2023台灣創意力100以「Human Identity」為題，探討當世界逼近「科技奇點」（Technological Singularity，意指人類正在接近一個文明全面被顛覆的事件點，在此之後科技發展將完全無法預測），人類創意的特質與價值何在。有別於過往讓雜誌封面與獎盃分屬不同視覺語彙，本屆由「見本生物」盧翊軒擔任視覺統籌，聯動雜誌封面、AR互動設計、獎盃三者。奇點爆炸的視覺，在雜誌是靜態的爆炸完全體，在AR是向外輻射的動態，最終分裂為一座座獎盃出現在現實世界。

封面爆炸視覺，刺狀錐體向外擴散

視覺誕生的爆炸原點，始於雜誌封面設計。盧翊軒說，知道12月號封面視覺，也將成為頒獎典禮主視覺，同時還有線上線下宣傳應用延伸需求時，「那時候就滿確定，必須用系統性的識別設計來思考。」不同於單純做一張好看的雜誌封面或典禮海報，這個視覺要具備足夠的延伸性和延展性，以及怎麼讓看到這些設計物的人，辨別它們屬於同一件事情。他選擇以「爆炸」作為概念，「大家都說2023年是生成式AI元年，那我們就把今年比喻為奇點的爆炸。」

「爆炸從視覺上來看有個共同點，就是由中心點向外發散，但當這件事情要由我來詮釋的時候，會是什麼樣子？」做任何設計，盧翊軒都會期許能做出新的表現手法。他不諱言自己是「風格的科技決定論」，設計師們普遍使用Illustrator、Photoshop、InDesign等軟體，在工具的雷同創作邏輯下，導致作品風格有某部分類似；儘管破格換一種軟體可以突破，但他又是穩定產出的設計師，因此如何用相同工具，做出尚未被表現過的方式，抑或把已經被表現過的方式做得更極致，就是他所追求的。

 

 

 

 

 

 

 

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發想前期他與團隊Local Remote測試了各種線條、色塊等的爆炸形式，原本決定要採「人類神經元」的有機爆炸，這個結合人類與奇點爆炸的圖像高度聯結主題「Human Identity」，卻仍被推翻。「好像有點太直白了，也有一點生物科技感，但主題講的又不完全是生物科學方面。」最後他給出的視覺，是眾多像刺的錐體、向外擴散的圖像，這也是很「盧翊軒」的爆炸詮釋。通常想到爆炸，直覺會有火光或顆粒噴濺的戲劇化效果，但他偏愛洗鍊、俐落的視覺，「我的設計裡不會有太多東西，我追求的視覺，是只要把一件事講清楚。」

在現實世界中，突然出現的數位化獎盃

當爆炸的概念在封面逐漸成形，獎盃與AR也同步發展。過程中他思考：「有沒有可能這個爆炸，能作為結晶或實體化的塊狀物件？爆炸其實也是一個物件分裂為多個物件的動詞，有沒有可能在雜誌封面是靜態完全體，但在現實世界又被分散成一座座獎盃？」實體印刷雜誌若加上數位的AR，平面設計若延展到立體獎盃，就能把爆炸的表現做到更極致，讓這個視覺能從不同面向被欣賞。

以平面設計師身分被大眾認識的盧翊軒，其實是工業設計系出身，這次也繼2021年第11屆總統文化獎獎座設計後，再度繳出獎盃設計作品。「獎盃對我來說相對沒有包袱，它某種程度算是雕塑，沒有必須強烈滿足的使用需求，可以體驗最早我想做到的『工業設計中的藝術性』。」

他首先定義心中的獎盃想像，「獎盃的功能就是要放在架上的時候很突出，好像在彰顯殊榮。我希望它很有存在感，擺在家裡的時候，我不覺得要融入環境。」因此他想從眾多獎盃設計中做出區隔，許多獎盃常表現玻璃、石頭、陶瓷、木頭、壓克力等材質的自身紋理，但較少見一種很「數位感」的獎盃。因此當封面的爆炸完全體被拆解與實體化後，成為有著全然幾何、筆直線條、螢光顏色的獎座角錐，這些形體都不是自然界會出現的，像是在現實世界中突然出現一個很數位化的物件。

盧翊軒形容封面就像「大合照」，每位得獎者手中的獎盃，都是裡面的一分子。其實最初的獎盃設計，他希望「封面的物件就是獎盃」，但這個爆炸體細節太多，很快在預算上受到挑戰；於是轉而思考「讓獎盃組成封面的爆炸矩陣」，但這樣每一座獎盃就得長得不一樣，生產模具過多一樣預算碰壁。因此在現實條件下，每個獎盃都得長得一樣，「如何在只有一座獎盃的情況下，還能讓大家『有選擇』？就想到還有擺放角度可以選擇。」他在底座加了像是「不倒翁」的4個擺放角度，再加上La Vie logo位置隨機貼花，來補足獎盃的多元性。

獎盃製作他找來台科大設計研究所的學長、「COZU客主創意」創辦人施昌杞合作，因為熟捻各種材質與製程，能在盧翊軒提出設計構想後，快速給予實際執行建議。看似簡單的獎盃造型其實在製程上並不簡單，底座的4個擺放角度必須考量重心配比；而模具生產往往會有一個面較不精緻，那個面即是注膠口，通常都會選擇底座來注膠，但這次有4個擺放角度，就代表它沒有固定底座，因此在注膠口的選擇是一大難題，後期的人工拋光也必須細緻。還有要做出角錐上方的尖角也不容易，因為模具在灌膠的時候較難灌到最尖銳的頂點，通常都得再倒一些R角（圓角），但最後在製程上都找到解方克服。

AR互動設計，讓刺從雜誌封面長出

至於在AR的數位世界，最初的發想也和現在完全不同。盧翊軒提到Instagram有一個濾鏡，是在自拍時能把人臉形變成大眼扁嘴、如青蛙般的輪廓。同樣手法，他希望手機拍到雜誌封面的時候，雜誌能形變成一顆如海膽般的爆炸球體。但問題在於，喜愛俐落視覺的他，希望雜誌形變的爆炸球體能是單一顏色；如此一來，雜誌封面就只能有一個顏色，完全不能有任何圖像，「我如果提一個純色塊的雜誌封面給La Vie，應該不能接受吧（笑）。」因此他轉了個彎，從「整本雜誌形變成一個物體」改為「從雜誌長出一個物體」，讓藍粉兩色的刺，從綠底的雜誌封面凸出，而當手機鏡頭離封面愈近，刺的尖銳度就會愈劇烈，營造衝進爆炸裡、刺穿手機螢幕的體驗。

 

 

 

 

 

 

 

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不禁好奇，封面、AR、獎盃三者在設計上何者先行？「所有東西都同時思考。」盧翊軒說，視覺必須滿足幾個條件，首先爆炸的形式必須特殊，帶有科技感又充滿設計感；再來它得是一個可拆解、可實體化的集合體；還有爆炸物體的「面數」不能太多，因為AR有技術限制，如果3D物體的面數太多，在社群互動上就會占掉太多流量、難以即時互動。這才了解，最後決定的四角錐不單滿足他在設計上的美感，還兼顧了上述聯動不同載體的功能。

Human Identity：設計師身為人，給出的視覺識別

不斷希望在設計上做出突破的他，這次的突破在於用一個很小很簡單的元素，把封面、獎盃、AR串在一起。回看這段設計過程，「可能是因為我選了一個很單純的元素，所以它的延展性很強，被排列組合也不會有大方向偏差，以至於風格落在一個系統之內。」這個詮釋他坦言是事後論，「最大的轉捩點在獎盃。」他說，封面或AR在電腦裡可以很天馬行空，創造很狂、很用力、很強烈的視覺，但當設計要實際被生產出來，就會遇到預算、加工、數量等限制，「需要考量的條件變多的情況下，視覺元素就自然變簡單了。回過頭來看，是獎盃讓視覺變得俐落。」

說來有趣，本屆主題「Human Identity」原意指涉在科技浪潮下反思「人類特質」，但盧翊軒在做的事其實也是一種「Human Identity」。Identity在設計產業是個很常見的字，代表「識別」，而他正是以「人」（Human）的角度，給予2023台灣創意力100一個視覺「識別」（Identity）。目前約有一半案子在做品牌識別的他，相當在意識別被產出後還能怎麼用、被用多久，想讓自己的設計一直存活下去。雖然這次創意力100典禮僅存在一個下午的時空，但他仍希望能在參與過的人心中種下記憶點，之後都能清晰憶起：那一屆就是很多刺、像是爆炸的識別。

2023台灣創意力100主視覺暨獎盃設計

視覺統籌｜見本生物 盧翊軒 @sampleanimal

雜誌封面、AR互動設計｜Local Remote @local.remote

獎盃設計｜見本生物 盧翊軒

獎盃製作｜COZU客主創意 @cozudesign

文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵、吳哲夫

更多精彩內容請見La Vie 2023 / 12月號雜誌2023台灣創意力100《Human Identity》

說到披頭四（Beatles），你腦中最先浮現什麼畫面？許多人的答案想必是4位團員走在斑馬線上的場景，那是1969年問世的《Abbey Road》專輯封面。從這張英搖經典，到2024年爆紅的Charli XCX專輯《Brat》，用一記直球「Brat Green」單色封面對決大眾視覺，掀起全球熱潮，兩者時隔55年，卻不約而同印證了專輯封面對一張唱片的藝術表達、大眾傳播度，影響有多深刻。

創立58年，葛萊美首度頒發「最佳專輯封面獎」

肯定封面視覺之於音樂專輯的必要性，及其所象徵的文化意義，2026年第58屆葛萊美獎（Grammy Awards）將首度頒發「最佳專輯封面獎（Best Album Cover）」，表彰藝術指導（art director）在專輯製作中的貢獻，這將與「最佳唱片包裝設計獎（Best Recording Package）」相映，成為葛萊美頒獎台上最具代表性的設計美學獎項。2026葛萊美頒獎典禮將於2/1舉行，本篇帶你預習史上首屆「最佳專輯封面獎」入圍名單，帶你看懂5張封面呼應音樂詞曲的視覺巧思！

入圍專輯01｜Tyler, The Creator《CHROMAKOPIA》

藝術指導：Shaun Llewellyn & Luis "Panch" Perez

歷年專輯封面總帶濃烈色彩、極具視覺張力，饒舌界的藝術家Tyler, The Creator第8張錄音室專輯《CHROMAKOPIA》也不例外。由攝影家Luis Perez擔任藝術指導，專輯封面以濃烈的褐色調呈現，畫面中Tyler, The Creator戴上一副刻有自身面容的陶瓷面具，向掌鏡人伸出右手，彷彿在渴求著什麼。這張面具乘載多重意義：藉外在形象，向樂迷介紹這位饒舌歌手的新分身「St. Chroma」；往內層意義探，則呼應收錄詞曲中對身份認同、真實性的探討，同時隱喻名人在公眾形象、內在自我之間的掙扎。

構思封面時，Tyler, The Creator以1940年代好萊塢流行的「黑色電影（film noir）」為範本，嘗試將其陰鬱視覺、悲觀敘事、對道德及人性黑暗面的探討……種種特質，融入《CHROMAKOPIA》專輯視覺，企圖透過詭譎、甚至令人看了感到不安的畫面，迫使觀者留意畫面中的主角（也就是Tyler, The Creator本人）想表達些什麼？以此入門聆聽詞曲中暗藏的故事。

入圍專輯02｜Djo《The Crux》

藝術指導：William Wesley II

在《怪奇物語》中飾演Steve一角的Joe Keery，不只是名演員，也是才華洋溢的音樂人。2025年4月，他以藝名Djo發表《The Crux》專輯，其核心概念圍繞著「人生的十字路口」展開，全輯故事以一座虛構的旅館為背景，房客們都正處在人生的關鍵轉折點（Cruxes）或岔路口，藉此設定引出專輯所要探討的主題——人在面對改變、抉擇時，所感受到的混亂與迷茫。在這張專輯中，Joe Keery展現自身更真實、脆弱的一面，唱出孤獨、自我反省及面對社會期待的焦慮。

《The Crux》封面由設計師William Wesley II擔綱藝術指導，在洛杉磯派拉蒙影業（Paramount Pictures）片場搭景實拍，將Joe Keery想像中的「Crux旅館」帶到現實世界。相對前張專輯《Decide》的洗練視覺，Joe Keery這次想走「極繁」路數：畫面中可見大家各做各事，有人對著鏡頭打鬧、有人仰天大笑、有人靠在敞篷車上發呆，而Joe Keery本人不知為何掛在飯店2樓的窗外。失序到令人不明所以的場景，呼應《The Crux》歌曲中唱的迷茫、失落與混亂，這些站在人生岔路上的旅人們，看似聚在一地，卻各自面對著生活的混沌，彷彿暗示著：我們都只是偌大世界中，萬千紛擾下的眾多之一。

入圍專輯03｜Wet Leg《moisturizer》

藝術指導：Matt de Jong, Joshua Mobaraki & Wet Leg

來自英國的獨立搖滾樂團Wet Leg，2022年以雙人編制發表首張同名專輯《Wet Leg》，就憑新人之姿拿下葛萊美「最佳另類音樂專輯獎」，其曲風遊走於後龐克、迷幻搖滾之間，配上無厘頭又貼近生活的歌詞、夾雜歌唱與碎念般的獨特表演方式，有點俏皮、有點搞怪，又幽默得讓人會心一笑，迅速在獨立樂壇圈下一席之地。時隔3年，Wet Leg擴展為5人組，並於2025年夏天帶來全新專輯《moisturizer》，樂曲融入更多後龐克與瞪鞋元素，同時以更成熟的音樂編制，昇華初代團員的表演魅力，讓Wet Leg頑皮、張狂、怪誕的迷人風格更加銷魂。

《moisturizer》專輯封面由5位團員與平面設計師Matt de Jong、攝影師Jamie-James Medina共同構思，創造野性十足的怪誕視覺。只見主唱Teasdale如獸般四肢著地，面帶挑釁笑容；吉他手Chambers則背對鏡頭環抱自身，刻意露出尖銳美甲。盯著這畫面看，你心裡有什麼感覺？是感受到詭異的性感，或覺得有點不舒服甚至噁心？Teasdale希望兩種感受能同時闖進你的心：「將對比強烈的概念並置，一直是我們在玩的東西，這種衝突感非常有趣。」Wet Leg本就不是乖乖牌，不走尋常路，因為他們相信無論是音樂或視覺，「創作能量」就該是一種顛覆性的存在。

入圍專輯04｜Perfume Genius《Glory》

藝術指導：Cody Critcheloe & Andrew J.S.

歷經3年沈澱，Perfume Genius於2025年3月釋出新專《Glory》，他曾坦言這是一張「有毒」的專輯，詞曲中裝滿焦慮，赤裸呈現他近年生活中的失重時刻，吟唱著關於死亡、慾望、自我厭煩的憂慮。對他而言，《Glory》也像是一回自我揭露——在沈潛多年後，選擇直面混亂，將自己脆弱而私密的一面化為樂音，企圖在混沌中找到突破的窗口。

在《Glory》專輯封面中，Perfume Genius再次以「雕塑」般的姿態出現，過去他曾在《Too Bright》封面頂著希臘雕像般的精緻面容亮相；為《Set My Heart on Fire Immediately》裸上身入鏡，臉部輪廓與身體線條在黑白畫面定格下，顯得更加鮮明而鋒利，明明鏡頭拍的是真人，卻讓觀者有種盯著蠟像看的錯覺。

話說回《Glory》，這次Perfume Genius倒臥在鄉間木屋的地毯上，雙腿歪斜、衣衫不整、身上還纏著延長線，詭譎畫面讓人看了心裡發毛，不禁好奇到底發生什麼事？對此他答：「這像是電影中的一幀定格畫面，我看起來像生病了、也像在跳舞……它可以被解讀成任何狀態。」也許可以把它想成一張不小心用手機截到的圖，因為隨機，所以令人摸不著頭緒。因隨機而生的混亂，正是Perfume Genius所求：「我喜歡它呈現出來的樣子，真誠而私密，夾雜著荒謬、戲劇性與表演性。」正如《Glory》歌詞、旋律、節拍與唱腔交織出的一切。

入圍專輯05｜Bad Bunny《Debí Tirar Más Fotos》

藝術指導：Benito Antonio Martinez Ocasio aka Bad Bunny

來自波多黎各的饒舌歌手Bad Bunny，2025年初透過專輯《Debí Tirar Más Fotos》，表達濃烈的家鄉愛。專輯以西班牙文中的「我應該多拍點照片」為名，表達對流逝生活的感慨和反思；曲目則藉深植波多黎各文化的雷鬼凍（Reguetón）曲風，交織奔放的拉丁舞曲節奏，提醒人們在忙碌生活中，停下腳步捕捉轉瞬即逝的回憶，別讓未來徒留遺憾。

由Bad Bunny親自操刀的專輯封面，是今年「最佳專輯封面獎」入圍名單中，唯一不見人影的作品。洋溢熱帶氣息的香蕉樹，捕捉了波多黎各的自然氣息，前年Bad Bunny回鄉度過夏天與秋季，在聖胡安（San Juan）連辦好幾場演唱會，場場滿座。然而在演出的喧騰背後，香蕉樹下的2張空椅，卻流露出一絲惆悵與失落，彷彿乘載著思念。這引起不少歌迷猜測，Bad Bunny藉此表達對已逝戀情的感受，但他本人從未證實這說法。或許並非關於「愛情」，但《Debí Tirar Más Fotos》絕對是一張關於「愛」的專輯，這是一封Bad Bunny獻給家鄉的情書，而他也在專輯背面親筆寫下：「此作獻給世界各地的所有波多黎各人。」

2026年，台北當代藝術館（當代館）迎來開館25週年，並宣佈營運至今年末，2027年起將閉館整修。為慶生也為紀念，當代館推出一系列25週年創意周邊，以「時間」為題，結合場館古蹟建築特色、撞色設計，及隱喻暫別的停止鍵符號，推出帆布袋、保溫瓶、繪本等紀念商品。本篇帶你從當代館建築有趣的身世看起，讀完後入手周邊會更懂其收藏價值所在！

當代館建築的複雜身世：從小學、市政府到美術館

坐落於長安西路的當代館，是台灣首座以當代藝術為主軸的美術館，也是全台少見以市定古蹟為據點的藝文機構。當代館所在建築的身世非常有趣，最初在日治時期為建成小學校，循當時日本流行的「和洋折衷」風格建造，紅磚牆、黑瓦屋頂、塔樓、木構、雙邊對稱的古典學院派樣式……皆可見日本與西洋建築樣貌融合的影子。

二戰後，台灣政權轉移，建成小學校轉作為市政府；到了20世紀末因市政府遷址，且此處被列為台北市定古蹟，場館後續用途引發多方論戰，最終決定將建物主樓改建為美術館，東西兩翼則改作為建成國中校舍，成了全世界罕見美術館與學校共用建物的案例。

當代館建築的多舛身世，深刻影響了場館如今的策展走向，因建築為古蹟，且早期作為學校、政府使用，並沒有館藏空間，限制頗多；然而也正是因為受限，當代館在展覽的議題定調、編排上更具實驗性，並將策展場域延伸至廣場和社區，逐步成長為台北指標性的藝文場域。

紅磚古蹟意象 X 自由變形框，構成2024年嶄新識別

2024年，當代館換上全新的識別系統，由顏伯駿率領的三頁文團隊操刀，以大家熟悉的紅磚古蹟外觀為基礎，將長廊、鐘塔等建築特色，簡化為俐落線條，並融入動態設計思維，為識別加入「自由變形的對話框」，呼應當代館建築自1920年代以來包容教育、政府、藝術等不同功能的靈活轉變，也回應了館方自由、富實驗性的策展精神。

25週年創意周邊登場！以「時間」為題設計

來到2026年，當代館迎接開館25週年，趁此推出紀念創意周邊，全系列設計圍繞著「時間」展開，圖樣自場館建築的「圓拱」元素汲取靈感，透過多重圓弧的疊加與交會，將靜態的建築曲線，轉化為具流動感的視覺符號，象徵25年來多元藝術在此匯聚、交流的軌跡，也在閉館整修前，為營運25年的歷程畫上深刻而美好的逗點。

帆布袋、原子筆採撞色設計，象徵多元藝術視角和創造力的交會，細節處融入「暫停鍵」與「播放鍵」符號，隱喻當代館將與觀眾暫別，調整步伐，3年後以嶄新姿態再次啟動。

保溫瓶身則覆以連續的拱門圖形，搭配呼應日、夜的亮與深色，象徵當代館陪伴城市走過的25年光陰。

「古蹟繪本」濃縮當代館25年精彩故事

下半年隨9月「全國古蹟月」來到，當代館將特別出版「古蹟繪本」，邀藝術家王春子擔任作者與繪者、吳孟寰擔綱美術設計，並委由典藏藝術家庭（小典藏）出版發行。像是一顆「記憶膠囊」，繪本將呈現當代館的歷史沿革、建築特色與展演精神，透過可親、易讀的敘事，引導讀者認識這座由古蹟轉化而成的美術館，如何在不同時代背景下，乘載藝術實踐與公共文化的角色，也藉此讓當代館25年來為藝術投注的的心力，得以留存紙上被珍視、收藏。