相較於前屆台北雙年展《你我不住在同一星球上》的星球尺度，這次「小世界」卻把議題微縮成為「小」。本屆2023台北雙年展共同策展人周安曼說明，「大」與「小」概念之間並非單純二元劃分。在一個大的世界網絡中，每個人、每個群體自成一個小世界，而藝術的美正是為彼此間搭上橋樑。此外，這次La Vie也在文末為大家介紹3位亮點藝術家！

「小」是為了要去抵禦、避免一個「大」的理論敘事，「這次不想讓大家去閱讀深奧的概念與文字，而是用情感很直白地傳達出來。」周安曼說明她不以論述取向的方式策展，更喜歡與團隊共同發展關心的議題。她找上藝術期刊《e-flux》編輯Brian Kuan Wood，也透過他認識了黎巴嫩貝魯特藝術中心（Beirut Art Center）總監Reem Shadid，3位共同策展人的背景與專長大不相同，為這次雙年展注入許多新元素。要說明「小世界」的概念，周安曼舉了例子：在異地遇到朋友，人們常會說世界怎麼那麼小！「這是一個很矛盾的感覺——我們在說世界很小的同時， 其實是在感嘆世界如此大。」小與大的概念互為對極，卻又不可能單獨存在，這種弔詭的緊繃關係（tension）存在這次雙年展之中。

空間與情感尺度上的游移

要談論小，空間尺度變化自然最直觀，例如一 進展場迴廊，中國藝術家王衛以傳統小馬賽克磁磚拼成16公尺牆面的壁畫〈鏡子〉，或 〈2B205〉中賴志盛小的幅度介入美術館的邊緣空間。此外，前3年肆虐的COVID疫情促使人們生活在狹小的室內，引起對空間的反思，追求身體感知、感性表現的展演一時風靡，「這屆主軸一開始便是以疫情中學到什麼為出發點，當世界突然停止時，你突然會注意到平常庸碌生活中，看不到、感受不到的事。」許多藝術家受此啟發，例如陳敬元於巴黎駐村的隔離期間發現螢幕成為對外的唯一管道，於是 2021～2022年的幾幅繪畫刻意突顯新聞照片中不起眼的細節，並反思科技對人的宰制。

COVID-19的衝擊也放大了生死議題，「其實我們日常都在經歷生老病死的過程——人的形體消失、記憶的消失、語言的消失——平常較少人願意討論這些事情，好像一揭開就隨之而來一種難以承受的痛。」不只是患病者與年邁長者正面對自身形體、關聯記憶的逐漸消逝，與社會處境的弱化，其照顧者（caretaker）同樣陷入身心理重壓與工作、家庭的兩難。台灣藝術家楊季涓便以手捏陶作，將自己面臨家庭成員生死的細膩情感與真實夢魘具現化為風鈴裝置， 輕碰的聲響既是矛盾、衝突的狀態，也成為種抒發。同樣地，長期旅居德國的藝術家Natascha Sadr Haghighian現地創作的聲響裝置 〈心.坎〉（Watershed）也回過頭看向照顧者，無論是看護或是身心耗損的家庭成員，苦痛往往隱而不宣。「在我們汲汲營營要去抵抗所謂大的資本體系時，其實更該關注身邊的親密關係，甚至回到自己身上。」付出同時也該照顧自己，這種情感尺度上的游移也是《小世界》所想傳達的。

音樂的律動激盪共感

在〈心.坎〉中，Natascha精選1990年代華語音樂，讓參觀者沉浸在跨越世代的朦朧懷舊氛圍。聲音，尤其音樂是這次《小世界》一個重要的表達方式。周安曼表示幾乎所有人都聽音樂，「聲音的感知是最直覺的，聽到音樂的律動人會有自然的感受與反應，那不需要由別人去教，門檻非常低。」音樂具有傳達普世性感受的潛能，於是這次《小世界》 有意識與音樂人或音樂背景的創作者合作，希望消解這道隔閡。

這次地下樓E展覽室就是以音樂為主軸規劃，特別打造一個「Music Room」邀請3組音樂人策劃3場音樂主題的實驗與表演計畫，包括來自美國洛杉磯／日本的dj sniff、印尼的Julian Abraham“ Togar”與Wok the Rock，以及台南聲音藝術團體「聽說」。其中首波由dj sniff 推出「前DJ」，於今年12月10日～16日 舉行開放工作室，邀請海內外3位唱盤藝術家與他現 場演出。周安曼相信音樂對人們在日常受限的身體與感官是種解放，並能引起彼此間的共感，「我們不只希望營造現場的感受，也希望觀眾能意會到表演音樂背後是藏有非常多層次的知識與哲思。」

小世界各自獨立又相互交織

若攤開參展名單，會發現《小世界》不強調藝術家的國籍，只註記活動城市。周安曼說明這是抵抗立即的標籤，國族的界線實際上是不斷在移動與流動，「身分的定義已經非常模糊了，你不能只因為他在哪裡出生，就直接評斷一個藝術家。」譬如藝術家劉艾真、葉致甫、歐宗翰等都是美籍台裔二代，這次的參展別具意義，作為創作者，不再只透過家庭與血統定義跟台灣的關係，而是以另一方式發展更深厚的聯繫。「這不是抗拒，而是自己走回家的感覺，這個家有點陌生、有點遙遠，卻又很親切。」

英國藝術家Pio Abad在蘭嶼田野調查時曬得皮膚黝黑，找到 了家的感覺，他是菲律賓北部巴丹島Ivatan族人，祖輩甚至留有達悟族人送的船，這次陶土雕塑〈詩，第九十七首〉反映Ivatan與達悟南島語系文化的連結，也呈現一種荒謬——他繞一大圈從菲律賓、倫敦、台灣到蘭嶼，現在家和語言的距離如此相近，可他無法輕易穿越國界。在《小世界》中是空間、情感、國族、區域政治等概念在尺度上的游移，「我們沒有以此區分展區，反而讓它們不斷重複、交錯，每件作品同時可由多面向討論。」在更巨大的網絡下，不同文化、 種族或語言的群體互為小世界，我們可以堅定自己的獨特立 場，儘管台灣是座小島、儘管資源相對匱乏，但我們有蘊藏自己的無畏力量，可以向世界展現。

3 位亮點藝術家推薦！

➊ Natascha Sadr Haghighian ｜德黑蘭－柏林

 我們都要好好照顧自己 

或許可以形容Natascha Sadr Haghighian特立獨行，她在2019 年後就終止與商業畫廊的合作代理，而將自己實踐成為一個「微經濟體」。她抗拒被集體、被體制收編與定義，我們無法在線上找到她的完整簡歷資訊，甚至反覆比對才能依稀發現她的伊朗背景。她早期的藝術計畫「bioswop.net」是個線上簡歷交換平台，甚至允許文化工作者用來變造自己簡歷的元素。2019年威尼斯雙年展德國館《在廢墟中倖存》（Ankersentrum）中，她以聲音為核心創作大型裝置，並戴上石頭面具以假身分「Natascha Süder Happelmann」表演，這是在回應她的名字在過去30年如何被官方機構和自動更正系統拼寫錯誤的荒謬。

她關注世界上各種機構與結構的暴力如何被組織和延續，並經常以集體創作進行藝術的抵抗敘事。這次在北美館地下樓中庭花園現地製作的多聲道雕塑裝置〈心.坎〉則是向照顧者致意。這源自她曾經面對母親失智症的經驗，照顧過程中她發現不只是長者的生命與社會處境 在慢慢地消逝、弱化，人們大多不會注意到照顧者自身的能量也被吞噬。扶養年邁的父母或患病家人造成照顧者心理的沉重壓力，是這時代的普同經驗。在台灣田野調查時，她對壓克力鹿雕塑與掛滿的聖誕燈泡深感興趣，於是採購大量小燈泡與現成動物塑像，進行拆解並模糊動物原本的形體。她採用1990～2000年代華語圈流行歌曲，並進一步與電影創作者暨音樂人洪子健合作以電音合成器改變聲音表現， 成為元素序列。其中也有以華語、粵語、 英文、台語重新填詞的歌曲互相交織，象徵母語的消失與世代溝通的隔閡。這是一座「反紀念碑」，不在留下紀念，而是呈現在照護議題的負擔下，個人如何被社會印象模糊成為抽象概念的殘酷現況。

藝術家介紹＿Natascha Sadr Haghighian

一位以多重身分而聞名的藝術家。作品類型涵括裝置藝術、表演、文字和聲音等領域，主要研究政治、商業和工業等複雜結構之間的互動關係，以及它們如何形塑日常生活的作用。她的雙頻道錄像投影裝置〈Empire of the Senseless Part II〉（2006）獲紐約現代藝術博物館 （MoMA）永久收藏；代表參加2019年威尼斯雙年展德國館。

➋ Nesrine Khodr ｜貝魯特

 一切崩解後遺留下什麼？

自2018年起，Nesrine Khodr將黎巴嫩貝魯特一間廢棄建築工程辦公室改造為工作室，數十年來塵土與鹽、水分侵蝕了空間，屋中磁磚擠壓變形、混凝土牆面剝離、玻璃碎落一地，陳年包裝紙材中是1960年代的城市規劃與地形圖。這些碎片殘骸都成為6組《分解雕塑》系列的素材。「《分解雕塑》是個慢慢在同一地點成形的計畫，雖然中間有段時間我不在工作室，但大部分時間我都獨自一人在這私密空間中追隨內心受激發的情感。」她分享這次創作計畫在黎巴嫩2019年財政崩潰的動盪前夕就展開了，期間2020年發生駭人的貝魯特爆炸事故，近期鄰近黎巴嫩的加薩走廊與以色列又爆發戰爭，似乎在探問：這一切崩解是如何隨時間發生的？又將遺留下什麼？「即使一個人不一定會直接以藝術回應當下情境，但隨時間推移，這些大背景會滲入人心， 以某種形式在他的作品中反映出來。」

2006年Nesrine曾在用起重機將2.7公噸的80歲老松樹，隨樹根與土壤懸掛在工地旁的花園中，作為短暫裝置作品，「這也在尋求功能失調、崩潰和脆弱、暴力和權力等概念，但尺度不同。恰好在 2006年以色列對黎巴嫩的大規模戰爭前夕展出。 經濟和政治意願似乎總是在黎巴嫩出現的大多數作品中找到一條出路。」錄像和電影是她更常使用的媒介，因她著迷於蒙太奇的拼組概念，「我最近都以一鏡到底的表演為創作核心，我的身體就是作品的一部分，《分解雕塑》過程中近似於此，彷彿在定下構圖之後，雕塑就成為記錄整個持續性過程的載體。」此外，《小世界》讓她聯想到碎形 （fractality）概念，更大的事物是由更多較小、自我相似的形狀所組成。這種尺度的觀察不僅在視覺上，更是在想像層面。「在這種思路下，我繼承並改造工作室，然後在後房找到了舊手繪平面圖，這些素材最終成為《分解雕塑》的基礎。」

Nesrine Khodr雕塑系列作品《分解雕塑》（2019～2023）。（圖片提供：Nesrine Khodr）

藝術家介紹＿Nesrine Khodr

視覺藝術家和電視製片人，居住並工作在黎巴嫩貝魯特。從事電影、錄像、出版和表演工作。作品探索的主題包括對位移、持續性和距離的感知，性別關係， 誘惑的力量，以及年輕世代面臨的知識和情感挑戰。 2003～2004年曾在阿姆斯特丹的Rijksakademie van Beeldende Kunsten擔任駐村藝術家。作品曾在世界各地的展覽、雙年展和電影節中展出。

➌ 賴志盛｜台北

 對空間輕盈、微小的介入 

〈2B205〉的作品命名很直觀，就是指臺北市立美術館的2樓B205展間。這是一個複合式走廊展出空間，同時設置配備緊急出口、配電箱、公共廁所、飲水機等等美術館設施。若以策展角度來說，它限制很多，不僅空間配置紛雜，就像不經粉飾的劇院後台，更因為就在大型貨物升降梯口前，要等到所有藝術家完成進場他才能動作，給予他很大的挑戰。賴志盛笑著分享，他當初直接跟策展團隊說，「這樣好了，藝術家都不要的空間，你給我好了！」賴志盛本身就擅長以各種介入建築空間的手法，巧妙地重新配置人與周遭環境的關係。影響空間不必然要用複雜的方式，「小」本身是他的一種手法，如今（2023）年在香港馬凌畫廊《It's a quiet thing》個展的〈我在空間裡放了一隻蚊子〉與〈豌豆公主〉、2022年台北當代藝術博覽會展格中〈臨時〉的地毯微微隆起。這次〈2B205〉他也以極小幅度的改動，突顯出空間中受忽略的層面。例如，公共廁所前原有一道半透明的遮掩牆幕，他這次直接掀開阻礙，讓展間與廁所互通。一般策展或是空間規劃都會要求空間要平整，並要遮蔽設施與畸零，可他認為這反而會把人對空間的原始感受都屏蔽掉了。他認為空間不見得一定要是乾淨、素白的才可以做作品，「原本故意不讓它出現的東西，我這次就讓它們平等地出現在這 個展場。」另外，他在展牆掛上小吃店或廁所牆上常見的左右搖擺壁掛電 扇，它們本身具有維持通風、乾燥的機能。他覺得將這些日常的使用情境帶回這個展間會是很輕鬆、舒適的參觀體驗，「我一直以來的興趣，就是如何讓我的創作跟現場達成一個比較不一樣的連結。」

藝術家介紹＿賴志盛

居住於台北。在空間或風景中進行細膩的干預性藝術實踐，創作以裝置及雕塑等多種媒介探索張力、日常生活及個人經驗。頻繁於全球舉辦展覽， 曾於觀察社，廣州（2018）、誠品畫廊，台北（2015）等機構舉辦個展，曾參加愛知三年展（2016）、里昂雙年展（2015)、OCAT當代藝術中心，深圳（2014）及海沃美術館，倫敦（2012）等機構的大型展覽。攝影◎賴志盛

共同策展人＿周安曼

周安曼從事策展工作，目前定居香港及台北。2015～2019年，擔任香港Para Site藝術空間首位教育與公眾計畫策展人。近期與許多機構合作研究計畫也從事許多出版物的編輯工作，並在藝術期刊及展覽專輯發表文章。她是第58屆卡內基國際展（Carnegie International，2022）的策展委員成員之一，並擔任香港參加第59屆威尼斯雙年展 《徐世琪:懸浮，香港在威尼斯》（2022）的客座策展人。

2023第13屆台北雙年展《小世界》

展期｜2023.11.18-2024.03.24

地點｜臺北市立美術館

文｜吳哲夫

圖片提供｜臺北市立美術館、各單位

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）

氣溫微降的11月到來，若不想只是窩在家中發懶，就跟著我們的腳步，一起走進北中南展覽活動現場，展開藝文探索之旅！

基隆｜We Are Me－我（們）到此一遊

展期：2025.10.30～2026.2.1
地點：基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」，首度以策展人身份策劃《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》。本展邀集英國、法國、日本、泰國、台灣等10位當代藝術家的經典舊作與全新委託創作，透過28組作品的多重視角切入展覽主題。

展覽試圖回應當代最迫切的問題：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？「我」與「我們」的界線，究竟如何被生成、被消解？當「WE」置於鏡面之上，反射出的既是「ME」，又是無數被轉譯的身份與場景：觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。當你走進展場，你不僅是觀者，更將成為作品的一部分。

值得一提的是，本展主視覺由設計師聶永真操刀，畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——他們注視的是藝術，還是經由藝術映射出的自己？

台北｜2025 C-LAB 聲響藝術節：DIVERSONICS

時間：2025.10.23～11.30
地點：臺灣當代文化實驗場

由C-LAB臺灣聲響實驗室策劃的C-LAB聲響藝術節，以當代音樂聲響創製為主軸，並結合展演、裝置、國際論壇、講座、工作坊、大師班等多樣化活動，打造跨世代、跨感官的聲音藝術盛會。

本屆藝術節規劃6大單元：當代大師／經典、當代新聲、躍舞樂音、MR新聲境、聲響裝置展演與校際單元，邀集來自德國、法國、美國、阿根廷、盧森堡、日本、韓國、越南等國家的聲音創作與演出者來臺分享作品，其中近7成為新創或重製作品，展現出聲響藝術的前瞻性與多元面貌。

更多資訊可至官網查詢

台北｜劉星佑個展《纏耽？還愚？》

展期：2025.11.1～11.31
地點：尊彩藝術中心 一樓展館（台北市內湖區瑞光路 366 號）

2024年，藝術家劉星佑以作品《地址不再有效》榮獲京都國際攝影節「KG＋ SELECT」大獎；隔年4月，更受邀成為該攝影節首位參展的台灣藝術家。《地址不再有效》為劉星佑於2022年依據戶籍資料展開的返鄉行動。「住所不明」這一看似自尋煩惱的結論，實則揭示了他在地方與性別認同間的探索。2024年，他順應父親宿願，造訪金門與大膽島，在雙口海灘以中國製迷彩玩具擺拍，構築出台灣獨有的「住所不明」。

京都國際攝影節首位台灣攝影師！劉星佑為父母拍攝「再婚照」：以家庭為鏡，映射近代台灣社會圖像

今年，他因駐村首次來到熊本，廣袤的草原與火山地景，使他重新思考影像與自然、技術之間的距離。當影像從數位轉化為紙本，反而在失誤、遺忘與偶然中，捕捉創作最真實的片刻。「纏耽」（tîng-tânn）源自台語，意指卡住、出錯；「還愚」則為佛家語，象徵回歸初心與自知的狀態。展覽以此為主軸，叩問創作的方法與心境，也回望與雙親共同創作的歷程。

此次在台灣的首場個展，除延續獲獎系列脈絡，也首度在台公開〈住所不明〉立體裝置。另外，熊本駐村期間的新作，也將於個展首度發表。

台北｜台北雙年展「地平線上的低吟」

展期：2025.11.1～2026.3.29
地點：臺北市立美術館             

本屆台北雙年展由柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長Sam Bardaouil與Till Fellrath共同策展，邀集來自全球37個城市、72位藝術家參與，約150件作品中，包含34件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力——那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性——那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動也能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展概念源自三件看似平凡、卻富有象徵性的物件。它們未以實體現身於展場，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻。侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿奉獻於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，記錄一位自盡的年輕人在信仰與絕望之間的掙扎，反映出一個世代於信念與幻滅間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，則象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，承載失落、傳承與歸屬的意象。這些文學和電影文本也是對「思慕」的不同詮釋，並在場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，單車則隱喻追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館！72位藝術家共譜「思慕」意義，映現世界各處的渴望與失落

台北｜2025 Camping Asia

時間：2025.11.10～11.21
地點：臺北表演藝術中心

由北藝中心、法國國家舞蹈中心與香奈兒品牌共同合作的第三屆的Camping Asia將於11月10日至21日，在臺北表演藝術中心展開。本屆活動除了為新生代創作者打造為期12天的沉浸式營隊，也開放了多場讓一般觀眾也能參與的活動，包含論壇、影展，以及藝術家帶領的大堂課。而工作坊與學校馬拉松則集結跨域講師與學員，展現未來的表演藝術能量，並開放部分名額供北藝中心會員參加。

每週五上午舉行的大堂課，是所有學員共同參與的通識課程，今年特別於11月14日下午14:00–15:30開放公眾參與，並由布拉瑞揚舞團帶領。11月16日進行兩場重量級的論壇：上午場《我們的身體・時代的律動》、中午場《舞動未來：給下個十年的舞蹈宣言》，均為免費報名參加。

而首次於Camping Asia登場的舞蹈影展， 11月11日至16日將在北藝中心太陽廳東南角，連續放映多部關注舞蹈與創作議題的影片。於11月16日舉行的「學校馬拉松」，則是一場校際匯演，每所受邀院校將帶來25分鐘表演。今年更開放部分名額給北藝中心付費會員參與，觀眾將能欣賞到各院所從系所展演到新作的嘗試。

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台中｜綠美圖試營運

時間：2025.10.28～11.16
地點：台中綠美圖（台中市西屯區中科路2201號）

全台首座結合市立美術館與市立圖書館的臺中綠美圖於10月28日至11月16日展開為期3週的試營運，期間也推出一系列活動，為12月13日正式開館預作準備。其中，「打開，我們的美術館」系列活動，由策展人林昆穎策劃，邀集3組創作者以綠美圖為靈感，發展新作品，並規劃涵蓋視覺藝術、表演藝術、文學與教育推廣的跨域展演活動，讓建築空間成為藝術對話的平臺。

同步開展的典藏教育展「庫房裡的光」，以結合互動體驗的「可視性庫房」為概念延伸，揭開藝術品保存的幕後歷程。同時也舉辦國際論壇，邀集13 位國際重要機構專家，展現中美館關注方向，並共同探討文化機構的跨域合作與共融發展可能。

中市圖則推出「圖書館的閱讀新章和綠美圖的生活提案」系列活動，引領人們以嶄新的方式親近閱讀，感受文化空間的魅力。另外不可錯過，於11月7日登場的「環境與建築－SANAA專題講座」，同步開放現場轉播與線上直播。

【編輯帶逛】臺中綠美圖試營運！7大亮點看SANAA在臺建築首作：與中央公園綠意共融，開放而流動的文化森林

台中｜眾生共命：宮島達男

展期：2025.11.8-2026.5.10
地點：亞洲大學附屬現代美術館（台中市霧峰區柳豐路500號）

日本藝術家宮島達男的藝術生涯從行為藝術開始，並於1980年代末期，伴隨發光電子二極體（LED：light emitting diodes）的普及，開始大量運用LED以及積體電路數位計數器（IC [integrated circuit] digital counter）作為創作媒材而享譽國際。他於42歲時便成為威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，展覽中由2400個計數器組合而成的大型空間裝置〈幻滅｜MEGA DEATH〉，看似是由程式與電子器材搭配的冰冷組合，然而在數字的明滅閃爍裡，卻傳遞出他對於不同生命狀態的深切關懷。

「眾生共命」是宮島達男在台灣的首次美術館個展，集結了從1993年到2025年的經典作品、全新創作以及難得一見的創作計畫和行為表演的概念圖。展覽中來自不同文化及語言的數字，各自有著不同的速度、音調或顏色，就像是世上眾多個體在社群中彼此交織、共存的集體生命狀態。本展還包含了5件與台灣、霧峰及中亞聯大參與者加入的共創作品。

另外，目前宮島達男於台北「TAO ART」藝廊中，推出《無盡的生命循環》個展，展出近5年的12件重要創作，引領人們一探他以數字藝術構築出的獨特生命哲學。

日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART：集結12件重要創作，以數字藝術構築出獨特的生命哲學

台南｜福爾摩沙時代—臺灣美術百年建構

展期：2025.7.22～2026.1.4
地點：臺南市美術館2館 展覽室 E、F、H、I

今年3月啟動的「福爾摩沙時代」展，於10月25日迎來第三階段。而本期最大亮點，莫過於張大千〈廬山圖〉真跡來到府城公開展出。〈廬山圖〉不僅是張大千晚年的潑墨潑彩傑作，更是存世最大的整絹繪畫；技法精湛、氣勢磅礴。

「福爾摩沙時代」開展！展出黃土水《甘露水》、陳澄波之作等200件作品，回顧臺灣近現代美術的百年發展

而除了張大千的經典鉅作，本展也精選了反映臺南地緣特色的藝術創作，回應臺南的地緣性及豐富多元的藝術表現，包含：郭柏川記錄下府城過往地景的〈臺南運河〉、劉啟祥〈小憩〉、朱玖瑩〈安平鄉土館啟扉致詞〉、許武勇〈臺南普濟殿廟庭〉、沈哲哉〈臺南孔廟〉、曾培堯〈六道輪迴〉、金潤作〈觀音落日II〉等，帶領觀者從不同風格的藝術語彙，看見藝術家對於這片土地的情感。