集鋁箔包裝、塑膠吸嘴和中英日3字體交錯排版作成強勁識別，經典「續命」飲料森永in果凍大家肯定都喝過——但一份勇氣口味的「鋁箔包雜誌」可就稀奇了。不僅造型吸睛、寓意生動，更打破顧名思義以「紙」為界的紙媒裝幀框架；從二維跨入三維，為這項帶有溫度和人味的表現形式再續發展命脈。FOCASA馬戲專門誌2025春季號攜手設計師葉忠宜「研發」最新款能量飲，象徵為馬戲表演者帶來一劑得以不斷挑戰極限的「強身強心」補給。《Do Circus》Vol.16滿滿能量開蓋即飲！

《Do Circus》意即「讀馬戲」，為台灣當代馬戲團FOCASA所發行的馬戲專刊，結合表演藝術與視覺藝術，連年邀請不同設計師以各自幽默語彙將議題帶入創作之中，進而推動並推廣當代馬戲藝術。至今每一刊都可謂一場設計與印刷的極限挑戰，挑戰如何找到與主題相對應的裝幀形式，也挑戰印刷工藝如何完成設計師的天馬行空。

繼2024夏季號〈No Pain No Gain：打斷筋骨顛倒勇〉設計師聶永真以「OK蹦藥盒」象徵馬戲演員身體創傷與癒合、冬季號〈馬戲夠酷（兒）嗎——Are We Humans or Are We Queer?〉設計師劉悅德以「酷兒變裝包」探索身分、性別與馬戲之間的關係，2025春季新刊〈Just Go Extreme！—— 極限運動 ft. 馬戲〉找來設計師葉忠宜合作，將雜誌轉化為一包能量補給飲——鋁箔包裝、封口吸嘴、開封即毀，就像極限運動員補充體力的提神劑，也是馬戲表演者在騰空翻滾深呼吸的一口氣。

2024冬季號「變裝包」呼應馬戲及酷兒文化，點此回顧設計細節。

前情提要：「馬戲」與極限運動的關聯？

別人眼中的「玩命」，並不是不怕死，而是想要感受活著⋯⋯

對極限運動的門外漢來說，那些挑戰高空、急速滑翔、徒手攀岩的人，是彷彿不怕死的一群。他們無畏風險，只為刺激，甚至對「玩命」這件事上癮。然事實上，極限運動的核心從不是「不怕死」，而是「想要活著」——更強烈、更清晰地感受活著的每一秒。當心臟劇烈跳動，當身體與環境完美契合，他們所追求的，並非死亡邊緣的快感，反倒是生命最純粹的存在。

馬戲表演舉凡高空走繩、空中飛人、雜耍體技、特技單車、死亡之輪，同樣向我們展示著人類的無窮潛能。兩者的交會除因為都涉及高風險動作，亦因為它們共同展現了一種對「活著」的獨特詮釋：透過身體去理解世界，透過挑戰去認識自我。說到底，所有的馬戲都是一場極限運動。

提問葉忠宜：作品如何討喜？

不用討喜，自己要先玩得開心，好ㄎㄧㄤ好合理⋯⋯

這回操刀新刊包裝的設計師葉忠宜，畢業於日本京都造形藝術大學研究所，長期受日本視覺文化與設計美學的影響。2023年入選設計界最權威的國際平面設計聯盟（AGI），並曾以作品《清潤凝香：若深甌》入圍德國萊比錫「2024年世界最美麗的書」。同時，身為華人圈第一本字體設計雜誌《Typography字誌》發行人及「重本書店Weight Books」創辦人，亦致力推動台灣視覺設計的發展。

葉忠宜認為設計不需要「討喜」，而是如何讓作品變得「難以定義但無法忽視」。因此，他總是在挑戰大眾對於美醜的定義，將品味化為無以名狀、陌生卻風格獨特的圖像審美，引發觀者於美學慣性的重新思考。他形容工作像是到一個遊樂場玩樂，當然要自己玩得開心才有趣。自認為喜歡做ㄎㄧㄤ、尤其ㄎㄧㄤ得有道理的設計，如此次《Do Circus》的裝幀就是一次超級ㄎㄧㄤ的任務，讓他玩心大發。

從設計視角開箱《Do Circus》2025春季號！

鋁箔包雜誌，請撕開服用

設計靈感來自大家耳熟能詳的日本電視綜藝節目《超級變變變（欽ちゃん&香取慎吾の全日本仮装大賞）》，該節目由普通民眾參與的節目形式，以低技術、高創意的「偽裝術」著稱，承載創意與巧思的幽默瞬間總令人會心一笑，至今許多片段仍被廣為傳頌。取日語「仮装」意涵，「偽裝術」成為葉忠宜的創作關鍵字，加上材質選擇與印刷方式的配合，把雜誌偽裝成一包提神飲料，讓日常生活中熟悉的物件出其不意地化身精妙載體。封口的吸嘴與外包裝的銀色鋁箔袋，模仿「Energy in」能量果凍包裝英日文混雜的文案和撞色編排，處處細節融會他對平面設計語言的掌握和對幽默感的拿捏。而密封的一次性包裝，要讀者親手撕開才能展開體驗，更是神來一筆地回應極限運動的本質——沒有退路，只有向前。

紙張成為極限運動的舞台，縫線有如橫越山谷的繩索

內含A、B兩小冊，前者乘載「極限運動與馬戲」的深度專題，後者則引介國內外馬戲動態，版面設定一動一靜，一張揚一內斂，塑造相輔相成的閱讀感受。兩冊由紅、藍兩色縫線裝訂，隱喻極限運動中橫越山谷和大樓的繩索。而貫穿頁面的，是一位走鋼索的小人；他在鋼索上時而平衡、時而失重，時而倒立、時而翻滾，展演各樣動態。藉此，葉忠宜巧妙在文字之外，以線條和圖像拉出另一敘事軸線，平面的閱讀經驗瞬間成為充滿動感的感官經驗，讓文字都立體了起來。

從設計到印刷，土法煉鋼把天馬行空都實現

此次印刷材質全然跳脫了紙張的舒適圈，改以具光澤與韌性的鋁箔包材呈現；然這種材質極難讓圖像穩定附著，歷經多輪調色與實驗，才完美調和油墨與材質，達成平整且精準的印刷效果。更大的挑戰還在後頭，封口吸嘴在少量生產的限制下，沒有現成加工機具可用，每一件成品都仰賴人工，以土法煉鋼的方式進行黏合封裝。

綜上所述的層層發想與種種困難，本期馬戲專門誌《Do Circus》不僅傳達出馬戲藝術追求極限的精神，更體現了台灣印刷工藝不妥協的技術實力與職人精神。有興趣的朋友不妨到FOCASA官網了解更多訊息，或走進表演場域，親自來一趟「極限之旅」。

樂桃航空邀請到nendo設計事務所的佐藤大操刀全新品牌識別，與飛機新塗裝設計。樂桃航空的全新Logo以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，與搭配柔和的色調，傳遞出安心感，也使整體印象更加親切。今（2026）年4月1日起，新Logo將全面應用於機場電子看板、官方網站及應用程式。

樂桃航空換上新Logo

大家相當熟悉的廉航樂桃航空，在迎來創立15週年之際，正式宣布進行品牌重塑，並特別邀請曾打造2020東京奧運聖火台設計、2025大阪世博日本館的nendo佐藤大參與。他分享，「在本次品牌重塑中，我們的目標是在安心感與信賴感之上，融入低調的玩心與愉悅感，透過留白、形狀及資訊整理等細節的精心設計，形塑出一種『看似嚴謹卻不讓人感到拘束』的氛圍，並在認真與玩心、信賴與輕盈這些看似矛盾的元素中取得平衡，使樂桃成為不論年齡或旅行經驗，任誰都能自然選擇的品牌。」

打造更具親和力與溫柔的形象

在品牌識別設計上，新Logo承襲了樂桃航空創業15週年所珍視的精神，以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，創造出更具親和力與溫柔的印象；加寬的字距，也營造出沉穩從容的氣質。色彩方面，則採用了柔和且平靜的色調，展現安心與信賴感；新Logo中的「葉子圖案」則象徵樂桃特有的玩心與挑戰精神。

全新機身塗裝2027年春季導入

除此之外，nendo也設計了樂桃航空的全新機身塗裝。機身設計上，透過多個圓形重疊的隨機圖案，呈現出對旅行的雀躍感。這些顏色與大小各異的圓形，不僅創造視覺上的趣味性，也象徵品牌溫柔包容旅客的態度。配色上，nendo將清新的粉紅色結合杏色，在華麗中增添了質感；同時，大眾熟悉的「鮮艷粉紅色」仍保留在機身中央與尾翼部分。另外，採用新塗裝的飛機則預計在2027年春季正式投入服務。

「稍微更成熟了一點」的全新樣貌

佐藤大補充，這次的更新，在保留樂桃航空既有的輕盈感的同時，進一步提升沉穩與質感，使其進化為「稍微更成熟了一點」的全新樣貌。另外，圓形圖案與葉子圖示蘊含了對「非日常旅行」的期待與玩心，這套設計將貫穿於機場、機艙到數位平台等各個接觸點。企業識別色則以讓人聯想到鮮嫩桃子的粉紅色為基調，搭配杏色與棕色，構築出溫柔且帶有信賴感與質感的品牌世界觀。

另外，配合此次的品牌重塑，樂桃航空也推出全新周邊商品：原子筆套組、飛行飄帶、聯名小熊玩偶、貼紙組、皮革行李吊牌、鑰匙圈，讓旅客能將這份具有「成熟質感」的商品帶回家！

更多資訊可至樂桃航空品牌重塑特設網站查看

資料來源｜Peach Aviation

從時下風靡的人氣IP角色到流行視覺，你是否曾不解這些「醜」東西「美」在哪裡？然而，當完美變得唾手可得，瑕疵是否反而成為一種真實的證明？當秩序與理性不再是唯一標準，又是否仍需要遵守既有的設計規則？在平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie眼裡，New Ugly不只是單純的風格選擇，更是一場關於審美邊界與時代情感的再思考。

2017年，日本平面設計師高田唯為日本平面設計協會（JAGDA）設計年鑑封面。近乎童稚的線條與不加修飾的構圖，在一向講究秩序與完成度的日本設計圈引發兩極評價：有人質疑其粗糙與失序，有人則看見其對規範的鬆動與挑戰。「New Ugly」這個原本帶有揶揄意味的詞彙，也因此再度浮出水面，並在近年的平面設計實踐中，悄然掀起一股新的審美風潮。

與過去強調秩序、留白與理性的設計語言形成強烈對比，New Ugly常見以高飽和的撞色、幾何圖形的堆疊，以及手繪插圖與符號的並置為特徵，甚至刻意保留未修乾淨的痕跡與不合常規的排版。它們看似混亂，卻依然可讀；看似粗糙，卻藏著高度自覺的選擇。這一次，La Vie邀請平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie，一同分享他們對這股風潮與時代情感的觀察！

Ｑ：最早從什麼時候開始注意到New Ugly？認為它出現的原因是？

 廖小子 
大概是2011、2012年左右。那時我聯想到以前很喜歡的美國設計師David Carson，他會把資訊全部打碎、排版看起來沒有明確主軸，卻依然能讀出視覺訊息。不過，他其實並沒有被歸類為New Ugly。後來我發現，New Ugly的討論與盛行幾乎都集中在亞洲，而且它銜接的是Gen Z的成長背景——社群媒體讓分眾越來越明顯，當每一個人的品味都被放大，就沒辦法再參照所謂的「標準答案」。同時，我們所接收的資訊也越來越碎片化，尤其是有了AI之後，人們已經懶得搜尋，資料真真假假參雜在一起。這些斷片加起來，說好聽點，是對傳統包浩斯以來乾淨、簡單、純潔設計的反叛；說難聽點，就是這個世代已經太習慣破碎的資訊，無法再接受過於單純的畫面，會覺得不夠刺激。

 Sydney Sie 
我大概也是2010年之後知道New Ugly這個詞。現在搜尋「New Ugly」，第一個出現的幾乎都是高田唯。我曾去聽過他的講座，過程中他分享自己如何從生活中觀察細節，再把那些細節轉化為創作。他說了一句讓我印象很深的話：「有沒有打動自己，比別人喜不喜歡更重要。」
社群除了讓一切變得更小眾，也讓人們開始對過度精緻的東西感到疲倦。Instagram剛開放自製濾鏡時，大家都在追求精緻、修飾過的效果，但這幾年Y2K、CCD復興，反而流行開閃光燈、保留粗糙與真實的畫面。它其實就是一種缺陷的美——人們已經不再追求完美。另外，我覺得疫情也是一個關鍵轉折。疫情讓人突然失去對生活的掌控感，於是大家開始擁抱缺點與脆弱。那段時間身心靈、水晶、星座爆紅，正是因為人們被迫往內探索，也暫時隔離了外界對「美」的定義，重新思考自己真正想要什麼、想挑戰什麼。

 葉忠宜 
從歷史脈絡來看，我查到New Ugly這個詞早於2007年就出現在英國《Creative Review》雜誌，不過當時其實是用來diss某些風格。學院體制創造出所謂的學院派，從包浩斯到瑞士國際主義，都在擁抱秩序、擁抱完美，但到了80、90年代，歐洲新浪潮傳到美國後，舊金山灣區也誕生了許多實驗性的設計。當時美國社會抗議事件頻繁、左派興起，「反設計」某種程度也是對階級與威權的對抗。除了庶民設計師，許多設計大師也從那時開始擁抱時代的瑕疵。例如在照相排版時代，粒子原本被視為不能容許的缺陷，但田中一光的海報卻經常刻意保留粗粒子，擁抱時代工具特有的質地。那一代的設計師其實一直在思考：瑕疵究竟可以如何被運用？我覺得這些都可以被視為New Ugly的前期發展。

Ｑ：自己會怎麼定義 New Ugly？與反美學、反設計的異同之處？

 Sydney Sie 
我會把New Ugly視為一種高度自覺的選擇。它不是不好看，而是對美醜標準的重新定義。不過我覺得它和反美學不太一樣。反美學比較像是刻意與主流保持距離，某種程度也接近「非主流」，只是非主流往往帶著一種被排擠的意味；New Ugly 則不同，它更像是「我知道規則、也理解什麼是完美，但我選擇挑戰它」。現在一張精美的AI圖隨手可得，「完美」反而開始變得廉價。所以回到New Ugly，我覺得它也在定義什麼是「人」——你會看到缺陷、不完美，這些是AI做不出來的；你需要對人性有一定的理解，才有辦法做出這樣的嘲諷。

 葉忠宜 
我以前教課的時候常說，審美的歷史發展大概可以分成4個不同階段。首先，人們會明確定義「美」是什麼；接著會定義「醜」，因為並不是美以外就是醜，那是不同的邏輯；再來，會思考「美可以如何昇華」；最後一個階段，也就是我們正在經歷的：「醜，可以被挑戰嗎？」我覺得New Ugly就是在處理這件事情。
庶民日常中那些不完整、雜亂、被視為庸俗的元素，本來就充斥在生活裡，只是過去設計師會刻意排除它們。它跟反設計（Anti-Design）本質上其實很接近，但要討論的是，它是從設計師的視角出發，還是從素人主義出發。在被定義為New Ugly之前，這樣的風格難道就不存在嗎？其實不是沒有，只是大家不知道該怎麼定義，它們也長期被壓抑著。而現在這股思維慢慢被推向主流，成為一種形式；但在形式之前，許多設計師其實是在反秩序。

 廖小子
對我來說，反美學比較像是刻意站在對立面，直接將某種風格視為「醜」，然後選擇站在與美相反的位置。不過我覺得New Ugly並沒有認為傳統設計一定是錯的或醜的，它更像是在重新檢視設計，鬆動閱讀規則、用色規範與構圖邏輯。事實上，它可能看起來是在亂排，卻還是能被讀懂。於是你會開始思考：在這個資訊接收度不斷擴大的世代，以前的設計規範是否還能完全適用？我們是否一定要遵守既有的標準？那些規則是不是可以被挑戰？我覺得New Ugly比較是在討論這些問題。

Ｑ：在過往的創作經驗中，是否曾受到 New Ugly 的影響？

 Sydney Sie 
我其實很難說New Ugly有沒有被我內化，或是它影響了我多少，不過對我來說確實有一個轉變。以前我的攝影作品比較精緻，構圖端正，所有元素都在水平線上，但生活中其實一直都會拍一些開閃光、過曝的照片，只是我不會把那些當成作品；現在，我對審美的標準放得更寬，也更願意接受粗糙感。我開始認為，只要是經由我的手，即使是生活的隨拍，也可以成為作品。
近期我在京都ddd gallery展覽的海報，就刻意保留了Photoshop的選取虛線。我把一張嘴巴、牙齒的照片挖空，但沒有把路徑修乾淨。在AI盛行的時代，這種未完成、甚至像錯誤的痕跡，反而成為人類存在的一種證明。有時候，幕後花絮甚至比正片更吸引人。

 廖小子 
我其實不太會特別去注意任何風潮。我一直都是從生活裡取樣，把路邊看到的東西拿來用，腦中的點子庫也是這樣累積的。像我的Instagram有一系列動態精選「城市毒瘤」，專門拍城市裡那些「必叉」（pit-tshe）的角落， 我常常從那些地方思考，怎麼把它們轉化進作品裡。至於New Ugly有沒有影響我？我覺得近代確實更著重個人特質與群體風格，但我們所做的其實都是原本就一直在做的事情，只是現在更被容許呈現出來；不管是庶民元素、過曝照片，或是藝術與設計的結合，這些本來就存在，只是大家看待這些東西的品味變得更寬了。我反而相信這是一種群體演進的過程。就像疫情時大家會轉向心靈探索，每個時代全人類都會面臨某種共同的趨勢，並不約而同產生類似的反應——而設計圈把它歸納為New Ugly。

 葉忠宜 
與其說內化到創作裡，我比較像是用逛美術館的方式，在學習欣賞這些物件或設計。我喜歡分析人類，所以我會去思考：它和社會脈絡產生了什麼關係？為什麼會出現這樣的形式？我去日本念書時，花了很多時間探究當代藝術；回台灣後，我把那種對形式與脈絡的思考帶回設計。對我來說，藝術與設計其實都在追求某種「真理」，而New Ugly則可以成為一種手段。它雖然從形式出發，但真正專注的往往是社會的「共感」。當那些來自日常、甚至被視為庸俗的物件進入作品時，人們可以先連結到某種社會經驗，進而產生情感上的價值。我覺得這也是New Ugly很重視的一部分——情感的價值。

我推的New Ugly

葉忠宜推薦：Bráulio Amado
因為New Ugly會擷取每個地方養成的在地通俗文化，所以我會去想像：如果在離我們很遙遠的國度，用這樣的形式長出來的視覺會是什麼樣子？在葡萄牙的話，對我來說就是Bráulio Amado手中的樣子。他常運用帶點模糊感、像Photoshop特效般的視覺效果，我超愛的！

葉忠宜
平面設計師、卵形設計工作室與重本書店主理人，畢業於日本京都藝術大學研究所藝術表現專攻。曾統籌製作華文圈首本字體設計專業雜誌《Typography字誌》，並於2023年入選AGI 國際平面設計聯盟。

廖小子推薦：ddd.pizza
我滿喜歡ddd.pizza負責人及藝術指導張溥輝，他早期的作品很有New Ugly的味道。他用新細明體做的坂口安吾《白痴》再版書封，讓我印象很深刻。

廖小子
本名廖俊裕，畢業於高雄師範大學視覺設計研究所，現為「小子藝術製作有限公司」主理人。創作橫跨藝術、書籍與唱片封面、展場設計與視覺識別，擅長從台灣草根文化汲取養分，轉化為個性鮮明的台式美學。

Sydney Sie 推薦：Daniel Johnston
美國創作歌手、視覺藝術家Daniel Johnston長期與心理疾病抗爭，他的創作幾乎都在地下室完成，專輯封面也幾乎全是親手繪製，看起來 像是小孩子的隨手塗鴉。雖然他未必會被歸類為New Ugly，但這樣的創作方式，本身就是一種反體制。

Sydney Sie
本名謝昕妮，視覺藝術家。畢業於臺灣科技大學，主修平面設計與資訊設計。擅長運用設計、攝影與動態影像呈現創作，把玩錯視、超現實構圖與符號語言，作品活躍於國內外各大視覺與藝文平台。

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