你是否曾想像，在身體中植入機械，人機融合並化身為賽博格的自己？當代藝術展《未來的生命，未來的你─數位、機器與賽博格》將自9月9日起於忠泰美術館登場，邀請沈伯丞擔任策展人，匯集15組國外內藝術家與團體，由反思擁有肉身的「人類」存在與本質，進一步探問「生命為何」，思考人與科技共構的未來生命情境與議題。 

《未來的生命，未來的你─數位、機器與賽博格》展覽介紹

當人工智慧和機械穿戴手臂不再只存在於科幻電影中，而是融入我們日常生活時，科技正在改變我們的生活方式，並逐漸影響生命的本質和演變。當生命不再受限於人體的生理形態時，我們該如何重新思考未來的生命和生活呢？

忠泰美術館邀請到策展人沈伯丞，推出展覽《未來的生命，未來的你─數位、機器與賽博格》，以藝術的視角探討科技如何介入我們的生活和生命，並提出一個問題：除了生物學上的六大分類，是否還存在一個新的「科技界」？

沈伯丞表示：「這個展覽想要探討的不僅是科技本身，更關心的是在新科技情境下，生命的新樣態以及與之相關的人文思考和美學關懷。」這次展覽匯集了來自國內外的15組藝術家和團隊，透過三個子題「流動的生命與身體」、「數位裡的你與數位的它」、「機器、人與賽博格」，引領觀眾深入思考新生命和新生活情境所帶來的問題、想像和思考。

「流動的生命與身體」 ：當科技鬆動了生命與身體定義

科技的快速發展使得自然演化過程受到演算和邏輯的控制。科技改變了我們對生命和身體的看法，並使得人與動物、有機體與無機體、現實與虛擬之間的界線變得模糊。

英國藝術家傑克．艾維斯（Jake Elwes）的作品〈Zizi動起來：深偽變裝烏托邦〉以深偽技術演算出變裝皇后的虛擬形象，在螢幕中不斷轉換身體和角色。這個系列由倫敦的變裝表演者們的影像所製成，探討酷兒社群如何運用深度偽造技術，提出了一種另類酷兒烏托邦的想像。

台灣藝術家蘇匯宇的多頻道錄像作品〈The White Waters〉以「後人類」的敘事重新詮釋經典傳說《白蛇傳》，作品聚焦在洪水、死亡、暴力、性、疾病、後人類和融合等主題，並透過影像中人和蛇的身體流動，來解構生物界的邊界，重新探討了情慾、生命、道德和認同的觀念。

「數位裡的你與數位的它」： 演算法環境中人類與生命的形象

藝術團隊「陽春麵研究舍」陳姿尹和莊向峰，這次展出互動裝置作品〈Inter net – Labeling me〉，展示了手機中被 AI 分類為藝術家陳姿尹「自己」的照片，下方附有透過亞馬遜土耳其機器人發包所獲得的「標註」。另一個牆面則展示了藝術家的 Google 搜尋記錄，包括了多年來從煩惱、對政治情勢的焦慮、尋找小吃店等痕跡，彷彿是累積了多年的無意識自我人格側寫。

藝術家陳乂的作品〈風場〉模擬風的自然效應，引發觀者對於自然和人工之間關係的反思。這件作品透過收集風量、風向和風的聲音資訊，使用 AI 演算法生成數據模型，然後將這些模型應用到機械發光體上，以燈光呈現出類似自然風吹拂的效果。這種方式突顯了人類對於自然的模仿和再現，以及科技如何改變了我們與自然之間的互動。

德國藝術家馬丁．貝克斯（Martin Backes）的擴增實境作品〈我知道什麼？我只是個機器？！〉讓觀眾透過平板，在空間中與機器人互動並進行對話，引發了有關機器身份和情感是否可能的問題，以及在數位世界中新生命型態的出現。

「機器、人與賽博格」： 人與科技重新共構的生命情境    

在展覽最後，「機器、人與賽博格」以一系列作品突顯了機器與人類之間日益密切的互動，以及賽博格化身體和身份的不斷演變。西班牙藝術家穆恩．里巴斯的作品〈在蒙塞拉特山等待地震〉展示她將地震傳感器植入體內，使自己能夠感知地震的強度和節奏；這樣的感知能力讓她的身體成為一個與地球的互動媒介，並讓地球在她的舞蹈表演中掌控著節奏和強度，讓觀者反思人類和地球之間的關係。

日本東京大學的「自在肢計畫團隊」開發了穿戴式機器人模組〈自在肢〉，允許使用者自由改變其穿戴肢的形式，並與其他穿戴者進行社交互動。這種系統使人們能夠共享和交換機械手臂，進一步突顯了人機整合科技在社交場合中的潛在應用，以及身體、技術和社會之間相互影響的問題。

《未來的生命，未來的你─數位、機器與賽博格》

展覽期間｜2023 年 9 月 9 日至 2024 年 1 月 28 日

展覽地點｜忠泰美術館、忠泰企業大廳（臺北市大安區市民大道三段178號）

開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）

參觀資訊｜全票100元、優待票80元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）

週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀

資料提供｜忠泰美術館

文字整理｜Lucinda Chen

曾經，天空是人們難以企及的遼闊，發明家窮其所有只為解鎖心中對藍天的好奇和渴望，實現對自由的追求；可如今，跨國旅行不再稀奇，天空純粹的白藍布幔背後，更隱藏著一片由科技監控、網路傳輸設備交織的資訊之網，影響著地面上你我的日常。

北師美術館現正展出「亂流：半睡飛行夢」特展，內容圍繞著「天空、飛行、航空、機場」等主題和意象發展。展館化身機場航廈，邀集來自南韓、香港與台灣的9位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化；並特別委託4件作品，共織一段可能遭遇「亂流」的未知旅程。

美術館化身機場，反思「飛行」的意義

「亂流：半睡飛行夢」由新生代策展團隊Nn̄g Project（張文豪、黃羿瑄、黃銘樂）策劃，策展緣起於一句英文諺語：“The Sky’s the Limit.”（無可限量、一切皆有可能），象徵人類對天空無盡的想像與追求自由、進步的渴望。然而策展團隊反轉這句樂觀口號為：“The Limit’s the Skies.”（極限就是天空），並提出疑問：「在全球流動成為日常的此刻，我們是否仍能以不同視角凝望同一片天空？」當下的天空除了天氣變化，更佈滿各國科技監控與網路傳輸設備——那張蔓延於空中資訊之網，如何影響著地面上的我們？

展覽除了天空本身，也延伸到帶領人們踏上飛天之旅的場域——「機場」。機場是我們熟悉卻鮮少凝視的移動空間，既是不同區域交匯的運輸節點，乘載著無數旅客情感記憶的往返、貨物的流通，也是許多法律與管理程序的執行地。本展4件委託製作都圍繞著「流動」主軸，展出不同敘事。

「飛行」與情感狀態和消費文化間的關係

展覽以台灣藝術家張庭甄的《祝福是不幸的尾巴》系列作品作為開端，其中作品〈出發——抵達〉如機場的航班顯示器，可上頭部不停滾動的不是航班資訊，而是虛構的太空垃圾起降時間；另結合聲音裝置和虛擬報刊〈月界日報〉，創造一個類機場的平行時空。本作靈感源自於藝術家生日收到的一段非洲黑人歌唱影片，這促使他反思情感狀態與消費文化之間交互牽引所衍生出的複雜關係。

香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》結合飛機窗景與多頻道動畫，從第一人稱視角重現飛機窗外的流動景象，並將飛行過程中個人的情感流動加以視覺化，動畫中時而速寫場景、時而色彩斑斕的抽象畫面，模糊了外在現實與內在情緒的界線。

香港藝術家徐皓霖的錄像《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。

走到二樓展場底端，一座既像是許願池又像塔台風向儀的雕塑，是藝術家曾彥翔打造的空間裝置《Wet Edge of A Circle》，錯落的圓形與多邊形的立體結構，隱然呼應著機場內的人造物造型，延續藝術家對自然與人造空間的探索，於靜態中持續延展「流動」，創造觀者與空間的相遇。

林彥翔的新作《來自塔的預言》取材自東京駐村經驗，從機場附近的老舊塔基座為開端，牽涉到過往成田機場的抗爭歷史，在虛實交錯的影像中進行時間、飛行、權力與抵抗的複雜辯證，並參雜著與內在情感的絮語。

從飛行到落地，在地社群與數位網絡的成形與抵抗

南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安v2.0》重現其自行架設的網站destroy.com，在現今被社群平台演算法所主宰的社群網絡中另闢蹊徑，讓網站使用者可匿名上傳、訂閱與觀看被過濾刪選的影片。裝置結構參考蘇聯建築師塔特林「第三國際紀念塔」的螺旋結構，並搭配1986年美國「挑戰者號」太空梭爆炸的影像，將冷戰時期開始的科技競賽歷史，與當代網路資訊爆炸的情境並置。

在香港過著「半農半x」生活的藝術家勞麗麗，在錄像作品《飛行備忘》中以候鳥與田野影像，描繪飛行與落地間的反覆協商，尋找生活與情感的棲所。

李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則彷彿旅程中的隨筆紀錄，取材於手機截圖、拾得紙張與廣告片段，在畫面上呈現出既具象又抽離的漫遊時空。

台灣藝術家羅懿君的作品融合經濟作物甘蔗、農業工具與當代健身設備，《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機——紫電號》涉及經濟作物背後資源爭奪的國際角力，因應時代需求成為對空作戰的重要原料之一，展現物質與飛行之間的能量交換，以及國際局勢的恐怖平衡。

「亂流：半睡飛行夢」邀請觀眾仰望天空，在半夢半醒之際，啟程進入亂流的灰色地帶、重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。

《亂流：半睡飛行夢》

The Limit is the Turbulent Skies

展期｜2025.08.29－11.02

地點｜北師美術館（台北市大安區和平東路二段134號）

在長達20年的統治期間，儘管最終命運被斷送，但法國皇后瑪麗·安東妮（Marie-Antoinette）其獨特鮮明的個人風格，徹底革新了18世紀的時尚與設計界。華麗粉彩色禮服、高聳假髮，到璀璨珠寶和鍍金家具，奢華優雅風格為皇室氣派賦予全新定義。如今，倫敦 V&A 博物館（Victoria and Albert Museum, V&A）將在9月20日至2026年3月22日，推出《瑪麗·安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。

250件展品看見18世紀宮廷時尚與延伸

瑪麗·安東妮的一生雖短暫，然而其時尚精神卻渲染了好幾個世紀，時至今日依舊是人們津津樂道的話題與靈感，像是已逝設計師亞歷山大．麥昆（Alexander McQueen）的服裝設計，到電影導演蘇菲亞．柯波拉（Sofia Coppola）執導的《凡爾賽拜金女》，無數藝術家都為她所著迷。

《瑪麗·安東妮風格》展覽是英國首度以這位法國皇后為主題的大型展覽，將追溯其風格起源，並探討她如何成為時尚偶像，以及在 18 世紀末所塑造的美學如何影響後世超過 250 年的設計、時尚、影視與裝飾藝術。

展覽預計展出超過 250 件珍貴文物，包含瑪麗・安東妮親自擁有及穿戴的稀有物品，如絲質拖鞋、私人珠寶收藏，以及她生前最後寫下的手札，其中有些更是首次離開凡爾賽宮及法國的珍稀展品。

四大主題，從皇后到時尚傳奇的美學探索

《瑪麗·安東妮風格》依照年份分為四大主題，第一主題「瑪麗．安東妮的風格起源」（Marie Antoinette: The Origins of a Style）將呈現瑪麗・安東妮的生平，展出傢俱、珠寶、服飾、樂器，並揭示她作為王后在啟蒙思想、母職與新科技上的影響。同時也探討「沒麵包吃，那就給他們吃蛋糕」等流傳至今的迷思；展品包括Boehmer and Bassenge鑽石項鍊複製品、皇后專屬字母刺繡扶手椅，以及她在行刑前於祈禱書空白頁上留下的最後字條。

第二部分「瑪麗．安東妮的永恆紀念：一個風格崇拜的誕生」（Marie Antoinette Memorialised: The Birth of a Style Cult）則聚焦其在19世紀掀起的時尚熱潮。19 世紀中葉，在拿破崙三世皇后歐仁妮推動下，掀起大眾對瑪麗・安東妮的浪漫化再詮釋，這一時期，人們將她視為優雅、自由與悲劇的象徵，她的生活被小說、繪畫與戲劇重新演繹，逐漸轉化為藝術與文化的靈感來源。將展出Worth設計的華麗晚禮服，以及攝影師Atget的巴黎影像，展示其形象如何被浪漫化，並衍生出「法式復興風格」在歐美流行。

第三部分「瑪麗·安東妮的魅惑與幻象」（Marie Antoinette: Enchantment and Illusion），聚焦19世紀後期其形象進入奇幻與神話化階段，象徵逃避現實與美感。展出新藝術與裝飾藝術時期的晚禮服，以及 Erté、George Barbier、Edmund Dulac的插畫。

第四部分：「再造的瑪麗・安東妮風格」（Marie Antoinette Re-Styled） 則描述她如何影響當代時尚與流行文化，包括 Moschino、Dior、Chanel、Vivienne Westwood、Valentino 的高級訂製服作品；以及獲得奧斯卡獎肯定，由導演蘇菲亞・柯波拉執導的《凡爾賽拜金女》，電影裡由 Manolo Blahnik 親自操刀設計的戲服與鞋履。

此外，還包括攝影師Tim Walker 與 Robert Polidori 的奇幻攝影作品，以及 Beth Katleman、Victor Glemaud 等當代藝術家的再詮釋，體現瑪麗・安東妮如何持續啟發跨領域創作。

對於本次時尚大展，策展人Sarah Grant表示：「瑪麗．安東妮是歷史上最時尚、備受關注且充滿爭議的皇后，她的名字同時代表著極度奢靡，也象徵著無與倫比的美麗物件與室內設計。本次展覽將探索她的個人風格與核心人物，藉由一系列專屬她的精緻物品，以及受其遺產啟發而創作的華美藝術品與裝飾品。」

重現香水氣味，展開跨時空沉浸式體驗

展覽不僅是靜態展示，也將透過沉浸式舞台設計、多感官體驗再現宮廷氛圍。觀眾可在展廳中聞到根據皇后最愛香氣重現的香水，或近距離觀察她生活日常的小物，從而貼近她的個人世界。當然，紀念品也是不容錯過的部分，目前已可在V&A官網購買查看。

《瑪麗·安東妮風格》（Marie Antoinette Style）
展期：2025 年 9 月 20 日 – 2026 年 3 月 22 日
地點：V&A 博物館南肯辛頓館，第 38、39 展廳
更多資訊可至官網查詢