2022歲末之際，「The Balvenie百富」攜手台灣剪紙藝術家楊士毅，以威士忌製作過程中的各道程序——種麥、翻麥、蒸餾、熟成、調製為靈感，取其與「光」之間的互動關係，打造一座近6公尺高的大型剪紙藝術裝置，表現一心專注所散發的無盡光芒，同時規劃4大沈浸式主題展區，帶觀者一窺百富傳承百年的威士忌釀造工藝，走進「一心一藝」的世界。

「一心一藝」：以專注精神，實踐交予「最美好事物」的承諾

釀造威士忌如同一場藝術創作，從種麥、蒸餾、熟成到調酒師的詮釋，程序之間揉合了環境造成的偶然、職人工藝的精準和穩定，詩意也理性。作為蘇格蘭少數堅持傳統製酒工藝的威士忌酒廠，「The Balvenie百富」百年來秉持著「一心一藝」的信念，專注一心打磨頂級威士忌之藝。

百富攜手在地藝術家，發揚「一心一藝」信念

正因洞悉釀酒與藝術之間共同的創造性與精神性，百富多年來與擁有同樣精神的在地藝術家合作，共同發揚「一心一藝」的專注精神。

2022年，百富與台灣藝術界合作的動作頻頻：6月適逢羅芙奧春拍，邀請藝術家范承宗為「百富首席調酒師典藏系列珍稀原酒」打造一可藏酒的藝術作品，以五線譜和音符為靈感的木作大氣而雅緻；11月進駐ART TAIPEI 2022，攜手伊日藝術計畫YIRI ARTS跨界策展，透過西班牙藝術家金．提爾（Guim Tió Zarraluki）的《十二心念》（12 Thoughts）作品呼應威士忌工藝蘊藏的淬鍊精神。

楊士毅以6米剪紙作品彰顯「專注的光輝」

時序來到年底，百富與台灣藝術家楊士毅合作，以剪紙藝術具象化「一心一藝」的精神。談起創作靈感，楊士毅分享道，製作威士忌的過程好似在精心雕琢一道光：「種麥的過程像是在收集光，翻麥如甦醒光，蒸餾像萃取光，橡木桶熟成的過程像在守護光，最後到了首席調酒師的手中，他用最好的詮釋，讓威士忌以最好的狀態來到每一個人面前。」

因此，楊士毅以〈一心一藝・專注的光輝〉為題，在臺南市美術館2館戶外廣場打造高達6米的藝術裝置，其外觀如四射光輝，呼應一人專注時向外綻放的光芒；背後結實纍纍的果樹，則象徵長時間投入所創造的美好成果。

3大主題展區：旋轉棱鏡、藝術迴廊、過桶工藝經典威士忌

除了大型剪紙藝術裝置，百富也特別打造了3大主題展區，結合沈浸式體驗，引領大眾走入百富酒廠，領略「一心一藝」的專注精神。

01. 透過旋轉棱鏡看匠人們的專注身影

百富酒廠堅持傳統製酒工藝，從大麥種植、鋪地發麥、蒸餾器維護到橡木桶製作，每道環節都有專屬團隊，由資深匠人代代相傳，確保最佳威士忌的產出。而展場中獨特的「旋轉稜鏡」裝置，透過逐格動畫呈現百富匠人們的身影，反映出每個看似簡單的動作，實為一個個專注投入的細節累積的成果。

02. 集結4款百富「過桶工藝」威士忌酒款

1980年代，百富首席調酒師大衛史都華（David C. Stewart MBE）首創「過桶工藝」（Cask Finishing），運用不同橡木桶連續熟成，開拓了威士忌的風味疆界。

現場展出百富過桶系列4大酒款：最經典的「百富12年雙桶DoubleWood」；帶濃厚熱帶風情的「百富14年加勒比海蘭姆桶」；2022年新作­「百富16年法國皮諾甜酒桶」；首席調酒師大衛史都華個人的最愛「百富21年波特桶PortWood」。全4款威士忌各以4種不同的橡木桶過桶熟成，在百富標誌性的香甜蜂蜜風味之上，呈現各自獨特的風味層次。

03. 橙黃色的剪紙藝術迴廊

展間尾端洋溢著和煦氛圍，空間以百富威士忌如蜂蜜般溫暖的顏色結合剪紙概念，呈現一條「一心一藝」迴廊，邀請觀者徜徉其中，品味百富匠人們的專注與堅持，沉浸在百富一心一藝的光輝中。

百富〈一心一藝・專注的光輝〉

展期｜2022年12月23日～2023年1月15日

地點｜臺南市美術館2館（戶外廣場）

門票｜免費，但需點此預約報名 

備註｜參與現場活動並分享即可獲得「百富品酩券」，至臺南特色酒吧Bar Mozaiku馬賽克、Long Bar、Long Light Bar，品味百富的完美藝境

※飲酒過量有礙身體健康，未成年請勿飲酒，喝酒勿開車 ※  

資料、圖片｜The Balvenie百富

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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