繼得獎作品《而且或者⋯⋯》之後，當代舞蹈家劉奕伶再度推出新作《Game On》。透過巧妙轉化傳統舞蹈道具，以及遊戲、自殘等段落安排，讓競爭這個主題不但體現舞者獨特的生命經驗，也傳達出人生的況味。

在臺北表演藝術中心7樓的大排練室裡，舞者們像在玩著什麼闖關遊戲，依序拿起地上放著的長槍、水袖、羽毛扇、彩帶等道具，玩拋接，玩跳繩；他們神情時而緊張，時而興奮，偶爾還吐個舌頭。坐在一旁的椅子上，看著這個開場，一時間真會錯覺自己正在偷窺舞者台下的生活。

《Game On》先是於2023年11月初桃園鐵玫瑰藝術節上演，由6位中學舞者加上5位成年舞者共同演出長達1小時的內容；繼而改為5位成年舞者，半小時的表演規模， 於11月初下旬的國際藝術計畫「2023 Camping Asia」演出。不論規模大小、時間長度，《Game On》都是一齣以競爭為題，以舞者習舞生涯為內容的作品。

《 Game On 》以競爭為題；以習舞經驗為內容

擔任《Game On》編、導的劉奕伶，是近年來備受矚目的台灣當代舞蹈家。她曾擔任美國比爾提瓊斯現代舞團（Bill T.Jones／Arnie Zane Dance Company）的劉奕伶職業舞者達11年之久，不但多年隨舞團征戰歐、亞、美洲大小劇場，並於各處教授大師課、工作坊；所發表的獨舞作品《噓》、《更》；以及參與陳武康作品《裝死》，與藝術家蘇匯宇合作的《The White Waters》等，皆深獲好評。

「台灣舞者長大之後，羽毛扇、水袖等那些東西就只存在於衣櫥櫃子裡了，其實那些道具就是我們的養成。會長成今天這樣的身體，和其他國際舞者有點不同的動作韻味，都來自於那些訓練。」

她受邀參與鐵玫瑰藝術節時，經策展人介紹，得知桃園是全台舞蹈社密度最高的地方，她想到過去就讀舞蹈班時，總會聽同學聊起「為了比賽而練習；比賽結束，又繼續練習準備下一 場比賽」的舞蹈社生態，因而從中得到靈感，創作《Game On》。

創作過程中，她邀請舞者們一起討論學舞的經驗，一同發展舞作內容；也要大家把櫃子裡的那些槍、彩帶都拿出來，當成舞台上的道具；還以台灣舞蹈比賽中常見的舞衣顏色如粉藍、 桃紅等，作為舞碼的主視覺，包括舞衣與海報設計。但是，這當然不會只是一場復刻回憶。

不只是致敬青春，更要凝視舞台下的真實

舞作在〈帕格尼尼主題狂想曲〉靈動、歡快的旋律中開啟；舞者的舞衣採取鮮亮的撞色設計，飾以有點浮誇的斜線；再加上那看來像是在「遊戲」的橋段，好像一切都是那麼歡樂、可愛。然而，就像〈帕格尼尼主題狂想曲〉有24段變奏，這支舞跳著跳著，逐漸變得不太對勁。

例如，聚光燈投射出一道斜長的「天堂路」，舞者們爭先恐後地從這一頭走向另一 頭，過程中有人苦苦掙扎；有人故意絆倒別人；還有人就算要推擠，還要顧及禮貌。 一路上，不斷有人被推離，最終只有一人能抵達彼端，得到眾人渴望的榮耀。

舞者在舞台上的形象向來是輕盈優雅，宛如天鵝、仙子，但這一段極度露骨的明喻，逼使觀眾凝視她們宛如殘酷舞台般的學習歷程，在漫長得彷彿沒完沒了的競爭中，最終的贏家、能留到最後的人，絕對是少數中的少數。然而，這個過程，也展現出某些相對性，似乎在輸贏之間，還有許多值得玩味之處。

上一幕還在彼此嬉戲，這一幕就激烈對抗，她們既是一同成長的同伴，也是彼此強力對抗的對手，相愛相殺的矛盾情誼，在舞作中有極為赤裸的體現；贏家的光環固然吸引人，但坐在黑暗中，那些被淘汰者靜默的背影也傳遞出某種力量，令人猜想，當她們仰望著發光的所在時，又在思考什麼？ 

「就像戲一樣，該成功的失誤了，才會往下發展出更多劇情。提到競爭，大家會先想到爭取贏，但其實當事情不如預期或脫離軌道之後，會開啟更多可能性。」劉奕伶分享，在與舞者集思廣益的過程中，她曾好奇地問：「大家覺得『競爭』帶來的正面影響是什麼？」有舞者答道：「讓我比較能接受失敗，不再害怕。」這個答案深深感動了她，也帶來啟發，失敗、不預期、無以為繼，於焉成為《Game On》的重要元素。

自殘，也是令人印象深刻的橋段。這個橋段轉化自舞蹈課上課前的熱身練習，5位舞者各自使用一個動作，不斷重複、重複再重複，重複到觀眾於心不忍、簡直想站起身幫舞者喊停的地步。傳統民俗舞蹈使用的道具之一，長槍，在這個段落中有精彩的轉化，化身為教鞭。舞者做著伸展動作，還要配合教鞭指揮，忽而往東忽而往西，到最後筋疲力盡，象徵舞者在學習階段，總要承受師長不間斷的糾正與催促。

但是，獨自練習就能輕鬆一些嗎？本段最後的高潮落在一位不斷甩腰的舞者身上，她趴伏在地板上一邊匍匐前進，一邊劇烈地前後甩腰；彷彿終於到了盡頭，卻又回過頭來，加大力道地重複動作。那神情分明是痛苦不堪，卻像是腦中迴盪著「還不行，還不夠」如惡魔般的耳語，在那一刻，也許所有觀眾都已明白，《Game On》跳的不但是競爭，更是追求，也是人生。

較量無止境，賽場是座落在心裡

不瘋魔，不成活的身心歷程，並不專屬於舞台上的人。舞台下的我們，或許都曾是追求卓越的奴隸，為了學會技巧，為了成為專家，為了成為人上之人，所以殘忍地 鞭策自己。

「服裝設計楊妤德看過排練後，決定舞衣要加上一點浮誇的設計，因為她想起了『小丑』，表面要開心、完美，但背後辛苦、沒人能看見的那種角色。」劉奕伶坦然地聊著，舞者從小被教導、被規範，幾乎習以為常的某個觀念，就是要去追求身體極限，為此不斷凹折身體，長大以後反思這是為了什麼？「其實，很多時候也不知道這是為了什麼。」

提到競爭，大家會先想到爭取贏，但其實當事情不如預期或脫離軌道之後，會開啟更多可能性。

追求卓越，但「卓越」到底是什麼？她是科班出身，一路就讀國中舞蹈班；繼而成為臺北藝術大學舞蹈系七年一貫制首屆畢業生；大學畢業後沒過多久就展開長年旅美的日子；2019年離開舞團後，先是受兩廳院委託，擔任舞作《群像》排練指導，使台灣版該作得到瘋狂洗版式好評；繼而編舞作品《而且或者⋯⋯》亦得到日本橫濱舞蹈大賽評審團大獎肯定。

每個階段似乎都順利銜接，也成功轉身，但這樣的她，也曾對生涯感到萬分迷惘。成為舞團正職舞者前，她足足當了9個月的實習生，等待正式工作已經很煎熬；還要學會在陌生的紐約生存下去。編舞家林文中曾形容該舞團聚集了一群「懂得如何讓自己台上搶眼，且達到共同和諧的聰明舞者。」置身其中，那顯然不是一個身體訓練有素就能勝出的處境；當厭倦了作為舞者，總讓編舞家塑形時，她也一再逼問自己，是否能「長出自己的東西」、「做一些自己真正有感覺的作品」。

「什麼是卓越？」這終究是自己設下的習題，對自己發出的靈魂拷問。就像《Game On》的尾聲，每樣道具都被舞者反覆摸索、試探，例如水袖不斷被穿了又脫，脫了又穿；每個舞者也都拿著道具，各自揣摩最佳姿態，既獨舞又群舞；依然追逐贏家光環，但這一回，大家擁有了自己的模樣。

劉奕伶

當代舞蹈藝術家。曾擔任美國比爾提瓊斯舞團專職舞者11年，雙人舞作品《而且或者⋯⋯》於2022年獲得日本橫濱舞蹈大賽評審團獎，並獲選赴2023外亞維儂藝術節演出，2021年獲「雲門創計畫」獎助創作獨舞《Normal Life》，發表於2022年新加坡da：ns festival，現為國立臺北藝術大學舞蹈系兼任助理教授。

_{文｜賴韋廷
圖片提供｜臺北表演藝術中心}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/1月號《給下個世代的藝術靈光》}

衛武營與勞力士啟動合作關係，可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀，深化國際藝術連結」使命，雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐，續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望，同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息，正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士（Rolex），未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量，到涵養藝術底蘊而與世界密切對話，勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴（Official Timepiece）之姿，協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐，總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統，沿襲對藝術的不懈追求，締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景，深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

勞力士｜1976年結緣首位合作夥伴，積極促成藝術登峰

以「恒動（Perpetual）」一字承載品牌價值，勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質，更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色：藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾，不斷激發各樣創意——此時，品牌所為正是措置有利條件，助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程，勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士（Dame Kiri Te Kanawa）結緣以來，已建立和眾多藝術先驅的深厚關係，每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作，使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息（Perpetual Arts Initiative）》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進；一來表彰傑出人才，二來培養後起之秀，供其機會攀自身高峰。上述內容以外，勞力士亦鼓勵體育和探險活動，且投入環境保護，展現關愛地球的企業態度。

2026年決意攜手衛武營，勞力士台灣分公司總經理林人和說明，「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

衛武營｜從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山，衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院，由荷蘭麥肯諾（Mecanoo）建築事務所建築師暨共同創辦人侯班（Francine Houben）汲取靈感自當地常見的榕樹群，轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線，連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地，每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出，造訪人次超過150萬；其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計，經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」，不使用直角牆體圍堵，轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界，讓風與光影得以自由穿透，實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感，甚透過開放的空間策略，將藝術自然融入居民日常，打造與世界連結的文化樞紐。

>> 延伸閱讀：解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院！荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心，實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵，衛武營藝術總監簡文彬表示，「衛武營自2018年啟用以來，便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景，我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲，不僅是為了守護文化根基，更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念，與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作，我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定，並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後：力邀世界級藝術家來台，展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方啟動合作關係的首度對話，則由音樂會《超越（Beyond）》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基（Jakub Józef Orliński），將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧，同台實力強勁的金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro），為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖，除與米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院（Teatro Colón）等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外，更涉足薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival），並支持維也納愛樂（Vienna Philharmonic），憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度，無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台，試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限，整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」，於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開！

《浮聲之城》（City of Floating Sounds）顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式，作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」（Theater for the City），觀眾使用手機帶路，人手一機播放特定音軌，眾人形成隨機的大合奏，路上經歷與所看、所聽，也都成為體驗的一部分。

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森，以他的琴藝與作曲概念為引導，經常帶黃若上音樂課的是母親，「母親雖不懂音樂，但她用頁碼、小節數來為我做筆記，那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的，還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家，跟著奶奶去看瓊劇的日子，是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲，它既是劇，就有故事，有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite（菁英）文化，而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

這種「全民劇場」的公共精神，讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏，我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來，也不要從頭開始』，我後來就自己Improvise（即興創作），就這樣彈下去了。」演出後，老師告訴他的父親，「這孩子成不了鋼琴家，但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路，正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

以手機科技為介面，翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年，黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時，他對於一座城市如何說故事深感著迷，並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示，他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡，並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

經過多年發想，《浮聲之城》隨之而生，2024年6月在曼徹斯特全球首演，7月到紐約演出，2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動，讓觀眾真正成為交響樂的一部分，將他們的腳步與存在編入音樂紋理，讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市，有不同的路線設定。

黃若坦言，他是帶著對現代都會人際關係的反思，進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到，現代社會中，智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生，卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡，但每個人都在自己的電子產品上，沒有人講話，沒有人交流。Technology（科技）實際上是隔閡了我們。」

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來？他決定反轉手機的孤立功能，讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人，也會想參與的作品。

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》，首先必須完成第一段戶外部分，使用手機App體驗。在戶外，觀眾也是「樂器」的概念，在下載 App 後，會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部（如長笛、大提琴等）音軌。

接著，每位觀眾代表的「樂器聲」一起在戶外播放，就像是眾人合奏，隨著不同路線的參與者在城市中走動，聲音自然地疊加、交融。人群愈密集，聲音就愈豐富。

如此一來，城市成為動態的樂譜，參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲，如：救護車聲、街頭藝人、車水馬龍，都成為作品的一部分。黃若形容，「觀眾手持手機播放聲音的目的，是為了把自己的聲音跟大家共享。」

黃若表示，「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world（分享你擁有的，並得到他們擁有的；你圓滿他們的世界，他們也會圓滿你的世界）。」

打破台上台下界線！將音樂廳變為流動空間

《浮聲之城》的第二部分是室內演出，當不同路線的觀眾從城市各處匯聚到音樂廳後，將共同體驗音樂的高潮。針對臺中國家歌劇院的場地，黃若提出新構想，「我希望把現場樂隊安排在大劇院內不同的角落，讓聽眾自由走動。你可以跑到長號後面去聽，你的聲音透視感（Perspective）會完全不一樣。」

黃若表示，這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題，讓觀眾在已經預設好的場地中，依然能獲得沉浸式與互動式的體驗，最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

黃若認為，藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴，讓身處繁忙都市中的人們，有機會Slow down（慢下來），聽見那些平時忽略的聲音。

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊：2026/3/28 (六) 10:00、15:00，2026/3/29 (日) 10:00、15:00，共4場

展演地址：臺中國家歌劇院大劇院（臺中市西屯區惠來路二段101號）

購票請點此

_{文｜李欣恬　圖片提供｜臺中國家歌劇院}