「2023綠島人權藝術季」將於5月17日正式開展，本屆策展以「傾聽裂隙的迴聲」為主軸，透過共學講座、工作坊及探訪受難者前輩與家屬⋯⋯等形式梳理白色恐怖相關歷史，以及綠島在地文化與白色恐怖之間的互動關係，再交由22組創作者以橫跨多元媒材的藝術作品轉譯，企圖提供觀眾在面對複雜、充滿歧異的歷史時，擁有更多想像、思考與接近的路徑，共同建構這段歷史對於當下的意義。

從綠島出發、以藝術為方法梳理白色恐佈歷史

本展由東海大學美術系助理教授蔡明君擔任總策展人、獨立策展人陳韋綸與蔡秉儒協同策畫，他們在籌備過程中不停自問：「藝術家們如何找到自身任務和角色，為白色恐怖歷史做些什麼？」於是，2023綠島人權藝術季讓藝術家們踏上一場歷史的探尋之旅，除了觀察、傾聽與重新省思複雜的歷史維度，在人權議題建立多元而扎實的觀察，亦扣合綠島的在地歷史及文化，思考白色恐怖，最終以裝置、攝影、錄像、聲音創作、文件紀錄⋯⋯等藝術形式演繹洞察。

3大子題串連白色恐怖、當代反思與綠島和人權

對於策展命題——「傾聽裂隙的迴聲」，我們該如何理解？策展團隊提到，在臺灣極具特色的歷史進程中，威權的代表未被明確地指出為加害者，而彼時的黨國集團在實體與精神上的遺緒，不僅從未失去民意支持，甚至仍掌控著政治與經濟權力。

在這樣的情況下，他們思考，透過綠島人權藝術季，要如何讓在白色恐怖這段時間裡，順應體制過著生活，或在當中獲取利益——相較於受迫害者的多數社會——的群體，了解那段歷史與制度的不公義呢？又如何重構綠島——白色恐怖時期最具代表性的其中一個場域——在這段歷史中的意義，以照亮她長期以來被忽略的歷史故事與文化？

於是，本展以三個子題：「穿梭歷史的縫隙」、「今日與回望」以及「過去的島嶼，當代的困境」，串連白色恐怖、當代的反思與綠島和人權，希望透過藝術傾聽裂隙裡頭以及另一頭的聲音。

 子題一｜穿梭歷史的縫隙｜6件作品 

白色恐怖如何帶來我們對於人權的省思？吳瑪悧以受難者高草為對象，邀請觀眾思考在威權體制下的不當審判與監禁，身而為人，是否該被如此對待；白色恐怖四十年的歷史裡有許多不同身份的人，測不準工作室邀請了執行者及雙重身分的後代對話與創作，希望透過桌遊的形式，邀請參與者試想不同脈絡與時空下的選擇，及其如何決定我們的未來。

綠洲山莊圍牆殘存著作者與年代不詳的樹木壁畫，使它們枝幹纏繞且扭曲的「外力」為何？蔡宛潔以根莖纏繞的盆栽，隱喻曾經在此的每個個體，嘗試傾聽他們所想傳達、訴說的聲音。

會客室本該是使思念的人能見上一面之處，王榆鈞為無法被傳遞、講述的情感，創作了歌曲，並以這些歌曲去連結在各處的人、事、物與場景的聲音，交織出一片聽得到卻看不見的思念之海，向受難者前輩在被監禁的時光中僅能組織小型管樂團聊以抒懷的心境致敬。

郭俞平的作品如同散文篇章，將各地搜集來的衣物拆解重縫，在雕塑、重製檔案的編組中敘寫一篇篇的視覺故事，並邀請觀眾走入其中閱讀。

過去將受難前輩困住、辛苦打石、或者只聞聲不見影的大海，成為了今日觀光勝地。羅懿君以潛水活動探索象鼻岩、將軍岩、三峰岩一帶的礁岩海岸，結合島上拾得的素材製作潛水裝備，提取海底暗湧下的身體經驗，呈現曾經禁錮於此的受難者的自由靈魂與精神抵抗。

而這樣人與海的關係，可以在歐陽文前輩於1950年代所拍下的綠島的居民生活與景觀瞥見，對比今日礁岩雖仍佇立於海岸線上，然而人們的生活，以及來到島上的目的，早已迥異於當年。

 子題二｜今日與回望｜8件作品 

1950年代協助新生訓導處攝影部的陳孟和前輩，持著相機在多處為島嶼留下了影像。2010年末，幾位後來的人循著當年的照片重新拍攝；2023年的今天，劉紀彤以文字回應這些同一地點不同樣貌的風景，三個世代的人，透過這些風景照片連結了起來。這些照片被印製成明信片，邀請觀眾從綠島寄出，將人權故事向外傳遞。

書本作為思想交流與表達意見的物品，卻同時也是白恐期間許多人被定罪的原因之一。陳曉朋將白色恐怖資料庫中的統計數據，轉化成一張張彩色書頁，在沒有文字的書中呈現出政治受難者與綠島的色彩。

白色恐怖離今天的孩子是近還是遠？蔡宛璇與他的女兒澎科萌共同發展創作，透過11歲孩子的眼睛觀察藝術季在創作與研究過程中的活動，提出了在成人充滿定見的世界裡所忽略的另外一種觀點。今日的觀點可以如何呈現？受難前輩槍決前留下的最後一張照片不僅是獨裁政府存在的證據，也是過往極不對等的權力與暴力的彰顯，張卉欣以「取消」影像的方式，將影像視為某種歷史留下的聲音（檔案），在今日持續喧嘩。

另有創作者以音樂為載體，重構歷史敘事：鄧兆旻邀請音樂人重新編唱1934年的〈雨夜花〉，將歌曲擬人化成為具有意識的「人」，向觀眾娓娓講述其顛沛的歷史進程中，一個人／物為求生存，如何被詮釋、被（不）理解或被禁／噤聲。同為改寫歌曲，勞麗麗以無聲的卡拉OK為形式，透過三首歌曲思考作為一位香港人的自主性，在本展中以此呼應近代歷史中，因政權替換亦在不同層面受到影響的綠島。

也有藝術家從異地回望台灣——今日的香港，不斷提醒著我們歷史可能如何重複上演，三十二年前白色恐怖的緊張情勢，是否可能對應今日的臺灣？Candy Bird以綠島為故事發生的場址，揉合了他在綠島駐地的觀察、對話以及當今臺灣的政治局勢，虛構了兩位間諜的故事，將作品所在地的肅穆氛圍連結到我們所處的當下。

本展如此多的藝術作品，都嘗試以創作回應歷史，但創作到底是生活的調劑還是為了自我完成？張紋瑄以作品思考同一物件在個人生命經驗與客觀敘事的差異，過往受到監禁的前輩，如何藉著「創作」行動來換取他們在思想上的空間，創作之於個人的意義又是為何？

 子題三｜過去的島嶼，當代的困境｜8件作品 

這座島嶼的住民與其環境之間的關係，經常在政治目光與觀光產業的討論中被忽略。吳克威與蔡郁柔透過重訪火燒島聚落，讓我們重新認識這座島嶼上頭的山林、動物、人、作物、以及大海之間的故事，並邀請我們思考人們的生活與日常，是如何受到政治與經濟的形塑與轉變。同樣受到這座島嶼的地景和環境所召喚的阮芬林，在沒有觀光客的冬季的綠島，獨自待了三個星期。他的作品透過串連深入地下的人權紀念碑、學校中的運動場、綠島的自然地景等場景，邀請我們思考到自然與人和環境以及生死的關係。

如何以勞動轉譯歷史？利羅伊．紐則是以竹子和綠島當地回收的材料，與國小學生合作創造出既是船又是承載生活與生命的居所，以此連結菲律賓與臺灣在現代化進程中相似的前殖民歷史、環境處境與文化經驗；張恩滿則與同屬臺東大鳥村Tjuljaviya家族的表姐們，共同編織傳統網袋sikau的過程中，分享自身在黨國治理下的意識型態轉變，與他們對於自身處境的思考。

多位藝術家從社會議題切入：共同創作的阮金紅、蔡崇隆與史旻玠，於監禁房中以外籍看護及工廠的生活處境為題，將政治人物人權議題的口號和移工現時面臨的處境進行並置，透過反身性的視角思考臺灣經濟發展與移工命運的諷刺對比；咖容琳娜．布瑞秋拉以大觀社區迫遷案為背景，由受迫遷者在被拆除的家屋裡演出，講述著經濟發展與生活、政府與人民間的不平衡關係，提醒我們今日轉型正義，是否也該面對綠島的新生訓導處興建時徵收土地的問題；鄭庾陞的作品關注光州民主化運動期間提供支持的性工作者，同樣是投身運動的人，卻因為她們的特殊身份而成為了匿名的示威者。

本展多件作品與女性與弱勢族群相關，透過這些作品，我們看見今日在不同地方被邊緣及忽略的聲音。

2023綠島人權藝術季「傾聽裂隙的迴聲」為期4個月，展期間將舉辦各類型的工作坊與導覽活動，帶領觀眾更進一步了解藝術季，嘗試將白色恐怖的歷史、記憶，透過轉譯傳遞給大眾及下一代。

2023綠島人權藝術季「傾聽裂隙的迴聲」

時間｜2023年5月17日至9月17日

地點｜國家人權博物館白色恐怖綠島紀念園區（臺東縣綠島鄉公館村將軍岩20號）

官網・Facebook

參展藝術家完整名單｜

Candy Bird、王榆鈞、阮金紅（越南）＋蔡崇隆＋史旻玠、阮芬林（Phuong Linh Nguyen，越南）、利羅伊．紐（Leeroy New，菲律賓）、吳瑪悧、咖容琳娜．布瑞秋拉（Karolina Breguła，波蘭）張卉欣、張恩滿、張紋瑄、郭俞平、陳孟和＋後來的人們＋劉紀彤、陳曉朋、測不準工作室、勞麗麗（香港）、鄭庾陞（Yooseung Jung，韓國）蔡宛潔、蔡宛璇＋澎科萌、蔡郁柔＋吳克威、歐陽文、鄧兆旻、羅懿君。

資料、圖片｜綠島人權藝術季

「萬坪綠帶、交匯軸線」是這次2025創意台中——摺疊市——主打的口號，從宜居的生活樣貌開始思考，將街廓打造成為一座可以被閱讀的城市模型，並將展覽延伸到公園、書店、捷運站與旅館等六個節點，透過散步走讀看見在台中生活的全新想像。

「創意台中」作為臺中市年度的設計活動，持續以不同的方式回應城市生活樣貌。延續 2024 年「Design Hub 設計中」的設計擾動，由嶺東科技大學策展團隊執行，今年將臺中市想像為一個可摺疊、可展開、可閱讀的城市。

Design Hub 2025 新提案：摺疊市

策展團隊從日常行為出發，觀察臺中在不同年代所形成的生活輪廓：早期城市以低密度、水平展開的街廓為節奏，巷口雜貨店與騎樓攤位是鄰里交流的中心；隨著垂直建築增加、生活密度提升，人們也許住得更近了，卻也更少相遇。那些曾經自然發生的共享時刻，悄悄摺進了生活中名為疏離的縫隙。

策展人許哲瑜與郭中元以「摺疊市」提出一種重新閱讀城市的方法，將展場選址於同時擁有「城市理想」與「城市現況」雙重面貌的南屯「黎明新村」，這裡曾承載著一代人的理想家居藍圖，然而走出周邊，高樓林立的都市結構立刻讓尺度轉變，彷彿行走於城市年代的斷面，從水平延展跨入垂直堆疊，這種「內外對比」使黎明新村成為天然的展場。

主視覺以臺中獨特的地景結構為起點——山線、海線與屯區三種地貌被轉化為抽象的層次與色塊，水平延伸拉展，再垂直堆疊成一座抽象的城市地景。像地形、像建築，也像被反覆翻閱的城市文本。當這些色彩元素在畫面中層層交會，就像書頁一樣被摺起、展開，呈現「堆疊中的流動」。

展覽旗幟上的三句文案，「萬坪綠帶／交匯軸線／相遇於黎明光隙」，為視覺增添了另一層敘事。「萬坪綠帶」呼應臺中充滿風與陽光的城市氣候；「交匯軸線」帶有都市計畫語彙，卻同時暗示今年策展關注的相遇動線；而「相遇於黎明光隙」則以詩意語氣悄悄指向展覽所在地：黎明新村。這三段文字既像城市對自己的描述，也像日常中隨處可見、略帶誇飾的建案口號，為展覽注入一絲幽默，在嚴肅的城市語彙裡藏下一個輕巧的轉折。

從圖書館進入，觀看摺疊市的生活樣貌

「摺疊市」以一座圖書館為主展場，並串連六個衛星展區——三座公園、一間獨立書店、一座捷運站與一家青年旅館，讓展覽沿著生活動線自然蔓延。觀眾能以步行的方式穿過住宅街廓、綠地與轉角，依序遇見作品、裝置與文本，街道成為觀看的延伸，日常則是城市變化最直接的顯影。而「摺疊市」裡的每一位市民，都像是一座小型的 Design Hub，以自身的路徑回應城市、分享生活。在摺與展之間，看見再次相遇的可能。

作為今年的主展場的李科永紀念圖書分館，策展團隊刻意維持館內的閱讀節奏，不搭建大型結構，而是以「最輕的介入」放入展覽內容。在這裡，城市資訊被轉化為插畫設計，悄悄嵌入讀者視線；在陪同孩子閱讀、翻找書籍、走向電梯的途中，觀眾會意外看見一段臺中數據或城市圖像。

策展團隊以「一天的節奏」作為索引，從城市的甦醒、運轉、到熄燈，蒐集並整理出「100 個在城市走跳的理由」。這 100 句文字，來自不同職業、不同時間、不同面向的在地生活觀察，呈現臺中市民對城市最直接、也最真實的感受。這些理由被安置在書架內側、階梯踏面、甚至低頭找書才看得見的地板上。希望觀眾在翻書、走動或尋找資料的過程中，以最自然的方式「遇見」這些文本。

同時，本次展覽也穿插呈現十組「摺疊市居民」影像訪談，象徵城市生活的不同橫截面。這些生活者來自獨立書店、咖啡烘焙、茶文化、音樂選物、設計品牌與建築實踐等不同領域。他們的影像與「100 個理由」相互呼應，使抽象的日常語句得以落實在真實生活紋理上，呈現臺中城市由多元生活者共同編織的面貌。影像裝置以木構框架呈現，彷彿被夾入圖書館書架的一本城市立體書，將十組生活者的姿態、手勢、空間細節被凝成片段，象徵城市不是單一敘事，而是多種生活節奏交織而成。

十組居民包括：
草不草生活聚落／BLACK Design／青林檎 ao.ringo／感傷唱片行／Kind of Blue Records／SUMUGAGA Coffee／兆兆茶苑／TaiTai LIVE WILD／本冊圖書館／黃文彬建築師。

衛星展區延伸至黎光公園、黎明公園等多個戶外節點

在黎光公園，「伊德設計」涂以仁和「與木製研」陳建同共同以輕量木構建構出雙層空間，使公園具備同時可停留、可上升的使用方式。一樓提供遮蔭與休憩區域，樓梯以精巧構法銜接至二樓，形成尺度友善的動線轉換；二樓則呈現更為私密的植物花園，讓觀眾在高度變化中感受光線、風向與場域氛圍的轉折。透過精準調整坐椅、踏階與樓高的比例，回應「水平與垂直之間的空間摺疊」。

而在黎明公園，藝術家 Mike He以金屬與木構結合的形式，打造出由花形展開的休憩座椅。作品以臺中晴朗天空作為靈感來源，座面與結構在光線下呈現不同的反射層次，使觀眾在坐下的瞬間同時看見天色、雲影與周遭環境。透過開放且具雕塑性的造型，裝置在公園動線中形成一處可停留、可相望的節點，呼應展覽創造城市相遇的核心概念。

除了黎光公園、黎明公園等多個戶外節點，摺疊市也在夜間展開城市線索——誠星青年旅館 × STAR CAFÉ，誠星以「Foldy 的回聲線索」呈現角色從草圖、立體造型到實體公仔的完整開發歷程，讓觀眾得以在夜晚看見角色如何逐層成形。

此外，STAR CAFÉ 亦推出主題聯名特調，以展覽主視覺色系為靈感開發，提供觀眾在完成七大展區集章任務後兌換。從露台的尋找遊戲到特調的兌換方式，夜間活動延伸了展覽「製造相遇」的核心理念，使城市在夜晚呈現有趣的互動。

今年的特殊設計，是主展場與多個衛星展區的即時直播裝置。在圖書館的閱讀桌前，觀眾能看見公園裡的閱讀景象；在公園的木構裝置前又能看見市政府捷運站動線的流動。每一個節點都成為另一個節點的「觀景框」，人的行為也在影像的同步性中形成新的交會。不同材質、不同節點與不同觀看方式，因此被串成一張能互相回應的城市網絡：木構收集光影，金屬反射天空，連線打開場景的界線，讓相遇不只發生在同一個地方。

由「Foldy 摺摺」引路，走進一座開放式城市模型

由插畫家阿蕉創作的年度 IP ——〈Foldy 摺摺〉——角色設定源自策展團隊對城市性的觀察：臺中是一座不斷摺疊、延展、重構的城市，從山線、海線、屯區到都會區，每一層都是生活的摺痕。阿蕉以此為基礎，將角色設計為能自由轉換形體的幾何結構，像積木般可摺合、可展開，展現臺中特有的創意與共生能量。

〈Foldy 摺摺〉的出現方式並不喧嘩，而是以輕巧的尺度散落在主展場與六個衛星展區，初遇於黎新公園的設置大型充氣裝置，Foldy 作為視覺指引，隱身在裝置或動線之中，從視覺語彙延伸至街廓，彷彿引路人帶領觀眾一同進入「摺疊市」。

展覽的摺頁ＤＭ也以 Foldy 為靈魂人物，將角色拆解成數個部位並散落於七個展區之中；觀眾在翻閱摺頁、走進場域、踏查城市的過程中，會逐步收集到這些構成角色的線索，完成七枚章印後，Foldy 的身體也在摺頁上被拼湊成形，完成集章即可兌換限量 Foldy 小禮物，使城市探索形成一條完整的體驗路徑。

展覽期間也於黎明新村舉辦三場不同主題的市集，三個週末、三種節奏，使展覽從空間洞察延伸到生活現場，成為十二月最柔軟的一段城市篇章。

▍第一週｜疊疊城市（12.06–12.07）
以戶外風格、露營選物到手作器物構成十二月最自由的一段節奏。

▍第二週｜層層生活（12.13–12.14）
以香氣、木作、紙本與花藝堆疊生活細節，讓草地成為自然停下的日常場景。

▍第三週｜花宅好朋友 × 散步黎明（12.20–12.21）
以「散步」為生活起點，攤位結合植物、家飾與手作物件，呈現冬季午後特有的明亮與溫度。

「2025 創意台中」即日起至 12 月 21 日展出。展覽期間除了主展場與六個衛星展區，亦規劃多場講座、城市走讀與限定工作坊，從閱讀、步行到夜間探索，帶領民眾以不同方式重新感受城市的節奏。更多活動資訊與報名方式，請至「創意台中」官方網站及 Facebook 粉絲專頁查詢。

「摺疊市」
創意台中，進行中　𝟮𝟬𝟮𝟱 𝗖𝗿𝗲𝗮𝘁𝗶𝘃𝗲 𝗧𝗮𝗶𝗰𝗵𝘂𝗻𝗴 𝗗𝗲𝘀𝗶𝗴𝗻 𝗛𝘂𝗯

展覽日期｜2025.12.04 (四) ～ 2025.12.21 (日)

開放時間｜週二～週日 10:30 - 17:30 (週一休館)

主  展  場｜臺中市立圖書館李科永紀念圖書分館

衛星展區｜黎新公園 / 黎光公園 / 黎明公園 / 市政府捷運站 / 干城194有機書店 / 誠星青年旅館

_{文字整理｜Sunnie Wang}

在多數人的記憶裡，博物館總與白晝綁定，早晨開館、沿著展櫃靜靜移動、閱讀標示、保持安靜。但當夜幕低垂，空間氛圍悄然轉換，是否也能讓我們重新定義「博物館」的可能性？第四屆《館前一號所》，即是以這樣的想像展開。

位於臺中的國立自然科學博物館一夜限定的實驗場域中，三項亮點活動—劇場演出《恐龍重生》、角色導覽《躺平木乃伊》，以及一年可限定進入的複刻北宋水運儀象臺裝置《水運登頂》，不只是主題節目，更各自承載不同的觀展節奏與身體參與方式。觀眾不單走進展場，更是踏入情境、扮演角色，或親歷機械運作的結構現場；以一場重新佈局的文化設計，從敘事順序到感官觸發，打開夜間的博物館，成為一種新的觀看與感受格式。

夜間不是延長，而是轉換—三大亮點活動構築文化節奏

「我們想打破大家對『博物館＝嚴肅學習的地方』的印象」國立自然科學博物館館長黃文山如此定義《館前一號所》的核心概念。他強調，文化場域的角色應隨時間流轉而生成多重樣貌：「夜間開放是一種新的空間使用方式，讓大家用不同的節奏重新認識博物館。」他接著說：「博物館本身就有一種魔法，只要你願意踏進來，不需要任何知識背景，也不一定要帶走什麼知識，只要『來』，就能開啟你心中的那個魔法盒。」

本屆活動透過三張獨立票券，對應三條感官動線，構築一場限定三小時的沉浸式城市夜行。首先登場的《恐龍出沒》，從燈光投影下的骨架，到恐龍穿梭人群的瞬間，就抓住各方目光，引領觀眾一路由恐龍廳，進入「必可飛」劇場的《恐龍重生》沉浸式展演；打破傳統觀展框架，在劇場氛圍釋放空間張力，也讓知識與想像以更流動的方式發生。接著，《躺平木乃伊》透過塔羅與角色扮演，抹去導覽員與觀眾的界線，將古文明轉化為互動敘事。最後，《水運登頂》限定開放的天文裝置「水運儀象臺」，觀眾得以親自登梯、俯瞰、探索，在移動中體驗知識的立體感。

這三大亮點活動，構成《館前一號所》的核心動線，也讓夜色成為文化節奏的背景：觀眾跳脫觀看者，成為穿越劇情、參與展演的主體，於黑夜中展開屬於自己的博物館體驗敘事。

科技、解謎與導覽的沉浸感官設計

除了三大主軸外，今年活動亦安排四項關鍵節點，進一步拉開觀眾的感知層次。首先，《實境解謎 × XR互動體驗》透過行前下載 App，讓觀眾在展場內完成特定觀察任務，將科普知識與解謎遊戲交織為一場具參與感的科技探險；另一側，《萬物之森搜救隊》則將 XR 擴增實境融入任務，營造出具節奏與故事線的沉浸情境，讓展演從平面資訊跳脫至多面向的互動。

「我們發現觀眾在夜晚的參與方式更開放，互動比預期還要積極。」活動主要負責人之一、科博館營運典藏與資訊組主任蔡雪玲這麼說道，「無論是實境解謎還是 XR 搜救隊，我們都不希望只是單向灌輸，而是打造可以主動選擇的參與場域。」她也提到，像策展人夜間導覽這樣的經驗設計，反而更需要調整語氣與節奏：「語調要更像對話，少一點輸出，讓觀眾感覺自己是在被陪伴，而不是上課。」

最後，《恐龍派對》呈現了另一種感官參與形式，觀眾得以自由穿著、化身不同角色，在燈光與音樂中盡情徜徉展廳，在節奏感強烈的重拍間，於空間與身體之間找回主動權。

夜間博物館，能不能是城市文化生活的一部分？

除了上述的主題設計外，現場其實還有更多活動點綴整場夜行：從「防災職人公仔拍照盒」、易經卜卦與魔術方塊等互動攤位，到橢圓型廣場的夜間市集與音樂演出，以及社群展品投稿與限時拍照任務……這些看似零散的活動，實則構成了一種流動式參與節奏，讓每個觀眾能根據自身興趣，完成一場獨特的「夜間策展」。

在黃文山館長眼中，本次三項亮點設計不僅讓空間敘事更具延展性，也成功轉化觀展方式，讓觀眾在感官與知識之間找到新的接點。 「我們希望這不是特定時段的活動，長期打開文化空間的一種可能性。」他補充道。

無論是否走進劇場或登上水運儀象臺，《館前一號所》真正想打造的，是一種關於文化共感與時間解放的全新想像。

_{文 | 邵瀠萱    圖片攝影 | 李明宜}