本文選自La Vie雜誌2020/11月號《街拍人間》

街拍說起來容易，還是有幾個可掌握的操作技巧，讓拍攝更順利。擅長各類影像拍攝、色彩風格濃郁的攝影師林科呈，提供4個自己的攝影心法，並推薦色彩獨特的底片相機拍攝供大家參考。

保持最佳距離

紐約街拍攝影師布魯斯吉爾登（Bruce Gilden）擅長近距離、鏡頭貼近路人拍攝、拍完就走，不打招呼或徵求對方同意，故意捕捉被攝者被嚇到的驚恐表情，這種帶有侵略性、粗暴的攝影方式，現代攝影師就算想模仿也很難，基於禮貌大家還是習慣與被攝者保持拍攝距離，一來不會打擾對方，二來也能捕捉最自然的生活畫面。林科呈喜歡使用定焦鏡，全片幅相機搭配85mm定焦鏡頭拍攝，大約和被攝者距離10∼20公尺的距離，是他認為最適當的觀察角度：「我不喜歡用變焦鏡，變焦反而會讓我猶豫要用哪個焦段，多拍幾張，往往好畫面就消失了。」

通常大家旅遊時習慣使用廣角鏡，能一次捕捉到更多風景，林科呈卻選擇冷門的85mm、有他自己獨特的取景技巧：「我喜歡聚焦有主題，這個焦段捕捉到的畫面有限，卻能讓主題更突顯，尤其在台灣街頭取景，有時候看到好的主題，旁邊的干擾和複雜的物件太多，這個焦段，能夠避免雜亂入鏡。」

拍路人的禮貌

有「人」的街拍畫面，會讓整個照片更有張力，卻也最難，現代人對相機警戒心高，察覺到鏡頭會刻意迴避，會擔心自己的照片，被挪用在不好的用途上，如何有禮貌、不會讓被攝者不舒服地拍攝？林科呈回憶，到泰國旅行時曾經給自己一個功課：到街頭拍攝100個人，拍完後還必須和對方交談，取得拍攝許可，最好能把照片再寄回給被攝者，這麼做最大的好處是，旅行後能認識更多朋友。

相機模式設定

很多相機會針對街拍需求，而有特殊設定模式，最知名的是森山大道早期作品，多使用RICOH GR系列相機拍攝，它輕薄好攜帶的輕巧機身、內建不需要半按快門對焦、自動測距測焦的Snap模式，在街上抓拍的速度可以更快更精準（不會迷焦）。但每個攝影師都有自己慣用的設定值，不見得會依賴相機模式，以林科呈為例，他不會刻意調整相機的拍攝模式，習慣使用光圈先決，拍攝時只要稍微改變光圈數值，「機器設定愈簡單愈好，因為我要把注意力放在構圖上。」

他也發現，除了長鏡頭是比較沒有攻擊性的遠距離街拍外，近幾年新相機的翻轉螢幕對街拍也非常有利，相較於看著觀景窗，低頭從翻轉螢幕構圖，降低被攝者防禦心，取景姿態類似薇薇安邁爾（Vivian Maier）使用的雙眼腰平相機，除了像過去攝影師把相機藏在衣服裡，利用新科技優勢創造獨特的街拍取景，也是可以善加利用的功能。

「手機的景深不如單眼相機，平面的圖面思考反而重要，如果是用手機拍攝，我會選擇大片對比色，就能拍出有主題的畫面。」他也建議可以試試手機的高倍數位變焦，「雖然畫質會變差，但有些畫面就是要變焦拉近構圖才好看，可以試著把它當作一幅圖，去做後製修飾，反而會有不同的味道。」至於濾鏡，他喜歡使用SnapSeed App裡的效果，如果只調整色調，喜歡濃郁色彩的他，則推薦iPhone內建的「增豔」效果，「調出來的色調很自然，不會讓飽和度過頭。」只要微調參數就能提升照片氛圍。

練習捕捉光影的技巧

很多街拍攝影師喜歡使用光影明暗創造不同的構圖趣味，「尤其是下午兩三點，光線45度斜射的時候最好看。」林科呈則非常推薦使用黑白濾鏡練習拍照，強迫自己檢視畫面中的光線，「我在修圖時常遇到不錯的照片，轉成黑白卻完全不吸引人，仔細觀察才會發現，是因為光影不對，如果直接用黑白色階拍攝，就能馬上發現這個問題。」陳婉寧也說：「黑白照片比彩色更難處理，不容易把主題拍得好，尤其光線不明顯的狀況下，有些細節會消失，而讓照片失去重點。」無論哪一種拍攝類型、使用哪一種拍攝工具，說穿了都需要多練習，即使手機就能記錄生活，但想拍得好，還是得熟練後才能發展出屬於自己的風格與視角。

欲追蹤攝影師精彩作品，可至林科呈Instagram

文｜詹筱苹　

圖片提供｜林科呈

完整內容以及欲知更多拍攝幕後，請見La Vie2020年11月號《街拍人間》

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）