繼得獎作品《而且或者⋯⋯》之後，當代舞蹈家劉奕伶再度推出新作《Game On》。透過巧妙轉化傳統舞蹈道具，以及遊戲、自殘等段落安排，讓競爭這個主題不但體現舞者獨特的生命經驗，也傳達出人生的況味。

在臺北表演藝術中心7樓的大排練室裡，舞者們像在玩著什麼闖關遊戲，依序拿起地上放著的長槍、水袖、羽毛扇、彩帶等道具，玩拋接，玩跳繩；他們神情時而緊張，時而興奮，偶爾還吐個舌頭。坐在一旁的椅子上，看著這個開場，一時間真會錯覺自己正在偷窺舞者台下的生活。

《Game On》先是於2023年11月初桃園鐵玫瑰藝術節上演，由6位中學舞者加上5位成年舞者共同演出長達1小時的內容；繼而改為5位成年舞者，半小時的表演規模， 於11月初下旬的國際藝術計畫「2023 Camping Asia」演出。不論規模大小、時間長度，《Game On》都是一齣以競爭為題，以舞者習舞生涯為內容的作品。

《 Game On 》以競爭為題；以習舞經驗為內容

擔任《Game On》編、導的劉奕伶，是近年來備受矚目的台灣當代舞蹈家。她曾擔任美國比爾提瓊斯現代舞團（Bill T.Jones／Arnie Zane Dance Company）的劉奕伶職業舞者達11年之久，不但多年隨舞團征戰歐、亞、美洲大小劇場，並於各處教授大師課、工作坊；所發表的獨舞作品《噓》、《更》；以及參與陳武康作品《裝死》，與藝術家蘇匯宇合作的《The White Waters》等，皆深獲好評。

「台灣舞者長大之後，羽毛扇、水袖等那些東西就只存在於衣櫥櫃子裡了，其實那些道具就是我們的養成。會長成今天這樣的身體，和其他國際舞者有點不同的動作韻味，都來自於那些訓練。」

她受邀參與鐵玫瑰藝術節時，經策展人介紹，得知桃園是全台舞蹈社密度最高的地方，她想到過去就讀舞蹈班時，總會聽同學聊起「為了比賽而練習；比賽結束，又繼續練習準備下一 場比賽」的舞蹈社生態，因而從中得到靈感，創作《Game On》。

創作過程中，她邀請舞者們一起討論學舞的經驗，一同發展舞作內容；也要大家把櫃子裡的那些槍、彩帶都拿出來，當成舞台上的道具；還以台灣舞蹈比賽中常見的舞衣顏色如粉藍、 桃紅等，作為舞碼的主視覺，包括舞衣與海報設計。但是，這當然不會只是一場復刻回憶。

不只是致敬青春，更要凝視舞台下的真實

舞作在〈帕格尼尼主題狂想曲〉靈動、歡快的旋律中開啟；舞者的舞衣採取鮮亮的撞色設計，飾以有點浮誇的斜線；再加上那看來像是在「遊戲」的橋段，好像一切都是那麼歡樂、可愛。然而，就像〈帕格尼尼主題狂想曲〉有24段變奏，這支舞跳著跳著，逐漸變得不太對勁。

例如，聚光燈投射出一道斜長的「天堂路」，舞者們爭先恐後地從這一頭走向另一 頭，過程中有人苦苦掙扎；有人故意絆倒別人；還有人就算要推擠，還要顧及禮貌。 一路上，不斷有人被推離，最終只有一人能抵達彼端，得到眾人渴望的榮耀。

舞者在舞台上的形象向來是輕盈優雅，宛如天鵝、仙子，但這一段極度露骨的明喻，逼使觀眾凝視她們宛如殘酷舞台般的學習歷程，在漫長得彷彿沒完沒了的競爭中，最終的贏家、能留到最後的人，絕對是少數中的少數。然而，這個過程，也展現出某些相對性，似乎在輸贏之間，還有許多值得玩味之處。

上一幕還在彼此嬉戲，這一幕就激烈對抗，她們既是一同成長的同伴，也是彼此強力對抗的對手，相愛相殺的矛盾情誼，在舞作中有極為赤裸的體現；贏家的光環固然吸引人，但坐在黑暗中，那些被淘汰者靜默的背影也傳遞出某種力量，令人猜想，當她們仰望著發光的所在時，又在思考什麼？ 

「就像戲一樣，該成功的失誤了，才會往下發展出更多劇情。提到競爭，大家會先想到爭取贏，但其實當事情不如預期或脫離軌道之後，會開啟更多可能性。」劉奕伶分享，在與舞者集思廣益的過程中，她曾好奇地問：「大家覺得『競爭』帶來的正面影響是什麼？」有舞者答道：「讓我比較能接受失敗，不再害怕。」這個答案深深感動了她，也帶來啟發，失敗、不預期、無以為繼，於焉成為《Game On》的重要元素。

自殘，也是令人印象深刻的橋段。這個橋段轉化自舞蹈課上課前的熱身練習，5位舞者各自使用一個動作，不斷重複、重複再重複，重複到觀眾於心不忍、簡直想站起身幫舞者喊停的地步。傳統民俗舞蹈使用的道具之一，長槍，在這個段落中有精彩的轉化，化身為教鞭。舞者做著伸展動作，還要配合教鞭指揮，忽而往東忽而往西，到最後筋疲力盡，象徵舞者在學習階段，總要承受師長不間斷的糾正與催促。

但是，獨自練習就能輕鬆一些嗎？本段最後的高潮落在一位不斷甩腰的舞者身上，她趴伏在地板上一邊匍匐前進，一邊劇烈地前後甩腰；彷彿終於到了盡頭，卻又回過頭來，加大力道地重複動作。那神情分明是痛苦不堪，卻像是腦中迴盪著「還不行，還不夠」如惡魔般的耳語，在那一刻，也許所有觀眾都已明白，《Game On》跳的不但是競爭，更是追求，也是人生。

較量無止境，賽場是座落在心裡

不瘋魔，不成活的身心歷程，並不專屬於舞台上的人。舞台下的我們，或許都曾是追求卓越的奴隸，為了學會技巧，為了成為專家，為了成為人上之人，所以殘忍地 鞭策自己。

「服裝設計楊妤德看過排練後，決定舞衣要加上一點浮誇的設計，因為她想起了『小丑』，表面要開心、完美，但背後辛苦、沒人能看見的那種角色。」劉奕伶坦然地聊著，舞者從小被教導、被規範，幾乎習以為常的某個觀念，就是要去追求身體極限，為此不斷凹折身體，長大以後反思這是為了什麼？「其實，很多時候也不知道這是為了什麼。」

提到競爭，大家會先想到爭取贏，但其實當事情不如預期或脫離軌道之後，會開啟更多可能性。

追求卓越，但「卓越」到底是什麼？她是科班出身，一路就讀國中舞蹈班；繼而成為臺北藝術大學舞蹈系七年一貫制首屆畢業生；大學畢業後沒過多久就展開長年旅美的日子；2019年離開舞團後，先是受兩廳院委託，擔任舞作《群像》排練指導，使台灣版該作得到瘋狂洗版式好評；繼而編舞作品《而且或者⋯⋯》亦得到日本橫濱舞蹈大賽評審團大獎肯定。

每個階段似乎都順利銜接，也成功轉身，但這樣的她，也曾對生涯感到萬分迷惘。成為舞團正職舞者前，她足足當了9個月的實習生，等待正式工作已經很煎熬；還要學會在陌生的紐約生存下去。編舞家林文中曾形容該舞團聚集了一群「懂得如何讓自己台上搶眼，且達到共同和諧的聰明舞者。」置身其中，那顯然不是一個身體訓練有素就能勝出的處境；當厭倦了作為舞者，總讓編舞家塑形時，她也一再逼問自己，是否能「長出自己的東西」、「做一些自己真正有感覺的作品」。

「什麼是卓越？」這終究是自己設下的習題，對自己發出的靈魂拷問。就像《Game On》的尾聲，每樣道具都被舞者反覆摸索、試探，例如水袖不斷被穿了又脫，脫了又穿；每個舞者也都拿著道具，各自揣摩最佳姿態，既獨舞又群舞；依然追逐贏家光環，但這一回，大家擁有了自己的模樣。

劉奕伶

當代舞蹈藝術家。曾擔任美國比爾提瓊斯舞團專職舞者11年，雙人舞作品《而且或者⋯⋯》於2022年獲得日本橫濱舞蹈大賽評審團獎，並獲選赴2023外亞維儂藝術節演出，2021年獲「雲門創計畫」獎助創作獨舞《Normal Life》，發表於2022年新加坡da：ns festival，現為國立臺北藝術大學舞蹈系兼任助理教授。

_{文｜賴韋廷
圖片提供｜臺北表演藝術中心}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/1月號《給下個世代的藝術靈光》}

衛武營國家藝術文化中心即將在12/5（五）－ 12/14（日）迎來兩年一度的盛事【2025衛武營馬戲平台】。

今年馬戲平台在策展人耿一偉的規劃下，以「翻轉日常，萬物流動」為核心，意圖打破性別、空間、國家、物種與物件等各種固態的邊界，達到萬物流動的液態平衡。從廳院和衛武營西碼頭的售票節目、戶外榕樹廣場的免費演出，到豐富的周邊體驗活動，衛武營邀請所有年齡層的民眾走進來，解鎖想像力的邊界，體驗馬戲藝術如何顛覆我們對日常的認知，感受身體與空間流動的無限可能。

衛武營營運副總監黃國威表示：「衛武營作為眾人的藝術中心，『馬戲』正是能跨越語言、文化與年齡隔閡的藝術形式之一。今年平台邁入第9屆，我們很高興迎來『亞洲馬戲網絡（Circus Asia Network, CAN）』年會時隔6年後再度回歸，並首度攜手國家文化藝術基金會（國藝會），匯聚超過30位國際專業人士在此交流，以拓展臺灣馬戲的國際網絡。更重要的是，我們誠摯邀請所有民眾走進來，無論是觀賞驚險的特技、感受動人的肢體，或是在市集享受悠閒午後，親身體驗藝術就是生活的美好。」

2025衛武營馬戲平台策展人耿一偉表示：「衛武營馬戲平台自2016年創辦以來，始終朝向『國際對話』、『連結在地觀眾』與『支持新創作』三大核心目標前進。本週末，除了榕樹廣場將呈獻四檔精彩的免費節目，拉近與大眾的距離之外，同時也推出了兩檔深度的國際共製節目，下個周末也將把澳洲瑟卡馬戲團帶進臺灣。馬戲策展的靈魂在於『敢於冒險』，今年我們終於可以很開心宣告，我們一起讓平台的三大目標達成平衡，這一切的成果，都要感謝衛武營團隊、國際藝術家以及世界各地馬戲夥伴的鼎力支持，我們相信，每一位走進來的觀眾，都能在衛武營找到屬於自己的角落，自在地享受馬戲帶來的驚喜與感動。

澳洲瑟卡馬戲團《Humans 2.0》 戲劇院譜寫挑戰地心引力的肢體交響曲

在人情愈加疏離的時代，你有多久沒有感受到全然交付的信任了？被譽為重新定義馬戲極限的澳洲當代馬戲翹楚「瑟卡馬戲團（Circa）」，繼全球熱演的《Humans》後，帶著進化版《Humans 2.0》強勢登上衛武營戲劇院。

由藝術總監雅倫．萊弗許茲（Yaron LIFSCHITZ）執導，攜手電子音樂作曲家歐瑞．利奇提克（Ori LICHTIK）、及燈光設計保羅．傑克森（Paul JACKSON），10位表演者以肢體挑戰人類極限，用對彼此的全然信任，一同表現人類「進化」的可能。

走在澳洲當代馬戲最前線的瑟卡馬戲團，以結合運動、舞蹈、戲劇等不斷突破現有的藝術形式，讓馬戲成為一種「高雅的極限運動」。《Humans 2.0》透過當代舞蹈來建立馬戲，舞台上沒有花俏佈景，將焦點留給10位表演者，他們像是剛甦醒的希臘神像，以優美肢體展演翻滾、倒立等技巧，也在表演中不斷學習彼此「連結」，透過擁抱、拋接、疊高等，以互信與默契構築一幅幅震撼畫面，不斷推進身體極限。

工作場域翻轉成馬戲舞台，法國大師新作《勞動狂想》 衛武營西碼頭首次開放

2022年以《人類狂想曲》驚豔臺灣觀眾後，法國雜耍大師克萊蒙．達贊（Clément DAZIN）再度回歸衛武營，攜手魔人神手製造所並遴選臺灣在地的馬戲及現代舞藝術家共同創作，帶來全新臺法共製作品《勞動狂想》。本作將舞台首次移師至衛武營後台「西卸貨碼頭」演出，以獨特的慢馬戲美學，創造出兼具舞蹈與劇場感的視覺風格，引領觀眾在粗獷的工業風場域，從中感受與深思社會關於權力、宰制與服從的微妙關係與荒謬之美。

翻轉失眠夜的焦慮與狂想，臺澳共製《Bed Trip》戲劇院揭開私密夢境

延續對女性議題的深耕，臺灣當代馬戲團隊「創造焦點」女馬系列首度跨國合製，攜手致力於讓女性及女性認同者展現才華的澳洲馬戲團隊「YUCK Circus」，於衛武營戲劇院推出全新力作《Bed Trip》。本作將「數羊」的入睡儀式搬上舞台，結合高超特技與戲劇敘事，將不願順從傳統社會期待的女性，轉化為那隻遲遲不肯跨過欄杆的綿羊。透過一場既瘋狂又生猛的肢體對話，引領觀眾窺探女性在社會角色之外，那些真實卻未被聽見的心裡話。

榕樹廣場化身無邊界馬戲樂園，臺日好手零距離翻轉日常視角

衛武營獨有的榕樹廣場，擁有穿透且流動的空間特性，今年將在馬戲平台期間變身為一座巨大的「馬戲樂園」。在這裡，藝術有千百種可能，就發生在您抬頭仰望或轉身之間。

擅長高空鋼索的「繩行者」柯重賢，將帶來《凝視！》，邀請民眾仰望天際，重新發現衛武營建築空間與身體的連結；曾獲競技體操金牌的莊維安則帶來《封．將軍記》，巧妙將臺灣民俗文化融入當代倒立技巧，在人來人往的廣場中，以「官將首」的形象象徵守護與堅持，帶領觀眾感受深厚的文化脈絡，展現傳統信仰與現代馬戲碰撞出的獨特張力。

除了與空間和文化的對話，這座無牆的樂園更充滿了跨國界的歡笑與節奏。結合街舞背景與馬戲技巧的雙人組合「紳士瘋」，將帶來《紳士的瘋狂世界》，穿上西裝以誇張的肢體語言，上演一場結合律動與特技雜耍的瘋狂派對；來自日本的「白蘆筍雜耍團」則帶來廣受好評的《Oi Oi》，這對雙人組合以獨特的雜耍技巧結合軍事格鬥風格，將敘事元素融入演出，使馬戲不只是傳統技藝，更是具有故事性的原創表演。

本屆馬戲平台將同期舉辦「亞洲馬戲網絡年會」及「臺灣特技舞蹈協會－第二屆特技大鼎BIG TOP 頒獎典禮」等交流計畫，匯聚全球策展人與藝術家，透過論壇與交流激盪出跨國合作的火花。同時，首次辦理的「創作提案徵件計畫」更展現了衛武營培育在地人才的決心，為臺灣新銳藝術家搭建通往國際舞台的橋樑。

在主要贊助台新新光金控、藝文支持聚和國際，以及文化部及文化部駐紐約辦事處臺北文化中心的鼎力支持下，衛武營將於12/5(五)－12/14(日)邀請大眾從親身體驗到產業對話，共同參與這場嘉年華，讓衛武營馬戲平台不僅是觀眾的遊樂場，更能成為亞洲馬戲藝術流動與創新的核心樞紐。更多【2025衛武營馬戲平台】相關訊息，請至衛武營官網查詢。

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_{資料提供｜衛武營國家藝術文化中心}

如果真實與虛構位於一條光譜的兩端，那我們現在正站在哪裡？即將於臺中歌劇院2025 NTT 遇見巨人系列上演的《柏林製造》，或許能帶給你一個全新的觀點！

來自比利時紀錄劇場「柏林BERLIN」團隊創作常以從「真實世界」切入，以紀錄片式的搜集、調查與對話為基礎，再透過影像、現場音樂、表演、裝置等，交織創造出獨特的紀錄劇場體驗，深受戲劇和電影愛好者的喜愛。其著名的《全新世》（Holocene）系列節目，是以城市或村莊為靈感，探索人與環境、歷史及記憶的關係，而此系列歷經20多年後，選擇《柏林製造》作為最終作品。

藝術總監Yves Degryse說道：「每一個關於未來的問題，都與過去息息相關，而柏林是一座在歷史和未來之間保持重要平衡的城市。」

一段個人記憶的追尋， 拼湊出柏林的歷史傷痕

《柏林製造》故事的起點來自一位 90 多歲的老者的未竟之夢——弗里德里希．莫爾（Friedrich Mohr）曾擔任柏林愛樂的樂團舞監，他歷歷在目地回憶述說著，在1933年納粹上台後，柏林愛樂被徵收為「帝國管弦樂團」，禁演猶太作曲家的作品，猶太團員更被迫黯然離開，團裡卻無人敢為他們發聲；1945年，在二戰結束前最後一週，樂團即將面臨解散，成員們決定在俄軍攻占柏林前，勇敢地做最後一次的公開演奏。

曲目選擇了華格納《諸神黃昏》中的〈齊格飛送葬曲〉，象徵著樂團與整個城市的處境，莫爾說：「ㄧ直以來你有兩個選項：乖乖坐著或站起來。直到某天，你發現你已經沒得選了。⋯⋯我們唯一能做的就是再一次演奏〈齊格飛送葬曲〉，不是為了希特勒，而是為了當前的柏林。」但因整個城市不斷地遭受轟炸，想要整團一起在地表上公開演出彷彿是天方夜譚，只能將樂團成員拆散，分處於七個防空碉堡中同時演奏收音，再透過無線電將訊號匯集到指揮所在的中央碉堡，由德國國家電台現場轉播⋯⋯。

你看著真實被質疑， 也看著另一種真實被建立

礙於種種技術限制，最後這場史無前例的演出並沒有成功，「柏林BERLIN」團隊決定探詢更多線索與求證，並嘗試在相同環境下重現當年的演出，然而，隨著訪談不斷深入，參與者越來越多，故事卻開始出現不合時序的轉折、難以考證的細節、被推翻的時間線，「真實性」開始崩裂。

這些崩裂，反而成了《柏林製造》敘事的重點，製作團隊沒有將莫爾打造成浪漫的訴說者，也沒有將其簡化為一個不可靠的老人，而是選擇將這些過程坦然搬演到舞臺上——故事的開啟、驗證到崩塌，以及故事如何再次被重建。

在紀錄片中，當製作團隊發現自己不小心正在往「虛構事實」的方向前進、猶豫到底要不要將計畫繼續下去時，提出一核心問題：「紀實和虛構其實是光譜的兩端，而到底紀實要偏離到什麼程度才算是虛構？」

而台下的觀眾，與其說在看一齣紀錄片或表演，更像是參與了一場思辨體驗，「柏林BERLIN」讓劇場成為一個思索空間──《柏林製造》既是紀錄片，也是偽紀錄片；既是舞台，也是實驗室；既在追尋真實，也在揭示真實永遠無法被完全捕捉。

當觀眾穿梭於舞台與紀錄影像之間，彷彿同時身在觀眾席、剪接室與採訪現場，讓你忍不住更進一步去思考：人類的記憶、歷史、大腦所相信的敘事，是如何被製造的？而或許，這正是這部作品最有趣的地方：在人類主觀的記憶裡，既有不完美的真實，也有其自由敘事的權力。

2025 NTT 遇見巨人——比利時紀錄劇場 柏林BERLIN《柏林製造》

時間：12/12（五）19:30、12/13（六）14:30、12/14（日）14:30

地點：臺中國家歌劇院 中劇院

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_{文｜黃千卉　圖片提供｜臺中國家歌劇院}