一連兩年摘下米其林綠星餐廳的 EMBERS，主廚郭庭瑋擅長採集食材風味，器具的選用也呼應著他的創作觀，用理性思維框架感性創作，最終收斂為一道道有文化底蘊的料理，展現職人工藝。

從仁愛路四段拐彎轉進122 巷，還未查看門牌，就已先被 EMBERS 門前空地枝幹優雅伸展的九芎所吸引。九芎依循時節開花、落葉，餐廳以這株臺灣原生樹種迎賓，作為看見四季變化的序曲，亦是呼應 EMBERS 以島內創作為基礎，自然運用時令食材傳遞風土滋味。

盤點臺北近年最星光熠熠的 Fine Dining 餐廳，名單上絕對少不了開幕甫一年就在 2021 年獲得米其林餐盤推薦，又接連於 2022、2023 年度摘下米其林綠星的 EMBERS。《米其林指南》讚其「室內設計樸實而充滿細節，呈現出與土地的連繫」，就料理風格點評「主廚擺脫西餐思維，大量取材山林、原野或部落，並採用檳榔、醃魚、小米、豆棗等在地食材。」

闖蕩餐飲界多年，創辦人暨主廚郭庭瑋看待料理始終懷抱熱烈的創作魂。他坦言從市場角度來看，「沒有和牛和龍蝦解決不了的事，對吧？如果還不夠，就再放一點海膽或魚子醬。」只要端出高檔食材，保證客人吃得歡歡喜喜，只是對身為廚師的他而言，「那就不是創作。」

用直觀美感收藏食器

知道採訪團隊邀約的主題定為「料理與食器的關係」，郭庭瑋做足了準備，不慌不忙地從檯面下的收納空間拿出一件件造型各異的陶製碗盤。「我不喜歡買西式的盤子。」他開門見山直說。白盤就像畫布，可說是料理最好的襯托，對很多餐廳來說，清一色選擇白盤是最直截了當的方式，只需要考慮搭配料理的適當大小、深度，「如果我的中心思維是要展現自己是一名厲害的主廚，那麼我只需要一個漂亮的白盤。」

揚棄把光環集中在自己身上的英雄主義，郭庭瑋還是想讓料理來說話，而食器的相輔相成自然而然成為其中一環。「在 EMBERS，我們沒有標的食器一定要怎麼用，」他說得簡單卻真誠，「回到很直觀的美感，就是買我們自己喜歡的，可能是這個素色的表現或盤面的平整度我們喜歡，有點像是收藏的一部分。」

杯盤日常使用磕磕碰碰，損傷難免，有可能就此絕版再也找不到，郭庭瑋的太太 Luica 為此特地學了傳統工藝「金繼」，嘗試修補陶器，讓心愛的器物可以重生。

持續地在蒐集器具，不過他透露有時還是會因此感到負擔，因為買回來的盤子不見得完全適合運用在多數餐點上，但如果要能夠常態性地適用，「就表示它很無聊。」又或者是隨著每一季風格的轉變，可能也需要更換食器，於是倉儲囤放的餐盤數量日漸積累。心想閒置可惜，郭庭瑋盤算著日後有機會串聯其他餐廳舉辦拍賣會，開啟物件的流通循環，也是一種創造永續利用的方式。

有設計概念的作品

EMBERS 成立之際，郭庭瑋訂定的目標之一，就是客人進入餐廳的所見所聞，都是足以令他們產生共鳴的。因此，包含桌椅碗盤等各個訂製項目所合作的工藝職人或藝術家，郭庭瑋必定會邀請他們到店裡用餐，透過親身感受，接收 EMBERS 的料理所要傳達的意涵，「這個空間裡的每個物件，我都希望是有作者的投射在裡面。」

和陶藝家的合作亦是如此。他曾想訂製盤面直徑 26 公分的大盤，作者來店裡用餐後，思量桌子大小和餐廳氛圍，建議他應該縮至23 公分內，甚至往尺寸更小的器物發展，「我覺得很棒，這就是很好的理解。」

郭庭瑋拿起盤子介紹起來。「這是『絞胎』，」盤面帶有流動感的紋路並非來自釉色，而是使用兩種以上、顏色相異的瓷土揉合在一起，拉出坏形再燒製而成，層層相疊，不同的絞揉手法會呈現截然不同的紋理。

最有趣的是，作者在完成坏形之際，突然決定從旁邊切一刀。削去部分的圓弧，成了斜邊，視覺上多了不規則的趣味，「如果它的外型只是一個完整的橢圓，可能就不會被大家注意到。」

陶藝家吳偉丞的作品是郭庭瑋近年的心頭好，「我很喜歡的原因在於他使用很多複合式媒材融入陶藝創作，或是在表現上有一些刻意的線條刻畫。」有別於傳統陶瓷器皿予人圓滑溫潤的印象，吳偉丞的作品展現帶有稜角的個性姿態，讓郭庭瑋一見傾心。

「一只好的茶壺，它的壺嘴斷水要俐落、出水順暢，這是和工藝有關的部分；但是造型就牽涉到設計。」郭庭瑋說，大部分人描述陶器經常以「手感」來形容，不太會從「設計」的視角來審視，「但這位作者本身具有平面設計背景，在他的作品裡頭會把設計的概念加進去。我們知道『粗獷』和『粗糙』只是一線之隔，如果每一道刻鑿的痕跡都是有理由的，它就會是表現作者想法的一個設計。」

「這些全部都是吳偉丞的作品，看起來形狀都不一樣，但你一定可以從作品的線條感裡頭找到他的一致性，這件事是滿難得的。」他拿起食器比畫，「比如這個圓的弧度，還有這個切角。雖然他的器型透過設計方式不斷改變，但又經由他的手感為器物本身創造出很大的一致性。」特別是作品當中風格鮮明的折角，充滿現代性的思考。

「這些全部都是吳偉丞的作品，看起來形狀都不一樣，但你一定可以從作品的線條感裡頭找到他的一致性，這件事是滿難得的。」他拿起食器比畫，「比如這個圓的弧度，還有這個切角。雖然他的器型透過設計方式不斷改變，但又經由他的手感為器物本身創造出很大的一致性。」特別是作品當中風格鮮明的折角，充滿現代性的思考。

建構自己的風味資料庫

同樣身為創作者的惺惺相惜，郭庭瑋看見吳偉丞嘗試在每一次的設計裡面不斷革新，「我們做料理的想法也是這樣。」

攤開郭庭瑋的創業歷程，會讓人驚訝發現他不斷地跳出舒適圈。起先他在夜市擺攤賣串燒、炸物，打下基礎後轉而經營日式食堂，隨著生意蒸蒸日上，卻讓他心裡不斷冒出「為何而做」的疑問。他選擇追溯源頭去尋找答案，深入產地現場，希望能重新認識這塊土地，「好福食研室」應運而生。

2020 年開幕的 EMBERS，就像是累積了五年的食材風味資料庫，從文化、風土、族群、情感等多元的面向，經由自我詮釋後的美感呈現，成就一個世代的臺灣料理風貌。

何以能讓自己不滿足於既有的好成績，做些更輕鬆簡單就能賺錢的好生意？郭庭瑋語出驚人地說最原始的驅動力來自於「自卑」。早先那幾年，當客人不斷上門、給出好評的同時，一句「你做菜是在哪裡學的」，讓餐飲科系出身，沒有師出名門、海外深造背景的他，被問得啞口無言。

「所以我花了很大的力氣在建立『理所當然』這件事情。」持續走在飲食的探索之中，郭庭瑋的功課做得比誰都認真，從田野調查、風味理解到故事蒐集，理性、感性層面都下足了功夫。

「現在做任何的料理，最需要說服的人是我自己。」歷經反覆詰問自己的過程，對他來說，每一天都還是覺得做菜很難，端出的每一盤料理，都要再三審視有沒有更好的可能。「我經常調整擺盤的，」他打趣說，「要配合主廚步調的同事比較辛苦。」

抓取食材 DNA

EMBERS 令人驚艷的全植菜單，是運用植物的根、莖、花、果和葉、籽、芽，以及藻類、蕈菇來烹製， 以曬乾、發酵、醃漬、煙燻、熟成等各種技法，將食材風味發揮得淋漓盡致。美食作家蔡珠兒稱許「逆轉沙拉和素齋思維」，是一門「好吃的植物課」，食材達人徐仲則認為這套菜單「很容易由各方面聯想起臺灣的餐桌。」

回首餐廳成立之初，郭庭瑋信心滿滿地端出自己走遍島內之後、將食材重新加以轉譯和詮釋的料理，卻驚訝發現客人普遍反應「吃不懂」。他有感而發道：「任何前衛的創新都不會被當下的時代接受，走太快的話，人家看不懂也不行。」開幕沒多久正巧碰上疫情，給了他一個停下來思考的空檔。

埋首於研究臺灣飲食的論文，他才發現「溫故知新」其來有自，「彼此可以產生共鳴的那個點，其實存在在過去的時間點上，所以當我嘗試一個比較新穎的食物創作時，也要在裡面藏一個可以讓客人理解的味道。」

料理其實與工藝創作有一些共通性，站在創作者的角度，或許有點難具體描述，郭庭瑋思考了一下：「如果要比喻的話，類似 DNA 的概念，就像你無法描述米酒的風味，可是菜餚裡面只要加了米酒，你一定吃得出來。」他笑笑說。

創作需要被市場理解

如果創作跨得太前面，消費者就難以理解，邁向營運已第四年的 EMBERS，現在已經懂得掌握創作與商業之間的天秤，必須要抓一些大家熟悉的元素放進來。譬如在各國料理中，從第一道菜到最後一道甜點，都會有味道的一致性貫穿其中，其實那就是文化的本質。「你可以想像得出來，義大利料理可能是橄欖油，法國料理會是奶油。」

當他想要在 EMBERS 建立這樣的形式，研發菜色的同時加入更具有論述的思維而「植物」便是郭庭瑋現階段對於如何定義「台灣味」的答案。同樣地，為了幫助消費者理解，他的料理也需要相得益彰的食器來輔助。

郭庭瑋興致勃勃地分享起新年度攜手吳偉丞的合作計畫，他希望以「策展」的概念，製作全系列的訂製餐具，「可能至少九成以上的餐具都出自他的手藝。」進來用餐的客人，在此停留三個小時，就像是參與了一場展覽體驗。從風味表現到器具質性，建構當代的臺灣料理。

就像郭庭瑋經常於媒體訪問時提及自己對「料理」二字的定義 —「 照料土地，理解自己 」，EMBERS 不僅是一間餐廳，更是郭庭瑋從料理人的專業出發，梳理土地的飲食脈絡，對於「什麼樣的料理可以代表臺灣」所做出的誠摯回應。郭庭瑋自豪地說：「EMBERS 的料理就是臺灣菜。」

透過不斷自學，在國內Fine Dining餐飲界做出口碑的郭庭瑋，在今年又有驚人之舉。為了推廣台灣本土植物與蔬食，他自費出版雜誌，希望透過紙本的紀錄，讓更多人理解並認識台灣野植的可能性。

台灣野植是個廣大，且有意義的主題。從植物到食物的採集路徑，某種程度也是一種對於本土文化的理解實踐。《iá 野植風味學》的出版，對於國內餐飲界也將帶來深遠的影響。

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_{文字：張雅琳}

_{攝影：Kris Kang}

在傳統漸趨式微、竹材取得日益困難的今天，許阿枒以「阿笠竹工」為基地，帶領學員走入山林，從劈竹開始體驗手作的溫度，並透過田野調查梳理台灣竹材與技法，嘗試為這門古老技藝尋找新的表述。在她眼裡，竹編的價值不僅是工藝的延續，更是一種與自然共存的生活方式。

蜿蜒山路的盡頭，一座隱身在新竹峨眉山裡的三合院靜靜座落於竹林與田野之間——這裡是「阿笠竹工」的工作室，也是許阿枒讓竹工藝持續生長的所在。她先後任職於平面設計與媒體產業，2009年接觸竹工藝後，開始在業餘時間投入學習。「當時我的同學大多是退休人士或家庭主婦，他們學竹編多半只是作為休閒，但我覺得這項傳統技藝很棒，只是缺乏新的表述方式。」她回憶當時課程學習的作品多半不實用，甚至略顯老氣，也因此，她開始思考能否將自身的商業設計背景融入其中，讓竹工藝被賦予不同的語言與樣貌。於是2016年，她選擇以教學為起點，希望邀請更多人透過雙手觸碰竹材，重新理解這份與土地緊密相連的質地與技藝。

從竹材開始，養成手感的記憶

「我們都是挑3～4年的竹材來做『竹篾』，也就是用於編織的長條薄竹片。盡量筆直、表面沒有損傷，如果是向陽面的也不會挑，因為比較脆。」許阿枒習慣帶著學生走入山林，親自挑選適合編織的竹材。她分享，台灣常見的桂竹質地堅硬，表皮帶有光澤，做起來雖然漂亮，但竹節的纖維孔隙較大，也因此顯得脆硬，彎折時容易斷裂；相對地，長枝竹的纖維柔軟、如絲一般，適合捲繞收口，彎曲幅度也更大。此外，客家庄防風林裡的烏葉竹與竹桿厚實的孟宗竹，也都是可以運用的創作媒材。

除了挑選竹材，許阿枒的課程也往往會讓學員親自劈竹，從最基礎的材料處理開始。「陶藝可以買土回來練土，但竹編一定要自己劈竹，才能進入後續製作。這種仰賴手感剖出來的竹篾，是沒辦法用機器取代的。」她解釋，竹子看似筆直，實則彎曲有度，節與節之間厚薄不均；若用機器直接劈開，會使竹材突然變薄而報廢，也正是初學者最常遇到的難題。「剖過竹節時竹肉要往下扳，竹皮才不會突然變薄，但現在的人手作經驗比較少，常常會忘記或劈不好。不過，就是要學會自己處理材料、練習手感，才有辦法做出各種想要的東西。」

許阿枒進一步分享，在熟悉材料後， 她通常建議初學者從最簡單、「壓一挑一」的方格狀「十字編」開始，再來才是需要邏輯與空間感的「六角孔編」。也因此，她的體驗課多半設計小籃子或平面作品，讓學員練習底部十字編、輪口收邊等基礎技巧；若要讓成品更堅固，則必須削製用厚竹片所做的內外圈，再綁藤固定。不過由於這一步難度更高，她大多先安排沒有竹圈的小物件，讓學員循序漸進，逐步累積手感與信心。

從教學現場，窺見竹工藝的產業困境

「我覺得困難的不是教學生，而是招生，以及如何在作品呈現和實際課程之間找到平衡。」走上創業之路，許阿枒並非一開始就順利。她笑稱自己曾像業務一樣，跑遍各地手作教室推廣課程，才累積了第一批學生。儘管如此，隨著課程逐漸展開，新的挑戰也接踵而至。「一開始只是想說『市面上沒有人教這個，那我就來吧』，想要開發出有別於市場的教案，反而給自己找麻煩。」她說，許多學員初來時滿懷信心，以為能完成80分的作品，實際上卻只能達到40分。「簡單的竹編也很花時間，但許多人往往無法預料，還會質疑：『這看起來很簡單，這樣也要學嗎？』」她苦笑道。

若只展示簡單的作品，往往難以在社群上博得眼球；而若以最精美的作品作為宣傳，學員又經常無法完成。因此，如何在「好看」與「做得出來」 之間尋找平衡，成了許阿枒設計課程時最大的矛盾，也映照出竹編工藝在當代的結構性困境。「竹工藝需要大量手工，劈竹、倒角等細節都必須親手完成，是其他工藝少見的特點。這也是為什麼日本和台灣的竹工藝會逐漸沒落。」她更直言，現行禁伐補償政策將每3∼4年就必須全面砍伐的竹林與原木林混為一談，地主寧可領補助，也不願販售竹材，使得砍竹工班與工廠陸續解散、倒閉，不僅讓竹材取得日益困難，也讓本就有限的機器加工環節全面中斷。

從日常實踐，尋找竹工藝的當代表述

「其實很多想靠竹工藝維生的人，一開始都會選擇教學，因為門檻相對比較低。」面對原料與產業的種種困境，許阿枒意識到要直接將竹工藝商品化並不容易，因此創業初期，她便決定從教案著手，不只是單純帶大家劈竹，而是希望透過田野調查，系統化地梳理台灣竹材種類、傳統工藝的脈絡與相關的台語術語，藉此逐步建立屬於台灣竹工藝的當代表述。「例如，我發現嘉義六腳鄉一帶會『直剖』莿竹來製作𥴊仔（kám-á，曬農作物的淺竹盤），這和常見的橫剖方式不同。當我梳理出這些歷史與工藝脈絡後，就能以此發展出新的創作手法，用現代的視覺語言去表達，並介紹這些台灣特有的植物與工藝。」她解釋道。

「傳統工藝在當代人的生活裡，究竟提供了什麼樣的價值？除了天然之外，對我而言，它更是一種生活方式。」許阿枒舉例，竹器壞了可以直接焚燒，不留化學廢料；住在山裡，鄰居的柿子樹能成為天然染布的材料；親手翻新的工作室牆面，材料則取自當地土壤與米糠——在她心中，這些過程帶來的不只是工藝體驗，而是一種與自然共存的生活節奏。她想像自己未來的作品或許不再局限於編織，而是以竹子作為架構，結合天然染布或夾泥牆的技法，延伸為器物、花器甚至雕塑。「所以，回到『如何作為當代表述？』這些經驗，都會成為我創作的養分與基礎。」

6個步驟看一只竹編花籃的誕生！

看似簡單的竹編花籃，其實也蘊藏著繁複的工序與對手感的考驗。透過許阿枒竹工的拆解示範，從繞圈、編底到收口修整，一窺作品背後的 6 個步驟與細節，感受竹條在指尖轉化為器物的魅力。

Step 1｜繞圈備材

先用寬 3mm × 厚 2.5mm 的篾捲繞約 3 次，形成穩固的圈，作為花籃的「緯材」。繞圈時要注意以交錯、收線的手法，讓圈圈能保持穩定，方便後續結構固定。

Step 2｜編織底部經面

以「壓一挑一」的編織三角孔作為籃底中心點，再向外編織 3 個六角孔。編織完後須調整竹節，避免 2 個節重疊。

Step 3｜挑出內側經篾

篾有 2 個方向，交錯時呈現X字型。先將內層的經篾「一把抓」!

Step 4｜套上緯材

將緯材竹圈套上一把抓的經篾，再以編織六角孔方式，將X內外側的經篾內外交換，形成三角孔，包夾竹圈；依序編入 2 個圈圈，讓籃身逐漸成形。

Step 5｜收口

將經篾分 2 次繞過竹圈，再依照六角孔形狀編入籃胎，穿入籃底；剩餘的篾分 2 階段，繞過竹圈後依照六角孔形狀編入到竹籃底部。

Step 6｜收尾與修整

竹篾收到底部後，將多餘的篾剪掉。大功告成！

寬寬仔來《Khoaⁿ-khoaⁿ-á lâi》－阿笠竹工生活竹器創作展

展期 | 2025.12.06(六)～12.14(日)
開放時間 | 週三～週日 11:00–18:30
展覽地點 | 木平台展覽空間（台北市中正區羅斯福路三段128巷31號）

更多精彩內容請見La Vie 2025/11月號《懷舊新潮》

海島馬祖，疾風鹹霧纏繞之地。1999年，24歲的陳治旭回到故鄉，來到南竿牛角村（現已改名復興村）打工，偶然來到一棟老屋。屋主阿婆捧出一疊略顯斑駁的剪紙，邊角翻翹，卻仍能看見花鳥魚蟲在剪影裡舞動。那一刻，他才明白故鄉原來在指尖流光裡保存着另一部歷史。陳銀銀阿婆把她剪了一輩子的剪刀送給了他，淡淡說：「我孫兒不懂這些，留也沒用。你有興趣的話，就給你吧。」在那一刻，這把90幾歲的剪刀，成為陳治旭鑽研剪紙工藝的契機。

海島紙影

專科就讀工業設計時，陳治旭就對民俗工藝情有獨鍾，卻只在《漢聲》雜誌的平面印刷裡遠望剪紙。深受牛角村阿婆的剪紙作品感動，陳治旭決心深入研究剪紙這項傳統工藝。「小時候就有在元宵燈籠上看到剪紙，後來也在雜誌上見過不少剪紙作品。但實際看到精細的紙花，還是出自一位老阿婆之手。我為之著迷。為了剪紙的美，也為了傳統技藝的保存。」

陳治旭一頭栽進剪紙的世界。他積極展開田野調查，過程中拜會作家林保寶，學會進行田野調查的方法；也受《中國時報》浮世繪版主編夏瑞紅啟發，開始寫訪談稿、投稿報紙。陳治旭笑說自己「不善讀書」，沒想到文字卻成了他守護文化的第二把剪刀。

談到剪紙，陳治旭眼神中散發出強烈光芒。他興味盎然地拿出資料夾，翻出自己收集來的古老紙花：「你看馬祖的剪紙有鹹風與浪花的線條，有蝦、螃蟹，還有花、草，海陸交織一塊兒。」馬祖的剪紙常見於香爐、金銀山 ( 出嫁的女兒送給過世長輩的臨別禮)、燈籠與門上。陳治旭稱它是一門「用的藝術」，不僅是裝飾，同時服務生活與信仰。

陳治旭將其田調結果撰成《馬祖剪花》一書，他走訪馬祖青檀澳、大坵島等地，收集殘紙與口述。「那位送我剪刀的阿婆，在我去拜訪她前一週，才剛把一些從前剪的紙花燒掉。她說『放著也用不到』。」那一把遞給他的剪刀，雖已鏽化脆弱不堪，卻也燙手如炭，時刻提醒他：「若我不把馬祖剪紙的歷史記錄下來，歷史總有一天會消失無蹤。後人需要這些樣本才能考究歷史，我自覺有記錄歷史的使命感。」

不求公式的剪紙精髓

「在我眼中，剪紙是一種會跟著柴火和米香一起呼吸的工藝，一種與生活共振的藝術。」對陳治旭而言，剪紙不像木工需仰賴厚重的夾具與榫卯，也不同於石雕得以錘鑿丈量歲月。卻同樣倚賴一雙手，在細如髮的線條間尋得形體之美。

原來，過去的常民為了過活，人人得有一技，於是紙成了最輕盈卻最貼身的載體。逢年過節要燈籠、討親要貼喜花、祭神拜祖的香爐要貼紙花，生活需求催生創作，而創作又反過來培養對美的敏銳度，這或許是民俗工藝最動人的循環。

但別誤以為門檻低就代表淺薄，剪紙的複雜藏在「一刀不回頭」的即興與圖式邏輯的並存。我們有幸親見陳治旭示範，瞧他先折出對稱軸，再借刀尖一次切割出正負空間，看他下刀俐落，毫不遲疑，深厚的剪紙技藝就在每一刀之中表露無遺。

陳治旭一邊剪著紙花，一邊說：「人人都能剪紙，就像以前的馬祖婦女，很多人都會剪。她們有受過專業美術訓練嗎？應該是沒有。所以我相信大家都能學習這項工藝。」聽著聽著，我們不禁好奇，他是如何一路成為剪紙藝術家的？「其實就是多看、多剪，我沒有真正拜誰為師，也沒上過幾次課，都是靠自己摸索的。所以我也認為，剪紙沒有所謂的公式，不僅僅是它的自由度，同時也是因為如果硬背公式而不懂圖形生成的原理，那就無法融會貫通，變化出更多圖案。」開過多次工作坊的他，教學流程往往從摺疊剪紙進入團花，讓學員理解圓心與切分割的關係，再遞進到立體構件。

跨域，讓剪紙藝術走得更遠

隨著時光變遷，剪紙的角色也隨時代轉身。昔日是鄰里贈送的心意，如今多成藝廊裡標價的限量作品。「把紙從廚房灶台帶進城市天際線，是一個讓我難以忘懷的經驗。」2018年底，陳治旭接獲臺北101的請託，協助設計剪紙布置觀景台。臺灣第一高樓的玻璃帷幕貼上他的剪紙，在金黃夕陽映照下，陳治旭的剪紙作品來到人生「新高度」。

然而要論自身感受最深、最情有獨鍾的作品，陳治旭毫不猶豫提起《收信快樂》。2023馬祖國際藝術島，陳治旭受邀展出。他以手寫信常見開頭「收信快樂」為題，以馬祖地名、軍事文化、書信用語等內容，剪出一個個富有馬祖印象的字串。「像是莒光，我在莒字中間設計了花蛤圖案，而光則藏了一座燈塔，象徵當地的特色。」而這次展出對他而言更是一次巨大挑戰，「因為量體很大，總共有1萬多個字，是我到當時為止做過最大的量體展出。不過也因為有這次嘗試，我有了更深的體悟，剪紙不只是小小的裝飾物，它也可以很巨大，並與當代藝術結合。甚至，透過當代藝術的視角，反而可以讓傳統工藝獲得更多目光。」

除了在色彩與量體做出挑戰，陳治旭也嘗試進行跨媒材實驗。他從2009年起開始學木工，還自己打造了收納櫃，獲得許多讚賞，甚至有人開玩笑要向他訂購。不過他做木工不僅僅是要做生活用具，同時也在思考，能否將異材質結合，撞出新花樣。「我有一個點子還在構思中，預計今年下半年可以推出。我打算拿有很多蟲蝕的漂流木作為底座，上面擺放一張剪紙，剪紙與底座之間則以銅管跟螺絲固定，形成漂浮的感覺。」

舊即是新

傳統與當代的平衡，就像選擇紅或白。紅色鮮豔喜慶，白色清新淡雅。傳統與當代的平衡，如同在紅與白之間取捨？雖然多次嘗試跳脫紅色的剪紙印象，但陳治旭表示，自己不排斥任何顏色，重點在於剪紙呈現的意象、故事，以及能否展現他的藝術想法。「我的目的是要讓觀賞的人自行想像，剪紙只是一種手法，又剛好是我在乎而且擅長的手法。」

剪紙，源於生活，陳治旭也希望讓現代人的生活中，充滿剪紙的影子。「我近年接獲婚禮布置的請託，一對馬來西亞新人請我剪紙，讓他們懸掛在婚禮會場。這很有趣，古時候就有這樣的習俗，但有好長一段時間，人們已經不再這樣做。在這場婚禮中，我用新的手法、色彩，讓剪紙重新融入現代人的生活。」

對現代人而言，新的衝擊、新的刺激多的是，像剪紙這樣「陳舊」的事物，如何在未來持續被重視、保存？陳治旭對此很樂觀，他笑著反問：「如果我唱一首老歌給沒聽過的人聽，那這首老歌對他而言算不算新歌呢？」一個簡單的例子闡明了一切。陳治旭期待自己未來的展覽會有數位科技、當代藝術、傳統工藝等元素，各自保有主體卻交換靈魂。當外國觀眾因為一張紙花而讚嘆「好美」，陳治旭的剪紙工藝之路也走得更有自信。海島的鹹風已隨紙縫遠行，而年逾90歲的那把鐵剪，仍在暗處發光。

文字 / 洪孟樊

攝影 / 一 J