在喧囂台北，我們都嘗試圈起一方之地，在其中找尋屬於自己的幽靜，覓得自己眼中才能看見與感受、最感自在的城市樣貌。1999年，法籍攝影師余白Hubert Kilian從巴黎來到台北，他透過走訪街坊巷弄，找尋自己在陌生城市的生存之道，也藉由攝影捕捉心目中的台北之美。來台二十幾年，余白從攝影記者發展為攝影藝術家，出了《臺北原味》與《臺北之胃》兩本攝影集，一張張黑白與彩色相片框起了新舊交錯的街景、斑駁磚瓦、人情味流溢的市場、巷弄間飄香的小吃攤販⋯⋯等市井日常，演繹城市生命力與光陰流動下的生活之味，他從中看見了台北的複雜、混濁及難以定義，卻也發現了城市角落中隱晦的優雅。

要把一座城市當成家，先找到喜歡它的方式

聊起從法國來台的回憶，余白還清楚記得飛機在桃園機場落地的那一天——1999年10月4日。在這之前，他在巴黎待了15年，大學期間從法律系轉戰中文系，也對兩岸關係頗有研究，選擇來台灣是為了學習中文，最後留下定居是為了愛人和家庭。台北和巴黎非常不一樣，余白說要把一座城市當成家，就必須找到一個喜歡它的方式，於是他開始在閒暇時漫遊台北，拿著相機展開探索。

成為專職攝影師之前，余白做記者。無論是社會紀實或街拍，都十分仰賴持相機者的觀察與專注力，或許這也是余白對生活數十年的台北很有心得的原因之一，「台北不像紐約、東京、巴黎有很明確的風格和美，台北是混濁、複雜的。」紐約摩登、東京絢爛、巴黎浪漫，那說到台北，我們會想到什麼？余白回憶自己在巴黎生活時，是個習慣以深色打扮、對外性格冷漠的人，他認為因為這個城市很「完整」，反而令人難以跟城市產生對話；但台北恰恰相反，因為還難以被某種象徵性的風格定義，「所以每個人都可以用自己的方式去定義這座城市的美。」

一座沒有過去也沒有將來的城市

那余白的方式是什麼？他將對台北的觀察，濃縮在攝影集《臺北原味》與《臺北之胃》當中，透過影像留存台北不顯眼卻存在的美麗。其中，《臺北原味》呈現日間的街景氣息，黑白影像紀錄許多已不復存在的街頭記憶，引領觀者墜入不同時空，品嘗藏於其中的雋永之味；《臺北之胃》收錄了更深入巷弄的夜晚徒步尋訪——霓虹閃爍慢舞於水泥地上、小販招牌的微弱光源蔓延至街巷轉角，耳邊時而竄入街坊鄰居的閒聊話語，故事感深厚。

偏愛捕捉市井生活的碎片，對余白來說並非偶然，其實與他長期關注都市更新議題有關。都更會大規模、劇烈地影響居者的生活，時常夾帶著要迎新或存舊的兩難局勢，而來台的二十多年間，余白也親身體會到老台北的消逝，「台北一直在改變，像是一座沒有過去也沒有將來的城市。」所以他喜歡用黑白影像紀錄台北，刻意不讓觀者去猜、去想照片是哪一年拍的。

當照片褪去色彩，留下的是瞬時的景色和情緒，直觀地呈現了人們如何體驗台北？又如何在窄小的公共空間摸索屬於自己的生活模式？這也呼應著余白特別喜歡拍「市場」的原因——他認為市場充滿人們亟欲滿足日常基本所需、要生活更要生存的生命力。在這聽來與看似生猛的生活情境，余白卻看出了一份難以言喻的優雅。

這份對城市生活的考究，更反映在《臺北之胃》攝影集的命名由來，其靈感源自法國經典小說《巴黎之胃》（Le Ventre de Paris）——由法國知名作家埃米爾．左拉（Émile François Zola）執筆，述說一場19世紀中期的城市重建計畫，如何讓前身為傳統市集的巴黎中央市場，一改面貌為華美的巴黎大堂，這座新市場披著光鮮的糖衣，背後其實藏著掌權者對勞工階級的剝削與不公義。

鬧市中的一方靜謐

余白解讀城市的獨特視角，吸引了慕舍酒店Mvsa的注意，並受邀以影像重新詮釋這座位在台北市中心的藝術旅居。正式開拍之前，余白在慕舍待了三天左右，感受場域氛圍，也思考要如何透過鏡頭和它互動。對他來說，慕舍像是藏匿於台北都會中的靜謐莊園，外表雅緻，白天時室內縈繞著自然光線，隨處都有美麗光影；雖佇立鬧區，卻有遺世獨立的寧謐。

最後，慕舍門面、地下一樓的米其林餐廳渥達尼斯磨坊、位居八樓的天際別墅，成為余白聚焦拍攝的對象，每一地點都有他想表現的慕舍特質。先從建築說起，余白認為這棟樓沒有龐大且令人感到壓迫的量體，而是以接近「人類規模」的尺度佇立城市當中，人們可以自在地與建築空間互動，於是他特別將慕舍門口的線條、結構納入構圖，再帶到一點街景，並選在清晨五點拍攝，將慕舍和城市的安靜、平和都收進這張照片裡，表現心目中最理想的台北。

另外兩件作品，則展現了光影流瀉、嬉戲於慕舍樓內的姿態；有趣的是，它們的取景地分別在地下一樓與地上八樓。從大門走進慕舍，下樓才能抵達渥達尼斯磨坊，餐廳分成兩側，其中一側與戶外小庭院比鄰，讓賓客即便身在地下層，仍能感受到暖光流入所創造的愜意氛圍。

來到八樓，余白選擇擁有木棧陽台的天際別墅為取景地，他喜歡露台的開闊、大面開窗帶來的透明感，置身其中，雖身在台北市中心，卻不會感受到城市的壓迫感，好似一切喧囂被阻隔在外。余白巧妙運用玻璃的透視、反射特質，在一張黑白影像中集結了房景、陽台上搖曳的樹影，以及躲在綠樹背後的一小片城市景觀，平時城市的鬧與靜彷彿凝結在這幀畫面之中。

以攝影記錄生活百味

無論是過去發表的兩本攝影集，或本次為慕舍拍攝的作品，余白都將自己視為城市徒步者，探尋著城市中的人生之味，期待透過一張又一張跳脫時間框架的成像，封存台北難得的靜謐，也在一片複雜與混濁之中，用時間、腳步與鏡頭提煉出自己心目中台北的美——即便隱晦，卻真實存在；每個努力生活的身影背後，都藏著深邃細膩的生活百味。

資料、圖片｜慕舍酒店、Hubert Kilian 余白

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group