百富攜手楊士毅打造金黃剪紙藝術裝置！南美館限時展出，4大展區解密「一心一藝」專注精神

2022歲末之際，「The Balvenie百富」攜手台灣剪紙藝術家楊士毅，以威士忌製作過程中的各道程序——種麥、翻麥、蒸餾、熟成、調製為靈感，取其與「光」之間的互動關係，打造一座近6公尺高的大型剪紙藝術裝置，表現一心專注所散發的無盡光芒，同時規劃4大沈浸式主題展區，帶觀者一窺百富傳承百年的威士忌釀造工藝，走進「一心一藝」的世界。

「一心一藝」：以專注精神，實踐交予「最美好事物」的承諾

釀造威士忌如同一場藝術創作，從種麥、蒸餾、熟成到調酒師的詮釋，程序之間揉合了環境造成的偶然、職人工藝的精準和穩定，詩意也理性。作為蘇格蘭少數堅持傳統製酒工藝的威士忌酒廠，「The Balvenie百富」百年來秉持著「一心一藝」的信念，專注一心打磨頂級威士忌之藝。

百富攜手在地藝術家，發揚「一心一藝」信念

正因洞悉釀酒與藝術之間共同的創造性與精神性，百富多年來與擁有同樣精神的在地藝術家合作，共同發揚「一心一藝」的專注精神。

2022年，百富與台灣藝術界合作的動作頻頻：6月適逢羅芙奧春拍，邀請藝術家范承宗為「百富首席調酒師典藏系列珍稀原酒」打造一可藏酒的藝術作品，以五線譜和音符為靈感的木作大氣而雅緻；11月進駐ART TAIPEI 2022，攜手伊日藝術計畫YIRI ARTS跨界策展，透過西班牙藝術家金．提爾（Guim Tió Zarraluki）的《十二心念》（12 Thoughts）作品呼應威士忌工藝蘊藏的淬鍊精神。

楊士毅以6米剪紙作品彰顯「專注的光輝」

時序來到年底，百富與台灣藝術家楊士毅合作，以剪紙藝術具象化「一心一藝」的精神。談起創作靈感，楊士毅分享道，製作威士忌的過程好似在精心雕琢一道光：「種麥的過程像是在收集光，翻麥如甦醒光，蒸餾像萃取光，橡木桶熟成的過程像在守護光，最後到了首席調酒師的手中，他用最好的詮釋，讓威士忌以最好的狀態來到每一個人面前。」

因此，楊士毅以〈一心一藝・專注的光輝〉為題，在臺南市美術館2館戶外廣場打造高達6米的藝術裝置，其外觀如四射光輝，呼應一人專注時向外綻放的光芒；背後結實纍纍的果樹，則象徵長時間投入所創造的美好成果。

3大主題展區：旋轉棱鏡、藝術迴廊、過桶工藝經典威士忌

除了大型剪紙藝術裝置，百富也特別打造了3大主題展區，結合沈浸式體驗，引領大眾走入百富酒廠，領略「一心一藝」的專注精神。

01. 透過旋轉棱鏡看匠人們的專注身影

百富酒廠堅持傳統製酒工藝，從大麥種植、鋪地發麥、蒸餾器維護到橡木桶製作，每道環節都有專屬團隊，由資深匠人代代相傳，確保最佳威士忌的產出。而展場中獨特的「旋轉稜鏡」裝置，透過逐格動畫呈現百富匠人們的身影，反映出每個看似簡單的動作，實為一個個專注投入的細節累積的成果。

02. 集結4款百富「過桶工藝」威士忌酒款

1980年代，百富首席調酒師大衛史都華（David C. Stewart MBE）首創「過桶工藝」（Cask Finishing），運用不同橡木桶連續熟成，開拓了威士忌的風味疆界。

現場展出百富過桶系列4大酒款：最經典的「百富12年雙桶DoubleWood」；帶濃厚熱帶風情的「百富14年加勒比海蘭姆桶」；2022年新作­「百富16年法國皮諾甜酒桶」；首席調酒師大衛史都華個人的最愛「百富21年波特桶PortWood」。全4款威士忌各以4種不同的橡木桶過桶熟成，在百富標誌性的香甜蜂蜜風味之上，呈現各自獨特的風味層次。

03. 橙黃色的剪紙藝術迴廊

展間尾端洋溢著和煦氛圍，空間以百富威士忌如蜂蜜般溫暖的顏色結合剪紙概念，呈現一條「一心一藝」迴廊，邀請觀者徜徉其中，品味百富匠人們的專注與堅持，沉浸在百富一心一藝的光輝中。

百富〈一心一藝・專注的光輝〉

展期｜2022年12月23日～2023年1月15日

地點｜臺南市美術館2館（戶外廣場）

門票｜免費，但需點此預約報名 

備註｜參與現場活動並分享即可獲得「百富品酩券」，至臺南特色酒吧Bar Mozaiku馬賽克、Long Bar、Long Light Bar，品味百富的完美藝境

※飲酒過量有礙身體健康，未成年請勿飲酒，喝酒勿開車 ※  

資料、圖片｜The Balvenie百富

由土耳其裔新媒體藝術家Refik Anadol與文化研究者Efsun Erkılıç共同創立的DATALAND，2026年6月於洛杉磯The Grand LA正式開幕。該美術館不僅展示AI創作，更希望打造一座持續生成並與觀眾互動的文化場域，重新思考人類、科技與藝術之間的關係。

一座結合資料、藝術與科學的智慧文化平台

不同於傳統美術館以展示歷史和典藏作品為核心，DATALAND將「資料（Data）」視為新的藝術媒材。館方提出「活的美術館（Living Museum）」概念，試圖重新定義數位時代的藝術表達方式。

以創作資料藝術的新媒體藝術家Refik Anadol成長於伊斯坦堡，受《銀翼殺手》啟發，長期探索科技、記憶與空間的關係。創立跨領域工作室後，他在2016年獲選為Google的AI駐村藝術家，並透過作品《Archive Dreaming》運用AI將龐大資料轉化為沉浸式藝術，持續探索機器學習、記憶與現實的邊界。今年開幕的DATALAND是工作室成立十年的里程碑，希望打造一充滿動感與變幻的互動空間。

延伸閱讀：專訪土耳其藝術家Refik Anadol：MoMA典藏作品到全球首座AI博物館，如何以數據美學掀起當代文藝復興？

而DATALAND除了舉辦展覽，其願景不止於藝術館本身。未來將建立一涵蓋各類AI藝術作品的綜合館藏，鼓勵藝術家駐村，並提供教育計畫與研究平台，串聯藝術家、科學家、研究機構及科技產業等各界人士，期望成為探索AI藝術與文化的重要據點。

值得一提的是，館方特別強調所有AI模型皆建立於合法授權與公開合作的資料來源，並將透明的資料治理與環境保護視為重要發展方向，希望回應生成式AI在版權、資料使用、創作倫理與二氧化碳排放上的討論。

首檔展覽《Machine Dreams: Rainforest》帶你走進沉浸式熱帶雨林

開館首展《機器夢想：雨林（Machine Dreams: Rainforest）》橫跨五個展區，透過人工智慧、即時運算和可穿戴裝置，結合光影、聲音、氣味與互動感測，打造沈浸式的多感官體驗。每一次演算都可能因時間、環境和觀眾互動而產生不同畫面，植物、光影、色彩與森林景觀皆隨著AI運作不斷變化，讓觀眾不只是觀看作品，更是走進一座由資料生成的12億像素數位雨林實境，添加展覽的趣味和多樣性。

光影、聲音、氣味交織，打造多重感官體驗

DATALAND強調身體與空間的互動。挑高展廳以360度投影，搭配雨林環境錄製的自然聲景、低頻音場與森林氣味，營造出宛如置身熱帶雨林的沉浸式體驗。

展覽亦設置「Data Tunnel」，以可視化資料與互動展示，揭示AI如何從龐大的資料中學習和分析，再生成眼前的影像。觀眾除了欣賞作品，也能理解資料如何一步步轉化為藝術，進而思考科技與自然之間的全新關係。

此主題延續Refik Anadol近年持續關注的自然議題。團隊以自行開發的AI模型 「Large Nature Model（LNM）」為基礎，運用Smithsonian、Cornell Lab of Ornithology、iNaturalist與倫敦自然史博物館等機構授權的自然資料，以及實地走訪全球熱帶雨林後蒐集的環境資訊，讓AI學習森林的紋理、聲音、生態與氣候，生成介於真實與想像之間的自然景觀。

重新定義未來美術館

近年來，Refik Anadol持續關注人工智慧是否能成為新的創作語言。在 DATALAND，觀眾得以進入作品之中，影響畫面的呈現，也能彷彿身臨其中地感受作品營造的環境，同時享受視覺、嗅覺、聽覺與觸覺結合的盛會。藝術的邊界正持續被改寫，或許在今日的數位時代，我們都將參與這場人類、自然與科技共同創作和碰撞的感官饗宴。

《Machine Dreams: Rainforest》

時間：即日起至2027年1月31日

地點：DATALAND（The Grand LA）

地址：100 S Grand Ave, Los Angeles, CA 90012, USA

網站資訊請點此

資料來源｜DATALAND、Related Companies

美國當代藝術家James Turrell的常設作品《As Seen Below – The Dome》，於2026年6月19日在丹麥ARoS美術館正式登場。這件高16公尺、直徑40公尺的《As Seen Below》，更是James Turrell第100件的「Skyspace」系列作品，別具意義。

探索光、空間與人類感知

1943年出生於洛杉磯的James Turrell，在年輕時取得飛行員的執照，長時間的飛行經驗，讓他深受天空、光線與感知變化吸引。他曾將飛行形容為一種近似冥想的經驗：置身於天空的遼闊之中，感受光線與色彩隨著高度、時間與天氣不斷流動。而這些經驗深刻形塑了他對「空間」與「光」的理解，同時成為他創作的靈感來源，也得以打造出挑戰人類現實感知的作品。

“Flying taught me to value the horizon as an important boundary between earth and sky. It’s this line I try to work with in many of my pieces.”（飛行教會我重視地平線，因為它是大地與天空之間一條重要的分界線。在我的許多作品中，正是圍繞著這條線進行創作。）

觀看這個行為本身就是藝術品

而James Turrell最具代表性的「Skyspace」系列裝置作品，是在空間頂部設置大型圓形開口，以框住開放的天空。這些經過精密設計的建築空間，營造出靜謐的氛圍，邀請觀者感受自然光線不斷變化的色彩與質地。如今，他的Skyspace系列作品遍布世界各地，持續引領人們放慢腳步、以全新的方式感知世界。他說，「建築將天空拉近，於是你意識到，『觀看』這個行為本身就是藝術品。」（The architecture brings the sky close, so you realise that the very act of seeing is the artwork itself.）

最大規模Skyspace作品登場

這件位於丹麥ARoS美術館的《As Seen Below – The Dome》，高16公尺、直徑40 公尺，也由於其規模、完成度與獨特表現形式，James Turrell將其形容為他至今最具企圖心的Skyspace作品。觀者可先經由地下通道進入作品，接著步入壯觀的室內穹頂空間；James Turrell標誌性的光線設計將覆蓋整個空間，同時透過上方的巨大開口，將天空收納進視野之中。

如何體驗《As Seen Below》？

而《As Seen Below》主要有3種觀看模式：在「Open Sky」模式下，巨大的穹頂空間顯得無邊無際，展現出開闊的天空視野；上方的圓形開口將把天空轉化為一幅不斷變化的生動畫布。「Colour Shift」將封閉天空的開口，使觀看的重點從天空轉向光與色彩本身；在這裡，光不只是照明工具，而是既塑造空間，也滲透於空間之中的具體存在。

在晝夜交替時分登場的「Twilight」模式中，穹頂開口將敞向天空，空間內的光線則隨著日出與日落緩緩轉換色彩，與自然光的變化相呼應。James Turrell透過空間中流動的色調來重塑人們的觀看情境，使天空的顏色彷彿也隨之流轉、時刻變幻。也正如他所說：「我可以把天空變成任何你想要的顏色。」

資料來源｜ARoS