本文選自La Vie雜誌2020/11月號《街拍人間》

採訪約在東區的老牌咖啡廳，自然要來點咖啡朝聖一下，不料伍佰點了一杯冰法式牛奶，老闆娘連忙提醒這杯飲料不含咖啡，他索性把menu一闔，「就是這個了。」

8月中，伍佰拿到了一台徠卡新相機，在前去滑冰的路上，有位女生擦肩而過，他快門一按，回去一看，就是這個了。

「可能是她吸引我吧？她如果是帥哥我就不會拍，哈哈哈。」他停了一下，「我覺得並不是說想要什麼就可以拍到什麼，你要有敏銳度，但敏銳度是好奇心嗎？也不是欸⋯⋯是那個渴望吧，我覺得驅使人一直往前走的，就是渴望。」他說音樂是在追求無法言喻的語意，透過音符讓渴望獲得宣洩與滿足，攝影則是用另一種方法填滿心中的空缺，「所謂攝影技術，我並不是很好，但是對於渴望，來了我就會抓住，球來了我就會接。」

要談街拍，先不要拘泥在拍

他不諱言自己不是專業攝影師，「我有工作啊，我是唱歌的。」說完自己也笑了出來，縱橫華語樂壇30年，伍佰是歌手哪還需要介紹？攝影師的身分倒可以爬梳一下，2003年他從朋友借來一台菲林相機，拍下北海道雪景，底片的神祕感令他興奮，從此正式面對拍照這件事。前兩本攝影書《伍佰‧風景》、《伍佰‧故事》，拍下途經城市異地的生活，之後的《伍佰‧台北》、《在城市的時間裡輕輕滴淌而下》將場景拉回台北，巨大如高架橋，微觀如上班族的腳，他將攝影比喻為「我是街上的遊魂，而你是聞到我的人」，用一台相機或手機，隨時抓住在街上擦肩而過的渴望。

伍佰的攝影常被大眾認定為街拍，他倒有不同回應，「我們如果太拘泥在『拍』這件事情，那就只有對了一半。」他說街拍是面對自己的過程，因為對某個地方有興趣，所以想去那裡走走，拍照只是他的藉口，但有時又會因為拍照，提起他想去哪裡看看的興趣，「街」和「拍」其實互為目的與藉口。因此重點不是拍照，而是要看到吸引自己的東西，知道自己喜歡在何時何地按下快門，一次又一次整理思緒，知道心裡嚮往的地方長什麼樣子。「過程中會有很多不是為了拍照而拍下的底片，因為那個感動抓到了我，與其說我抓到了那抹陽光，倒不如說我抓到了我心裡那股溫暖。」

完美的街，就沒那麼有意思了

初入攝影的伍佰就跟一般人一樣，看盡攝影書想臨摹大師，為了一個畫面，在街角等上1、2個小時。在日本、香港都拍過上班族的他，有一次想拍台北上班族，「大家都跟我說要去南京東路拍，我真的是透早就去等，結果半個鳥都沒有，哈哈，台灣上班族不是成群結隊進出的。」他也曾看好一面牆，覺得取景很好，等了好幾個小時只拍2、3張，可是最後他都不喜歡。

「風格是最重要的，你寧可缺少什麼，那個缺少的什麼，就是你的風格。」風格聽來縹緲，但卻是從扎實的量體而來，「拍照要有量，寫歌也要有量，你出了兩張專輯，然後再也沒有了，這是不夠的，一直唱下去要有量，靠這些量來塑造你的狀態、構成一個風格。所以我拍很多很多，別人都是拿1卷、2卷（底片）去洗，我是10卷、20卷。」大量拍，再靠事後回看照片，整理出最貼近自己的風格，這個功夫不會比拍照當下輕鬆，「比如說這張是平的、這張是歪的，我就會選擇歪的，因為歪可以代表我當時的心情，那個平的就是我當時拍歪了，我把它拉平再拍一次。」

以前的伍佰拍照有點潔癖，很在意地平線有沒有平、畫面有沒有穩，拍久了卻沒那麼在乎，照片常有曝光過度或不足、失焦，又或者人被砍半或頭被切掉的構圖，「當我發現我拍的不是我看到的東西，而是我心裡的東西，理解這個事情的時候，就不會在乎它是直或歪。」他認為不要故意去找自己的幽默，那反而俗氣，也不需要每件事情都完美地呈現，「完美呈現也是一種風格沒錯，但對於『街』這件事情，就沒那麼有趣了。所謂街，其實就是那個瞬間。」

他談起最近看的一本攝影集，從封面到內頁都很厲害，「但整本看完我只有吃到牛肉湯，沒有吃到牛肉。」風格固然重要，但不能空有風格，「我想拍出伍佰流，那什麼是伍佰流？我也在找，至少要讓人家看到這是有東西在裡面的。」所以他看書、查歷史，不斷充實內涵，才能對拍照更有意識，「比方說拍艋舺，這裡的歷史你從頭到尾都知道，你在拍的時候就會有好多故事和幻想，那個肉就會出來。」每到一個地方，只要他有興趣，就會先做好功課再上街拍，但沒做功課他也會拍，那就是俗稱的旅遊照，娛樂有何不可。幾個月前他回到家鄉嘉義，拍了農田裡的布袋戲，沒有當成創作，只因為他在這裡長大，那個感動勾起他拍下這些照片。

街拍就該自由，哪來那麼多限制？

伍佰街拍，本身就是一件很衝突的事，但也因為上街拍照，讓他擁有一般人的生活，「我沒有一直把自己當成明星在路上走，當人一直圍過來，我才會發現我是明星。」他多數的台北街拍作品，都是在車上拍的，總是特別留意高速公路，「我都覺得它是軟的，車子咻—很快就過去，但它其實是很硬梆梆、很巨大的東西，我很想把它拍起來，很想好好看它到底是怎麼一回事。」11月推出的第五本攝影書《伍佰‧滑雪場》，場景雖然不在街，但有一張他在餐廳裡，看著窗外小孩滑雪板，突然故意「仆街」趴在雪上休息，過一陣子又來一個小孩，再來一個大人，紛紛仆在雪上，這個「三連仆雪」伍佰可看樂了，拍下這一瞬間，隨興幽默的感覺，就有幾分街拍韻味。

所以街拍的場景有侷限嗎？喜歡開車拍還是走路拍？手機和相機、黑白和彩色又有什麼差別？伍佰乾脆一起回答，「街拍就應該很自由，一直在講可以怎樣不可以怎樣，街拍就不成立了，乾脆說是人物肖像、路上紀實好了，街拍就是free，你要躺著拍、坐輪椅的時候拍，都可以，因為拍照帶給自己的樂趣，這是最重要的。」他笑說自己的表弟也愛拍照，但怎麼拍都很好笑，「後來我一張一張問他，噢，原來他的想法是這樣子，我看到這些照片就會想到他，他的風格就是亂七八糟，但有他在關心的事情，他拍得很開心就好，反正又沒有要報名什麼獎。」

街拍是絕對的自由，攝影和音樂在伍佰的創作裡，也各自有自由的生命，「我不喜歡我的照片跟音樂扯上關係，有一次在演唱會裡放我拍的照片，後來我覺得不對，太不對了。我講不出來為什麼，我就覺得不要動我照片的主意，可能是我的照片被限制住了，或者我的歌被限制住了。」但他不介意大家衝著名氣來看他的照片，「我要做伍佰的明星商品而已，伍、佰、流，就是這樣子，我希望我可以一直把我的照片給很多人看到，他們因為我是伍佰才來看，OK，他們因為看不起伍佰，想要拿來笑一笑，也可以，無所謂。」

不禁好奇如果沒有伍佰的明星光環與包袱，他會想怎麼街拍？「那就是我沒有工作囉？我如果不是伍佰，我就會是伍佰的歌迷，然後去找工作。」這個問題根本就不存在，伍佰就是伍佰，伍佰的攝影是伍佰，伍佰拍的城市街景人群全都是伍佰。

伍佰

華語樂壇最知名的搖滾歌手，吉他手，詞曲創作人，音樂製作人，演員，攝影家。1990年出道，發行28張個人專輯。2007年首次發行個人攝影書《伍佰‧風景》，至今共有《伍佰‧故事》、《伍佰‧台北》、《在城市的時間裡輕輕滴淌而下》、《伍佰‧滑雪場》等5本攝影書。2009年首度於Epson Imaging Gallery 舉行攝影個展，其後攝影個展有《More Earth》、《橋飛雪》、《其實不遙遠》。

文｜張以潔　

圖片提供｜伍佰

完整內容以及欲知更多伍佰流攝影哲學，請見La Vie 2020/11月號《街拍人間》

巴黎龐畢度藝術中心即將閉館5年整修，德國藝術家Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》作為落幕之作，即日起至2025年至9月22日進駐中心內公共資訊圖書館，以其標誌性策展概念「自剖」近40年創作歷程，展示多樣化藝術實踐。同時，展覽合作夥伴Celine首度與中心攜手推出在特定日期向公眾免費開放的「Accès Libre par Celine」計畫，邀你7月3日、8月28日及9月22日共赴這場毫（萬）無（般）準備之旅。

巴黎龐畢度藝術中心（Centre Pompidou）由已故英國建築大師Richard Rogers、普立茲克建築獎得主Renzo Piano設計的原始建築，即將於2025年至2030年閉館改造，並在此前請來了德國藝術家Wolfgang Tillmans呈獻意義非凡的最後一舞。龐畢度中心3館之一的公共資訊圖書館（BPI）2樓、總面積達6,000平方公尺的空間，於是全面交到這位當代影像藝術家手中，憑他的原創性構想開辦個展：圍繞圖書館兼備的「建築」和「知識傳播場所」雙重身分展開創作與對話，打造能與作品相互呼應並激發思考的沉浸式空間。

Wolfgang Tillmans近年陸續進駐多個全球頂級藝術機構舉辦重要回顧展，如2017年於倫敦泰德現代藝術館（Tate Modern）、2022年於紐約現代藝術博物館（MoMA）；2018至2022年間更在非洲進行了一場名為《Fragile》的大型巡迴展，作品足跡遍及金夏沙、奈洛比、約翰尼斯堡、阿迪斯阿貝巴、雅溫德、阿克拉、阿比讓、拉哥斯等城市。

此次睽違20餘年回訪巴黎機構級別場館，展覽題名《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備（RIEN NE NOUS Y PRÉPARAIT - TOUT NOUS Y PRÉPARAIT）》，由法國國立現代藝術博物館（龐畢度中心3館之二）主任策展人Florian Ebner，偕Olga Frydryszak-Rétat、Matthias Pfaller兩位助理策展人共同規劃。全區展品橫跨Wolfgang Tillmans將近40年創作歷程，一步步將觀者「誘入」他以多樣化藝術構築的迷人之境。以下分3大關鍵字簡析其作品脈絡，並穿插帶來編輯精選的25張影像。

#01 自剖

轉化空間結構，突出展品意涵

此次展覽揭示了Wolfgang Tillmans攝影作品的一個橫切「面」，呈現順序依循的是空間結構，而非「線」性時間。展出內容融合錄像、音樂、聲音作品，以及龐大的印刷品收藏和個人物品。Wolfgang Tillmans巧妙利用圖書館本身的基礎設施，突出其創作與此一知識多元共存場所之間的相似性，更勝以往地體現了藝術家對空間的直接介入——這是他自1990年代中期以來的策展標誌：一方面轉化現有結構，一方面發明出全新展示形式，藉此構造出一個包羅萬象的裝置場所，重新定義攝影展覽的可能性。

#02 尋根

捕捉物質世界的脆弱不安，以自有審美語言追探人文主義

1968年出生於德國雷姆沙伊德的Wolfgang Tillmans，在其藝術生涯中不斷挑戰可見性邊界，捕捉物質世界既脆弱迷人、又令人不安的瞬間。他也進行無相機攝影，致敬將被淘汰的感光材料所擁有的純粹性或不純粹性。從早期對天文現象的觀察，到對1990年代次文化的記錄，再至如今融合錄像和音樂等多元創作，Wolfgang Tillmans形塑出自成一體的審美語言；而這種緊貼時代的探索，不僅推動他不斷追探人文主義與共存的當代表達形式，亦對當代藝術以外的領域產生深遠影響。

#03 反思

今昔之作並呈——我們對此毫（萬）無（般）準備

通過將早期檔案與最新創作並呈於展覽中，Wolfgang Tillmans回應了自1989年以来持續主導全球局勢的辯證狀態：那些曾經艱難爭取來的社會進步與自由，如今再次面臨質疑。展覽標題「我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備」作為藝術家自身多年來珍視的一種表達，可被理解為對我們對時間、現實，以及如何塑造現實，這般複雜感知的反思。

集藝術家文本與訪談，《Tillmans Reader》同步發行

《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》為Wolfgang Tillmans自2002年在東京宮（Palais de Tokyo）進行大型裝置後，睽違23年於巴黎機構級別場館的首個個展。展覽將配套發行圖錄，以及匯集藝術家多篇文本與訪談內容的擴展版《Tillmans Reader》法文出版物。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

2025大阪世博於4月13日～10月13日登場，為期半年的展期，無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念，但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下，該怎麼克服？面對各個場館，又要如何找到自己的獨特視角？這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材，不藏私分享拍攝經驗與技巧！

若問2025大阪世博是否「好拍」？答案為是，但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首，到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA，再到隈研吾、平田晃久、Foster + Partners、Lina Ghotmeh等一線建築師，每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多，天氣亦不可控，實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定，會場不得攜帶大型行李（以600mm×400mm×900mm為限），且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多，舉凡場館、表演、世博大景等等，白天與夜晚亦有不同景致，因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下，設備的選擇就得非常精準。

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身，其具備雙卡槽、高畫素等特點，能給予專業攝影師穩定支援；加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能，亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用：16-25mm的廣角鏡頭，可以同時容納展館和人潮，呈現世博各場館的氣勢與張力；中長焦選擇70-200mm，能壓縮景物作為畫面的前景或點綴；而針對現場的多變狀況，40mm的定焦鏡機動性高，且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體，成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前，先觀察建築特性

來到世博，每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察，本屆世博許多場館色系都偏白、灰，甚至選用鏡面材質，這類顏色與材質的建築會反映天空色調，善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面，彷彿建築與天空融合在一起，就算遇到陰雨，也能在不同的天空顏色映照下，形成晴天拍不出的氛圍。他也補充，這張照片拍攝於傍晚，快門非常慢，此時相機的防手震功能就很重要。

而在拍攝「韓國館」時，為呈現外牆上裸視3D的震撼效果，他選用16-25mm的廣角鏡頭，且蹲在地上拍攝，運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

在展館拍攝上，蔡耀徴也建議，「視線不要只放在單一場館，可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例，他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下，可以反射出旁邊的「西班牙館」，因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內，展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡，他解釋，介於廣角與中長焦之間的40mm焦距，很適合在有限的室內空間裡發揮，且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利，使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說，拍攝「瑞士館」展覽時，裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

場館裡面可不只有展覽，在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞，各國家館也會不時在戶外空間展演，成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作，蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時，就在台上眾多舞者中，快速對焦到主角。

巧妙運用人潮與前景，創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館，來到這個5年一度的國際展會，勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說，世博現場免不了人群眾多，若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景，建議在會場尋找制高點，並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

蔡耀徴也強調，不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢，善加利用反而能為畫面加分。其中，讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀，與黑色人群剪影形成對比，以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」，除了單純拍攝其木構之美，蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物，讓大屋根通透的木頭結構成為前景，造就獨特視角。

夜晚拍攝要注意什麼？

最後不可錯過的是夜晚，開放到晚上10點的世博，幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光，且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說，拍攝夜景時，機身的對焦需要精準，且拉高ISO後畫面品質也要維持水準；加上夜拍經常需要透過後製調整，因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察，就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態，以照片的形式定格留存。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴}