裁、最漂亮的做工，以及歷久彌新的品質。

Q3：本次展覽選址亞洲數座城市，而台北最初讓您列入考量的原因是什麼？或者您對台北有什麼特別的感受和記憶嗎？

我很遺憾至今還未去過台北，但非常希望今年的後半年能成行。我最近讀到一篇訪談，它描述了台北與其他亞洲城市（我曾為許多場合到訪東京、首爾、香港與上海）之間的差異，包括低矮的建築、熱情洋溢的市場和美食。我已經迫不及待要嚐嚐刈包了。

Q4：承上題，您會在這次25款全新印花中選擇哪一款來描繪台北？為什麼？

我想像台北充滿新奇且別具風味的熱帶水果，因此我腦中有畫面選以Eija Vehviläinen設計的Utakka或Versoa印花，並拉高為更明亮鮮豔的色調來呈現台北。

Q5：將於展覽販售的限定商品中，有沒有什麼單品讓您第一眼看到就覺得「天啊，我絕對得擁有它！」？

要我從這系列中選出一款最愛的印花或商品簡直太難了，但如果非得給個答案不可的話，我會回答那款出自Erja Hirvi之手、融會Kukasta kukkaan圖騰元素的立體餐具，它著實為任何餐桌擺設都增添了一抹歡樂。

Q6：很好奇Marimekko作為芬蘭代表性品牌，會如何詮釋「北歐美學」，甚至運用於設計之中？

在Marimekko，北歐美學正是通過我們對高品質雋永設計的堅持被體現。我們始終感興趣於建築與自然之間的碰撞，並從中獲得啟發。Marimekko的設計美學向來標識著那些人文印記裡「完美的不完美性」、交疊的色彩與幸福的反差。而2025年，我們探索了「花朵解剖學」這一大題——呼應我們對於「抽象花卉」作為品牌印花藝術核心，那一份不斷進化的迷戀。

Q7：承上題，那麼您身為這樣一個始終堅持獨特自我風格的品牌的主導者，又是看待和應對如今流行快速汰換的「快時尚」趨勢？

Marimekko的設計理念一直都奠基於創作不退流行的單品，在從今往後悠長的時光裡給人們帶去喜悅。我們希望打造出無論就設計感或耐用性而言，都能經得起時間考驗的商品。我們的許多標誌性圖騰，好比最受喜愛的Unikko印花，便憑藉60多年來的風靡充分證明其不衰魅力。我們也一季季地與新設計師合作，就為創造出未來的現象級經典之作，續寫Marimekko的藝術傳奇。

Q8：最後我們再回到本次巡迴展的籌辦，您最希望透過這個展覽傳達給大家什麼？未來這類藝術跨域合作也會是您計劃持續著力的方向嗎？

我們當然希望這段經驗能夠激發所有觀者，將自身生命活得哪怕更多一點點的歡快和樂觀；同時也能夠欣賞「花」這個意象，可兼被拿做具象和抽象主題以進行的多重詮釋。

Q9：請用3個單詞或短句向大家推薦這個展覽吧。

一片大膽而充滿歡樂的Marimekko花間藝境。

5位藝術家生平＆印花風格介紹

• Antti Kekki

Antti Kekki是一位居住於赫爾辛基的設計師，懷有對手工技藝的深厚喜愛，特長包含大膽用色和即興創作力。結合繪畫與雕塑概念，這位藝術家擅用簡單的拼貼技術將紙片裁剪成形再重新組合，勾勒出別具趣味性的構圖。他與Marimekko的合作關係始自2019年，品牌多款備受歡迎的單品皆可見其經典又摩登的作品；透過巧妙融會傳統與現代的直覺性創作，Antti Kekki持續為印花設計領域鑿刻印記。

• Masaru Suzuki

日本紡織藝術家兼設計師Masaru Suzuki，以精湛的色彩運用能力聞名，尤擅透過趣味方式詮釋周遭自然元素。Masaru Suzuki畢業於日本多摩美術大學染織設計專業，現兼為東京造型大學教授、Marimekko長期合作的印花設計師，亦經營自己的布料品牌。出自其手的印花色彩鮮明、富感染力，看似隨興的構圖實則都經深思熟慮。除了不斷探索紡織品外在視覺和內在情感上的無限可能，他也為家具創作圖案、為建築進行空間設計。此次展覽呈現了他以節慶胸花和帽飾為靈感繪製的圖騰，與其他設計師作品微妙地流瀉著截然不同的文化氣息。

• Eija Vehviläinen

芬蘭插畫家兼設計師Eija Vehviläinen多由周圍環境擷取設計靈感，藉由「扭曲比例」方式展現創新視角；其多樣化作品不僅以大膽造型、獨特配色和趣味構圖見長，更同時為視覺藝術帶來愉悅感和深思觀點。此次展覽是Marimekko與Eija Vehviläinen的首次合作，他通過「對稱鏡像」手法，僅憑少量元素即傳達出強烈的視覺衝擊。不限於花卉，植物的根莖亦為其畫布上的重要角色。

• Aino-Maija Metsola

同為芬蘭插畫家兼設計師，Aino-Maija Metsola喜將圖案和插畫創作揮灑於紡織品、服飾、餐具、文具及書籍等各異素材上，並搭配運用水彩、拼貼、麥克筆等多樣技法堆疊出獨特筆觸和濃淡不一的層次感；伴隨對直覺式繪畫的好奇，自然風景和日常觀察都是他的重要靈感來源，圖騰所具備的抽象「律動感」也常被穿插於創作中。畢業於赫爾辛基藝術與設計大學的Aino-Maija Metsola，自2006年起與Marimekko展開合作，此次則以自家花園植物為發想，帶來色彩繽紛的5款作品。

• Erja Hirvi

紡織與印花設計師Erja Hirvi，尚在赫爾辛基藝術與設計大學就讀時便已開始從事印花設計，並自1995年起成為Marimekko長期合作的設計師。他富想像力的創作風格賦予印花布料全新觀點，在芬蘭及國際間備受肯定，2021年受芬蘭紡織藝術家協會評選為「年度紡織品設計師」。Erja Hirvi多從都市環境、大自然與旅行中汲取靈感，且善將日常生活與豐富想像力結合，以鮮明飽滿的視覺表達凝聚出引人入勝的故事。

展覽限定商品一次看

精選印花呈現於多用途口金包、托特包、抱枕套、馬克杯、方形/花型盤和筷架等Marimekko熱賣商品上，與收藏價值的海報和明信片皆在展覽現場限量販售（官網則將在2025年7月10日起開放選購）。

Marimekko《Field of Flowers 花間藝境》概念展暨期間限定店

• 時間：即日起至2025年7月14日11:00-21:00
• 地點：新光三越台北信義新天地A11館1樓
• 入場方式：免費入場，於Marimekko官方Line帳號預約可依時段優先入場，預約時段額滿即關閉。
• 特別禮贈：

1. 凡於Line官方帳號預約參觀場次成功，即可於現場報到時兌換展覽限定印花貼紙乙組（樣式每日隨機提供，一人限取一份）。

2. 展覽期間於IG限時動態公開打卡於展場所拍攝的照片，並標註@marimekko_taiwan與#花間藝境即可參加品牌精選商品抽獎（帳號需設定公開並留存動態截圖，以作為領獎憑證）。

• 滿額活動：

1. 展覽現場消費滿NT$6,000即可獲得展覽限定圖騰托特包乙個，數量有限，送完為止。

2. 展覽期間購買展場限定商品，2025年7月31日前憑購物銷售單（不限定同日消費），享全台Marimekko專門店單筆結帳滿NT$3,800現抵NT$500乙次（僅可與Icard會員優惠併用，不得與其他優惠併用）。