相較於前屆台北雙年展《你我不住在同一星球上》的星球尺度，這次「小世界」卻把議題微縮成為「小」。本屆2023台北雙年展共同策展人周安曼說明，「大」與「小」概念之間並非單純二元劃分。在一個大的世界網絡中，每個人、每個群體自成一個小世界，而藝術的美正是為彼此間搭上橋樑。此外，這次La Vie也在文末為大家介紹3位亮點藝術家！

「小」是為了要去抵禦、避免一個「大」的理論敘事，「這次不想讓大家去閱讀深奧的概念與文字，而是用情感很直白地傳達出來。」周安曼說明她不以論述取向的方式策展，更喜歡與團隊共同發展關心的議題。她找上藝術期刊《e-flux》編輯Brian Kuan Wood，也透過他認識了黎巴嫩貝魯特藝術中心（Beirut Art Center）總監Reem Shadid，3位共同策展人的背景與專長大不相同，為這次雙年展注入許多新元素。要說明「小世界」的概念，周安曼舉了例子：在異地遇到朋友，人們常會說世界怎麼那麼小！「這是一個很矛盾的感覺——我們在說世界很小的同時， 其實是在感嘆世界如此大。」小與大的概念互為對極，卻又不可能單獨存在，這種弔詭的緊繃關係（tension）存在這次雙年展之中。

空間與情感尺度上的游移

要談論小，空間尺度變化自然最直觀，例如一 進展場迴廊，中國藝術家王衛以傳統小馬賽克磁磚拼成16公尺牆面的壁畫〈鏡子〉，或 〈2B205〉中賴志盛小的幅度介入美術館的邊緣空間。此外，前3年肆虐的COVID疫情促使人們生活在狹小的室內，引起對空間的反思，追求身體感知、感性表現的展演一時風靡，「這屆主軸一開始便是以疫情中學到什麼為出發點，當世界突然停止時，你突然會注意到平常庸碌生活中，看不到、感受不到的事。」許多藝術家受此啟發，例如陳敬元於巴黎駐村的隔離期間發現螢幕成為對外的唯一管道，於是 2021～2022年的幾幅繪畫刻意突顯新聞照片中不起眼的細節，並反思科技對人的宰制。

COVID-19的衝擊也放大了生死議題，「其實我們日常都在經歷生老病死的過程——人的形體消失、記憶的消失、語言的消失——平常較少人願意討論這些事情，好像一揭開就隨之而來一種難以承受的痛。」不只是患病者與年邁長者正面對自身形體、關聯記憶的逐漸消逝，與社會處境的弱化，其照顧者（caretaker）同樣陷入身心理重壓與工作、家庭的兩難。台灣藝術家楊季涓便以手捏陶作，將自己面臨家庭成員生死的細膩情感與真實夢魘具現化為風鈴裝置， 輕碰的聲響既是矛盾、衝突的狀態，也成為種抒發。同樣地，長期旅居德國的藝術家Natascha Sadr Haghighian現地創作的聲響裝置 〈心.坎〉（Watershed）也回過頭看向照顧者，無論是看護或是身心耗損的家庭成員，苦痛往往隱而不宣。「在我們汲汲營營要去抵抗所謂大的資本體系時，其實更該關注身邊的親密關係，甚至回到自己身上。」付出同時也該照顧自己，這種情感尺度上的游移也是《小世界》所想傳達的。

音樂的律動激盪共感

在〈心.坎〉中，Natascha精選1990年代華語音樂，讓參觀者沉浸在跨越世代的朦朧懷舊氛圍。聲音，尤其音樂是這次《小世界》一個重要的表達方式。周安曼表示幾乎所有人都聽音樂，「聲音的感知是最直覺的，聽到音樂的律動人會有自然的感受與反應，那不需要由別人去教，門檻非常低。」音樂具有傳達普世性感受的潛能，於是這次《小世界》 有意識與音樂人或音樂背景的創作者合作，希望消解這道隔閡。

這次地下樓E展覽室就是以音樂為主軸規劃，特別打造一個「Music Room」邀請3組音樂人策劃3場音樂主題的實驗與表演計畫，包括來自美國洛杉磯／日本的dj sniff、印尼的Julian Abraham“ Togar”與Wok the Rock，以及台南聲音藝術團體「聽說」。其中首波由dj sniff 推出「前DJ」，於今年12月10日～16日 舉行開放工作室，邀請海內外3位唱盤藝術家與他現 場演出。周安曼相信音樂對人們在日常受限的身體與感官是種解放，並能引起彼此間的共感，「我們不只希望營造現場的感受，也希望觀眾能意會到表演音樂背後是藏有非常多層次的知識與哲思。」

小世界各自獨立又相互交織

若攤開參展名單，會發現《小世界》不強調藝術家的國籍，只註記活動城市。周安曼說明這是抵抗立即的標籤，國族的界線實際上是不斷在移動與流動，「身分的定義已經非常模糊了，你不能只因為他在哪裡出生，就直接評斷一個藝術家。」譬如藝術家劉艾真、葉致甫、歐宗翰等都是美籍台裔二代，這次的參展別具意義，作為創作者，不再只透過家庭與血統定義跟台灣的關係，而是以另一方式發展更深厚的聯繫。「這不是抗拒，而是自己走回家的感覺，這個家有點陌生、有點遙遠，卻又很親切。」

英國藝術家Pio Abad在蘭嶼田野調查時曬得皮膚黝黑，找到 了家的感覺，他是菲律賓北部巴丹島Ivatan族人，祖輩甚至留有達悟族人送的船，這次陶土雕塑〈詩，第九十七首〉反映Ivatan與達悟南島語系文化的連結，也呈現一種荒謬——他繞一大圈從菲律賓、倫敦、台灣到蘭嶼，現在家和語言的距離如此相近，可他無法輕易穿越國界。在《小世界》中是空間、情感、國族、區域政治等概念在尺度上的游移，「我們沒有以此區分展區，反而讓它們不斷重複、交錯，每件作品同時可由多面向討論。」在更巨大的網絡下，不同文化、 種族或語言的群體互為小世界，我們可以堅定自己的獨特立 場，儘管台灣是座小島、儘管資源相對匱乏，但我們有蘊藏自己的無畏力量，可以向世界展現。

3 位亮點藝術家推薦！

➊ Natascha Sadr Haghighian ｜德黑蘭－柏林

 我們都要好好照顧自己 

或許可以形容Natascha Sadr Haghighian特立獨行，她在2019 年後就終止與商業畫廊的合作代理，而將自己實踐成為一個「微經濟體」。她抗拒被集體、被體制收編與定義，我們無法在線上找到她的完整簡歷資訊，甚至反覆比對才能依稀發現她的伊朗背景。她早期的藝術計畫「bioswop.net」是個線上簡歷交換平台，甚至允許文化工作者用來變造自己簡歷的元素。2019年威尼斯雙年展德國館《在廢墟中倖存》（Ankersentrum）中，她以聲音為核心創作大型裝置，並戴上石頭面具以假身分「Natascha Süder Happelmann」表演，這是在回應她的名字在過去30年如何被官方機構和自動更正系統拼寫錯誤的荒謬。

她關注世界上各種機構與結構的暴力如何被組織和延續，並經常以集體創作進行藝術的抵抗敘事。這次在北美館地下樓中庭花園現地製作的多聲道雕塑裝置〈心.坎〉則是向照顧者致意。這源自她曾經面對母親失智症的經驗，照顧過程中她發現不只是長者的生命與社會處境 在慢慢地消逝、弱化，人們大多不會注意到照顧者自身的能量也被吞噬。扶養年邁的父母或患病家人造成照顧者心理的沉重壓力，是這時代的普同經驗。在台灣田野調查時，她對壓克力鹿雕塑與掛滿的聖誕燈泡深感興趣，於是採購大量小燈泡與現成動物塑像，進行拆解並模糊動物原本的形體。她採用1990～2000年代華語圈流行歌曲，並進一步與電影創作者暨音樂人洪子健合作以電音合成器改變聲音表現， 成為元素序列。其中也有以華語、粵語、 英文、台語重新填詞的歌曲互相交織，象徵母語的消失與世代溝通的隔閡。這是一座「反紀念碑」，不在留下紀念，而是呈現在照護議題的負擔下，個人如何被社會印象模糊成為抽象概念的殘酷現況。

藝術家介紹＿Natascha Sadr Haghighian

一位以多重身分而聞名的藝術家。作品類型涵括裝置藝術、表演、文字和聲音等領域，主要研究政治、商業和工業等複雜結構之間的互動關係，以及它們如何形塑日常生活的作用。她的雙頻道錄像投影裝置〈Empire of the Senseless Part II〉（2006）獲紐約現代藝術博物館 （MoMA）永久收藏；代表參加2019年威尼斯雙年展德國館。

➋ Nesrine Khodr ｜貝魯特

 一切崩解後遺留下什麼？

自2018年起，Nesrine Khodr將黎巴嫩貝魯特一間廢棄建築工程辦公室改造為工作室，數十年來塵土與鹽、水分侵蝕了空間，屋中磁磚擠壓變形、混凝土牆面剝離、玻璃碎落一地，陳年包裝紙材中是1960年代的城市規劃與地形圖。這些碎片殘骸都成為6組《分解雕塑》系列的素材。「《分解雕塑》是個慢慢在同一地點成形的計畫，雖然中間有段時間我不在工作室，但大部分時間我都獨自一人在這私密空間中追隨內心受激發的情感。」她分享這次創作計畫在黎巴嫩2019年財政崩潰的動盪前夕就展開了，期間2020年發生駭人的貝魯特爆炸事故，近期鄰近黎巴嫩的加薩走廊與以色列又爆發戰爭，似乎在探問：這一切崩解是如何隨時間發生的？又將遺留下什麼？「即使一個人不一定會直接以藝術回應當下情境，但隨時間推移，這些大背景會滲入人心， 以某種形式在他的作品中反映出來。」

2006年Nesrine曾在用起重機將2.7公噸的80歲老松樹，隨樹根與土壤懸掛在工地旁的花園中，作為短暫裝置作品，「這也在尋求功能失調、崩潰和脆弱、暴力和權力等概念，但尺度不同。恰好在 2006年以色列對黎巴嫩的大規模戰爭前夕展出。 經濟和政治意願似乎總是在黎巴嫩出現的大多數作品中找到一條出路。」錄像和電影是她更常使用的媒介，因她著迷於蒙太奇的拼組概念，「我最近都以一鏡到底的表演為創作核心，我的身體就是作品的一部分，《分解雕塑》過程中近似於此，彷彿在定下構圖之後，雕塑就成為記錄整個持續性過程的載體。」此外，《小世界》讓她聯想到碎形 （fractality）概念，更大的事物是由更多較小、自我相似的形狀所組成。這種尺度的觀察不僅在視覺上，更是在想像層面。「在這種思路下，我繼承並改造工作室，然後在後房找到了舊手繪平面圖，這些素材最終成為《分解雕塑》的基礎。」

Nesrine Khodr雕塑系列作品《分解雕塑》（2019～2023）。（圖片提供：Nesrine Khodr）

藝術家介紹＿Nesrine Khodr

視覺藝術家和電視製片人，居住並工作在黎巴嫩貝魯特。從事電影、錄像、出版和表演工作。作品探索的主題包括對位移、持續性和距離的感知，性別關係， 誘惑的力量，以及年輕世代面臨的知識和情感挑戰。 2003～2004年曾在阿姆斯特丹的Rijksakademie van Beeldende Kunsten擔任駐村藝術家。作品曾在世界各地的展覽、雙年展和電影節中展出。

➌ 賴志盛｜台北

 對空間輕盈、微小的介入 

〈2B205〉的作品命名很直觀，就是指臺北市立美術館的2樓B205展間。這是一個複合式走廊展出空間，同時設置配備緊急出口、配電箱、公共廁所、飲水機等等美術館設施。若以策展角度來說，它限制很多，不僅空間配置紛雜，就像不經粉飾的劇院後台，更因為就在大型貨物升降梯口前，要等到所有藝術家完成進場他才能動作，給予他很大的挑戰。賴志盛笑著分享，他當初直接跟策展團隊說，「這樣好了，藝術家都不要的空間，你給我好了！」賴志盛本身就擅長以各種介入建築空間的手法，巧妙地重新配置人與周遭環境的關係。影響空間不必然要用複雜的方式，「小」本身是他的一種手法，如今（2023）年在香港馬凌畫廊《It's a quiet thing》個展的〈我在空間裡放了一隻蚊子〉與〈豌豆公主〉、2022年台北當代藝術博覽會展格中〈臨時〉的地毯微微隆起。這次〈2B205〉他也以極小幅度的改動，突顯出空間中受忽略的層面。例如，公共廁所前原有一道半透明的遮掩牆幕，他這次直接掀開阻礙，讓展間與廁所互通。一般策展或是空間規劃都會要求空間要平整，並要遮蔽設施與畸零，可他認為這反而會把人對空間的原始感受都屏蔽掉了。他認為空間不見得一定要是乾淨、素白的才可以做作品，「原本故意不讓它出現的東西，我這次就讓它們平等地出現在這 個展場。」另外，他在展牆掛上小吃店或廁所牆上常見的左右搖擺壁掛電 扇，它們本身具有維持通風、乾燥的機能。他覺得將這些日常的使用情境帶回這個展間會是很輕鬆、舒適的參觀體驗，「我一直以來的興趣，就是如何讓我的創作跟現場達成一個比較不一樣的連結。」

藝術家介紹＿賴志盛

居住於台北。在空間或風景中進行細膩的干預性藝術實踐，創作以裝置及雕塑等多種媒介探索張力、日常生活及個人經驗。頻繁於全球舉辦展覽， 曾於觀察社，廣州（2018）、誠品畫廊，台北（2015）等機構舉辦個展，曾參加愛知三年展（2016）、里昂雙年展（2015)、OCAT當代藝術中心，深圳（2014）及海沃美術館，倫敦（2012）等機構的大型展覽。攝影◎賴志盛

共同策展人＿周安曼

周安曼從事策展工作，目前定居香港及台北。2015～2019年，擔任香港Para Site藝術空間首位教育與公眾計畫策展人。近期與許多機構合作研究計畫也從事許多出版物的編輯工作，並在藝術期刊及展覽專輯發表文章。她是第58屆卡內基國際展（Carnegie International，2022）的策展委員成員之一，並擔任香港參加第59屆威尼斯雙年展 《徐世琪:懸浮，香港在威尼斯》（2022）的客座策展人。

2023第13屆台北雙年展《小世界》

展期｜2023.11.18-2024.03.24

地點｜臺北市立美術館

文｜吳哲夫

圖片提供｜臺北市立美術館、各單位

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

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▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

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▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

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▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
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➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
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_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》}