抓住擦肩而過的渴望！伍佰談街拍：我是街上的遊魂，而你是聞到我的人

本文選自La Vie雜誌2020/11月號《街拍人間》

採訪約在東區的老牌咖啡廳，自然要來點咖啡朝聖一下，不料伍佰點了一杯冰法式牛奶，老闆娘連忙提醒這杯飲料不含咖啡，他索性把menu一闔，「就是這個了。」

8月中，伍佰拿到了一台徠卡新相機，在前去滑冰的路上，有位女生擦肩而過，他快門一按，回去一看，就是這個了。

「可能是她吸引我吧？她如果是帥哥我就不會拍，哈哈哈。」他停了一下，「我覺得並不是說想要什麼就可以拍到什麼，你要有敏銳度，但敏銳度是好奇心嗎？也不是欸⋯⋯是那個渴望吧，我覺得驅使人一直往前走的，就是渴望。」他說音樂是在追求無法言喻的語意，透過音符讓渴望獲得宣洩與滿足，攝影則是用另一種方法填滿心中的空缺，「所謂攝影技術，我並不是很好，但是對於渴望，來了我就會抓住，球來了我就會接。」

要談街拍，先不要拘泥在拍

他不諱言自己不是專業攝影師，「我有工作啊，我是唱歌的。」說完自己也笑了出來，縱橫華語樂壇30年，伍佰是歌手哪還需要介紹？攝影師的身分倒可以爬梳一下，2003年他從朋友借來一台菲林相機，拍下北海道雪景，底片的神祕感令他興奮，從此正式面對拍照這件事。前兩本攝影書《伍佰‧風景》、《伍佰‧故事》，拍下途經城市異地的生活，之後的《伍佰‧台北》、《在城市的時間裡輕輕滴淌而下》將場景拉回台北，巨大如高架橋，微觀如上班族的腳，他將攝影比喻為「我是街上的遊魂，而你是聞到我的人」，用一台相機或手機，隨時抓住在街上擦肩而過的渴望。

伍佰的攝影常被大眾認定為街拍，他倒有不同回應，「我們如果太拘泥在『拍』這件事情，那就只有對了一半。」他說街拍是面對自己的過程，因為對某個地方有興趣，所以想去那裡走走，拍照只是他的藉口，但有時又會因為拍照，提起他想去哪裡看看的興趣，「街」和「拍」其實互為目的與藉口。因此重點不是拍照，而是要看到吸引自己的東西，知道自己喜歡在何時何地按下快門，一次又一次整理思緒，知道心裡嚮往的地方長什麼樣子。「過程中會有很多不是為了拍照而拍下的底片，因為那個感動抓到了我，與其說我抓到了那抹陽光，倒不如說我抓到了我心裡那股溫暖。」

完美的街，就沒那麼有意思了

初入攝影的伍佰就跟一般人一樣，看盡攝影書想臨摹大師，為了一個畫面，在街角等上1、2個小時。在日本、香港都拍過上班族的他，有一次想拍台北上班族，「大家都跟我說要去南京東路拍，我真的是透早就去等，結果半個鳥都沒有，哈哈，台灣上班族不是成群結隊進出的。」他也曾看好一面牆，覺得取景很好，等了好幾個小時只拍2、3張，可是最後他都不喜歡。

「風格是最重要的，你寧可缺少什麼，那個缺少的什麼，就是你的風格。」風格聽來縹緲，但卻是從扎實的量體而來，「拍照要有量，寫歌也要有量，你出了兩張專輯，然後再也沒有了，這是不夠的，一直唱下去要有量，靠這些量來塑造你的狀態、構成一個風格。所以我拍很多很多，別人都是拿1卷、2卷（底片）去洗，我是10卷、20卷。」大量拍，再靠事後回看照片，整理出最貼近自己的風格，這個功夫不會比拍照當下輕鬆，「比如說這張是平的、這張是歪的，我就會選擇歪的，因為歪可以代表我當時的心情，那個平的就是我當時拍歪了，我把它拉平再拍一次。」

以前的伍佰拍照有點潔癖，很在意地平線有沒有平、畫面有沒有穩，拍久了卻沒那麼在乎，照片常有曝光過度或不足、失焦，又或者人被砍半或頭被切掉的構圖，「當我發現我拍的不是我看到的東西，而是我心裡的東西，理解這個事情的時候，就不會在乎它是直或歪。」他認為不要故意去找自己的幽默，那反而俗氣，也不需要每件事情都完美地呈現，「完美呈現也是一種風格沒錯，但對於『街』這件事情，就沒那麼有趣了。所謂街，其實就是那個瞬間。」

他談起最近看的一本攝影集，從封面到內頁都很厲害，「但整本看完我只有吃到牛肉湯，沒有吃到牛肉。」風格固然重要，但不能空有風格，「我想拍出伍佰流，那什麼是伍佰流？我也在找，至少要讓人家看到這是有東西在裡面的。」所以他看書、查歷史，不斷充實內涵，才能對拍照更有意識，「比方說拍艋舺，這裡的歷史你從頭到尾都知道，你在拍的時候就會有好多故事和幻想，那個肉就會出來。」每到一個地方，只要他有興趣，就會先做好功課再上街拍，但沒做功課他也會拍，那就是俗稱的旅遊照，娛樂有何不可。幾個月前他回到家鄉嘉義，拍了農田裡的布袋戲，沒有當成創作，只因為他在這裡長大，那個感動勾起他拍下這些照片。

街拍就該自由，哪來那麼多限制？

伍佰街拍，本身就是一件很衝突的事，但也因為上街拍照，讓他擁有一般人的生活，「我沒有一直把自己當成明星在路上走，當人一直圍過來，我才會發現我是明星。」他多數的台北街拍作品，都是在車上拍的，總是特別留意高速公路，「我都覺得它是軟的，車子咻—很快就過去，但它其實是很硬梆梆、很巨大的東西，我很想把它拍起來，很想好好看它到底是怎麼一回事。」11月推出的第五本攝影書《伍佰‧滑雪場》，場景雖然不在街，但有一張他在餐廳裡，看著窗外小孩滑雪板，突然故意「仆街」趴在雪上休息，過一陣子又來一個小孩，再來一個大人，紛紛仆在雪上，這個「三連仆雪」伍佰可看樂了，拍下這一瞬間，隨興幽默的感覺，就有幾分街拍韻味。

所以街拍的場景有侷限嗎？喜歡開車拍還是走路拍？手機和相機、黑白和彩色又有什麼差別？伍佰乾脆一起回答，「街拍就應該很自由，一直在講可以怎樣不可以怎樣，街拍就不成立了，乾脆說是人物肖像、路上紀實好了，街拍就是free，你要躺著拍、坐輪椅的時候拍，都可以，因為拍照帶給自己的樂趣，這是最重要的。」他笑說自己的表弟也愛拍照，但怎麼拍都很好笑，「後來我一張一張問他，噢，原來他的想法是這樣子，我看到這些照片就會想到他，他的風格就是亂七八糟，但有他在關心的事情，他拍得很開心就好，反正又沒有要報名什麼獎。」

街拍是絕對的自由，攝影和音樂在伍佰的創作裡，也各自有自由的生命，「我不喜歡我的照片跟音樂扯上關係，有一次在演唱會裡放我拍的照片，後來我覺得不對，太不對了。我講不出來為什麼，我就覺得不要動我照片的主意，可能是我的照片被限制住了，或者我的歌被限制住了。」但他不介意大家衝著名氣來看他的照片，「我要做伍佰的明星商品而已，伍、佰、流，就是這樣子，我希望我可以一直把我的照片給很多人看到，他們因為我是伍佰才來看，OK，他們因為看不起伍佰，想要拿來笑一笑，也可以，無所謂。」

不禁好奇如果沒有伍佰的明星光環與包袱，他會想怎麼街拍？「那就是我沒有工作囉？我如果不是伍佰，我就會是伍佰的歌迷，然後去找工作。」這個問題根本就不存在，伍佰就是伍佰，伍佰的攝影是伍佰，伍佰拍的城市街景人群全都是伍佰。

伍佰

華語樂壇最知名的搖滾歌手，吉他手，詞曲創作人，音樂製作人，演員，攝影家。1990年出道，發行28張個人專輯。2007年首次發行個人攝影書《伍佰‧風景》，至今共有《伍佰‧故事》、《伍佰‧台北》、《在城市的時間裡輕輕滴淌而下》、《伍佰‧滑雪場》等5本攝影書。2009年首度於Epson Imaging Gallery 舉行攝影個展，其後攝影個展有《More Earth》、《橋飛雪》、《其實不遙遠》。

文｜張以潔　

圖片提供｜伍佰

完整內容以及欲知更多伍佰流攝影哲學，請見La Vie 2020/11月號《街拍人間》

激烈滾動的雲層、大街上跳著舞的藍裙姑娘、煙霧升起的荒蕪之境、男人靜靜佇立「森林湖泊」⋯⋯這些畫風和敘事各不相同，或幽靜、或湧動的影像，實則圍繞著同一主題——「風暴」。

2025百達攝影獎（Prix Pictet）決選作品展《風暴》巡迴來台，於台北藝術大學關渡美術館展出：12位參展攝影師以自然、政治、社會、環境為背景，帶來12種紀錄風暴的畫面敘事，共同轉動觀者透過天災、政治動亂、戰爭等事件，關注世界、思辨社會的齒輪。

從「永續」出發的攝影大獎

以「永續」為核心命題，瑞士百達集團（Pictet Group）於2008年創立「百達攝影獎（Prix Pictet）」，每屆皆選定一項與「永續」息息相關的主題，透過影像觸發人們對當代環境、社會問題的關注和思辨。回溯往年主題，2008年首屆以「水（Water）」為題旨，後續則關注「地球（Earth）」、「火（Fire）」、「人類（Human）」等面向，最近的2025年第11屆則聚焦「風暴（Storm）」。

有別於多數攝影獎採徵件報名制，百達攝影獎採「提名制」，由全球超過350位策展人、視覺藝術專家、評論家組成提名網絡，經提名、決選出12位入圍攝影師等階段，最終選出1名該年度大獎得主，授予10萬瑞士法朗獎金鼓勵並支持其創作。

風暴的多面性：醞釀、爆發、毀滅、再生

2025第11屆百達攝影獎以「風暴」為題，其指涉的不僅是氣象觀測中的自然現象，更延伸至一股席捲當代世界、無形卻持續重塑社會的巨大動能——從環境變遷、政局不安、經濟失衡，甚至數位時代下的集體社會焦慮，人類正處於日益動盪的時代，彷彿任何時候都將迎來下一場危機。

參展攝影師或捕捉了社會動盪之張力和影響、或紀錄了氣候災變下的流離失所，作品涵蓋社會、環境、政治等多重面向，可值得省思的是：「狼藉」之中映現的不只是毀滅和破壞，更蘊藏混亂之後轉變、重生、希望再起的可能。

百達攝影展《風暴》巡迴來台，12組作品亮點一次看

▌環境變遷下的風暴

本屆首獎得主阿爾弗雷多．賈爾（Alfredo Jaar），藉《終結》一作揭示美國猶他州大鹽湖的環境危機，這座「美國的死海」因過度開發而乾涸，被科學界警示為一觸即發的「環境核彈」。

湯姆・費希特（Tom Fecht）作品《螢光素⸺犬狼之間》聚焦於因全球暖化而瀕危的夜光生物，捕捉這些浮游生物在洶湧波浪中碰撞氧氣時，所散發出的奇幻螢光，夢幻畫面暗藏殘酷現實。

▌歷史中的風暴

瑪麗娜・卡內韋（Marina Caneve）回溯1966年重創義大利多羅米提山區的洪災，試圖勾勒出「未來災難」的輪廓，其作《是岩石還是雲？》像是一場「災前演習」。

新井卓（Takashi Arai）巡訪核歷史遺址創作《在百個太陽中燃燒》，他在日本、美國、馬紹爾群島拍攝數百張6x6釐米的銀版攝影，凝鍊出核能風暴的「微型紀念碑」。

▌政治社會風暴

貝拉勒・哈立德（Belal Khaled）的創作《手在訴說》始於他在加薩避難醫院外的帳篷生活，他拍攝了一雙雙刻滿傷痕、緊握生命的雙手，透過這些沈默的肢體語彙，講述那些言語無法極盡闡述的生存意志。

萊蒂西亞・范松（Laetitia Vançon）之作《致敖德薩》理念如其名，深深向烏克蘭城市敖德薩（Odesa）致敬。這座港口城市在俄烏戰爭期間，肩負重要的航運和戰略任務，展現了強大的韌性和反抗精神。

巴拉兹・加爾迪（Balazs Gardi）作品《風暴》紀錄了2021年美國國會大廈襲擊事件，當時美國國會正宣布2020美國總統大選結果，卻遭落選方支持者突破警方防線、闖進國會大廈。加爾迪直擊這場動亂，用鏡頭記錄了政治動盪中的風暴核心。

▌自然風暴

羅伯托・瓦爾卡亞（Roberto Huarcaya）與風暴「合作」，利用長達30公尺的感光紙，於亞馬遜河床藉4道閃電的瞬間曝光，捕捉大自然中棕櫚靜臥的壯麗魅影。

漢娜・莫迪（Hannah Modigh）的《颶風季》聚焦於美國路易斯安那州南部的日常，捕捉了那股風暴懸而未發的緊張感，以及潛藏在平靜表象下的不安、恐懼與集體憤怒。

卡米爾・西曼（Camille Seaman）記錄了震撼人心的「超大胞（Supercell）」雷暴，這類風暴能產生葡萄柚大小的冰雹與壯觀龍捲風，厚重雲層足以遮蔽天日，留下令人窒息的詭譎靜寂。

▌風暴後的溫情和希望

帕特里齊亞・澤拉諾（Patrizia Zelano）記錄她在2019年威尼斯大洪水期間，從水災中搶救出的百科全書、科學文獻與經典文學，試圖在洪水中保存人類文明的溫度。

博杜安・穆安達（Baudouin Mouanda）的作品則回溯2020年COVID-19疫情期間，剛果布拉柴維爾（Brazzaville）遭遇的洪災浩劫，並與災難倖存者展開共創計畫。

歷經倫敦V&A博物館、杜拜Ishara藝術基金會、東京東京都寫真美術館、蘇黎世Luma Westbau等地巡迴，百達攝影獎「風暴」主題決選作品正式抵達台北關渡美術館，即日起至6月14日，不妨到現場感受影像作品中風暴之震撼，及這些隨自然週期、人類行為、社會動盪而生的變動，是如何影響世界各地人們的日常生活。

《百達攝影獎：風暴》

展期｜2026.04.16－06.14

地點｜國立臺北藝術大學 關渡美術館（臺北市北投區學園路一號）

開放時間｜週二至週日 10:00－17:00

門票資訊｜免費參觀

由徠卡相機籌辦的國際攝影大賽「徠卡奧斯卡巴納克攝影獎」，現正以特展形式於品牌旗下畫廊邀大眾鑑賞2025年得獎作品。即日起至2026年6月22日不妨擇日親臨台北徠卡之家，透過主獎、新人獎兩系列影像開啟關於邊界政治與個人記憶的深度對話。

身為承載超過150年歷史、坐擁全球120餘家專賣店的頂級相機和運動光學產品公司，徠卡相機（Leica Camera）亦致力推動影像文化發展，不僅在世界各地營運共30家徠卡畫廊，更設有徠卡學院，以及徠卡名人堂獎（Leica Hall of Fame Award）、徠卡奧斯卡巴納克獎（Leica Oskar Barnack Award，簡稱LOBA）等國際性攝影獎項。

異地創作者共揭紀實攝影力量，黑白、彩色系列各顯內在期待

2025徠卡奧斯卡巴納克攝影獎「主獎」和「新人獎」得主於去年10月出爐，品牌隨後規劃得獎作品巡迴全球徠卡畫廊；其中，台北站已於2026年3月底拉開序幕，預定展出至6月22日。全展旨在藉由兩組分別出自攝影師Alejandro Cegarra和Serghei Duve之手、極富張力的故事切片，揭示當代紀實攝影力量，同時重申影像如何緊密連結個人記憶與全球脈動。

憑《兩道高牆》奪主獎的委內瑞拉攝影師Alejandro Cegarra，見長於本身具備的鏡頭敏銳度和作品流露的深沉人文關懷；挾《明亮的記憶》拿下新人獎的德國攝影師Serghei Duve，則試圖用影像捕捉充滿懷舊感和分裂性的日常生活，傳達近似俄語「светлая память（明亮的記憶）」一詞所蘊含的情感。表面上看來大相逕庭的主題，卻都在探索內心深層期待。下以生平和創作背景介紹，搭配逾20件亮點作品，帶你認識兩位值得矚目的攝影新銳。

主獎｜Alejandro Cegarra《兩道高牆（The Two Walls）》

亞歷杭德羅西加拉（Alejandro Cegarra）1989年出生於委內瑞拉、2017年起定居墨西哥。2012年即開始從事新聞攝影工作，曾任職委內瑞拉最大報紙之一的《最新新聞報（Últimas Noticias）》。至今榮獲諸如2014年徠卡奧斯卡巴納克新人獎、2017年蓋蒂編輯攝影獎（Getty Images Editorial Photography Grant）、2019和2024年世界新聞攝影比賽（World Press Photo）長期項目全球獎等重量級獎項肯定，足見他耕耘紀實攝影領域10數年的傑出表現。

▼ LOBA 2025「主獎」得獎布告

最新攝影系列《兩道高牆（The Two Walls）》描繪墨西哥從一個曾經歡迎移民、願為尋求庇護者提供避難之所的國家，轉為美國反移民政策的支持者。現有鐵絲圍籬與邊界設施的建構已達新境界，「使那些最需要保護的人陷入難以想像的掙扎之中，被一道同時具備實體、心理與行政層面的屏障阻擋在外。這道屏障成為分離的紀念碑，關閉了曾經承諾庇護的大門。」Alejandro Cegarra解釋。

因此，近年來，Alejandro Cegarra帶著相機一路陪伴墨西哥和美國邊境地區的男女老少移民、尋求庇護者，及其背後流離失所的整個家庭，用鏡頭沮喪地見證權力政治與弱勢群體所面對困境之間的斷裂。他跟隨他們每日艱辛跋涉、和他們一同在臨時營地等待，且在墨西哥邊境官員突襲攔截那些歷經數千公里危險旅程後滯留交界地帶、不知何去何從的大篷車時，與之並肩作戰——危險乘坐載貨列車「The Beast」寄望前往美國的移民，多年來已有數百人因從車上墜落而喪生或重傷；列車北上途中停靠各城市時，販毒集團、組織犯罪與腐敗官員甚會趁機掠奪。

「所有你能想像的所有情感，都交織在這些人充滿敵意的旅程中。」——Alejandro Cegarra

無數生存悲劇發生在公眾視線外，但盡收攝影師傾心擷取的畫框中。Alejandro Cegarra目睹極端恐懼、痛苦、絕望與不信任，也看見希望、期待與愛，遂以影像語言成功轉化移民挑戰為動人的具體敘事，除透過黑白畫面撕開殘酷現實，更為那些映現同理、尊嚴與美等普世情感的溫柔片刻留下空間。

新人獎｜Serghei Duve《明亮的記憶（Bright Memory）》

謝爾蓋杜夫（Serghei Duve）1999年出生於摩爾多瓦首都基希訥烏（Chișinău, Moldova），1歲時隨父母舉家遷居德國，10歲生日時收到一台相機，從此對攝影產生濃厚興趣，並自2021年起就讀漢諾威應用科學與藝術大學（Hochschule Hannover），鑽研視覺新聞和紀實攝影。他經由鏡頭探問家庭與故土的連結，以及個人如何在隔離狀態中尋找記憶。創作內容主要探索日常生活與政治環境間存在的張力，同時照見自身家族與聶斯特河沿岸（Transnistria）地區的深厚情感；該地從1990-1992年間發生軍事衝突、脫離摩爾多瓦以來，未被任何其他國家或國際組織承認為主權國家，卻擁有自己的政府、貨幣、行政制度和約莫37.5萬居民。

▼ LOBA 2025「新人獎」得獎布告

此次得獎作品《明亮的記憶（Bright Memory）》正源自他對上述歷史脈絡的探索和對私人生活的記錄，最終演變成對身分、根源與政治複雜關係的敘事影像。畫面呈現對當前局勢抱持不同觀點的家庭成員彼此碰撞：誰信任國際媒體？誰受俄羅斯媒體影響？又該是誰的資訊最具說服力？原本親密的家族關係，如今更多地被國家地位和烏克蘭戰爭相關討論所牽動——當中講述的故事並非顯而易見，乍看或許只是幾幀日常的相遇和生活片段，細究才發現對話始終圍繞未來和歸屬感的問題，時而具體如服兵役與否，抑或近在咫尺的戰爭對個人的影響。

這些靜謐影像逐漸延展成一份關於歷史時刻的紀錄，「當我記錄我的家庭時，最初只是想講述我們家庭的故事，」Duve表示，「但後來我發現，其他家庭也有著相似的經驗與感受。」他保留矛盾的真相，無論拍攝肖像或靜物，都將當下現實與懷舊、憂傷的情緒並置——既存續記憶的溫度，亦包藏樹立自我立場時的掙扎。

「我嘗試報道個人事務，但同時也試圖引起人們對更廣泛問題的關注。」——Serghei Duve

迎來創立50週年的徠卡畫廊，早已不限於單純的展覽空間。持以「影像能夠觸動人心、改變視野」的信念，跨越邊界，彙聚不同文化、不同世代的故事，為想像和對話敞開大門，禮讚觀看的藝術與攝影的力量——真正的攝影藝術經得起時間考驗，而觀看本身，更是無需翻譯的通用語言。

2025 LOBA徠卡奧斯卡巴納克攝影獎得獎作品特展

• 時間：即日起至2026年6月22日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。