是你手裡那包in果凍?葉忠宜操刀《Do Circus》春季號:「勇氣口味」能量飲挑戰極限馬戲,鋁箔、吸嘴翻玩裝幀框架

是你手裡那包in果凍?葉忠宜操刀《Do Circus》春季號:「勇氣口味」能量飲挑戰極限馬戲,鋁箔、吸嘴翻玩裝幀框架

集鋁箔包裝、塑膠吸嘴和中英日3字體交錯排版作成強勁識別,經典「續命」飲料森永in果凍大家肯定都喝過——但一份勇氣口味的「鋁箔包雜誌」可就稀奇了。不僅造型吸睛、寓意生動,更打破顧名思義以「紙」為界的紙媒裝幀框架;從二維跨入三維,為這項帶有溫度和人味的表現形式再續發展命脈。FOCASA馬戲專門誌2025春季號攜手設計師葉忠宜「研發」最新款能量飲,象徵為馬戲表演者帶來一劑得以不斷挑戰極限的「強身強心」補給。《Do Circus》Vol.16滿滿能量開蓋即飲!

《Do Circus》意即「讀馬戲」,為台灣當代馬戲團FOCASA所發行的馬戲專刊,結合表演藝術與視覺藝術,連年邀請不同設計師以各自幽默語彙將議題帶入創作之中,進而推動並推廣當代馬戲藝術。至今每一刊都可謂一場設計與印刷的極限挑戰,挑戰如何找到與主題相對應的裝幀形式,也挑戰印刷工藝如何完成設計師的天馬行空。

2024夏季號聶永真的「OK蹦藥盒」設計、冬季號劉悅德的「酷兒變裝包」設計,皆透過幽默語彙表達深刻意涵。(圖片提供:FOCASA)
2024夏季號聶永真的「OK蹦藥盒」設計、冬季號劉悅德的「酷兒變裝包」設計,皆透過幽默語彙表達深刻意涵。(圖片提供:FOCASA)

繼2024夏季號〈No Pain No Gain:打斷筋骨顛倒勇〉設計師聶永真以「OK蹦藥盒」象徵馬戲演員身體創傷與癒合、冬季號〈馬戲夠酷(兒)嗎——Are We Humans or Are We Queer?〉設計師劉悅德以「酷兒變裝包」探索身分、性別與馬戲之間的關係,2025春季新刊〈Just Go Extreme!—— 極限運動 ft. 馬戲〉找來設計師葉忠宜合作,將雜誌轉化為一包能量補給飲——鋁箔包裝、封口吸嘴、開封即毀,就像極限運動員補充體力的提神劑,也是馬戲表演者在騰空翻滾深呼吸的一口氣。

(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)
(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)

2024冬季號「變裝包」呼應馬戲及酷兒文化,點此回顧設計細節。

前情提要:「馬戲」與極限運動的關聯?

別人眼中的「玩命」,並不是不怕死,而是想要感受活著⋯⋯

對極限運動的門外漢來說,那些挑戰高空、急速滑翔、徒手攀岩的人,是彷彿不怕死的一群。他們無畏風險,只為刺激,甚至對「玩命」這件事上癮。然事實上,極限運動的核心從不是「不怕死」,而是「想要活著」——更強烈、更清晰地感受活著的每一秒。當心臟劇烈跳動,當身體與環境完美契合,他們所追求的,並非死亡邊緣的快感,反倒是生命最純粹的存在。

馬戲表演舉凡高空走繩、空中飛人、雜耍體技、特技單車、死亡之輪,同樣向我們展示著人類的無窮潛能。兩者的交會除因為都涉及高風險動作,亦因為它們共同展現了一種對「活著」的獨特詮釋:透過身體去理解世界,透過挑戰去認識自我。說到底,所有的馬戲都是一場極限運動。

提問葉忠宜:作品如何討喜?

不用討喜,自己要先玩得開心,好ㄎㄧㄤ好合理⋯⋯

這回操刀新刊包裝的設計師葉忠宜,畢業於日本京都造形藝術大學研究所,長期受日本視覺文化與設計美學的影響。2023年入選設計界最權威的國際平面設計聯盟(AGI),並曾以作品《清潤凝香:若深甌》入圍德國萊比錫「2024年世界最美麗的書」。同時,身為華人圈第一本字體設計雜誌《Typography字誌》發行人及「重本書店Weight Books」創辦人,亦致力推動台灣視覺設計的發展。

葉忠宜認為設計不需要「討喜」,而是如何讓作品變得「難以定義但無法忽視」。因此,他總是在挑戰大眾對於美醜的定義,將品味化為無以名狀、陌生卻風格獨特的圖像審美,引發觀者於美學慣性的重新思考。他形容工作像是到一個遊樂場玩樂,當然要自己玩得開心才有趣。自認為喜歡做ㄎㄧㄤ尤其ㄎㄧㄤ得有道理的設計,如此次《Do Circus》的裝幀就是一次超級ㄎㄧㄤ的任務,讓他玩心大發。

(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)
(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)

從設計視角開箱《Do Circus》2025春季號!

鋁箔包雜誌,請撕開服用

設計靈感來自大家耳熟能詳的日本電視綜藝節目《超級變變變(欽ちゃん&香取慎吾の全日本仮装大賞)》,該節目由普通民眾參與的節目形式,以低技術、高創意的「偽裝術」著稱,承載創意與巧思的幽默瞬間總令人會心一笑,至今許多片段仍被廣為傳頌。取日語「仮装」意涵,「偽裝術」成為葉忠宜的創作關鍵字,加上材質選擇與印刷方式的配合,把雜誌偽裝成一包提神飲料,讓日常生活中熟悉的物件出其不意地化身精妙載體。封口的吸嘴與外包裝的銀色鋁箔袋,模仿「Energy in」能量果凍包裝英日文混雜的文案和撞色編排,處處細節融會他對平面設計語言的掌握和對幽默感的拿捏。而密封的一次性包裝,要讀者親手撕開才能展開體驗,更是神來一筆地回應極限運動的本質——沒有退路,只有向前。

(圖片來源:FOCASA by Kris Kang、台灣森永官方網站)
(圖片來源:FOCASA by Kris Kang、台灣森永官方網站)

紙張成為極限運動的舞台,縫線有如橫越山谷的繩索

內含A、B兩小冊,前者乘載「極限運動與馬戲」的深度專題,後者則引介國內外馬戲動態,版面設定一動一靜,一張揚一內斂,塑造相輔相成的閱讀感受。兩冊由紅、藍兩色縫線裝訂,隱喻極限運動中橫越山谷和大樓的繩索。而貫穿頁面的,是一位走鋼索的小人;他在鋼索上時而平衡、時而失重,時而倒立、時而翻滾,展演各樣動態。藉此,葉忠宜巧妙在文字之外,以線條和圖像拉出另一敘事軸線,平面的閱讀經驗瞬間成為充滿動感的感官經驗,讓文字都立體了起來。

(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)
(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)
(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)
(圖片提供:FOCASA/攝影:Kris Kang)

從設計到印刷,土法煉鋼把天馬行空都實現

此次印刷材質全然跳脫了紙張的舒適圈,改以具光澤與韌性的鋁箔包材呈現;然這種材質極難讓圖像穩定附著,歷經多輪調色與實驗,才完美調和油墨與材質,達成平整且精準的印刷效果。更大的挑戰還在後頭,封口吸嘴在少量生產的限制下,沒有現成加工機具可用,每一件成品都仰賴人工,以土法煉鋼的方式進行黏合封裝。

綜上所述的層層發想與種種困難,本期馬戲專門誌《Do Circus》不僅傳達出馬戲藝術追求極限的精神,更體現了台灣印刷工藝不妥協的技術實力與職人精神。有興趣的朋友不妨到FOCASA官網了解更多訊息,或走進表演場域,親自來一趟「極限之旅」。

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2026國慶主視覺正式揭曉!同步盤點2016~2025年雙十主視覺設計
2025國慶主視覺正式揭曉!同步盤點2016~2024年雙十主視覺設計

2026年國慶主視覺設計揭曉!本次設計的雙十圖形以晶片矩陣概念構成,色彩靈感則源自國旗顏色;閃耀的晶片意象象徵臺灣持續創新、邁向未來的燦爛光芒,也代表每一個人都是國家發展不可或缺的一分子。而不論你是否喜歡今年的設計,都先跟著我們一起回顧2016~2025年國慶主視覺。

歷年國慶主視覺一次看

2026年

本次國慶主視覺設計,依慶籌會主任委員韓國瑜所訂主題延伸,以「TAIWAN.TOGETHER AS ONE」為核心精神進行創作,雙十圖形以晶片矩陣概念構成,象徵無數創新能量彼此串聯,如同晶片中的每一個運算單元,匯聚眾人力量,共同推動國家持續向前。色彩靈感源自國旗顏色,透過向中央匯聚的亮麗光影及層次變化,呈現力量凝聚與希望綻放的瞬間。閃耀的晶片意象象徵臺灣持續創新、邁向未來的燦爛光芒,也代表每一個人都是國家發展不可或缺的一分子。

2026國慶主視覺(圖片來源:國慶籌備委員會)
2026國慶主視覺(圖片來源:國慶籌備委員會)

2025年

國慶籌備委員會分享,今年主視覺設計主要依主任委員韓國瑜所訂主題延伸創作,由一群充滿熱情與創意的年輕設計師共同完成,融合創新元素與傳統雙十意象,展現新一世代的想像力與設計語彙,同時延續過往國慶日家家戶戶懸掛國旗、喜迎國家生日的傳統情。

主視覺整體圖像以雙十圖樣為基礎,下方中央結合主題與國旗元素,筆觸自由奔放、揮灑有力,象徵臺灣人民直率、熱情與堅韌,主色取自青天、白日、滿地紅,則象徵中華民國的榮耀與堅定;設計核心理念為「以筆為刃,刻劃歷史;以筆為翼,書寫未來」,透過濃淡變化與動態筆勢,呈現旗幟飄揚的新樣貌,也展現創造未來的力量。

2025國慶主視覺(圖片來源:國慶籌備委員會)
2025國慶主視覺(圖片來源:國慶籌備委員會)

2024年

國慶籌備委員會指出,113年國慶主題為「中華民國 生日快樂」,主視覺設計為雙十形狀和梅花組合,強調團結和共榮的理念,著以紅、藍2色,並特別在線條裡融合文化傳承的梅花與現代感圖形,凸顯在尊重歷史與傳統的基礎上,不斷創新與發展,追求更美好的未來。結合主題語句「A Beautiful Taiwan Today, A Better Taiwan Tomorrow」,傳遞出對臺灣土地的讚美與對未來的希望。另外,國慶籌備委員會說明,此次主視覺是由一群年輕設計師所共同創作,而他們選擇以匿名方式支持國慶活動。

2024年國慶主視覺。(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2024年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2023年

2023年國慶主視覺設計,由以《八歌浪Pakelang》專輯奪下葛萊美獎最佳唱片包裝設計獎的李政瀚、于薇操刀,其以紅藍白「國旗三原色」為主,搭配代表海納百川的「海水藍」,加上廟宇的「磚牆紅」,以及傳統野台戲常見的「戲台紅」,象徵臺灣文化的深度與美學。整體色彩搭配與造型,呈現出「國旗在空中飄揚」時的反光效果與自信感,當國旗隨風飄揚時,隨著光影產生了不同深淺的色彩,象徵熱情多元、團結一致。

2023年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2023年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2023國慶主視覺出爐!葛萊美獲獎設計師李政瀚、于薇操刀,以國旗三原色展現「民主台灣 堅韌永續」

2022年

2022年國慶主視覺設計由大象設計操刀,其藉由平面構成的方式表現出立體視覺面相,多色凝聚的線段,代表臺灣人民多元的族群與來自各地的不同聲音,並在線段中隱含箭頭向內集中的意象,營造出你我同行的穿梭力道感。用色上,主視覺使用的「大地綠」與「海洋藍」,代表臺灣美麗的土地及我們所珍視的家園,「暖陽黃」與「天幕青」則表現並肩同行、無所畏懼,一起守護臺灣、捍衛民主,綻放璀璨的自由未來。

2022年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2022年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2022國慶主視覺亮相!向中心匯聚的多色線段,展現同行、前進的意象

2021年

由IF OFFICE創辦人馮宇操刀的2021國慶主視覺,以「金陽雙十」為設計核心,運用交織紐結的六條繩線做為呈現,既象徵著民主、自由、平等、人權、希望、和平6個元素,也展現出臺灣人民團結的緊密力量。色調上,馮宇以「陽光金」為主色,代表不放棄終會迎來的耀眼陽光;並以象徵熱情的「桃紅色」與自由的「明亮綠」為輔色,致敬每一位在動盪中仍努力不懈、堅守崗位的臺灣人。

2021年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2021年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2021國慶馮宇操刀主視覺!「金陽雙十」以6條繩線交織紐結搭配3種色彩設計

2020年

2020年國慶主視覺由「一件設計工作室」設計師曾國展操刀,其以「多元聲音」貫穿設計理念,象徵台灣大眾多元的聲音,都可以自由地表達,並且被聽見。色調上,主色以榮耀金和溫暖橘為主,展現臺灣這片土地民主榮耀,以及臺灣人熱情親切;輔色的湖水綠與優雅紫,則分別代表冷靜理性與沉穩高貴。

2020年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2020年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2020國慶主視覺設計!4種色彩、聲波線條設計象徵台灣多元聲音

2019年

由「O.OO工作室」設計師Pip、小肆設計的2019年國慶主視覺,特別將雙十的符號設計成如箭頭般往右上前進,象徵台灣追求進步的腳步不曾停歇,並以「大地綠搭配熱情紫」為主色調,繽紛的藍、靛、黃、橘等輔色,則意味著「就如同這片孕育我們的土地,包容多元聲音,造就無限可能。」

2019年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2019年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2019雙十國慶主視覺出爐!「台灣耀飛」大地綠搭配熱情紫、箭頭般雙十符號象徵不斷進步

2018年

由設計師葉忠宜負責的2018年國慶主視覺,以雙十字作為設計背景骨架,透過點的匯合,傳遞「台灣共好」團結意象。特別的是,葉忠宜也以電玩為發想打造動態視覺圖,他借鏡導演史蒂芬史匹柏在《一級玩家》裡所闡述「遊戲的真諦在於攜手共存,不在爭奪輸贏;在於合作分享,不在單打獨鬥」,葉忠宜將這樣的意涵,濃縮至電子般的動態logo裡,不同顏色的同心圓,象徵不同族群的集合體,一起突破當下,創造未來。

2018年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2018年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2018雙十國慶Logo主視覺曝光!透過點的匯合傳遞「台灣共好,Taiwan together」團結意象

2017年

2017年國慶主視覺由設計師鄭司維擔任藝術總監,紅、藍、綠三色編織交錯的色彩不僅看來熟悉,更滿溢濃濃「台味」,而其設計概念正源自於最能體現台灣在地精神的「茄芷袋」,盼望藉由這份交織、編織凝聚於一塊的意念,一同編織出美好台灣的想像。

2017年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2017年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

2017雙十國慶主視覺台味十足!台灣在地「茄芷袋」為靈感用編織象徵團結

2016年

2016國慶大會主題為「台灣有你真好」,由設計師賴柏燁操刀,LOGO設計以繽紛華麗的顏色,象徵多元族群的人民,不同顏色緊密交疊,則象徵台灣人的和諧包容。

2016年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)
2016年國慶主視覺(圖片來源:中華民國 讚國慶臉書)

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走進K-POP MV的數位異界!專訪韓國美術指導Bee Park、ahryandchung
走進K-POP MV的數位異界!專訪韓國美術指導Bee Park、ahryandchung

近年來,另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間(liminal Space)、夢核(dreamcore)與怪核(weirdcore)等視覺美學,以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件,構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造?專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung,一探這股新視覺語言背後的創作思維!

➣本文選自La Vie 2026/8月號《通往異界》,更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來,我都不斷思考一件事:現實本身或許就是一場夢,而夢,也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監,Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導,並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向,負責其視覺世界觀,MV與線上宣傳。對她而言,現實與想像並非彼此對立,而是同一段連續經驗中的不同面向;音樂亦是如此,每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

(圖片授權:Bee Park)
透過完整的世界觀與創作概念,Bee讓超現實影像成為傳遞情感與思想的語言。(圖片授權:Bee Park)

也因此,每當開始一個新計畫,Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談,理解音樂真正想傳達的核心,再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則?角色為什麼會有這樣的行為?空間為什麼會呈現現在的樣貌?甚至每一件道具,又承載著什麼樣的意義?唯有當這些問題都有了答案,才會進一步發展場景、服裝、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作,每一個空間、角色與物件,都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢,我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

(圖片授權:Bee Park)
ITZY的〈Motto〉中,Bee打造介於童話與現實之間的世界。(圖片授權:Bee Park)

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期,唱片公司提供了「反烏托邦」(dystopia)、「宇宙恐怖」(cosmic horror)與「超人」(Übermensch)3個關鍵字。Bee說,當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期,因此,她從自身經驗出發,重新思考這些概念背後真正想探討的命題,並逐漸發展出整支MV的哲學核心:「超人,就是我自己。」她意識到,人終究必須面對的並非外在的怪物,而是自己。也因此,她與導演反覆討論,究竟什麼樣的空間與視覺方向,最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所,也在這樣的思考下,被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間,成為角色内心世界的延伸。

(圖片授權:Bee Park)
(圖片授權:Bee Park)
(圖片授權:Bee Park)
Bee擔任XG〈TGIF〉創意指導,從概念發想到整體視覺統籌,替作品建構出完整的超現實世界觀。(圖片授權:Bee Park)

而在ITZY的〈Motto〉(座右銘)MV中,飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件,其實共同指向同一個命題:人們如何在一次次選擇與反覆驗證中,逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子,便象徵著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡,而那座巨大的城堡,則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候,我們總覺得世界像一座巨大的堡壘,可是當我們長大回頭再看,才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙,真正超越的,其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想,而是希望創造一个世界,以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

(圖片授權:Bee Park)
ITZY〈Motto〉以夢幻而超現實的場景,呈現人們在一次次選擇與自我驗證中,逐漸找到人生信念的過程。(圖片授權:Bee Park)
(圖片授權:Bee Park)
(圖片授權:Bee Park)

有趣的是,當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時,Bee卻認為,那些名稱只是作品完成後,人們用來理解它的語言,而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始:這個世界,為什麼有存在的必要?」找到答案之後,她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格,對她而言其實沒有那麼重要;她更希望自己的作品,能讓人們以一種略帶陌生的視角,重新觀看自己所認為的「現實」。

(圖片授權:Bee Park)
在構思畫面之前,Bee會先建立一套完整的世界觀與邏輯,讓每個角色、空間與行為都有存在的理由。(圖片授權:Bee Park)

Bee觀察,近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引,背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒,我並不認為它們是網路文化的產物。我相信,這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間,現實本身已經比過去更加多層次,也更加複雜。因此,人們逐漸從追尋「再現現實」的影像,轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來,超現實並不是為了逃離現實,而是透過另一種觀看方式,重新理解現實,也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

(圖片授權:Bee Park)
(圖片授權:Bee Park)

Bee Park
韓國創意指導、設計師,現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌,曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來,從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉,到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶,都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言:熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件,以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導,ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫,也活躍於音樂錄影帶創作,擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序,讓現實世界悄悄裂開一道縫。

(圖片授權:ahryandchung)
Silica Gel〈Mercurial〉MV場景由ahryandchung擔任美術指導、場景設計與物件創作,從這部作品開始,他們逐漸探索那些介於熟悉與陌生之間的空間氛圍。(圖片授權:ahryandchung)

不過,當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮,ahryandchung卻認為,與其說它是一股短暫的流行趨勢,倒不如說是一整個世代共同的網路記憶,正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶,小時候正值撥接網路開始普及,他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己,也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感,在低解析度的畫面中,憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制,自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中,也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

(圖片授權:ahryandchung)
HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉MV中,ahryandchung結合現成物件、模型地景與虛構機械共同構築出介於現實與幻想之間的世界。(圖片授權:ahryandchung)

也因此,比起創造一個全新的幻想世界,ahryandchung更感興趣的,是透過輕輕扭轉日常物件與空間,讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法,也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計:未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力,以及沿著牆面奔跑的女孩們,彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露,整支MV的核心,其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件,實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而,隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去,最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的,現實原有的秩序也隨之瓦解。

(圖片授權:ahryandchung)
ahryandchung擅長透過物件與空間重新詮釋現實,在熟悉的日常中製造細微裂縫。(圖片授權:ahryandchung)
(圖片授權:ahryandchung)
(圖片授權:ahryandchung)

對ahryandchung而言,物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中,那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」,便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器,以及各種揚聲器的造型。同時,我們也希望它看起來具有當代感,卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品,兩人經常往返二手市場、古物市集,尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件,再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件,最後竟像樂高積木般自然契合,成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

(圖片授權:ahryandchung)
在ILLIT的〈Magnetic〉MV中,ahryandchung透過重新排列日常物件,建構出帶點古怪、又帶著淡淡憂鬱感的少女世界。(圖片授權:ahryandchung)
(圖片授權:ahryandchung)
〈Magnetic〉中的飯店走廊隨著故事不斷變形,帶領角色穿梭於記憶、想像與現實之間。(圖片授權:ahryandchung)

「如今,智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分,我們似乎也自然而然地開始回想,在它們尚未進入生活之前,那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡,當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證,那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天,每當我們創作時,仍試著透過物件與空間,重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感,以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

(圖片授權:ahryandchung)
(圖片授權:ahryandchung)

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組,以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法,探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計,並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue@antcfk

文|葉欣昀 圖片提供|ahryandchung、KALABIKA 圖片協力|KALABIKA

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