2023基隆潮藝術於09/28-10/15亮相，以《海光介面》為主題，邀請來自台灣、日本、墨西哥、巴西等國的藝術家打造10件裝置藝術作品，點亮正濱漁港的夜晚，從不同視角回扣「介面」概念，詮釋基隆與海洋的關聯，引發觀眾思考在波光粼粼的介面上與下之間，人們與海洋系統的交互關係。

介面之上與介面之下

凝視海平面的時候，我們究竟在看什麼？看似平靜無波的海平面，底下卻有著豐富的生態，生物彼此間的互動持續發生。基隆潮藝術至今將邁入第8年，以地景裝置豐富海岸線，透過藝術重新喚起在地認同，今年基隆潮藝術以《海光介面》為題，由清大曾鈺涓老師、亞東科大蔡致偉老師共同策展，講述波光粼粼的海平面上下，分別是完全不同的生活系統，而人們在享受海面美景的同時，也能關懷、感知介面下的世界。 

2023基隆潮藝術《海光介面》亮點作品

✧〈界〉

去年作為城市博覽會展區之一的「漁會正濱大樓」前身為「水產館」，曾是漁民們停泊生活的主要空間；而今，同樣的建築、不變的牆面，在過往與現在、海底與岸上、人與生態之間，靜靜地承載。藝術家成若涵認為，「介面」可以是任何形狀，而漁會正濱大樓的牆面遺跡，就是在動與靜、陸地與海洋、過去與現在、抽象與具象間的想像。

藝術家蒐集了許多少見的海底生物，象徵著漁船的海上生活與海底世界的神秘，並裝置於這個「介面」上。她也分享，早上時牆面會有陽光灑上變化的光影，傍晚時天色漸暗，鑲嵌著燈光的作品和夜空中的星星相互輝映，就像在魔幻的海底世界悠遊般。

✧〈現代海洋野生生物〉

〈現代海洋野生生物〉以親近幽默的漫畫方式呈現海洋的生物逐漸被垃圾侵蝕，對由人類污染引起的海洋環境惡化發出警示。曾參與日本瀨戶內海藝術祭、生長於巴西的日裔藝術家大岩奧斯卡提到，在海洋中的主要5個環流系統中間，是許多微塑膠片聚集的「垃圾帶」，而本次他所創作的裝置作品，就是希望以教育性的方式展現海洋垃圾問題。

✧〈深海對話〉

〈深海對話〉是鋼雕藝術家曾煜譡的作品，外型展示一座巨大的深海潛水夫頭盔，當參觀者走進作品中，就像從深海潛水員的視角，探索海洋景觀、生態多樣性與污染問題。日落之後，頭盔內便會亮起海浪般的波紋投影，透過不同的海洋場景，也幫助大家更了解生態系的脆弱，促進共同守護海洋的永續未來。

✧〈介隙之光〉

隱身在阿根納造船廠之間的〈介隙之光〉由台南「禹禹藝術工作室」打造，展期間每日晚間六點起，每半小時就會有一次聲光秀演出。創作團隊認為，在多雨又臨海的基隆，水以不同的姿態介入了人們的日常之中，而在水的介面上下兩端，光是唯一可同時存在的能量。〈介隙之光〉以延伸的線條陣列成放射狀，展現出光的姿態；邊界散出的點點亮光與霧氣，遊走在光的介面，成為傳遞的載體，串連起這座城市中生命的各種樣態。

 ✧〈流〉

走經和平橋，就可以看到藝術家李奇鴻創作的〈流〉隨海風飄揚。和平橋不只連接和平島與台灣本島，在海洋文化的發展脈絡下，更同時具備串接異質文化、沉積界面之意義。〈流〉從四百多年前居住於在和平島上的平埔巴賽族憶起，一一刻畫不同曾經存在於島上的民族與政權，包含原住民族、荷西時期、明鄭時代、清領時期、大日本帝國、台灣民主國等，以其圖騰串連成橋樑。

海光市集

日期｜10/7-10/10

時間｜15:30-19:30

地點｜舊正濱派出所西邊廣場

於國慶連假期間，基隆潮藝術將於正濱漁港舉辦一場結合海洋文創與海味美食的「海光市集」，邀請大家在走逛藝術季、欣賞作品之餘，也一起參與這場充滿海洋氛圍的盛會。

海光浮游 水上乘船導覽

活動場次｜9/29、10/7、10/8、10/9 15:00-17:00

集合地點｜正濱漁會大樓正門口

報名連結｜https://www.beclass.com/

每場次限定25位的「海光浮游」乘船導覽活動，由專業講師全程導覽解說作品，將從漁會正濱大樓出發，一路走往彩色屋方向並於碼頭處乘船，在基隆港內、和平島周圍海域航行，帶領參觀者跟著海光一同浮游，欣賞基隆在地的大小故事。

每日限量集章活動

沿著正濱漁港邊漫步欣賞作品的同時，別忘了翻到展覽手冊的封底參加集章活動！每個作品旁，都可以找到相對應的圖章，集滿10個圖章即可兌換限量主視覺拖鞋乙雙。

2023基隆潮藝術《海光介面》

展覽日期｜2023年9月28日至10月15日

開放時間｜週一至週四 10:00-20:30、週五至週日 10:00-21:30

官方網站｜https://www.keelungciao.tw/theme_intro/2023-keelung-ciao/

資料提供｜基隆市文化局、原物創意

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}